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28 de ene. de 2015

My architect inicia el ciclo Arte, Espacio y Arquitectura en la Filmoteca


Redacción / Ars Operandi 

Como continuación del ciclo de documentales sobre arte contemporáneo que en en 2014 se llevó a cabo en colaboración entre la Universidad de Córdoba y la Filmoteca de Andalucía, 2015 se inicia con un nuevo ciclo que con el título de Arte, Espacio y Arquitectura. Una aproximación documental desde el audiovisual, abordará las relaciones entre la práctica arquitectónica y la creación contemporánea a partir de una serie de trabajos documentales que no sólo tienen como protagonistas a importantes artistas y arquitectos, sino a los espacios donde el arte puede tener lugar en la actualidad, desde el cubo blanco al espacio publico.

Al igual que en la primera edición, para la primera actividad del ciclo se contará como invitado a un profesional relacionado con el tema que se aborda en el documental, y en esta ocasión, será el arquitecto Martín Domínguez el encargado de mantener una charla con Pablo Rabasco sobre la obra del arquitecto norteamericano Louis Kahn, protagonista del primero de estos documentales, My architect, tras de lo que se procederá a la proyección del documental.

Dirigida por el hijo del arquitecto, Nathaniel Kahn, My architect es un viaje íntimo a la memoria del padre y sus creaciones, un recorrido por la vida de esta figura fundamental para la creación arquitectónica del siglo XX y su compleja personalidad, a partir de un relato múltiple en el que irán apareciendo arquitectos como Philip Johnson, I. M. Pei, Frank O. Ghery o Robert Stern entre otros.

Nathaniel Kahn, My architect
Ciclo Arte, Espacio y Arquitectura. Una aproximación documental desde el audiovisual
Organizado por la Filmoteca de Andalucía en colaboración con la Universidad de Córdoba
Ciclo coordinado por Jesús Alcaide
Intervienen Martín Domínguez y Pablo Rabasco 
Jueves 29 de enero, 20:00 horas
Filmoteca de Andalucía

1 de ene. de 2015

Alvin Langdon Coburn. La primera vanguardia fotográfica

Station Roofs, Pittsburgh [Tejados de la estación, Pittsburgh], 1910
Impresión a la gelatina de plata, c. 1985, 25,5 × 30,7 cm 
Colección de la George Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0147:0002)
© George Eastman House, International Museum of Photography and Film

A.L. Pérez Villén / Ars Operandi

Fiel a su compromiso con la fotografía, la Fundación Mapfre nos ofrece una magnífica exposición retrospectiva de Alvin Langdon Coburn que se compone de casi dos centenares de imágenes, procedentes las mejores colecciones sobre su obra : el Metropolitan Museum of Art, el Museum of Modern Art y la colección privada de Janet Lehr en Nueva York y la Royal Photographic Society y la George Eastman House. Precisamente a esta última viajará la exposición una vez termine su estancia madrileña. Comisariada por Pamela Glasson Roberts, la muestra es la primera que se hace sobre el fotógrafo norteamericano desde que a mediados del siglo pasado se reuniesen varias colecciones representativas de su trabajo y supone la primera ocasión en que se reúne tal cantidad de obra, toda ella documentada junto a diversos textos introductorios en el catálogo. Se ratifica por tanto, ese compromiso de Mapfre por la fotografía, ya sea histórica o contemporánea, como se pone de manifiesto en su programación de los últimos años : Lisette Model, Graciela Iturbide, Fazal Sheihk, Walker Evans, John Gutmann, Anna Malagrida, Dayanita Singh, Gotthard Schuh, Eugène Atget, Adam Fuss, Imogen Cunningham, Jitka Hanzlová, E. O. Hoppé, Manuel Álvarez Bravo, Emmet Gowin, William Christenberry, Lynne Cohen, Vanessa Vinship, Henri Cartier-Bresson y Stephen Shore, por mencionar sólo las individuales.


St. Paul's from Bankside, London [Saint Paul desde Bankside, Londres], c. 1905
Impresión posterior al platinopaladio,34,7 °— 24,6 cm 31 Studio, Londres ©George Eastman House/
Published and Printed by 31 Studio.
Ahora es el turno de uno de los autores claves para entender la evolución de la fotografía desde comienzos del pasado siglo, pues Coburn representa como nadie el tránsito del pictorialismo y otras tendencias asociadas de finales del siglo XIX a los intereses por las corrientes de vanguardia del siglo XX. Su aportación a la disciplina, ya sea en su faceta sintáctica –en la experiencia de un nuevo lenguaje artístico- como en la técnica, desarrollando e investigando nuevos sistemas de positivado de la imagen (desde los platinotipos a la goma-platino y sobre todo la goma bicromatada, además de la gelatina de plata) y en su difusión mediática (fotograbado) hacen de Coburn uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX –al menos en su primera mitad- y no obstante lo que llama la atención a historiadores de la disciplina, como Glosson Roberts, es que para la comunidad fotográfica no esté a la altura de coetáneos suyos como Edward Steichen, Alfred Stieglitz o Paul Strand. La razón es su prematura desaparición de la escena fotográfica, primero por su residencia en Europa (asolada por la Primera Guerra Mundial) y después su voluntaria reclusión en Gales, apartado e inmerso en procesos de ascetismo espiritual que le llevaron a vincularse a numerosos grupos de espiritistas, teósofos, ocultistas, masones, rosacruces, etc…


The Flat-Iron Building, Evening [El edificio Flat-Iron, atardecer], 1910-1911
Platinotipia, 40,5 °— 31,4 cm Colección de la George Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0144:0303) © George Eastman House, International Museum of Photography and Film
En cualquier caso lo que resulta evidente es su temprana apuesta por la fotografía, desde que en su niñez le regalasen una máquina fotográfica hasta su primera experiencia expositiva con sólo 17 años y al otro lado del Atlántico. Quizá ayudase el hecho de haber nacido en una familia de clase media bien acomodada –Alvin Langdon Coburn nace en 1882 en Boston, Massachusetts- y a que algún pariente le ayudase en su primera formación : un tio suyo, fotógrafo diletante, con el que inicia su formación artística y que le pone en contacto con autores europeos y norteamericanos, logrando entrar en grupos y hermandades que serán determinantes para el devenir de la fotografía en los primeros años del siglo XX. Pero Coburn se lo trabaja, al trato afable e incluso la seducción galante de un temperamento atractivo hay que añadirle el tesón de quien no duda en ponerse en contacto con quienes le pueden formar en aspectos técnicos fundamentales para la fotografía. Así sucede en numerosas ocasiones y en contextos y épocas diferentes, Coburn no ceja en su empeño por hacerse con las herramientas (distintas técnicas de positivado, fotograbado) que le permitan crecer como artista. Por todo ello en los primeros años del nuevo siglo ya forma parte de colectivos que serán decisivos para la disciplina fotográfica, como Photo-Secession de Nueva York de Stieglitz (para el advenimiento de la Nueva Objetividad) y de la hermandad de Linked Ring de Londres (para el pictorialismo). Coburn se dará a conocer por su vinculación al pictorialismo, pero también será precursor del formalismo vanguardista, de las tomas urbanas en picados inconfundibles, de la fotografía abstracta, geométrica y vorticista, incluso del retrato moderno.


