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19/11/2014

Juan Cuenca, sentido y forma

Objeto Cósmico, 2014, madera compensada y tensada, pintura al óleo y pan de plata oxidado, 90 x 122 x 100 cm. Al fondo, Infinito, 2014, lámina de aluminio de 3 mm, cortada con láser, plegada y pintada, 55 x 55 cm. Foto: Cortesía de la galería

José Álvarez / Ars Operandi

57 años después de que Equipo 57 mostrase por vez primera sus obras al público en el parisino Café Rond Point , Juan Cuenca presenta sus trabajos en el campo de las artes plásticas en la madrileña galería Freijo Fine Art. Miembro fundador de Equipo 57, Juan Cuenca (Puente Genil, 1934), dedicó su carrera profesional a la arquitectura una vez que el Equipo se disolviera en 1961 tras una corta pero importante trayectoria en el desarrollo de la abstracción geométrica en España. Su Teoría de la interactividad del espacio plástico es, en palabras de J. Mª Moreno Galván, "uno de los pocos intentos que tenemos en España de racionalizar la práctica artística, dotarla de sentido social e insertarla en las necesidades de la vida moderna", y, para Ángel Luis Pérez Villén, pionero en el estudio del Equipo 57, "su actitud creativa, el compromiso ético que mantuvieron, su método de trabajo y los textos teóricos que desarrollaron son de crucial importancia para comprender el arte español de la segunda mitad del siglo XX". Pintura, escultura, artes aplicadas y una película realizada a base de planos de gouaches del Equipo titulada Interactividad cine 1 (seis minutos cuarenta y cinco segundos de duración), son el legado que dejó el grupo.

S/T. 2014. Lámina de aluminio de 3mm, cortada con láser, plegada y pintada. 55 x 55 cm. Foto: Cortesía de la galería
De aquél proceso de trabajogrupal, experimental y con una importante apoyatura teóricaqueda lo esencialmente creativo. Juan Cuenca parte de un profundo estudio sobre los materiales que justifica el título de la exposición: tensión/forma. A partir de bocetos realizados con elementos que en la obra final se han de comportar previsiblemente como en los modelos previos, Cuenca explora las modificaciones del plano convirtiendo a éste en una superficie tridimensional, proceso que es visible en su desarrollo por la amplia selección de maquetas o modellinos dispuestas en vitrinas. De este modo, el visitante puede visualizar de forma clara cómo Cuenca, a través de la tensión ejercida en el plano, varía a éste en su concepción espacial. El interés por las superficies y su desarrollo también está presente en la serie Moebius, donde basándose en el principio de la cinta homónima, trabaja una superficie con una sola cara y un solo borde.

Moebius 3, 2013, chapa de acero inoxidable con tratamiento de silicato de aluminio proyectado, 32 x 40 x 24 cm. Foto: Cortesía de la galería
Para Ángel Llorente, el paso de Equipo 57 a la escultura "fue una continuación lógica del desarrollo de los planteamientos espaciales sobre el plano pictórico, una ampliación de la teoría sobre la interactividad como resultado de la investigación de las posibilidades reales en espacios tridimensionales que ésa ofrecía". Estas mismas posibilidades son ampliamente exploradas en tensión/forma, gracias a los materiales y las técnicas que la actualidad permite. Aceros con tratamiento de silicato de aluminio proyectado, plásticos, aluminios cortados con láser, de una precisión quirúrgica, dan como resultado unas obras plásticamente impecables, que evidencian lo metódico del trabajo realizado y que, en algunas obras, recuerdan los proyectos arquitectónicos. También materiales orgánicos como la madera laminada son utilizados por Cuenca, quien saca partido de la elasticidad del soporte en sus esculturas/relieves. Una serie complementaria a la obra expuesta, piezas de menor formato que el artista denomina Divertimentos,  sirven asimismo para la experimentación formal y, lejos de ser bibelots al uso, se proponen como punto de partida para su resolución final.
Los bocetos de Juan Cuenca permiten seguir desde su concepción el desarrollo de los proyectos del artista. Foto: Ars Operandi
Freijo Fine Art, que prosigue con la muestra de Juan Cuenca su alternancia entre la revisión histórica (Darío Villalba, Mathias Goeritz, Roberto Fernández Balbuena, Germán Cueto, Leo Matiz...) y la actualidad, y que ya programó en 2012 la muestra El Romanticismo en José Duarte, completa con tensión/forma una interesante visión de la trayectoria de dos miembros de Equipo 57, retrospectiva en Duarte y reveladora en Cuenca, quien lejos de mostrar agotamiento en sus modos de representación, evidencia una coherencia absoluta en su trabajo, heredero de aquél constructivismo que situó al grupo en la primera línea de la creación contemporánea internacional.     

