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25 may. 2015

Statuae in publico positae. Los estridentes honores capitulares cordobeses a Claudio Marcelo

Galería de Hombres Ilustres (summi viri) del Foro de Augusto en Roma. 2 a. C.

Dr. Antonio Monterroso Checa. 
Área de Arqueología. Universidad de Córdoba 
para Ars Operandi


“Tradicionalmente en Roma las estatuas de hombres ilustres fueron dedicadas en toga. Existieron también figuras desnudas teniendo una lanza siguiendo el modelo de los efebos de los gimnasios. Y aunque la tradición griega no debe ocultarse, la romana y militar recomienda poner una coraza a estas estatuas”.

 Plinio, Historia Natural, 34.18.


A los homenajes de romanos ilustres, fundadores de ciudades, Córdoba ya llega tarde. Tarde y con prisas, dos mil años después; las prisas que al decir de la prensa van entre las noches anteriores a las elecciones, éstas mismas y una inauguración oficial de la estatua de Claudio Marcelo sita en el entorno del templo romano, que creo, aún no se ha producido. Tras el cambio capitular de ayer, está por ver quién se atreve con ello. No es ningún regalo la situación, supongo, tras toda la crítica que ha sucedido a la performance nocturna de su instalación. Para regalos envenenados, de verdad, creo que este.

En teoría, el encargo de una estatua de este tipo supongo que tiene que ver con la memoria ilustre de la ciudad y con la reivindicación de su pasado; motores biturbo para coger fuerzas, mirarnos el músculo y atragantarnos de futuro travestidos de eso que pensamos que fuimos; hace tanto tiempo. Para eso se hacen los programas figurativos en clave nacional. Sobre todo en tiempos de crisis, que es cuando hacen falta estas cosas y es cuando se captan adeptos. La Historia como sedante hace más efecto con debilidad. Felipe IV llenó de gloriosas batallas su Salón de Reinos de El Retiro cuando el imperio de las Españas se descomponía; y de ahí nació la soberbia Rendición de Breda, ilustre toma que duró dos años, siendo la ciudad de nuevo ya flamenca cuando Velázquez acabó el cuadro. Más o menos como algún pretor romano que estuvo aquí en Córdoba sólo dos inviernos y de nombre Marcelo (169-168/152-151 a. C). Aunque claro es que no estamos a ese nivel de pincel.

Nada nuevo por tanto. Incluso para Roma. Ciudad sin imágenes de su memoria, al menos en serie, hasta el año 2. a. C, cuando, empadronada de una buena parte del mundo, glorias orientales y glorias occidentales para sustento de su gran memoria, Augusto cae en la cuenta de que no tenía a quién enseñársela. Instala por ello un mapamundi en la Porticus Vipsania; he aquí nuestro mundo. E instala una galería oficial de hombres ilustres y los territorios conquistados en su Foro; he aquí los protagonistas. Personajes desconocidos para paseantes, sin rostro ni tipo, se amalgamaron a lo largo de los pórticos del Foro, delante del templo de Marte. Personajes que nadie conoció, y nadie vio, Rómulo y Eneas, entre ellos.

Todo éter y púrpura. Pero Roma, la de verdad, esa, la que necesitaba otras cosas, esa, vivía más allá de la Subura; el enorme muro de 32 metros de alto que, de la ciudad, aislaba este foro.

A partir de este monumento muchas ciudades provinciales quisieron tener esa misma galería de personajes famosos de la Historia de Roma, repetidos; incluso Córdoba, y por eso tenemos el Torso Tienda en el Museo, réplica del Eneas padre de la romanidad que ocupó la exedra septentrional del Foro de Augusto en Roma. Una estatua soberbia, resumen sólo ella, de la gloria, esta vez sí, de la locuaz Córdoba romana. 

No aburro más. Porque estatuas a hombres ilustres de Roma se pueden seguir a través de los capítulos del 16 al 26 del libro 34 de Plinio el Viejo. Estatuas para aburrirles también en muchas ciudades romanas. Recuérdense los homenajes a Volusio Saturnino en Roma o a Marco Nonio Balbo en Pompeya y Herculano. Esta debió ser quizás la guía en este caso cordobés.

Yo no soy crítico de arte o de estatuaria actual en espacios públicos. No tengo juicio para la contemporaneidad, más allá del simple gusto personal que nunca es razonamiento serio. No me gusta descalificar a los artistas por un tirón de adrenalina a simple vista; porque uno nunca sabe con qué biblioteca de formas y conceptos se la juega, si se trata, como debe ser, de artistas cultos. Y porque la creatividad, en ningún caso, debe tener trato de mofa o ligereza. No va por tanto este texto dedicado al artista. Si lo va en cambio al encargo público y al icono; a las perversiones históricas del hecho y a lo impropio del tipo, a lo transgresor del mismo. Contra un tipo que nunca hubiera querido el mismo Marcelo. Un tipo que le hubiera quizás costado la misma condena de su memoria. Hombre de Roma, cónsul por tres veces, no merecía tal afrenta a sus mores y su romanidad. Yo hablo de Historia porque a la Historia se recurre; no me interesa la falsa y fácil poesía que en rostros y juventudes ven intenciones de miradas al nuevo futuro de una ciudad que creo que no es la que pisamos. Cada uno puede leer o explicar la estatua desde el éter que quiera. Yo soy arqueólogo y creo que de saber las consecuencias de venir aquí dos inviernos, Marcelo se lo habría pensado de verdad y se habría quedado en Tarraco.

Roma, la imperial, tiene muchas cosas de pastiche. Se puede inventar una leyenda de su fundación, se pueden inventar los personajes, sus caras y tipos. Se pueden inventar sus descendientes. Y hasta se puede hacer creer que la madre de Augusto fue engendrada por Apolo en el templo situado junto al teatro del Circo Flaminio. E incluso se puede hacer creer que Julio César desciende de Venus. Y que incluso cuando murió subió al cielo en forma de estrella. Igual que se puede hacer creer que se pueden abrir las aguas del Mar Rojo o que una mujer dé a luz un salvador sin presencia de hombre. Pero todo ello, tiene su sitio, sus pautas, sus reglas, sus formas y sus procedimientos se compartan o no. Unas reglas, que las sociedades que los asumen, respetan y cumplen. Unas pautas de decoro y respeto por quién se efigia. Sobre cómo se efigia. Y dónde se efigia. Plinio decía más arriba que los hombres ilustres iban sobre todo en toga. Y no por gusto, sino por reglas. Por reglas de respeto social. Por reglas de civismo. En la ciudad se viste de ciudadano; en toga. Sólo Julio César, 120 años después de la muerte de nuestro Marcelo, y como Dictador, se atrevió a vestir de militar. Y de ahí en adelante la moda, para quién pudo o tuvo el honor. Por eso, en el foro de Augusto, sede cívica máxima, todos los militares ilustres de Roma, todos los padres de la Historia de Roma, vestían en toga y sólo portaban el mulleus; es decir, el calzado militar como honor a su otra condición. El mayor honor de un romano es vestir la toga praetexta y viril y, a ser posible, la picta o la palmata, en el que caso de los triunfadores; pero siempre la toga.