Landscape [Paisaje], 1902 Platinotipia, 24 °— 18,8 cm. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, 
Colección Alfred Stieglitz, 1933 (33.43.190) ©2014. Image copyright The Metropolitan Museum of Art/
Art Resource/Scala, Florence.
Y toda esta carrera la desarrolla en apenas dos décadas, teniendo en cuenta que el primer año del siglo XX es cuando muestra por primera vez sus trabajos en Londres en una colectiva de fotógrafos norteamericanos que le propicia su tío Fred Holland Day en la Royal Photographic Society, iniciando un continuado periplo entre Europa y América –poco más de diez veces se trasladará de un continente a otro- hasta que en 1912 fije su residencia definitiva en Reino Unido. Y antes de que finalice la década ya estará pasando largas temporadas al norte de Gales, donde terminará recluyéndose años más tarde. Los primeros trabajos de Coburn son vistas de entornos naturales y urbanos, nimbados por la atmósfera misteriosa del pictorialismo, célebre corriente de finales del siglo XIX que pugnaba por otorgar credibilidad a una disciplina –la fotográfica- que era reprendida desde la esfera del arte por su testimonial compromiso con la realidad que representaba, por su vacuo mimetismo que reproducía maquinalmente el motivo. Como consecuencia de ello se produce un movimiento fotográfico que pretende dotar a la nueva disciplina técnica de un aura artística, volcándose en la recreación de ambientes bajo la pátina claroscurista, imprecisa y seductora del pictorialismo. Las fotografías de Coburn de estos años presentan rincones envueltos en la bruma formal de tonalidades agrisadas que semejan procesos más propios de la estampación que de la técnica fotográfica.


The Octopus, Madison Square Park [El pulpo, Madison Square Park], 1909
Impresión posterior al platinopaladio, 42,2 °— 32,2 cm 31 Studio, Londres ©George Eastman House/
Published and Printed by 31 Studio.
Los muelles de Liverpool, los ambientes fabriles y mineros, las callejas, iglesias y fortalezas del viejo Edimburgo. Fragmentos de paisajes anclados en la memoria de una retina que se niega a focalizar y dispensar nitidez a la representación de la imagen. Pero no sólo son las escenas de su América natal, ni de Reino Unido, debido a sus continuos desplazamientos a un lado y otro del Atlántico, también fija emplazamientos europeos, enclaves y vistas italianas (El Vesubio, Venecia y sus canales), españolas (Cádiz), alemanas, suizas o parisinas. Muy conocidas son también las imágenes del Nueva York previo a los felices años 20, celebérrima la del edificio Flat-Iron, que era su habitual hospedaje en sus viajes a la ciudad de los rascacielos. Pero Nueva York es también la localización de sus primeras tentativas formales –derivadas de sus particulares picados y encuadres- que preludian en casi una década los intereses de corrientes como los de la Nueva Objetividad. Se trata de imágenes precursoras de un interés fotográfico que vincula la disciplina con la vanguardia del arte. Imágenes tan impactantes y singulares como atrevidas que testimonian un compromiso por el paisaje –algo que Coburn venía practicando desde su primeros trabajos- pero desde una perspectiva exclusivamente fotográfica, dotándolas de la plusvalía artística que les confiere una faceta del paisaje que no practicaba la pintura. Imágenes como la que muestra los senderos que hollan el paisaje nevado del Madison Square Park, que componen los tentáculos de un pulpo urbano. El catálogo de localizaciones de la cámara de Coburn es inmenso, siempre bajo el paradigma formalista que hemos esbozado. Así trabaja en torno a los paisajes industriales de Pittsburg, las Cataratas del Niágara (congeladas en territorio americano), el Parque de Yosemite, el Gran Cañón del Colorado…


Le Penseur (George Bernard Shaw [1856–1950]), Paris [El pensador (George Bernard Shaw 1856-1950),
París], abril de 1906 Impresión a la goma-platino, 28,7 °— 22,9 cm. Colección de la George Eastman House 
(legado deAlvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0155:0032) © George Eastman House, 
International Museum of Photography and Film
Un apartado singular es el de sus retratos de celebridades. Max Weber, Henri Matisse, Alfred Stieglitz, Gertrude Stein, Igor Stravinsky, Mark Twain, H. G. Wells, Henry James (que lo contrató para ilustrar sus libros), Auguste Rodin y George Bernard Shaw, entre otros. Es este último quien facilita su implicación con el género, ofreciéndole la posibilidad de ilustrar revistas de comienzos de siglo con imágenes de personajes célebres : artistas, músicos, literatos, etc… Especialmente singular es su fotografía asociada al vorticismo, que es una tendencia artística derivada del cubismo y que en pintura practicaron algunos autores al recomponer la realidad representada mediante la geometría y el movimiento.


Vortograph [Vortografía], 1917 Impresión a la gelatina de plata, 27,5 °— 20,3 cm Colección de la George
Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0098:0051) 
© George Eastman House, International Museum of Photography and Film
Coburn a través de Wyndham Lewis y el poeta Ezra Pound entra en contacto con el movimiento vorticista británico y comienza a trabajar en torno a imágenes reduplicadas, ya sean retratos, objetos o retazos de realidad. Este principio se lleva a efecto entre 1914-1917 y desarrolla una línea formalista que en ocasiones se adentra en el territorio de la abstracción geométrica, dando lugar a sus vortografías. No obstante y sin desmerecer el interés de este tipo de imágenes, que son indisociables de los elementos añadidos a las lentes –Coburn diseña con la ayuda de Pound un artilugio similar a un caleidoscopio- para conseguir el efecto deseado, resultan más contundentes las tomas que muestran aspectos parciales de la sintaxis constructiva de la Catedral anglicana de Liverpool. La razón quizás estribe en su higiene formal y atrevida composición, además del carácter anticipatorio de la fotografía que vendrá con la Nueva Objetividad.

Alvin Langdon Coburn
Fundación Mapfre (Sala Bárbara de Braganza), Madrid
hasta el 8 de febrero

16 de dic. de 2014

Los artistas de la comisión del C4 denuncian que la Junta utiliza sus nombres sin consentimiento

 Interior del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. Foto: Cortesía Fernando Alda ©
Redacción / Ars Operandi

La Junta de Andalucía hizo ayer público el nombre de los tres integrantes de la comisión asesora que dictaminará en la licitación para resolver la dirección del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea, antes conocido como C4. Según informa la Consejería de Cultura esta comisión de expertos, que afirman, garantizaría "los principios de transparencia, profesionalidad e igualdad" estaría integrada por los artistas Juan Serrano y Nieves Galiot y por el director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Juan Antonio Álvarez Reyes.

Hasta ahí la versión oficial, sin embargo, en declaraciones a Ars Operandi los dos artistas cordobeses han negado taxativamente su participación en esta comisión. Juan Serrano y Nieves Galiot lamentan que se haya utilizado su nombre sin su consentimiento expreso y  aseguran que no han recibido notificación alguna al respecto y que en el caso de que se hubiese producido hubieran declinado la invitación al estar en desacuerdo con el procedimiento de la Junta para proveer la plaza de director del centro sin atender al Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte. Ambos artistas han expresado su malestar ante "la falta de respeto y consideración" que supone la difusión de esta noticia y piden a la Junta que rectifique esta información a través de los mismos canales por los que la ha hecho pública.