Juan Cuenca
tensión/forma
Galería Freijo Fine Art
General Castaños 7, 1º izq
28004 Madrid 
Hasta el 13 de diciembre de 2014


18/11/2014

Ars Operandi Videos.Todo es representacion. José María Baez. Galerías del Cardenal Salazar.


Redacción / Ars Operandi

Ars Operandi Videos aumenta su archivo audiovisual con un video, el número 67 de nuestro catálogo, que documenta la intervención realizada por el artista José María Baez en las galerías del Cardenal Salazar en octubre de 2014. "Todo es representación" es una serie de treinta y siete obras datadas desde 1988 a 2006, en las que Báez parte de las experimentaciones llevadas a cabo por las vanguardias en el campo de la poesía para encontrar paralelismos plásticos. Esta vinculación literaria es "una espectacular intervención que logra anudar un hilo conductor entre las pinturas de José María Baez y el espacio expositivo, y que dota a la selección de obras de una lectura conjunta, sólida y homogénea", según el comisario de la exposición y director del proyecto GCS, José Álvarez. Para la profesora de Teoría de la Literatura Celia Fernández Prieto, tal como señala en el texto realizado para el catálogo, "la alianza de geometría y cromatismo se exhibe en la combinación armónica de estratos de diversa anchura o longitud, en las texturas sutiles de los fondos de lienzo, siempre trabajados con esmero, en la estudiada disposición de bandas cromáticas limpias. En ellos y sobre ellos se inscribe un texto breve, generalmente una cita desgajada totalmente de su contexto original. La composición aparece formalmente impecable, con unos juegos de color seductores y con un acertado equilibrio rítmico entre las líneas horizontales y verticales del fondo y el cuerpo de las letras". Para Fernández Prieto, la creatividad de José María Baez "hunde sus raíces en un amplio conocimiento y una asimilación inteligente de las aportaciones teóricas y de las innovaciones revolucionarias que las vanguardias realizaron en la escritura poética, en el uso de la palabra como imagen y en el diseño gráfico y tipográfico".

17/11/2014

Equipo 57 en El trabajo de lo visible

Obra de Equipo 57 en El trabajo de lo visible en la galería Odalys. Foto: Cortesía de la galería
Redacción / Ars Operandi

Obras de Equipo 57 forman parte de El trabajo de lo visible, una muestra comisariada por Alfonso de la Torre para la galería Odalys, que incluye una selección de autores que han investigado en torno al mundo de las formas "desde lo que podríamos llamar una geometría hacia los límites, en el sentido de rebasar la mera revisión geómetra". Para Alfonso de la Torre han sido numerosos los artistas "que se han enfrentado a la búsqueda de eso que se puede calificar de realidad esencial, con un punto de partida caracterizado por la absoluta necesidad del descubrimiento del hecho artístico desde su propio quehacer, artistas para quienes ejercer la creación era, también, un crecimiento de orden mental". Un proceso, asegura, "no exento de dramatismo, indagación urgente y difícil sólo concebible para personalidades complejas, en el que permanecería insistente la búsqueda infatigable de la idea de la abstracción. Muchos de estos creadores han abordado un mundo plenamente despojado asentado en la realidad, siendo capital la indagación en torno a los materiales utilizados en el ocio de pintar. Vindicación así del quehacer diario en la soledad del estudio, del trabajo enfrentado a lo pictórico, ejercicio de la sinceridad y de un sofisticado modo de encarar la pintura". El trabajo de lo visible reúne el trabajo de 45 artistas entre los que podemos encontrar nombres históricos como Jorge Oteiza o Pablo Palazuelo, generaciones intermedias como Soledad Sevilla, Teixidor o Gerardo Delgado y artistas más recientes como Martin Freire o Manu Muniategiandikoetxea.