El tipo desnudo, entero, no es un tipo de orígen romano; es un tipo oriental, reservado a los héroes del mundo griego. Como Plinio decía, a los vencedores de los juegos sagrados de Olimpia. Tipo que en Roma adoptan algunos vencedores y conquistadores del mundo griego, como el príncipe helenístico del Museo de las Termas, el llamado Flaminino, libertador de Grecia, entre otros muchos. Y que luego, con el tiempo, adoptarán también algunos prohombres; como Nonio Balbo en el teatro de Herculano, ya avanzado el s. I. d. C., por ejemplo, entre tantos. Por ello no deja de ser un tipo algo común para determinados pretendientes de héroe. 

Miembros de la familia Julio-Claudia (a la derecha Augusto divinizado como Júpiter y en el centro Germánico heroizado) en el llamado Relieve de Ravenna (Museo de Ravenna) . La estatua cordobesa mezcla ambos tipos. 

Pero el tipo semidesnudo, el de nuestra estatua, es otra cosa bien distinta. El tipo que lleva el manto recogido en un brazo, asomando por el hombro y todo el torso al aire, es decir, el Hüftmanteltypus con Schulterbausch, como se conoce en nuestra horrenda jerga arqueológica esta manera de vestir de la estatua cordobesa en cuestión, es un tipo romano que hace referencia a los divi, emperadores divinizados en forma de Júpiter, o miembros de la familia imperial que no llegaron a serlo pero que tienen condición superior; todo ello ya en plena época imperial, es decir, dos siglos después de morir nuestro Marcelo. Tipo que, aunque cuenta con algún precedente, es el que en ambiente público se genera para representar sobre todo a Julio César divinizado allá por los años 17 a. C. Se trata igualmente del tipo elegido para efigiar los héroes de la familia imperial julio-claudia, es decir, a los descendientes de Augusto que no tuvieron rango de dioses, pero que son héroes de la familia imperial. Tras César, son los casos de Germánico o Marcelo, el sobrino de Augusto, muerto en 23 a. C. Incluso es el tipo que recuerda a los emperadores divinizados a la manera de Júpiter; aunque en nuestro caso falte el brazo alzado. Pero lo nuestro es una miscelánea de ambas cosas.

Julio César divinizado con en torso semidesnudo y brazo extendido sosteniendo una victoria. También con la réplica del cometa en su cabeza, simulación de su divinidad, que le otorga Augusto en toga. Moneda de la época de Augusto. 

Claro es que hay militares de 100 años posteriores a Marcelo, en otro estilo y mentalidad, como el General de Tívoli, que llevan el torso desnudo; pero siempre con referencias militares, nunca heroicas tendentes al parentesco o confusión con quienes detentan el privilegio de tener este tipo en tanto que entes cercanos a la divinidad.

Presentar a Claudio Marcelo en este tipo es, si se me permite, como presentar a cualquier santo de la Iglesia como un Resucitado saliendo de las aguas o algo similar. Impropio de su rango en cualquier caso. En este nivel estamos, si nos interesa atender al origen culto de las cosas; al porqué de las cosas, al menos según la mentalidad de época romana.


Emperador divinizado como Júpiter de la Colección Medinaceli (i) y Tiberio del Museo de Tripoli (d).


El Marco Claudio Marcelo fundador de Córdoba fue cónsul por tres veces. Junto a su abuelo el gran Siracusano y su padre, hacen los famosos nueve consulados de los Claudios Marcelos que tenían su monumento gentilicio en la Porta Capena. Insigne y gloriosa familia romana. Como el vencedor de Sicilia, debió tener un puesto en la galería de personajes ilustres del Foro de Augusto, donde estuvieron todos los triunfadores de la Historia de Roma entre los cuales debía contar gracias a su triunfo sobre los galos en los Alpes en 166 a. C. Y como el vencedor de Sicilia allí, su abuelo, debió estar siempre en toga y con calzado militar como el resto; porque son los hombres de armas los que hacen grande a esa majestad del pueblo romano que se gestiona en el Senado.

Lo más estridente de la estatua cordobesa no es que podamos analizarla por partes, como si fuera una miscelánea de formas, y averiguar de dónde toma el escultor cada parte de ella (brazo izquierdo rastreablese también si se quiere en la iconografía cristiana). Lo más transgresor desde el punto de vista tipológico y estético, además del tipo, es el peinado; verdadera identidad del romano mutada en soplo de flequillo digno de Carrera Oficial. El peinado es parte de la verdadera majestad de una estatua romana. Así como el rostro, que debió ser pleno en severidad republicana pensando en una estatua de tiempos de Marcelo, primera mitad de s. II a. C,  y de lo que aquí no queda un mínimo reflejo. 

Aún más, esta estatua de Marcelo tendente a divo se apoya en una Tychè; la imagen sacra de la ciudad, Corduba, que sí es algo sagrado sobre lo que nunca Marcelo se pudo apoyar; porque como concepto era algo muy superior al él.

Pero aun peor, puede ser todavía introducir esta estatua en el témenos del templo. Un espacio público con reglas públicas en la Antigüedad donde no se disponen estatuas sin decreto y sin reglas. Y ya, deificar a Marcelo completamente. Produciría peores efectos ente los cuales hacer creer algo que muchos cordobeses ya piensan: que el templo de la Calle Claudio Marcelo estuvo dedicado efectivamente a Claudio Marcelo. Ni esa calle existía en época romana, ni Marcelo fue nunca dios. Eso, con todo el dinero que el Consistorio ha gastado en excavar y poner en valor el templo sí que sería un ultraje al patrimonio: un templo dedicado con buena probabilidad al Divo Vespasiano, primer emperador de la dinastía Flavia, rededicado ahora, de este modo, a un Claudio Marcelo que no fue nunca más que un hombre ilustre, como tantos, que tuvo Roma.

Creo que más alteraciones de la historia de Córdoba en menos espacio son realmente imposibles de acumular. Le falta el color a la estatua eso sí, por ahí se puede aún caminar; a sabiendas desde hace mucho tiempo que las estatuas antiguas nunca fueron blancas.

No sé si es ingenio o casualidad. Lo que sí sé, desde lo que yo sé, es que el público que visita estas cosas es un público versado, nunca ignorante, aunque se utilice siempre esta cantinela para sacar dinero para el patrimonio. Un público que sabe juzgar, al que no le gustan los pastiches ni los engaños. Un público al que le gusta la originalidad bien presentada. Y un público nunca desinformado,  porque el mundo, hoy día, cabe en un smartphone; incluso toda la Antigüedad.

Córdoba merece otra cosa. De verdad. Al menos los más de veinte millones de pesetas, que pesan y resuenan a bóveda más que 132.000 euros, que dicen los periódicos que ha costado esta estatua.


24 may. 2015

Del homenaje a la traición (II), cuestiones sobre arte público en Córdoba

Monumento a Claudio Marcelo en Córdoba. Foto: Cortesía Cordópolis
Guillermo Gómez para Ars Operandi

No es de extrañar que, hace ya décadas, el crítico italiano Gillo Dorfles se fijara en Córdoba, en concreto en la escultura de Manolete, para ilustrar su antología del mal gusto. Es un honor ganado a pulso por nuestra ciudad. Estamos en el top de la caspa monumental mundial y, a la vista del nuevo monumento a Claudio Marcelo que nos han regalado nuestros dirigentes, vamos a mantener esa categoría por mucho tiempo. Invertimos, de hecho, nuestros escasos cuartos en ello, con un dispendio desconocido y envidiado por el resto de ámbitos de la creación local.