Cabe recordar que las principales organizaciones que conforman el sector del arte contemporáneo en Andalucía, Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA), emitieron recientemente un comunicado en el que mostraron su "perplejidad" ante el anuncio de licitación para la adjudicación del contrato de servicios de “Asesoramiento Artístico para la puesta en marcha y funcionamiento del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba”. Desde las asociaciones de arte lamentaron que "una vez más la Consejería de Cultura vuelva a incumplir sus compromisos públicos, en este caso el de sacar a concurso la plaza de director del centro acogiéndose a las buenas prácticas como se ha venido afirmado en reiteradas ocasiones por parte de la Junta de Andalucía".

IAC y uavA denunciaron asimismo que se convoque el puesto de dirección del centro sin haber resuelto hasta el momento aspectos sustanciales como son el decreto de constitución, los estatutos, el plan de usos, el modelo de gestión o los órganos de gobierno. En este sentido, las organizaciones del sector recuerdan que el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte establece que debe ser un Patronato, constituido por la administración, especialistas en arte contemporáneo y representantes de la sociedad civil, quien se encargue de establecer las bases de la convocatoria y la posterior resolución del concurso.




12 de dic. de 2014

El medio (natural) es el mensaje

El lenguaje (2013), obra en video de Juan del Junco
Redacción / Ars Operandi

La relación que establece el hombre con el medio natural es el hilo conductor del programa de video de artistas andaluces que Sema D'Acosta ha preparado para el espacio AB9 de Murcia. El programa forma parte del proyecto Mapas Móviles. Geógrafías en Movimiento, un ciclo auspiciado por el grupo curatorial 1erEscalón al que se ha invitado a participar a algunos de los comisarios más interesantes del panorama nacional para realizar una propuesta sobre videoarte con artistas del contexto geográfico en el que operan. Se pretende, así, "establecer una especie de circuito o redes de conexión en las que compartir los trabajos de numerosos artistas de su ámbito geográfico". Tras los programas de Adonay Bermúdez, Ángel Calvo Ulloa, Blanca de la Torre, David Armengol cierra el ciclo Hombre vs. Naturaleza ¿Hacia dónde vamos? de Sema D’Acosta.

Traslaciones (2012). obra en video de Tete Álvarez
D'Acosta plantea que la presión que ejerce el hombre sobre el entorno natural "está alcanzado niveles desproporcionados, un modelo de desarrollo económico basado en la sobreexplotación de los bienes naturales y la preponderancia de los intereses de las grandes multinacionales sobre cualquier otro tipo de relación más mesurada que nos aboca, si no somos capaces de remediarlo a tiempo, a un futuro desesperanzador. Las materias primas se agotan, la flora, la fauna y los recursos energéticos se merman de manera inexorable, el clima se modifica por el abuso industrial y el calentamiento de la atmósfera, la especulación urbanística acecha territorios protegidos y los oficios tradicionales, ahora poco rentables, se extinguen en el contexto de las actuales relaciones sociales de producción, un entramado opaco liderado por compañías internacionales motivadas exclusivamente por la obtención de beneficios y la rentabilidad inmediata".

Juegos de mesa (2013), obra en video de Miguel Ángel Moreno Carretero y Fran Pérez Rus
Ante este panorama incierto, reflexiona D'Acosta "donde la Naturaleza es sólo entendida como proveedora de materias primas, la correlación milenaria entre el individuo y su hábitat se rompe, una subordinación potenciada por el creciente auge de las tecnologías y la necesidad constante de estar comunicados. Tal como comenta Jeremy Rafkin , sociólogo norteamericano que lleva años estudiando el impacto de estos cambios en la economía, con la llegada del siglo XXI estamos asistiendo al nacimiento de nuevo sistema capitalista donde pasamos de mercados, a redes. O lo que es mismo, si un 80 % del mundo está fuera de toda conexión, eso significa que cada vez menos gente es capaz de beneficiarse de las ventajas de este recién instaurado dominio global, un escenario donde también menos personas se enteran de qué está ocurriendo o qué es lo que les incumbe, una desinformación que favorece a los poderosos y perjudica a la gente más humilde, sobre todo en los países más pobres, cuyos territorios son explotados sin recato hasta la casi destrucción ambiental".

Apuntes del natural. La parcela y alrededores (2011), obra en video de Ramón David Morales
Se trata de una coyuntura compleja en la que las soluciones no parecen fáciles de escrutar, "sobre todo porque el orden establecido posee sus propios lógicas y mecanismos de perpetuación para lograr afianzar su discurso. Al mismo tiempo, existe un silencio evidente desde los medios de comunicación y la política ante la realidad de estos problemas macroscópicos correspondientes a los vínculos entre el hombre y la Naturaleza que urge resolver en la próxima década, asuntos que se pretenden interpretar desde lo estrictamente ecológico pero que afectan al sentido último de cualquier comunidad humana y van más allá de cuestiones de simple decoro como pueden ser el desarrollo sostenible o las energías alternativas, subterfugios que desvían la atención hacia elementos tangenciales para evitar abordar aspectos fundamentales del tema".

Monkey Business (2014), obra en video de Camino Laguillo
El lenguaje de Juan del Junco, Apuntes del natural. La parcela y alrededores de Ramón David Morales, Traslaciones de Tete Álvarez, Juego de mesa de Miguel Ángel Moreno Carretero & Fran Pérez Rus, Lago Libera y Singularity de Julia Fuentesal & Pablo Muñoz de Arenillas, Manuel de Lucas Gómez y Monkey Business de Camino Laguillo conforman un programa que plantea "una puesta en común que enlace diferentes situaciones cercanas de algún modo a esta difícil tesitura, una selección de videos que desde la sensibilidad artística procuran que nos detengamos en pequeños detalles que nos hagan reflexionar sobre esta materia, trascendiendo desde la introspección personal esa visión superficial que nos imponen desde la potestad oficial".

Hombre vs. Naturaleza ¿Hacia dónde vamos?
Un programa de video comisario por Sema D’Acosta
Espacio AB9. Murcia – 13 diciembre 2014
Obras de Juan del Junco - Tete Álvarez – M. A. Moreno Carretero & Fran Pérez Rus - Ramón David Morales - Fuentesal & Arenillas - Lucas Gómez - Camino Laguillo

10 de dic. de 2014

Memoria de las Memorias


Memorias particulares de Gil Gijón en las Galerías Cardenal Salazar. Foto: Ars Operandi
Pablo Allepuz / Comisario de la exposición* 

Nueva entrega en el ciclo expositivo de las Galerías del Cardenal Salazar. Tras la intervención de José María Baez ahora es el turno del artista Gil Gijón quien presenta en estos días una selección de obra reciente bajo el título Memorias particulares. Durante los últimos años, el artista, formado principalmente en las Universidades de Sevilla y Valencia, ha trabajado sobre la memoria realizando retratos de sus familiares a partir del polvo que recogía en sus hogares; dado que en la composición del polvo y la pelusa domésticos hay trazas de la propia persona, podría decirse que los lleva al cuadro de forma literal. 