Obra de Pablo Palazuelo en El trabajo de lo visible en la galería Odalys. Foto: Cortesía de la galería
Equipo 57 propone, según afirma Alfonso de la Torre, "el trabajo en equipo mostrando una preocupación, casi de rango conceptual, por el espacio plástico y la interactividad de éste, otrosí, la conjunción de matemáticas y arte. Desde sus primeras exposiciones en ‘Le Rond Point’ o en la galerie de Denise René (Paris, 1957) hasta las posteriores en Madrid, Córdoba o Zurich, siempre acompañarían su actividad artística con manifiestos, artículos de prensa o conferencias, en las que expresaban sus preocupaciones por el devenir del arte y el papel del artista en la sociedad, desde la máxima declarada que “una de las labores del arte es desenmarañar su propia estructuración dentro de la sociedad”. Arte de esencia bauhasiana, ya citaremos esta misma referencia al mencionar otros artistas en este texto, compartían con aquellos la idea del arte como un lugar para la reflexión y el diálogo con el espectador. Algo que mostrarían en la madrileña Sala Negra del Museo Nacional de Arte Contemporáneo (1957), cuando presenten su texto sobre la interactividad del espacio plástico. Para el Equipo 57 conceptos básicos son el estudio de las relaciones entre el espacio y el color, la zona de in flexión surgida de la transformación de un espacio (de convexo a cóncavo) por el encuentro con otro, y las zonas de incidencia que recogen, en la unidad del plano, el encuentro de, al menos, tres espacio-colores. Este grupo concibe la escultura como resultado de la presencia de los duplos espacio-masa y espacio-aire. Desde sus orígenes el Equipo 57 luchó contra la concepción tradicional del artista: la que hace de éste un individuo dotado de cualidades especiales que le distanciarían de la sociedad. Para reintegrar al artista a ésta, de la que debía ser partícipe, consideraban necesaria la unión de los creadores, que serviría también para la defensa de sus intereses específicos como profesionales".

El trabajo de lo visible
Comisario: Alfonso de la Torre
Galería Odalys. Orfila 5, Madrid
Del 20 de noviembre al 17 de enero

8/11/2014

Elo Vega y Rogelio López Cuenca revisarán la estatuaria pública en Córdoba desde Lapidarivm Cordvbensis

Elo Vega y Rogelio López Cuenca. Foto: Cortesía de UCO Cultura


Redacción / Ars Operandi

Organizado por UCO Cultura, Córdoba acoge desde el próximo martes 11 de noviembre Lapidarivm Cordvbensis, Taller para la elaboración de una Guía crítica de la estatuaria pública de Córdoba, un proyecto de Elo Vega y Rogelio López Cuenca  que se plantea, según sus responsables, "como una operación de rastreo, tras la fachada de la ciudad banal, de las huellas de la ciudad inconsciente, realizando una especie de psicoanálisis colectivo de la conciencia grupal a partir de los lapsus que marcan sus monumentos que, normalmente en contra de su voluntad o la de sus comitentes, exponen no sólo la relación entre nosotros y ellos, sino también entre el presente y el pasado". El propósito final es configurar un nuevo mapa de la ciudad "que puede leerse como una colección de trofeos, como una exposición pública del botín acumulado por los sucesivos vencedores a lo largo de la historia. La ciudad es un depósito de documentos. De todo tipo, también un almacén de casos archivados, cerrados, no resueltos, olvidados: un archivo de la omisión, constituido por las páginas arrancadas de la memoria de los ignorados y los versos tachados de la canción común". El taller, que consta de cuatro jornadas, se llevará a cabo en la Facultad de Filosofía y Letras, en el Mercao Social La Tejedora y en La Casa Azul, con temas a tratar como Ciudad, arquitectura, urbanismo, arte y espacio público; Arte en la calle, arte público; Arte y propaganda, monumentos y antimonumentos o Prácticas artísticas contemporáneas en el espacio público, entre otros.