Parece que lo importante del monumento es que quede algo para la posteridad, perpetuando ese faraónico afán de perdurar tan asociado a la clase política. Hasta ahí nada nuevo. En la definición clásica de este tipo de encargos subyace la obligación de fijar un momento o un personaje históricos para la eternidad. Sin embargo, hay una serie de nuevas “cualidades” en los peores monumentos de nuestro tiempo que invitan a la reflexión. En primer lugar, ¿a qué se debe esa obsesión porque la pieza sea y, sobre todo, parezca costosa? La respuesta es de un neoplatonismo de todo a cien: lo bueno es caro y, viceversa, lo caro es garantía de bueno. Bienvenidos a la política del lujo en tiempos de crisis.

Más espinosa es la segunda pregunta que se nos plantea ante este Claudio Marcelo, ¿desde cuando un proyecto que, por encima de todo, es conmemorativo, es decir que toma partido por ensalzar un instante de nuestra historia por encima del resto, puede rezumar neutralidad? Por decirlo de otro modo, ¿por qué una acción política tan comprometida como la de erigir un monumento –pocos actos hay más políticos que “gestionar” la memoria de un pueblo- se reviste de ese aire de decorativa solemnidad? Tengo claro que Claudio Marcelo, de quien no se conservan representaciones, no se parecía ni por asomo a ese personaje iluminado, hercúleo, de rostro impasible y pelo engominado, que nos presenta el escultor. De modo que, ¿por qué ese afán idealizador, diría incluso santificador del monumento? Mi respuesta es tan diáfana como dolorosa: se trata de la peor manipulación histórica con un propósito claro. Al pescar tres rasgos con cierto rigor, que aseguren el enganche al personaje de referencia, e idealizar/adulterar el resto con total impunidad, el arte se hace cómplice de la mentira del poder. Y es que, el hito en cuestión, de un mármol blanco “inmaculado”, es básicamente un instrumento de propaganda usado para afianzar esa falsa apariencia de pax ciudadana que tanto gusta a la doctrina neo-liberal. Por eso no cabe en él nada de crítica, ni siquiera de invitación a la reflexión. Ni siquiera nada que llame al desorden. Pues, mientras los monumentos se alcen soberbios y displicentes sobre nuestras cabezas, todo seguirá igual, porque el poder totalitario nos recordará así que incluso sus símbolos, o más bien sus simulacros, nos someten desde arriba.

Emplazamiento del monumento a Claudio Marcelo en Córdoba. Foto: Cortesía Cordópolis
¿Y qué decir del estilo de la criatura? En una sociedad tan heteróclita, de la que el mundo del arte no es sino un convulso reflejo lleno de incertidumbres y ejercicios críticos, es fascinante que pervivan, como insectos enterrados en ámbar, las posturas estéticas que defiende el cordobesismo más casto: si ha de hacerse una obra para el espacio público que sea una colosal estatua de mármol. Si total, sólo llevamos veinte siglos haciendo lo mismo. Para que la gente lo reconozca, el muñeco ha de ser figurativo, claro. Y para que le dé el empaque que se merece, que sea de mármol del caro, por aquello de que los paletos adquirimos nobleza a base de billetes verdes.

A estas alturas, parece que empieza a emerger el objetivo verdadero que impulsa a nuestro Claudio Marcelo engominado: que el espacio público se neutralice a través de la instalación de bultos ornamentales, a la vez que autoritarios, como este. Por supuesto, ha de ser un prohombre de la ciudad, las gentes de a pie no merecen subir a los altares. Por descontado su género será masculino, como si esta ciudad no tuviera mujeres con nombres y apellidos a las que homenajear. ¿Para cuándo un monumento a la gente, a los sin nombre, a los olvidados, a las sometidas? ¿Para cuándo un agitar la memoria con algo que sea enriquecedor para nuestra conciencia como pueblo? ¿Para cuándo la dignidad subida al pedestal, y no la más hipócrita de las glorias políticas? ¿Para cuándo una iconografía del presente y del futuro, y no la más servil de las traiciones históricas?

Monumento a Claudio Marcelo en Córdoba. Foto: Cortesía Cordópolis
La traición histórica de este monumento constituye, de por sí, tema para una tesis doctoral. Del mismo modo, tratar de hacer un estudio iconográfico completo del mismo haría que le estallara la cabeza al más pintado. Porque la imagen es, sencillamente, delirante y perversa. Sin entrar en demasiado detalle acerca del rigor histórico de la representación, para eso están los arqueólogos, es obvio que la imagen parte de una doble mentira histórica, en un alarde de “libertad creativa” que sonrojaría a cualquier aficionado al arte o a la Historia. La base es romana, no hay duda, adoptando la iconografía imperial según la cual los héroes se representaban semidesnudos, con torso atlético y toga cubriendo parte del cuerpo. Pero el motivo, en su definición general, no se respeta, pues ni el gesto, ni la ausencia de atributos imperiales, ni la posición de la figura, sin contraposto, se corresponden con los de la estatuaria clásica. Primera mentira: se trata de un simple cónsul de provincias, ascendido a héroe romano después de ser divinizado porque al escultor le da la gana. Quizá al darse cuenta de este desajuste, el artista decidió enmendar el asunto llevando las cosas más lejos que nadie. Para que no parezca un semi-dios, mejor imaginémoslo como un dios completo. O mejor, como el único Dios. De modo que, por arte de magia, Claudio Marcelo empieza a recordarnos la iconografía cristiana del Cristo resucitado: ese paso adelantado no es de Policleto, sino del Cristo que vuelve de entre los muertos; la mano abierta no muestra el atributo de poder imperial sino que nos muestra la palma, como Cristo mostrando las llagas de su martirio; finalmente, la toga se convierte en esa túnica santa tan vaporosa con que el resucitado barroco se nos suele representar, etcétera. Segunda mentira: nuestro Claudio Marcelo no sólo no murió como héroe romano, es que no murió. Al parecer resucitó en época cristiana.

Llegados a este punto, entre aburrido e indignado, empiezo a contagiarme de esa nostalgia tan querida de los cordobitas que nos gobiernan. Lo confieso, miro con envidia a un pasado en el que había comisiones de monumentos, donde los verdaderos ilustrados sancionaban lo que se podía o no implantar en las ciudades. Te podía gustar más o menos, pero al menos era gente que sabía de lo que hablaba. Ahora, sin embargo, hemos delegado todo, incluido nuestro gusto, en quienes no lo poseen. Echo de menos, igualmente, los viejos concursos de escultura y salones de la Academia, verdaderos agitadores de talleres y gremios apostando por una sanísima competición de ideas y talentos. Echo de menos el concepto de espacio público ilustrado, donde la gente se sentía identificada y representada. Echo de menos, en definitiva, sentir orgullo y aprecio por el lugar al que, por razones propias o ajenas, me siento apegado. Echo de menos esa ciudad que quiso –nunca pudo- ser moderna y laica y que, entre todos, hemos convertido en la flor pisoteada de España, que decía el poeta.