Puede leerse con detenimiento en el catálogo de la exposición los fundamentos teóricos, los antecedentes plásticos, los objetivos planteados, la metodología de trabajo y las conclusiones de las obras expuestas que, por cierto, entablan una interesante relación con la muestra paralela de José María Báez, analizando si realmente todo es representación o si, por el contrario, puede existir una presentación en arte. También se muestran algunas claves sobre el autor, la gestación del proyecto y lo doblemente particular de las Memorias, por lo que conviene en este artículo dar algunas breves pinceladas sobre la propia exposición como marco que permite desplegar aquellos contenidos hacia el visitante, centrando la atención en los recursos expográficos y no tanto en el material literario de apoyo.

Una de las piezas de Memorias particulares, de Gil Gijón, en las Galerías Cardenal Salazar. Foto: Ars Operandi

El espacio de las Galerías Cardenal Salazar se reparte en tres alas del claustro superior de la Facultad de Filosofía y Letras; en consecuencia, el discurso de Memorias Particulares se escinde también en tres bloques conceptuales, casi a modo de planteamiento, nudo y desenlace. El primero de ellos, denominado Procesos, propone una aproximación a los rituales creativos de Gil desde un punto de vista esencialmente técnico, para lo cual se muestran primero los materiales e instrumentos de trabajo, como si se tratara de una instantánea del estudio del artista, y a continuación se contraponen las fotografías de partida y los retratos resultantes; ello constituye la base necesaria para comprender el origen y el significado de lo demás. El segundo bloque es Álbum, un desarrollo de las ideas principales de la exposición a través de diez retratos distintos en contenido y técnica pero coincidentes en las propiedades ontológicas y representativas de las polvografías; es decir, vuelve a construir la historia familiar desde de los parámetros dados en el primer bloque. El tercero y último, Experimentos, presenta unas piezas que abandonan el formato fotográfico tradicional, ya sea en lo referido al tamaño, a la sustancia o al marco expositivo; supone el final del relato anterior, por cuanto explora y cuestiona sus límites, pero también abre la vía de nuevas reflexiones que van mucho más allá de la mera innovación técnica. Dentro de esa estructura general, la ordenación de cada galería pretende potenciar el mensaje de las obras mediante una alternancia más o menos natural entre infancia y senectud, y al mismo tiempo, entre retratos individuales y de grupo; es decir, intentando mantener ese equilibrio que define a toda familia. Dicho aspecto alcanza su cénit en un recurso de malabarismo museográfico consistente en disponer los retratos de Álbum según un eje simétrico, con dos alturas diferentes, de manera que los distintos tamaños y formas de los marcos vayan creando una suerte de perspectiva hacia el centro, replicando en lo visual la alternancia de contenido: en lugar de empujar al visitante hacia los laterales, hacia la salida, los abraza hasta el corazón de la exposición, donde se concentran los cuadros más pequeños que, significativamente, se corresponden con los dos extremos de la familia, la niña y la abuela. 

Los bloques Procesos y Experimentos se han organizado atendiendo a una lógica similar, aunque menos llamativa en el resultado final por su breve recorrido. El proyecto expográfico en su conjunto es bastante más complejo que lo descrito en las líneas anteriores, pues engloba igualmente todo un aparato de señalética (carteles de bienvenida, cartelas acompañando a las obras y emulando su dibujo), publicidad, maquetación, traslado, montaje y un sinfín de detalles que se han completado atendiendo al propósito eminentemente docente que conforma el proyecto Galerías Cardenal Salazar.

Gil Gijón
Memorias particulares
Galerías Cardenal Salazar
Facultad de Filosofía y Letras, Córdoba
Comisario: Pablo Allepuz (*alumno de 4º Curso del Grado de Historia del Arte)
Hasta el 16 de enero


8 de dic. de 2014

PAUSE: 14 ejercicios de medición sobre la ciudad de Córdoba

CoMbO propone una pausa para analizar 60 años de arte contemporáneo en la ciudad

Redacción / Ars Operandi

Al hilo de la celebración del 60 aniversario de la primera exposición de arte contemporáneo en la ciudad de Córdoba y de la exposición que actualmente la conmemora, desde CoMbO quieren proponer los meses de diciembre y enero como un tiempo para la pausa, como un "espacio para la reflexión y el pensamiento sobre lo que ha significado el arte contemporáneo para esta ciudad y proponer estrategias de cambio y transformación sobre lo que puede llegar a convertirse en un futuro próximo". La exposición de 1953 en el Círculo de la Amistad adelanta la recepción y percepción de la modernidad en Córdoba, que hasta la fecha arrancaba con la constitución del Equipo 57 como colectivo de vanguardia. Con el estudio de Pérez Villén se establece que "años antes, y sobre todo a través de las aportaciones de figuras como Rafael de La Hoz, Pascual de Lara y Jorge Oteiza, se fueron estableciendo una serie de líneas de fuerza y conexiones que llevaron a la construcción de una imagen de la ciudad más contemporánea y actual, una Córdoba, la de los años cincuenta que durante años se ha convertido en un mito que habría que releer de manera crítica y analítica".

Si la exposición se plantea reivindicar esta fecha de una forma eminentemente celebratoria, desde CoMbO, como espacio independiente para la producción y reflexión sobre la creación artística contemporánea, han elaborado un completo programa de encuentros, conferencias y otras actividades que "nos ayuden a entender a los protagonistas y estrategias del arte contemporáneo en estos últimos sesenta años y nos conduzcan a reflexionar sobre los retos del futuro y el horizonte de expectativas que se plantean en un momento incierto de profunda transformación en el territorio de las prácticas artísticas contemporáneas como es el actual". Para ello, y retomando el título de la acción de Isidoro Valcárcel Medina realizada en nuestra ciudad en 1973, plantean 14 ejercicios de medición sobre la ciudad de Córdoba. Se trata de repensar y repasar estos seis lustros de creación contemporánea a través de las voces y las experiencias de los que han sido sus protagonistas.

Reflexión, pensamiento, cambio y transformación, ejes de Pause, las jornadas de CoMbO

Abrirá el ciclo el comisario de la exposición Angel Luis Pérez Villén quien abordará en su intervención los fundamentos de la muestra y explicará qué condicionantes se dieron en 1953 para adelantar a esta fecha la recepción de la modernidad en Córdoba. Para debatir sobre el mito y la realidad de este periodo que presenta a la ciudad como incipiente proyecto moderno disertarán algunos de los que fueron sus protagonistas: Juan Serrano, Tomás Egea y Juan Cuenca. Los cambios y transformaciones acaecidas en los años 60 vendrán de la mano de Rita Rutkowski y Hisae Yanase, dos de las artistas que se establecen en ese tiempo en la ciudad. El mercado galerístico en la ciudad y su secular falta de consistencia será abordado en mesa redonda por los responsables de las galerías Carmen del Campo, Cobalto y Tula Prints. En los 70 y 80, con el ocaso del régimen franquista y la consiguiente instauración democrática, surge un interesante escenario que enfrenta a hippies vs modernos, a la contracultura y a la posmodernidad. Estas décadas serán analizadas por los artistas Jacinto Lara, Hashim Cabrera, Manuel Muñoz y Rafael Quintero. La década de los 90 empezó con euforia y acabó en crisis y en el terreno del arte en nuestra ciudad fue el momento de emergencia de una nutrida generación de artistas que aún sigue vigente en nuestros días. En Después del entusiasmo, Manuel Garcés, Miguel Gómez Losada, Ángel Corral, Nieves Galiot y Antonio González debatirán sobre los pormenores de esta década.