El proyecto de Elo Vega y Rogelio López Cuenca, en línea con otros trabajos realizados en común "parte de un territorio fronterizo que participa simultáneamente de los presupuestos de la investigación propia de las ciencias sociales, por un lado, y de experimentación formal característica de las prácticas artísticas contemporáneas, por otro". El proyecto tiene precedentes previos en experiencias realizadas en ciudades como Lima, Roma, Málaga, Mataró, México o Valparaíso, y que han tenido como resultado obras interactivas y accesibles en Internet, como www.mappadiroma.it, www.mapademexico.net o www.valparaiso-whitenoise, y sobre todo los proyectos Efigies y Fantasmas. Guía Monumental de Huelva, producido en 2012 y el trabajo en curso en la Universidad de Granada Mármoles con caracteres extraños. Tanto Elo Vega como Rogelio López Cuenca realizan su obra desde una perspectiva crítica, tratando cuestiones sociales y políticas, de género y de análisis cultural a través de una práctica artística que comprende procedimientos diversos como la fotografía, la imagen en movimiento, el arte en la red y otras disciplinas procedentes tanto de las artes plásticas como de la literatura o las ciencias sociales.

Elo Vega y Rogelio López Cuenca 
Lapidarivm Cordvbensis 
Taller para la elaboración de una Guía crítica de la estatuaria pública de Córdoba 
Martes 11 de noviembre. Mercao Social La Tejedora (C/ Gutiérrez de los Ríos, 10), 20 h. 
Miércoles 12. Facultad Filosofía y Letras, Aula 21, 19:30 h. 
Jueves 13. Casa Azul (C/ Muñoz Capilla, 15) 19:30 h. 
Viernes 14. Facultad Filosofía y Letras, Aula 21, 19:30 h. 
Entrada libre y gratuita

6/11/2014

Pepe Espaliú, biblioteca personal. Una descripción a manera de inventario

Anaqueles de la biblioteca de Pepe Espaliú en el C.A.P.E. Foto: Ars Operandi
José María Baez para Ars Operandi

En 1960 publicó el crítico de arte Juan A. Gaya Nuño un breve opúsculo (Un conflicto: literatura y arte) en el que denunciaba como los escritores y los artistas vivían de espaldas unos a otros. El problema sigue latente de alguna manera pero al menos, en el caso de Pepe Espaliú y a la vista de los volúmenes que conformaban su biblioteca personal, es evidente que estamos ante un artista que sentía la necesidad de la literatura, que frecuentaba y disfrutaba con su lectura, que se adentraba en su territorio para engrandecer las fronteras de su trabajo artístico.

La biblioteca de Espaliú era un proyecto personal y, como tal, atendía a sus gustos y necesidades. Tenía lagunas y ausencia de nombres y, al mismo tiempo, sobreabundancia de autores. Como no podía ser de otra forma, también era un registro generacional y por tanto denota las modas y tendencias del tiempo en que se formó. Ese tiempo se corresponde básicamente con las décadas de los 80 y 90 del siglo XX, secuencia en la que transcurrieron los años de crecimiento intelectual de su propietario. A través de los volúmenes existentes detectamos las reivindicaciones literarias que tuvieron lugar en esos años, los géneros y autores que fueron rescatados del olvido, como ocurrió con la novela de aventuras, presente con títulos firmados por los ingleses Arthur Conan Doyle, William Beckford ó H.Rider Haggard, el escocés Robert Louis Stevenson y el francés Julio Verne, del que se amontonan los ejemplares hasta casi formar su completa bibliografía, o la llamada ficción de terror con obras de H.P.Lovecraft y Bram Stoker.