20 may. 2015

El sector del arte contemporáneo critica la apertura electoralista del Centro de Arte Rafael Botí


Un aspecto del patio del Centro de Arte Rafael Botí. Foto: Cortesía Cordópolis
Redacción / Ars Operandi

Las principales asociaciones que conforman el sector del arte contemporáneo en Andalucía y que cuentan con representación en Córdoba, Unión de Artistas Visuales de Andalucía (UAVA) y el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), han hecho público un comunicado conjunto en el que expresan su "malestar ante la inauguración precipitada del Centro de Arte Rafael Botí, un acto a todas luces electoralista que pretende ocultar el progresivo deterioro que la fundación provincial de artes plásticas que lo promueve ha sufrido a lo largo de estos últimos cuatro años".

Recuerdan las asociaciones que durante este tiempo han denunciado en reiteradas ocasiones "el desprestigio y menoscabo de la Fundación Rafael Botí así como el continuo incumplimiento de las finalidades, funciones y competencias que establecen sus estatutos". En los últimos cuatro años, afirman, "no se ha llegado a producir ninguna nueva exposición de arte contemporáneo y su política expositiva se limita a ceder, a quien lo desee, el espacio a la intemperie del Patio Barroco. En anteriores etapas la Fundación Rafael Botí contaba con una Comisión Técnica, formada por profesionales del sector, que dictaminaba y asesoraba en cuanto a la programación y actividades. En la actualidad, la Comisión Técnica ha sido eliminada en contra de lo que dictan sus estatutos y su órgano de gobierno se limita a un Consejo Rector que permanece muy alejado de los planteamientos de la contemporaneidad".

Además señalan que, de igual manera, "otras encomiendas que establecen los estatutos del organismo autónomo han sido sistemáticamente incumplidas durante estos últimos años. La organización de exposiciones, talleres, congresos, cursos, jornadas, seminarios y proyectos de creación contemporánea, la exhibición de sus fondos artísticos en condiciones adecuadas para su contemplación y estudio, el impulso a su conocimiento y difusión, el desarrollo de programas de educación y actividades de divulgación, el auspicio de una línea editorial propia que permita la divulgación de trabajos de investigación o los programas de formación, son sólo algunos ejemplos literales de la falta de iniciativa de la institución que tiene asignadas las competencia en gestión, promoción y difusión de las artes plásticas en la provincia".

UAVA e IAC critican que la inauguración del Centro de Arte Rafael Botí se realiza sin contar con modelo de gestión, plan de usos, plan museográfico o dirección artística conocida. Unas incógnitas que, en cualquier caso, "hubiera sido necesario esclarecer antes de su puesta en marcha. Por ello reclamamos la participación del sector en la configuración del centro y la toma en consideración de las propuestas emanadas del Documento de Buenas Prácticas en Centros de Arte que firmaron el Ministerio de Cultura y las principales asociaciones del sector".

En un acto que se ha calificado como "no-inauguración" el Centro de Arte Rafael Botí ha abierto sus puertas esta mañana tras diez años de obras y una inversión de más de 2 millones de euros. La muestra inaugural la componen 64 obras del pintor Rafael Botí que proceden de fondos propios fruto de la donación de la familia Botí-Blanco a la Diputación de Córdoba. Durante la presentación los responsables populares no han aportado ningún dato sustancial sobre cuál será la naturaleza del centro limitándose a afirmar que "el gran reto será ver la forma que le vamos a dar cuando se inaugure oficialmente". Sobre el futuro inmediato del Centro de Arte Rafael Botí han sentenciado: "Abriremos todos los días de 12.00 a 14.00, que son las dos horas que hemos detectado que pasa más gente por aquí".

19 may. 2015

El sector del arte contemporáneo en Córdoba presenta sus propuestas a los partidos

Reunión de los colectivos de arte con miembros de la candidatura de Ganemos Córdoba. Foto: Cortesía Ganemos Córdoba
Redacción / Ars Operandi

Las organizaciones que conforman el sector del arte contemporáneo en Córdoba, Unión de Artistas Visuales de Andalucía e Instituto de Arte Contemporáneo, están manteniendo una ronda de encuentros con los principales partidos políticos que concurren a las elecciones municipales en Córdoba (PP, PSOE, IU, Ganemos y Ciudadanos) a fin de trasladarles una serie de propuestas sobre políticas culturales relacionadas con el arte contemporáneo en Córdoba.

Las buenas prácticas, la transparencia y la participación deben ser, a juicio de las asociaciones de arte, los ejes fundamentales sobre los que se han de sustentar las políticas culturales. Unas políticas de mediación, no de imposición, afirman, que tengan como "objeto fundamental dar consistencia al tejido cultural con el que ya cuenta la ciudad. En este sentido proponemos la apertura de unos cauces de diálogo estables con los agentes culturales implicados en la producción contemporánea. Una negociación que permita articular estrategias consensuadas que posibiliten la mejora de los programas institucionales, la implantación de las buenas prácticas y la promoción de la creación artística que se produce en nuestros días". Una participación, señalan, que habría de canalizarse a través de la creación de consejos de cultura tanto a nivel municipal como a nivel provincial.

La total transparencia informativa en la gestión y adjudicación de los recursos de las instituciones culturales que reciban financiación pública, así como en los criterios de concesión de becas, ayudas y subvenciones han de conformar, para los colectivos de arte contemporáneo, las líneas programáticas de las nuevas corporaciones. Para ello proponen articular convocatorias públicas en la selección de los proyectos expositivos y demandan la "participación efectiva de los profesionales y colectivos representativos en la selección de los jurados y comisiones formados a tal efecto".

El Arsenal de Chinales, uno de los espacios independientes de la ciudad. Foto: Ars Operandi 
Unas buenas prácticas, indican desde UAVA e IAC, que han de comenzar por el reconocimiento social y profesional del artista por parte de las instituciones, especialmente en lo tocante a la contratación y remuneración de los artistas. Resulta un hecho habitual, aseguran, "comprobar cómo el artista, primer eslabón de la cadena, es el único de los que componen el proceso de una exposición que no percibe retribución alguna. En este sentido creemos absolutamente necesario generalizar la firma de contratos entre el artista y la institución que pretenda exhibir su trabajo y asegurar que el proyecto contemple honorarios de artista en función del presupuesto total de la exposición".

Además desde las organizaciones del sector proponen una serie de medidas de choque de fomento de la creación contemporánea que animen a los artistas a continuar su carrera en Córdoba y permitan acabar con la diáspora de los que abandonan la ciudad en busca de mejores condiciones. En este sentido proponen la convocatoria anual de una Beca de Residencia que facilite la ampliación de estudios o el desarrollo de proyectos en el exterior; la convocatorias de una bolsa anual de compra de obras de arte contemporáneo de artistas cordobeses que sirva también para incrementar el patrimonio artístico de la ciudad y la puesta en marcha de un programa de ayudas a la producción y a la asistencia de artistas a ferias nacionales e internacionales.

Combo, uno de los espacios independientes de la ciudad. Foto: Ars Operandi
La experiencia de la capitalidad, señalan los colectivos de arte, "puso al descubierto la impostura de una ciudad que, a la vez que reclamaba ser capital europea de la cultura, relegaba al ostracismo a la comunidad que debería hacer posible esa cultura". Para tratar de evitar esta situación y en la línea de apoyo al tejido cultural proponen que, al igual que se mantienen convenios de colaboración con fundaciones privadas, se establezcan acuerdos con los espacios independientes de la ciudad como Combo, Blow Up y El Arsenal.