El cambio de siglo trae consigo una redefinición de las prácticas artísticas. Este cambio de paradigma propiciado por la aparición de nuevos usos y procedimientos será tratado por cuatro artistas transdiciplinares como Beatriz Sánchez, Fernando M. Romero, Manolo Bautista y Tete Álvarez. Una característica ejemplar del arte contemporáneo en Córdoba es la proliferación de iniciativas, que desde la periferia, intentan acercar el arte contemporáneo a los municipios de la provincia. Miguel A. Moreno Carretero por Scarpia, Juan López por Aptitudes y El Vuelo de Hypnos, María José Cosano de Santaella Contemporánea y Demetrio Salces de las Jornadas Z de Montalbán tratarán en otra mesa de debate de las experiencias que llevan adelante en sus respectivas poblaciones. Otro fenómeno determinante en el devenir más reciente de las artes visuales en la ciudad ha sido la emergencia de proyectos independientes que reclaman otras maneras de relación, otras formas de autoorganización. Las experiencias en Blow up, El Arsenal, CoMbO, Efímere y La Pérgola serán tratadas en un foro que pondrá sobre la mesa la importancia de estas propuestas de carácter horizontal. La crítica de arte y el comisariado de exposiciones será abordado por tres de nuestros críticos y comisarios locales, Óscar Fernández, Ángel Luis Pérez Villén y José Álvarez. El tratamiento que se otorga al arte actual desde los medios de comunicación local será tratado en una mesa redonda que contará con la participación de Manuel Albert, José María Martín, Lola Molina, Marta Jiménez y Tete Álvarez. De la vertiente educativa y didáctica se hablará en La enseñanza del arte en Bellas Artes, Artes y Oficios y otras experiencias independientes con Pablo Rabasco, Rosa Illanes , Paco Salido, Antonio Castilla y Marisa Vadillo. Responsables institucionales de las tres administraciones, Juan Miguel Moreno Calderón por el Ayuntamiento, Manuela Gómez como representante de la Junta de Andalucía y Antonio Pineda como Vicepresidente de la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí dependiente de la Diputación darán cuenta sus respectivas políticas culturales para el apoyo y difusión del arte actual. Las conclusiones a este intenso calendario de citas ineludibles que constituye PAUSE será presentado el 16 de enero bajo el título de Epílogo sin confirmar.

PAUSE. Arte y cultura contemporánea en Córdoba
CoMbO. C/ García Lovera, 5. Córdoba


Miércoles 10 de diciembre. 20.00 h.
Presentación del programa.
Charla con Ángel Luis Pérez Villén.

Jueves 11 de diciembre. 20.00 h.
Años 50. Córdoba, proyecto moderno.
Juan Serrano/Tomás Egea/Juan Cuenca.

Viernes 12 de diciembre. 20.00 h.
Años 60. Cambios y transformaciones.
Rita Rutkowski/Hisae Yanase.

Sábado 13 de Diciembre. 12.00 h.
Galerías y espacios para el arte en Córdoba.
Carmen del Campo/Cobalto/Tula Prints.

Miércoles 17 de diciembre. 20.00 h.
Años 70 y 80. Hippies vs modernos. La contracultura y la posmodernidad.
Jacinto Lara/Hashim Cabrera/Manuel Muñoz/Rafa Quintero.

Jueves 18 de diciembre. 20.00 h.
Años 90. Después del entusiasmo.
Manuel Garcés/Miguel Gómez Losada/Ángel Corral/Nieves Galiot/Antonio González.

Viernes 19 de diciembre. 20.00 h.
Cambio de paradigma. 
Bea Sánchez/Fernando M. Romero/Manolo Bautista/Tete Álvarez.

Sábado 20 de diciembre a las 12.00 h.
Periferias. 
Miguel A. Moreno Carretero (Scarpia)/Juan López (Aptitudes, El Vuelo de Hypnos)/Demetrio Salces(Jornadas Z)/María José Cosano (Santaella Contemporánea).

Jueves 8 de enero. 20.00 h.
Espacios independientes. Maneras de relación, formas de autoorganización. 
Blow up/El Arsenal/Combo/Efímere/La Pérgola.

Viernes 9 de enero. 20.00 h.
Crítica de arte y comisariado de exposiciones.
Óscar Fernández/Ángel Luis Pérez Villén/José Álvarez.

Sábado 10 de enero. 12.00 h.
Arte contemporáneo y medios de comunicación.
Manuel Albert/José María Martín/Lola Molina/Marta Jiménez/Tete Álvarez.

Miércoles 14 de enero. 20.00 h.
Arte contemporáneo y educación. La enseñanza del arte en Bellas Artes, Artes y Oficios y otras experiencias independientes.
Pablo Rabasco/Rosa Illanes/Paco Salido/Antonio Castilla/Marisa Vadillo.

Jueves 15 de enero. 20.00 h.
Políticas culturales sobre arte contemporáneo.
Juan Miguel Moreno Calderón (Excmo. Ayuntamiento de Córdoba. Delegación de Cultura)/Manuela Gómez Camacho (Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía en Córdoba)/Antonio Pineda (Delegación de Cultura de la Diputación de Córdoba. Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí).

Viernes 16 de enero. 12.00 h.
Conclusiones. Epílogo sin confirmar.

7 de dic. de 2014

¿Qué celebramos cuando celebramos 60 años de arte contemporáneo en Córdoba?

12 ejercicios de medición sobre la ciudad de Córdoba, (1974). Isidoro Valcárcel Medina

Tete Álvarez/Ars Operandi

Las conmemoraciones, como esta que nos ocupa de los 60 años de arte contemporáneo en Córdoba, están para celebrarlas aunque también han de servir para volver la vista atrás y comprobar lo andado y desandado en estos seis lustros de creación contemporánea. Comparar la situación actual con la de los años 50 sería osado aunque si convendría llamar la atención sobre algunas circunstancias que presentan ciertas analogías. Hace 60 años coincidieron trabajando en la ciudad un grupo de artistas como Equipo 57, Rafael de La-Hoz, Jorge Oteiza o Antonio Povedano entre otros cuyo legado valoramos con orgullo y forman parte ya del acervo cultural de la ciudad. Su aportación en aquél momento no fue, evidentemente, en absoluto reconocida e incluso en casos como los de Pepe Duarte o Tomás Egea-Azcona gozaron del rechazo del régimen por alumbrar ideas sospechosas de modernidad.

Seis décadas después trabajan en la ciudad un buen número de artistas que el gran público puede conocer gracias a estas cinco exposiciones y a su importante trascendencia mediática. Artistas cuyas obras conformarán, sin duda, el legado cultural de las generaciones venideras. Creadores que, aunque en la mayoría de los casos gozan de reputadas trayectorias artísticas, no son apenas reconocidos en la ciudad en la que desarrollan su trabajo.