En la numerosa y amplia sección de literatura los libros cohabitan en español y francés mayoritariamente, aunque existen ejemplares en inglés. Junto a la novelística y el cuento, donde predominan Poe, Borges, Nabokov y Octavio Paz mezclados con la atemporalidad clásica de Cervantes, Shakespeare ó Balzac y los inclasificables Bataille y André Gide, destaca la presencia de poetas como Cernuda, René Char, Paul Celan, Kavafis y José Ángel Valente, sin olvidar a Virgilio y una sorprendente colección de antologías poéticas católicas, que al parecer “heredó” en torno al año 1975 de un inquilino seminarista que habitó antes que él un estudio en Barcelona.

Arrastrar a lo largo del tiempo, y la sucesión de hogares y ciudades en las que vivió, con estas curiosas antologías nos indica lo apegado que se sentía a sus libros y el aprecio que sentía por ciertas rarezas bibliográficas. Prueba de ello es el poemario, conseguido sin duda en alguna librería de lance, Misterio de la Poesía de César González Ruano, aparecido en Roma en 1938 y en una edición muy limitada.

José María Baez y Manolo Espaliú en el acto de recepción de la biblioteca de Pepe Espaliú. Foto: Ars Operandi

A través de un comentario en una postal que le envió Juan Vicente Aliaga, y que se conserva en el Archivo documental, igualmente dependiente del Centro Pepe Espaliú, sabemos que leía a los poetas de Cántico. En una comunicación personal que me envió desde París, Espaliú mostraba su entusiasmo por haber descubierto en una exposición sobre revistas poéticas el número que esta revista cordobesa dedicó a Cernuda en 1955. Nada sorprende, por tanto, que su biblioteca contenga antologías de Ricardo Molina y Juan Bernier junto al estudio que al grupo dedicó Guillermo Carnero.

En la sección de arte se detecta también el registro temporal, aparte de sus personales filias. Espaliú sentía una fascinación especial por el dadaismo y el surrealismo. Frente a la nómina de artistas más conocidos, como Picabia, Dalí, Max Ernst, Miró o René Magritte, destacan otros autores como Meret Oppenheim, Victor Brauner o Marcel Märien, con abundancia de catálogos. Tampoco escapaba a su atención el futurismo italiano, representado por monografías sobre Carlo Carrá, Mario Sironi, Depero y Enrico Prampolini, sin desdeñar a de Chirico.

Son muy escasos, en cambio, los estudios dedicados a las culturas antiguas, si se exceptuan las precolombinas y africanas. En cuanto a la pintura antigua sólo contaba con dos títulos sobre Murillo y Arcimboldo y la consiguiente nómina de renacentistas italianos (Piero de la Francesca, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael...)

Esta ausencia de norteños y centroeuropeos en épocas antiguas se equilibra respecto al arte contemporáneo, donde destacan los suizos Paul Klee y Giacometti, muy bien representados. Pero también, y esto es igualmente otra rareza, el checo Josef Sima, que cuenta con tres volúmenes. Los alemanes no van a la zaga y disponen de monografías en un amplio abanico generacional, desde Oskar Schlemmer a Martin Kippenberger, pasando por Eva Hesse y Sigmar Polke. Los americanos, por su parte, cuentan con títulos de Joseph Cornell, Ad Reinhardt, Bruce Nauman, Annette Lemieux... Todo ello sin olvidar a quienes Espaliú tuvo como referentes y modelos (Joseph Beuys y Louise Bourgeois) y a quien ayudó a salir del ostracismo crítico en el que se encontraba (Joan Brossa).