Una de las principales carencias de la ciudad, afirman en su comunicado, "sigue siendo la escasez de espacios expositivos municipales. Una situación que no tiene visos de resolverse a medio plazo y que obliga la optimización de los ya existentes". Reclaman así "un mayor peso de las producciones propias en la sala Vimcorsa; una especial atención al Centro Pepe Espaliú al que habría que dotar de una programación habitual articulada en torno al legado del artista cordobés y por último, una línea expositiva específica para las salas Galatea y Orive que preste atención tanto a la escena local como al contexto nacional". De igual manera desde UAVA e IAC proponen reclamar desde instancias municipales al gobierno central y autonómico la construcción y puesta en marcha de dos infraestructuras claves para el desarrollo cultural de la ciudad como son la ampliación del Museo de Bellas Artes y el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea.

Obras de Pierre Gonnord en la sala Vimcorsa. Foto: Ars Operandi
Al analizar el modelo cultural de la ciudad, las asociaciones del sector detectan que buena parte de las estrategias se basan en la convocatoria de grandes eventos puntuales concentrados en muy poco espacio de tiempo que requieren considerables dotaciones presupuestarias y que, por ende, impiden mantener una programación regular a lo largo del año. La Bienal de Fotografía, el evento artístico de mayor presupuesto, es, para UAVA e IAC, "el eterno asunto nunca bien resuelto dentro de las políticas culturales de la ciudad. Creemos que la bienal ha de despojarse de todas las servidumbres locales a las obedece y ampliar perspectivas que le permitan configurarse como un espacio desde el que reflexionar sobre el papel que desempeñan las imágenes en la sociedad de nuestro tiempo. El monopolio y férreo control que secularmente detenta una asociación local de fotógrafos ha convertido a este evento en un acontecimiento de escasa repercusión y que apenas suscita interés fuera de la ciudad. El futuro de una bienal de fotografía con proyección internacional, voluntad de incidir en el discurso de la imagen y que se proponga rebasar los términos estrictamente locales pasa, ineludiblemente, por su profesionalización". En este sentido proponen la convocatoria abierta de una selección de comisariado que pueda "dotar a la bienal de un corpus teórico y asegure una rigurosa aportación al discurso actual de la imagen".

Otros eventos culturales asentados en la ciudad como Cosmopoética habrían de contar con la presencia asegurada de programas que pongan en relación la creación contemporánea y la poesía. Así mismo, creen necesario que se promuevan "mecanismos de difusión para acercar el arte a la ciudadanía y poder generar así nuevos públicos". En este sentido, demandan "la puesta en marcha de programas didácticos en todas las exposiciones de arte contemporáneo que promuevan las instituciones públicas". Un acercamiento al público que debería explicitarse de igual manera con iniciativas que sitúen al arte también fuera de los espacios expositivos. Proponen para ello la puesta en marcha de un programa de intervenciones de arte contemporáneo en espacios públicos y de patrimonio de la ciudad para promover el diálogo entre la creación contemporánea y el legado histórico con que cuenta la ciudad.

Aspecto de la clausurada sala Puertanueva. Foto: Ars Operandi
Por otro lado, desde las asociaciones de arte contemporáneo recuerdan que la Ley de Patrimonio Histórico establece la obligación de destinar en los contratos de obras públicas una partida de al menos el 1% a trabajos de conservación, enriquecimiento del patrimonio o fomento de la creatividad artística. Reclaman que las administraciones locales soliciten este 1% cultural y dediquen estas partidas al fomento de la creación contemporánea.

En el ámbito provincial, las competencias en materia de difusión y promoción de las artes plásticas, indican desde UAVA e IAC, corresponden a la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí. Desde las organizaciones del sector, afirman, "hemos denunciado en reiteradas ocasiones el progresivo deterioro de esta institución así como el continuo incumplimiento de las finalidades, funciones y competencias que establecen sus estatutos. En los últimos cuatro años no se ha llegado a producir ninguna nueva exposición de arte contemporáneo y su política expositiva se limita a ceder, a quien lo desee, el espacio a la intemperie del Patio Barroco. En anteriores etapas la Fundación Rafael Botí contaba con una Comisión Técnica, formada por profesionales del sector, que dictaminaba y asesoraba en cuanto a la programación y actividades. En la actualidad, la Comisión Técnica ha sido eliminada en contra de lo que dictan sus estatutos y su órgano de gobierno se limita a un Consejo Rector que permanece muy alejado de los planteamientos de la contemporaneidad". 

Además los colectivos de arte advierten que sobre el horizonte se sitúa la inminente apertura del Centro de Arte Rafael Botí. "Otro centro que, al igual que el C4, nace sin plan de usos, sin dirección y sin plan museográfico. Unas incógnitas que, en cualquier caso, habría que esclarecer antes de su puesta en marcha. Por ello reclamamos la participación del sector en la configuración del centro y la toma en consideración de las propuestas emanadas del Documento de Buenas Prácticas en Centros de Arte que firmaron el Ministerio de Cultura y las principales asociaciones del sector". Concluye el comunicado de las asociaciones de arte contemporáneo reclamando atención para los proyectos artísticos que se multiplican por la provincia de Córdoba como Scarpia, Dmencia, Aptitudes, etc. y una actualización del programa Periféricos que "establezca mecanismos de gestión compartida y permita la inclusión de programas, como el que se lleva a cabo en La Fragua de Belálcazar, que inexplicablemente no forma parte de este proyecto".


12 may. 2015

Arte desde el vertedero. Vik Muniz en Art. Docs.

Waste land, el documental sobre Vik Muniz dirigido por Lucy Walker
Redacción / Ars Operandi

Como continuación del ciclo Art. Docs. Arte, espacio y arquitectura que comisaría Jesús Alcaide para la Filmoteca de Andalucía y después de la proyección de los documentales dedicados a la obra arquitectónica y vital de Louis Kahn en My Architect y a la de Norman Foster en ¿Cuánto pesa su edificio, Mr. Foster, el jueves será el momento de abordar aquellas situaciones que afectan a las problemáticas de la responsabilidad social del artista y la utilización del adjetivo “público” para ciertas obras que no suelen tener el potencial de transformación social que algunos piden para el arte contemporáneo. Esas y otras cuestiones son las que se pueden derivar del visionado de Waste land, documental sobre la obra del artista brasileño Vik Muniz rodado por la cineasta Lucy Walker y presentado en el 2010 en numerosos festivales como el de Sundance o la Berlinale, obteniendo premios de pública y crítica.

Vik Muniz en el documental Waste land
Rodado en uno de los vertederos más extensos de Brasil, el Jardim Garmacho, aborda el trabajo de Muniz con los trabajadores de ese espacio, modelos para alguna de sus interpretaciones visuales de la historia del arte y al mismo tiempo protagonistas del dilema moral de trabajar en un entorno de pobreza, desigualdad y exclusión para luego poder exponer tus trabajos en las galerías, ferias y centros de arte más importantes del mundo. El documental sorprende por la manera en que Muniz resuelve esta problemática y al mismo tiempo plantea la eficacia o inutilidad del arte contemporáneo para resolver estas cuestiones de emergencia social. Waste land contará con una presentación que correrá a cargo del artista Jacinto Lara y tras su proyección se abrirá un debate en torno a los temas que se puedan suscitar.