Porque ¿qué celebramos cuando celebramos 60 años de arte en Córdoba?, ¿que el 80 % de las galerías de arte de la ciudad hayan cerrado en los últimos 3 años?, ¿que 60 años después de que se hablara por primera vez de la necesidad de un espacio para el arte sigamos sin contar con un museo de arte contemporáneo?, ¿que el coleccionismo de arte contemporáneo tanto público como institucional simplemente no exista?, ¿que la casi totalidad de las políticas de promoción del arte actual hayan desaparecido?, ¿que se haya desmantelado prácticamente la Fundación Rafael Botí?, ¿que se haya cerrado la sala Puertanueva?, ¿que tengamos un edificio de 30 M. de € convertido en ejemplo nacional de lo nefasto de las políticas culturales cuando son dictadas en exclusiva desde las instancias políticas?

Demasiados interrogantes que habría que intentar resolver a la par que celebramos los logros conseguidos: el asentamiento de una comunidad artística comprometida con su entorno que lejos de esperar las dádivas públicas encauza trabajo y esfuerzo en sacar adelante proyectos horizontales, que emergen desde la propia base, y que son el principal activo con que cuenta la ciudad en estos momentos. Iniciativas como CoMbO, El Arsenal, BlowUp o Ars Operandi en la capital, La Fragua o Scarpia en la provincia dan buena cuenta del buen pulso con que cuenta la escena sumergida, aquella que no aparece en la agenda si no es acompañada de un cargo institucional.

Quizás este sea el mejor momento, antes de que se apaguen las luces de los focos, para abrir un espacio de reflexión sobre lo que han significado 60 años de arte contemporáneo en la ciudad y proponer estrategias de cambio en un momento de profunda transformación en el territorio de las prácticas artísticas contemporáneas.


Dmencia, arte contemporáneo desde la periferia de la periferia

Mirabilia naturae, intervención de Susana Ibañez. Foto: Cortesía de la artista
Redacción / Ars Operandi

D-Mencia, la muestra de arte contemporáneo de Doña Mencía cumple XVI ediciones. La decana de las propuestas de arte en la provincia arrancó en 1996 como una iniciativa surgida de la mano de un ayuntamiento abierto a las nuevas manifestaciones artísticas y comandada por el artista Javier Flores quien durante 18 años ha dirigido la muestra. Una muestra que forma parte del programa Periféricos, auspiciado por la Fundación Rafael Botí, y que es el único programa de arte actual que ha sobrevivido a la quema que ha llevado a cabo el diputado provincial Antonio Pineda al frente de la Fundación Provincial de Artes Plásticas.

En esta edición, Javier Flores entrega el relevo en la organización a Crótalo & Triángulo, una empresa de gestión cultural formada por Mamen Calvete y Pablo Rodríguez que ha pretendido "inyectar dinamismo a D-Mencia con una programación que incluye taller infantil de creación, esculturas en la vía pública, videocreaciones, microcharlas, teatro y música". La convocatoria de este año,  destinada en exclusiva a artistas andaluces, fue resuelta por un jurado compuesto por los artistas Manuel León, Mª José Gallardo y Miguel Ángel Moreno Carretero, director también de Scarpia, la coordinadora de exposiciones del CAC Málaga, Alicia Gutierrez Mármol, la comisaria de arte malagueña, Tecla Lumbreras y Javier Flores como parte de la organización de Dmencia. De entre el casi centenar de proyectos presentados seleccionaron seis de los artistas sevillanos Fernando Clemente, Pablo Martínez, Ana Barriga y Susana Ibáñez, la granadina Cristina Megía y el gaditano Juan Isaac Silva.

Still de Basado en hechos reales, video de Miguel Soler
El arranque de Dmencia 2014 lo ha dado este fin de semana la artista Montse Caraballo, autora de la imagen de esta edición quien ha impartido un taller infantil de pintura bajo el título Microcreadores. Alexis Amador participa con dos esculturas que han sido instaladas en zonas centricas del pueblo y que forman parte de la colección de Scarpia. La primera de las exposiciones del ciclo ha venido de la mano de la artista Susana Ibáñez que presenta en la Casa de la Cultura, Mirabilia Naturae, una aproximación a los gabinetes de curiosidades tan en boga en el Renacimiento que revisa la Wunderkammer de Ferrante Imperato quien en 1959, al igual que Susana Ibañez, colgara un cocodrilo del techo de la sala de las maravillas.

Hoy domingo, el programa incluye una sesión  de microcharlas con integrantes de la revista Maasai, Paola Caballer y Miguel Soler con ponencias sobre arte, tendencia y actualidad cultural y Miguel Ángel Moreno Carretero que presentará su recién publicado  Mecanismos inconscientes del horizonte. Teatro y música completan una jornada que contará con la proyección en el Pósito del Castillo de la obra en video de Miguel Soler, Basado en hechos reales. una serie de tráilers elaborados mediante material encontrado en emisiones de informativos de cadenas internacionales que Soler manipula usando los recursos habituales en la promoción de las películas y "re-construyendo unos hechos que pueden ser tan ciertos o ficticios como los presentados en los noticiarios".


6 de dic. de 2014

60 años de arte contemporáneo en Córdoba, la exposición


Interactividad Cine I (Sin título), 1957. Equipo 57. Gouache sobre papel, 45,5x33,5 cm. (c.u.). Colección de los artistas / Cortesía Galería Rafael Ortiz
Redacción / Ars Operandi

Arropada por una gran acogida tanto de público como mediática ha llegado 60 años de arte contemporáneo en Córdoba, una exposición que pretende ser celebratoria y que conmemora la muestra que se llevó a cabo en el Circulo de la Amistad en el año 1953, considerada por la historiografía como el hito de la recepción de la modernidad en Córdoba. Con este punto de partida el proyecto, comisariado por Ángel Luis Pérez Villén, reúne a casi 120 veinte artistas en cinco sedes que permiten trazar un recorrido por lo más destacado de la producción artística local de las últimas seis décadas. Se trata de recuperar ese momento –los años 50 del siglo pasado- y partir desde aquí hasta la actualidad, mostrando el trabajo de aquellos artistas cordobeses que en algún momento de su trayectoria han mantenido activo dicho compromiso. Es cierto que de la mayoría tenemos constancia de su trabajo, afirma el comisario, "pero también lo es que algunos ya han desaparecido y su obra es por lo tanto menos conocida o no ha sido presentada en un proyecto secuencial, como es el caso. Insisto, queremos poner en valor la creación artística cordobesa desde mediados del siglo XX a la actualidad. Hasta el momento el testigo del arte contemporáneo en la historiografía local se situaba en torno a 1957 –año de fundación de Equipo 57- lo que nos proponemos es anticipar otro hito en torno a 1953, cuando se celebra la Exposición de Arte Contemporáneo del Círculo de la Amistad".