WASTE LAND (2010)
Ciclo Art. Docs. Arte, espacio y arquitectura
Filmoteca de Andalucía. Sala Josefina Molina 
Jueves, 14 de mayo de 2015. 20:00h.
Presentan: Jesús Alcaide y Jacinto Lara

10 may. 2015

La uavA renueva su junta directiva que estará presidida por Tete Álvarez

José Miguel Pereñiguez, Curro González y Tete Álvarez en la asamblea de la uavA. Foto: Ars Operandi
Redacción / Ars Operandi

La Unión de Artistas Visuales de Andalucía uavA ha celebrado este fin de semana en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo asamblea general extraordinaria para la renovación de su junta directiva. La asamblea de socios ha refrendado por unanimidad la candidatura encabezada por el artista Tete Álvarez que estará acompañado en la vicepresidencia por los artistas Rocío Arregui e Isidro López Aparicio. En el transcurso de la misma, el hasta ahora presidente, Curro González, que agota su mandato, ha valorado positivamente el periodo de implantación que ha tenido la uavA en estos años en un territorio artísticamente muy desvertebrado y con escasa tradición asociativa como el andaluz. La nueva directiva propone consolidar a la asociación como principal referente del colectivo de arte en Andalucía, "afianzando nuestra estructura y acometiendo renovados propósitos". En el campo asociativo y divulgativo marcan como objetivo extender la implantación a todo el territorio andaluz y para ello van a contar  con un programa específico de difusión de la uavA en las facultades de Bellas Artes y Escuelas de Arte. En este mismo sentido destacan la celebración de unas jornadas de puertas abiertas en los estudios de los artistas que "permita visibilizar la escena andaluza y la labor de nuestros asociados". Así mismo plantean la necesidad de "trabajar conjuntamente con el resto de organizaciones del sector en la definición de estrategias comunes en defensa del conjunto de la comunidad artística" y proponen "redoblar esfuerzos en la puesta en marcha de la red de artistas que aglutine a todas las asociaciones de artistas del Estado Español". La uavA pretende también aumentar la oferta de servicios que ofrece a sus asociados y que, entre otros, cuenta con un canal de consulta con un abogado especializado en temas fiscales y de propiedad intelectual y un carnet internacional de acceso gratuito a museos y centros de arte. Además, en breve comenzarán a suscribir acuerdos de colaboración con entidades, empresas de suministros y de prestación de servicios al objeto de obtener descuentos para los asociados de UAVA.

Un aspecto del transcurso de la asamblea de la uavA que se celebró ayer en el CAAC. Foto: Ars Operandi
En el terreno político e institucional, la nueva directiva de la uavA se propone "potenciar nuestra capacidad de interlocución con instituciones y administraciones al objeto de incidir en las políticas culturales que afectan al arte contemporáneo" y "velar por la transparencia, el cumplimiento de las buenas prácticas y la democratización de las instituciones artísticas mediante su apertura a la sociedad civil". Unas buenas prácticas que empiezan con el reconocimiento profesional del artista y para ello reclamarán ante las distintas administraciones la remuneración económica del artista siempre que la actividad esté financiada por fondos públicos. Los artistas instan también a articular políticas que fomenten la creación contemporánea como becas de residencia y de formación, ayudas a la producción y bolsas de compra. Desde uavA demandarán a las fuerzas políticas del Parlamento andaluz la puesta en marcha de una ley de Mecenazgo propia y a la creación un Consejo de Cultura en el que tengan cabida las organizaciones que trabajan en el sector. De igual manera, y de cara a la próxima constitución de ayuntamientos y diputaciones, propondrán a las administraciones locales la creación de consejos de cultura, órganos consultivos o comisiones técnicas que cuenten con representación de la comunidad artística. La nueva junta directiva de la uava está compuesta por artistas de diferentes generaciones del arte andaluz que van desde la veteranía de Ignacio Tovar o Curro González, a la juventud de artistas como Gloria Martin. El órgano de gobierno de los artistas andaluces se completa con la presencia de José Miguel Pereñiguez, Celia Macías, Ming Yi Chou, Jesús Algovi, Montserrat Caraballo, Fernando Clemente, Jacinto Lara, Blanca Montalvo, Eduardo D’Acosta, Magdalena Bachiller, Manuel Benitez, Carlos Miranda y Patricia Ruiz.


7 may. 2015

Por los límites del paisaje

Oscura es la habitación donde dormimos, fotografía de Francesc Torres

Redacción / Ars Operandi

"El territorio de las artes se ha ido ensanchando a lo largo del tiempo gracias a una cada vez más profunda visión de sus medios y de sus fines. Son aquellos artistas que han trabajado en los límites de su especialidad, los que más han contribuido a esa mejor comprensión de la importancia del arte como herramienta de conocimiento del mundo y del propio ser humano. No hay verdadero artista que no cuestione su propio trabajo en relación con la materialidad y significación comunicativa de los límites de su campo. El arte nunca es hacer por hacer, nunca es hacer en el vacío. Es hacer en el límite de lo comunicable a través de la materia elegida en cada ocasión como puente entre lo que se quiere decir y lo que al final se ofrece al espectador". Son palabras del artista Fernando Baena al presentar Límites del paisaje, la exposición que ha comisariado para la galería Proceso/Arte Contemporáneo de la Casa de la Cultura, Núcleo del Azuay que se inaugura hoy en la ciudad ecuatoriana de Cuenca. Baena ha realizado una selección de obras de Andrés Senra, Anna Gimein, Eva Koch, Fernando Falconí, Francesc Torres, Oscar Santillán, Rubens Mano y Tete Álvarez, trabajos que "recurren al paisaje como uno de sus componentes importantes y han sido escogidas, precisamente, por mostrarse de alguna manera en los límites de lo que generalmente es reconocido como perteneciente a este género".

Cerro Trapero, fotografía de la serie Vértices de Tete Álvarez
Francesc Torres aporta Oscura es la habitación donde dormimos, una obra en la que se amalgaman, como en buena parte de su obra, el paisaje y  la memoriaLa excavación de una fosa común en Villamayor de los Montes (Burgos), explica Baena "sirve como punto de partida para explorar el legado y la violenta historia de la Guerra Civil Española. Algo que a menudo queda enterrado –tanto metafóricamente como de manera palpable– a lo largo y ancho del país. Torres documentó el doloroso proceso de desenterrar e identificar a las víctimas y también la respuesta de la gente del pueblo como comunidad. Los familiares prestaron su ayuda, relataron sus recuerdos de lo sucedido y su deseo durante décadas de localizar a las víctimas y darles un entierro digno. La instalación que se pudo ver en el año 2008 en el ICP de Nueva York incluía veintinueve fotografías y un objeto: un reloj de bolsillo enterrado con su dueño. Como nos recuerda el artista, con una cita de Sven Lindqvist, en el texto del libro que acompaña la instalación, en latín "extermino" significa poner al otro lado de la frontera; de aquí la voz inglesa "exterminate", que significa poner del otro lado de la frontera de la muerte, apartar de la vida. El paisaje no es solo lo que está sobre la tierra". Por su parte,Tete Álvarez se interroga acerca de la percepción del espacio, "del territorio que permanece en la época del fin de la geografía, cuando las distancias han quedado abolidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real". Para ello documenta una serie de vértices geodésicos, cilindros de hormigón que indican una posición geográfica exacta conformando una red de triangulación con otros vértices geodésicos. Son para Fernando Baena, "paisajes solitarios, alejados de los humanos, pero intervenidos utilitariamente por ellos. Para el artista, el paisaje es algo que se mide a partir de un punto de vista. Álvarez sabe ver estos puntos especiales que contienen concentrada la imagen de la domesticación del mundo. Y, sin embargo, su saber hacer nos mantiene a una distancia suficiente para permitirnos percibir una mirada estética ya no propia de un romántico, sino de un realista a lo Courbet. Y, pese a su concepción catalogadora, lejos de la sequedad conceptual de los Becher".

Evergreen, still de video de Eva Koch
En la video-instalación Evergreen de Eva Koch "el paisaje idílico, casi sublime por su aislamiento –se grabó en las Islas Feroe, uno de los lugares más apartados del mundo– se convierte en escenario de la crueldad infantil". La cinta muestra en una panorámica circular una secuencia que lleva desde el mar hasta la costa hasta encontrar a un grupo de chicos que tiran piedras y gritan a otro que huye hasta perderse fuera de cuadro, "una mirada mecánica hacia ese bello paisaje que, sin embargo, se convierte en algo inquietante". La asignación de significados que propicia el video-performance La Foto, de Anna Gimein, "a pesar de provenir de una mirada subjetiva, no es en absoluto fortuita sino fruto de una larga búsqueda. Encontramos en esta obra una mirada que crea paisaje y, recíprocamente, cobra de él su sentido. La locución del vídeo va desgranando recuerdos e historia mientras ante la cámara se repite un gesto que se enmarca en el paisaje". Una serie de imágenes de Christiania, el barrio de Copenhague que desde 1971 se proclama independiente del Estado danés, componen la obra Komune, de Andrés Senra. Senra realiza una investigación sobre sus habitantes que queda plasmada en el video y en las impresiones digitales realizadas a partir de acuarelas. "Estas nos muestran algunas casas de imaginería infantil, hippie, galáctica… expresión de los habitantes del barrio. El aire de ilustración de cuento que se desprende de estas imágenes nos remite a una cierta utopía presente en los comienzos del movimiento okupa".

Prospecto, instalación de Rubens Mano
Prospecto, el título en portugués de la instalación de Rubens Mano, podría traducirse por “folleto”, pero también por “perspectiva” o por “prospección”. Mi intención con este trabajo, indica el artista, "se acerca al pensamiento de algunos geógrafos para quienes el paisaje sería el resultado de la acción del ‘humano’ sobre la naturaleza. Pensar así el espacio edificado, como parte de él y, al revés, pensar cómo lo “construido” acostumbra a “indisponerse” con la idea que tenemos de paisaje". Acompañamiento, la obra de Oscar Santillán, se nos presenta como una oda a la caída de una hoja. El vídeo muestra imágenes de un bosque donde los músicos de una banda están preparados para tocar. "Dirigen sus miradas al follaje y esperan. En el mismo momento en que el espectador se pregunta si va a pasar algo, una ligera brisa hace caer una hoja. Inmediatamente la banda empieza a tocar, pero tan pronto como la hoja toca tierra se detiene la música. La hoja caída, un hecho insignificante, se convierte en un acto trascendental gracias al acompañamiento de la banda". Laguna Negra, la obra del artista Falco (Fernando Falconí) es un performance realizada en las instalaciones de Incinerox. Dentro de las bodegas de esta empresa, explica el artista "ubicadas en una zona natural selvática, existe esta especie de alargada “laguna negra”, un largo contenedor de petróleo de más de cinco metros de profundidad que por su densidad, color y contextura son imposibles de calcular a primera vista. La acción artística-ecologista o acto político-poético registrado en video consistió en cruzarme este depósito de petróleo contaminante, remando una quilla o pequeña canoa original naporuna, un pueblo indígena amazónico del río Napo que ocupaban un hábitat básicamente interfluvial".

Límites del paisaje
Comisario: Fernando Baena 
Galería Proceso/Arte Contemporáneo de la Casa de la Cultura, Núcleo del Azuay. Cuenca, Ecuador


DISPONIBLE CATÁLOGO DIGITAL EN ARS OPERANDI TXTs

5 may. 2015

Reversos. Lola Guerrera y Javier Flores en El Vuelo de Hypnos.

HERmAFRodita, videoinstalación de Javier Flores. Foto: Cortesía El Vuelo de Hypnos
Redacción / Ars Operandi

El fértil terreno que comparten arte contemporáneo y patrimonio histórico es, en nuestra comunidad, un erial apenas cultivado. Cuesta entender que en Andalucía, un territorio que cuenta con un riquísimo legado cultural, apenas hayan existido proyectos que vinculen la creación contemporánea y el patrimonio artístico y monumental. En este sentido solo cabría citar algunas actuaciones esporádicas como la intervención de Soledad Sevilla en el Proyecto Plus Ultra cuando restituyó, mediante proyecciones sobre las ruinas, el patio del castillo de Vélez-Blanco que se conserva en el Metropolitan Museum o la sutil intervención de Susana Solano en Palacio Dar-al-horra también de Granada.  El Vuelo de Hypnos es la única iniciativa que desde hace más de diez años intenta propiciar un diálogo entre las propuestas de los artistas que invita a participar y el contexto que alberga la Villa Romana de El Ruedo en Almedinilla (Córdoba). En sus nueve ediciones han pasado por el conjunto arqueológico un buen número de artistas nacionales como Jacobo Castellano, Jesús Palomino o Almale Bondía además de cordobeses como Fernando Baena, Miguel Rasero, Ángel García Roldán, Juan López o Tete Álvarez.

En esta edición es precisamente el artista rambleño Juan López quien nuevamente se encarga de comisariar un proyecto que toma como título El reverso incorpóreo y que cuenta con la participación de Lola Guerrera (Córdoba, 1982) y Javier Flores (Doña Mencía, 1969), artistas que mantienen vinculos especiales con Almedinilla. La familia materna de Lola es oriunda del pueblo y Javier vive en Sileras, una de las cinco aldeas de la localidad. Dos creadores que operan en registros diferentes como la fotografía y la escultura pero que tienen el común el interés por “trabajar con la ausencia, representar lo incorpóreo e imaginar lo espiritual”. Guerrera y Flores han confeccionado el proyecto a partir de “fábulas plásticas, visuales y sonoras mucho más relacionadas con los mitos que con la realidad tal cual la perciben nuestros ojos. Una serie de reflexiones y poéticas sobre lo que no somos, sobre los reversos de la realidad humana que nos relacionan directamente con el origen mismo de las cosas”.

Constelaciones, instalación de Lola Guerrera. Foto: Cortesía El Vuelo de Hypnos
Un proyecto "de profundo calado y significado", a juicio del comisario, que se despliega en tres formatos que se suceden a lo largo del año. La propuesta expositiva se abre con Constelaciones, una obra de Lola Guerrera construida con una plancha de metacrilato sustentada por hilos de acero que soporta elementos vegetales encontrados en el territorio de Almedinilla y que provoca un juego de luces y sombras que se convierten en "un microcosmos observado desde las alturas". Por su parte Javier Flores ha construido HERmAFRodita, una escultura de letras corpóreas que funcionan como soporte y pantalla de proyección de una pieza audiovisual a modo de mapping. Las imágenes, explica Juan López "ajustadas al soporte, parten de una estrategia lingüística teniendo como objeto la escultura en bronce del Hermafrodita danzante, y cuyas imágenes desgranan e ilustran conceptos sobre cada uno de los campos visuales que al entrelazarse en el tiempo van originando una dialéctica".