Sin título, 1957. EAlfonso Ariza. Técnica mixta sobre papel, 50x35 cm. Museo Alfonso Ariza. La Rambla (Córdoba) 
Aunque para Pérez Villén "entre los objetivos de esta muestra no está el de abordar la topografía actual de lo que se considera o debe considerar contemporáneo, prescindimos de tal compromiso, entre otras cosas porque no consideramos adecuado el formato expositivo como el más idóneo para llevarlo a efecto. La finalidad de esta exposición no es otra que la de la celebración o la del rescate de la memoria, que nos confirma que existen datos objetivos para hablar de que el arte contemporáneo –aunque ya no sepamos o no tengamos la certeza de en qué consiste- cumple 60 años entre nosotros". Y han sido muchos los artistas que han querido participar en esta celebración, explica "alrededor de un centenar, lo cual nos ha llevado a vertebrar un proyecto abierto y flexible que contemplase la mayor participación posible y la realidad de las infraestructuras expositivas de la ciudad. Es por ello que el número de artistas participantes se ha aumentado en varias ocasiones con la intención de "mostrar la obra de todos aquellos artistas cordobeses cuya presencia en la ciudad –la de su obra o la suya propia- haya sido –desde hace 60 años- o sea un hecho innegable".


El toro herido, 1984. Aguilera Amate. Óleo sobre lienzo, 130x96 cm. Excma. Diputación Provincial de Córdoba 
Dos son las líneas de trabajo complementarias que se han empleado para trazar este propósito. "Una que cohesiona mediante vínculos de estilo y que se trama en una secuencia histórica y otra que contempla la posibilidad de disociar la referencia de tendencia del curso histórico específico en que se manifiesta, dilatando su pervivencia estilística más allá de las coordenadas temporales. Todo lo cual tiene como consecuencia la sucesión de una serie de apartados, capítulos o rótulos que aunque mantienen su filiación cronológica –y donde se incluyen artistas que fueron protagonistas de su puesta en escena en la ciudad- también admiten la licencia sincrónica –lo que permite incluir artistas que no participaron en la gestación de la tendencia pero que la cultivan como opción estilística- lo que no deja de ser un reflejo de lo que acontece en la realidad. Para materializar el proyecto no podíamos limitarnos a una sola exposición –imperativos de infraestructura expositiva y el número de artistas participantes hacían imposible esta solución- por lo que hemos planteado un encadenamiento en diferentes capítulos, en distintas salas de la ciudad, que testimonian estos 60 años de arte contemporáneo en Córdoba". Capítulos que mantienen entre sí una relación cronológica pero que a la vez observan autonomía suficiente para conciliar autores de distintas épocas. Capítulos y rótulos que remiten a estilos y que dan lugar a distintas exposiciones. La abstracciónen todas sus facetas y matices tiene suficiente entidad para otorgarse uno de ellos, igual sucede con el realismo sin adjetivos –aquella vanguardia desplazada, de la que hablaba Nieto Alcaide- que es acreedor de otro capítulo. La crónica social anudada a la expresión del gesto y las facetas de la nueva figuración se merecen sendos espacios aledaños, ya que ambas trabajan desde distintos enfoques sobre la reelaboración pictórica de la figura. Un último capítulo es el del cambio de paradigma que propugna la posmodernidad, donde tienen cabida autores y planteamientos artísticos muy heterogéneos.


Duende de la Seguirilla, circa 1990-2000. Antonio Povedano. Acrílico sobre papel/tabla, 22,5x21,5 cm. Colección particular 
La abstracción es, para el comisario de la muestra,  "el núcleo fuerte e indiscutible en la consideración de lo que se entiende por renovación artística española a mediados del siglo pasado. Desde entonces ha pasado por diferentes consideraciones, se ha multiplicado en numerosos estilos, ha sufrido crisis y renovaciones de toda índole y en la actualidad sigue representando una opción que parece mantenerse inagotable. Se muestran piezas significativas de la abstracción geométrica junto a obras gestuales e informalistas, así como derivaciones posteriores y actuales que dan testimonio de la riqueza y diversidad de la tendencia". Abstracciones presenta en la sala Galatea obras de Manuel Alcaide, Alfonso Ariza, Hashim Cabrera, Juanjo Caro, Antonio Castilla, Rafael Cerdá, Equipo 57, Antonio I. González, José Ibáñez, Jacinto Lara, Manuel Méndez, Cristóbal Povedano, Juan Serrano y Juan Vacas.


Naturaleza muerta con queso, 1962. Antonuio Rodriguez Luna. Óleo sobre lienzo, 75,5x153 cm. Colección Vimcorsa, Córdoba 
Obras de Luis Aguilera Bernier, José Manuel Belmonte, Rafael Botí, Pedro Bueno, Rafael Carmona, Castro Cadenas, Miguel del Moral, Desiderio Delgado, Francisco Escalera, José F. Gálvez, Marcial Gómez, Francisco González, Julia Hidalgo, Juan Hidalgo del Moral, Pepe Jiménez, Ginés Liébana, Francisco Linares, Ángel López-Obrero, Juan Luque, José Luis Muñoz, José Carlos Nievas, Antonio Ojeda, Rafael Orti, Juan Polo Velasco, Amadeo Ruiz Olmos, Sánchez Moreno, Rafael Serrano y Lola Valera conforman Realismos, la muestra que se puede contemplar en la Sala Julio Romero de Torres del Círculo de la Amistad y que da cuenta de la vertiente figurativa. Y es que para el comisario de la muestra "aunque no se pueda considerar de filiación vanguardista, lo cierto es que la práctica figurativa de mediados del siglo pasado sintomatiza en muchos de sus representantes un renovado interés por adherirse a lenguajes afines, ya sea mediante la recuperación de maneras de comienzos de siglo o bien asumiendo la necesidad de reconstruir las múltiples facetas del realismo. En esta exposición tienen cabida figuras y obras que protagonizaron esa renovación, amén de soluciones plásticas derivadas que conforman un extenso tapiz de facetas realistas".


Cartas a un soldado, 1983. Marcial Gómez. Óleo sobre tabla, 90x120 cm. Colección particular, Córdoba 
En los años 60, apunta Pérez Villén, "el realismo toma la decisión de hacerse social y así adquiere el rango de compromiso con la modernidad artística. Un realismo que ha de ser expresionista por naturaleza, representando con gesto adusto una acuciada realidad. Desde entonces la veta expresiva de la imagen cobra fuerza –profundiza en la negrura de la melancolía y se nutre en las fuentes originales de comienzos de siglo, se impregna de las adherencias del trazo informal, incluso coquetea con el pop-art- y sella un vínculo con el cromatismo no descriptivo para componer el retrato de la figura". De todo esto dan cuenta obras en Retratos del gesto los artistas Francisco Aguilera Amate, Rafael Caballano, Ángel Corral, José Duarte, Tomás Egea Azcona, Manuel Ángel Jiménez, José Morales, Antonio Povedano, Rita Rutkowski, Emilio Serrano, Paco Serrano, Tony Soto, Aurelio Teno y Francisco Zueras.