La segunda parte del proyecto plantea la realización de dos acciones performativas que coincidirán con el Festum-Jornadas Iberorromanas. Derramar la noche es la propuesta ideada por Flores y vinculada con el hecho fotográfico y la fábula de Plinio El Viejo. El artista en la oscuridad de una de las numerosas cuevas que tiene la localidad y "sobre papeles fotográficos de gran formato colocará una serie de objetos sobre los que verterá líquido revelador. Mediante un flash con temporizador paralizará las sombras y dibujará  las siluetas o reversos de los objetos. Una excelente metáfora del mundo de las sombras, del origen y de lo intangible". Por su parte Origen es el happening en el que Guerrera "invertirá el gesto de su obra anterior. Si en su instalación el espectador era obligado a observar desde arriba, en esta acción colectiva que tendrá lugar el 16 de agosto se invitará a participar a todo el pueblo de Almedinilla a provocar –literalmente– y contemplar la noche. La artista se convertirá durante unos instantes en Hypnos o dios del sueño, haciendo la oscuridad sobre todo el municipio de Almedinilla". El Vuelo de Hypnos se complementa en esta edición con una publicación en papel donde se trasladarán diversas conversaciones entre el comisario y los artistas en torno a los procesos de trabajo y las preocupaciones estéticas y conceptuales en que han derivado.

El reverso incorpóreo 
Lola Guerrera y Javier Flores
El Vuelo de Hypnos IX
Comisario: Juan López
Villa Romana El Ruedo. Almedinilla (Córdoba)

30 abr. 2015

Un nuevo catolicismo. El evangelio según Karen Nikgol

New Catholicism, serigrafía de Karen Nikgol. Cortesía Combo

Jesús Alcaide / Ars Operandi

1 de Mayo. Fiesta del trabajo y primer fin de semana de un mayo festivo en el que las cruces llenas de flores inundan las plazas de Córdoba. ¿Qué pintan una pandilla de raperos, un grupo de yoguis y un colectivo de mujeres que hacen teatro amateur de Belalcázar en Combo, un espacio independiente para el arte contemporáneo?, pues dar vida a New Catholicism (Nuevo Catolicismo), una performance que el artista noruego Karen Nikgol ha venido desarrollando durante su estancia de residencia en La Fragua (Belalcázar) en estos últimos meses.

Convocando a un grupo de catorce personas, la performance que presentará Karen Nikgol en Combo se sucede a través de varios tableaux vivants en los que se mezclará el esoterismo con la religión, la espiritualidad con el sueño a la manera en que lo ha venido haciendo en su trabajo, donde las referencias a Jean Genet, Alejandro Jodorowski o el cine de Kenneth Anger eran fuentes que le servían al artista para producir sus propias acciones coreográficas.

Karen Nikgol. Foto: Cortesía Combo
En esta ocasión, impactado por la festividad de la Semana Santa, Nikgol mezcla las historias personales de los performers, relatos insólitos de la vida en Belalcázar, con rituales de yoga, sesiones espirituales, música de raperos cordobeses (Still, Espítritu de la Calle y DJ JMC), danza y lecturas en las que se irá presentando esta narrativa experimental sobre una nueva religiosidad contemporánea donde los raperos son los nuevos predicadores, y Karen un shaman que conducirá a los no iniciados en la senda de esta nueva aventura espiritual.

Miembro del espacio independiente NoPlace en Oslo, entre los trabajos más recientes de Karen Nikgol destacan las performaces “John Galliano y Bashment Crew” y “The Silent Son of The Sphinx” en el Black Box Theatre de Oslo, “The Anatomical Theatre” en el Vigeland Museum, “The city is empty” en el Kronika Museum de Polonia o “ Circle of Fire” en NooSphere Arts en Nueva York. Desde Combo siguen apoyando al arte contemporáneo en Noruega, y después de las exposiciones de Anders Grönlien y Tommy Hovik, Karen Nikgol no dejará indiferente a ninguno de aquellos que asistan a esta performance. No es capillismo, es Un nuevo catolicismo.

New Catholicism
Performance de Karen Nikgol
Viernes 1 de mayo, 20,30 h.
CoMbO


29 abr. 2015

Desde un lugar roto. Shan Kelley en CoMbO

Photo taken by José, loves reading encyclopedias and live nearby de Shan Kelley. Cortesía: CoMbO
Redacción / Ars Operandi

Tras su estancia en La Fragua, Shan Kelley (Alberta, 1977) aterriza en su satélite, CoMbO, para presentar Desde un lugar en mi todavía sin romper. Desde un lugar roto todavía dentro de mí, un trabajo que transita entre el arte y el activismo y que centra su atención en las políticas de identidad relacionadas con el SIDA. Kelley, diagnosticado como seropositivo en 2009, asume la práctica artística como herramienta de supervivencia y transformación, de acción contra la apatía y la rendición y por ello sus intereses pueden mantener ciertas relaciones con la obra de Pepe Espaliú. Para La Fragua y CoMbO resultaba muy pertinente traer sus trabajos a Córdoba, una ciudad donde el paradigma de las relaciones entre arte, SIDA y activismo está representado por la obra de Espaliú. "Nos interesaba mostrar otra manera de acercarnos a estas problemáticas desde nuestro tiempo, para detectar los cambios que han ocurrido en esta parcela de la creación artística desde los años noventa hasta la actualidad". En un trabajo en el que el lenguaje y el deseo del otro se tamizan con la idea de un cuerpo roto, no completo, enfermo, Shan Kelley plantea una serie de fotografía, esculturas  y vídeo en lo que aborda los múltiples interrogantes que sacuden al enfermo de SIDA en la sociedad actual.

Photo taken by José, loves reading encyclopedias and live nearby de Shan Kelley. Cortesía: CoMbO
En la muestra en CoMbO, explican sus responsables, "encontramos una colección de esculturas realizadas con papel reciclado, donde lo que fueron titulares de noticia, ahora son triturados y convertidos en material poético, dificultando la lectura a primera vista y propiciando nuevos encuentros con esa epidemia de significación que fue el SIDA según Paula Treichler". En las series fotográficas, Kelley continúa aquí en Córdoba una serie de investigaciones que inició en Canadá y que posteriormente trasladó a México centradas en los lugares de cruising, "espacios donde el poder es negociado entre dos personas, y el deseo de un encuentro pactado, intenso y controlado en el tiempo, escapa a las regularizaciones del espacio urbano y la vida normal que ocurre en nuestras ciudades contemporáneas". Junto a estos trabajos  presenta una pieza de video en la que "la idea de la muerte aparece representada a través de la agonía de un insecto que demanda la intervención del otro, el que mira, el verdugo que en su pasividad deja que el insecto perezca". Esta idea de la supervivencia, indican "es también la que aparece en otra serie de pequeñas esculturas, que simulan espacios domésticos en los que van apareciendo elementos realizados con alambres de espino, cuerdas para escapar de una ventana o escaleras con las que ascender a otros lugares. Espinas como elementos de defensa y protección, espinas que duelen pero que también transforman".
Desde un lugar en mi todavía sin romper. Desde un lugar roto todavía dentro de mí.
Shan Kelley
CoMbO (C /García Lovera, 5)
29 de abril. 21:00h.