El ángel, 1983. Miguel Cossano. Acrílico sobre lienzo, 162x130 cm. Colección José Luis Villegas 
A comienzos de los 60 surge con fuerza el término nueva figuración "para aglutinar una serie de intereses en torno a la renovación de los lenguajes de la figuración. Sobre dicho soporte vienen a sedimentarse desde el informalismo al pop-art, el expresionismo, el surrealismo y todos aquellos estilos que decantan una solución plástica mestiza y abierta al libre ejercicio de la creación. Es razonable que convivan tantos perfiles alusivos al término como autores participan en la muestra, lo que testimonia que sigue siendo un campo abierto a la expresión personal". Cartografías de la figura reúne en la Fundación Antonio Gala obras de Concha Adán, Mariano Aguayo, Rafael Aguilera, Ángeles Alcántara, Francisco Ariza Arcas, Antonio Bujalance, Juan Cantabrana Luis Celorio, Antonio Damián, Pepe Díaz, Mariló Fernández Taguas, María Teresa García López, Paco Gil, Isabel Jurado, Joaquín Martínez, Juanma Pérez, Pepe Puntas, Antonio Rodríguez Luna, Rafael Trobat, José Manuel Velasco, Hisae Yanase y Juan Vicente Zafra.


Sin título (Serie Patrones), 1988. Pepe Espaliú. Lápiz conté sobre papel, enmarcado en conglomerado, 114x66 cm (c.u.). Colección Vimcorsa 
La posmodernidad ha supuesto un verdadero cambio de paradigma en la consideración de los valores, sistemas y estructuras que regían en el arte contemporáneo. Vivimos, como afirma Pérez Villén, "el arte después del fin del arte, carecemos de certezas y navegamos a la búsqueda de respuestas que no acaban de llegar, sólo la experiencia de la creación constituye el único credo artístico. En esta exposición intentamos arrojar sentido a lo que aún está en proceso y por eso abrimos capítulos para nombrar la euforia de la vuelta a la pintura durante los primeros 80, los intereses en torno a lugares precisos (la ciudad, la naturaleza, la memoria), los juegos de impostura de las identidades y la falsa apariencia de un ensimismamiento disciplinar que no es tal". Cambio de paradigma atestigua este estado de cosas articulándose en cuatro capítulos principales. Posmodernismos con Víctor Barrios, Luis Cárdenas , José María Córdoba , Miguel Cossano, José María García Parody, Moisés Moreno, Rafael Navarro, Francisco Salido y Antonio Villa-Toro, Imposturas e identidades con obras de Rafael Agredano, Alfonso Alcalá Olmo, Manuel Bautista, Antonio Blázquez, Pepe Espaliú, Ángel García Roldán, Juan López, Miguel Moreno Carretero, Verónica Ruth Frías, Beatriz Sánchez y Marisa Vadillo, Lugares señalados con Manuel Garcés, Miguel Gómez Losada, Antonio Jesús González, Manuel Muñoz Morales, María Ortega Estepa, Plácido Pérez y Miguel Rasero y finalmente El medio no es el mensaje que reúne obras de Alegría y Piñero, Tete Álvarez, Fernando Baena, Javier Flores, Nieves Galiot, Goval, Pepe Lara, Fernando M. Romero, Carmen Osuna, Daniel Palacios, Pablo Prieto, Rafael Quintero y Gervasio Sánchez.

60 años de arte contemporáneo en Córdoba
Comisario: Ángel Luis Pérez Villén
Abstracciones. Sala Galatea (Casa Góngora)
Realismos. Sala Julio Romero de Torres (Círculo de la Amistad)
Retratos del gesto. Sala CajaSur Gran Capitán
Cartografias de la figura. Fundación Antonio Gala
Cambio de paradigma. Sala Vimcorsa
Lunes a sábado, 10:30 a 13:30 y 17:30 a 20:30. Domingos y festivos, de 10:00 a 14:00


2 de dic. de 2014

El sector del arte critica el procedimiento de la Junta en el C4

Interior del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. Foto: Cortesía Fernando Alda ©
Redacción / Ars Operandi

Las principales organizaciones que conforman el sector del arte contemporáneo en Andalucía, Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA), han hecho público un comunicado en el que muestran su "perplejidad ante el anuncio que publicó ayer el Boletín Oficial de la Junta de Andalucía de licitación para la adjudicación del contrato de servicios de “Asesoramiento Artístico para la puesta en marcha y funcionamiento del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba”. Desde las asociaciones de arte lamentan "que una vez más la Consejería de Cultura vuelva a incumplir sus compromisos públicos, en este caso el de sacar a concurso la plaza de director del centro acogiéndose a las buenas prácticas como se ha venido afirmado en reiteradas ocasiones por parte de la Junta de Andalucía".

IAC y uavA denuncian asimismo "que se convoque un puesto para coordinación del centro sin haber resuelto hasta el momento aspectos sustanciales como son el decreto de constitución, los estatutos, el plan de usos, el modelo de gestión o los órganos de gobierno. Cabe recordar que el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte establece que debe ser un Patronato, constituido por la administración, especialistas en arte contemporáneo y representantes de la sociedad civil, quien se encargue de establecer las bases de la convocatoria y la posterior resolución del concurso".

También expresan las organizaciones del sector su "malestar por la propia indefinición que mantiene el centro transcurridos casi diez años desde los inicios de su configuración. Resulta inconcebible que solo se hayan avanzado declaraciones genéricas que lo sitúan como “un modelo integral de institución cultural que atiende a la formación, a la producción, a la investigación y difusión”, que estará “en continuo diálogo con la sociedad y los usuarios del mismo como serán los artistas e investigadores". Un diálogo que, pese a haber sido reclamado en diferentes ocasiones por las organizaciones del sector del arte contemporáneo, nunca se ha producido. Cabe recordar que en el mes de abril y en respuesta a las demandas del sector, la secretaria general de Cultura de la Junta, María del Mar Alfaro, afirmó que “las asociaciones muy pronto tendrán la posibilidad de participar en la definición del proyecto”. Transcurridos ocho meses desde que realizara estas declaraciones públicas este encuentro no se ha mantenido".

Más recientemente, a principios de octubre, explican en su comunicado "las principales asociaciones del sector a nivel nacional , Asociación de Directores de Museos de Arte Contemporáneo (ADACE), Consejo de Críticos de Artes Visuales (CCAV), Federación Estatal de Asociaciones de Gestores Culturales (FEAG), Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) , Mujeres en las Artes Visuales (MAV) , Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes (SeyTA), Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA) y Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV), volvieron a ponerse en contacto mediante una carta dirigida a la Consejería de Cultura en la que reiteraban su disposición “para lograr un consenso que siente las bases de una institución sólida, sostenible y participativa”. Desde las organizaciones del arte denunciaron a la Junta que “un centro de estas características se esté configurando exclusivamente en base a declaraciones de prensa, desoyendo continuamente las ofertas de diálogo que hemos realizado en sucesivas ocasiones y apostando por un modelo dirigido exclusivamente desde las instancias políticas y en el que no tienen cabida las opiniones de los profesionales del sector”. Claro ejemplo de la falta de sentido con que se está afrontando el proyecto resultan para la Mesa del Sector “las manifestaciones del consejero adelantando incluso los títulos de los cursos de cocina que se impartirán aún sin ni siquiera haber sacado a concurso la plaza de director”.

Aún así, concluyen las asociaciones de arte actual, "queremos expresar públicamente nuestra voluntad de seguir trabajando en pos de un espacio para el arte en Andalucía transparente y participativo y volvemos a reiterar nuestra disposición para lograr un compromiso que ayude a rentabilizar socialmente la fuerte inversión realizada".