Manolo Espaliú y Jose María Baez ojean un libro de dibujos de Louise Bourgeois. Foto: Ars Operandi
Junto a ellos una amplia nómina de teóricos del arte y la comunicación (algunos ya olvidados por el vaivén crítico) como Heinrich Wölfflin, Gillo Dorfles, Abraham A. Moles, Tom Wolfe (La palabra pintada), Harald Szeemann, Catherine Millet... que se suman a algunas singularidades, como una pequeña monografía sobre Renoir publicada en París en 1923, las ilustraciones que André Derain realizó por encargo de una tienda parisina o el número 1 de la revista “Arte”, publicada en Madrid en 1932 por la Sociedad de Artistas Ibéricos.

Frente a estas disciplinas de la literatura y el arte, el otro apartado de considerable atención lo constituyen los títulos sobre filosofía y pensamiento, estudios sobre psicoanálisis y sociología y textos sobre religión. En este caso el espectro formativo es mucho más compacto, más completo y enciclopédico, con ejemplos sobre la filosofía clásica representada por textos de Platón, Aristóteles y Lucrecio, entre otros, y seguida por trabajos de Kant, Nietzsche, Karl Jaspers, Martin Heidegger, Karl Marx o Sigmund Freud, así como textos y reflexiones de pensadores más cercanos en el tiempo, fundamentalmente pertenecientes al ámbito francés del que fué muy dependiente, y concretados en Jacques Lacan, Gilles Deleuze, Foucault, Derrida o Julia Kristeva.

Otro apartado final lo constituye la colección de revistas, muy diversas y variopintas. También aquí vuelve a producirse la variedad temática. Frente a publicaciones muy específicas como Poesía, Antorcha de Paja, Trece de Nieve, Cuadernos del Norte, Flash Art, Parkett ó Artforum, nos encontramos otras dedicadas a la cultura en general y al pensamiento. Aquí la dispersión es doble, pues frente a la abundancia de títulos se contrapone el escaso número acumulado de estas publicaciones.

Muy cerca del lugar físico en el que se ubica el Centro de Arte Pepe Espaliú, en su casa de la hoy calle Martínez Rücker, moría en 1608 el pintor y poeta cordobés Pablo de Céspedes. Tras su muerte tanto su biblioteca como sus papeles personales y singular colección de dibujos se dispersó. Correspondió a otro pintor, Juan de Alfaro, tratar de volver a unir esa colección de dibujos. Empeño cumplido sólo parcialmente. Los documentos y papeles que ilustran sobre nuestra vida, que van entretejiendo nuestra biografía, son prenda de frágil deterioro y fácil pérdida. Recuperar la biblioteca personal de Espaliú, a los 21 años de su muerte, para el Centro de Arte que lleva su nombre es por tanto un motivo de júbilo que debemos agradecer a cuantos, y sobre todo a su familia y en concreto a su hermano Manuel, lo han hecho posible.



3/11/2014

Una exposición en José de la Mano reivindica el papel de Equipo Córdoba

Dibujo de Equipo Córdoba. Foto: Cortesía Galería José de la Mano
Redacción / Ars Operandi

La galería madrileña José de la Mano expone en estos días De la Escuela Experimental al Equipo Córdoba, una muestra que pretende ofrecer una relectura del papel del Equipo Córdoba como un colectivo autónomo y alejado de la sombra de Equipo 57. Se trataría de saldar así "la asignatura pendiente" que, según afirman sus organizadores, ha relegado al colectivo de artistas a una posición subsidiaria respecto a Equipo 57. Para el galerista José de la Mano "la percepción contemporánea del Equipo 57 como un grupo compacto en número de integrantes, para estos primeros años de su existencia es totalmente errónea. Este concepto de estar todos juntos se visualiza perfectamente al contemplar las fotografías inéditas de estos meses de 1958 que presentamos en la exposición. En efecto, por encima de cualquier otro interés personalista, su intenso trabajo de esa época en Copenhague se presenta a los tres meses en público en el Museo Thorvaldsen bajo una única cartela, la del Equipo 57. Pero paradójicamente el paso del tiempo, y quizás también por una sesgada y oportunista reconstrucción historiográfica, ha venido a distorsionar la, en el fondo utópica, voluntad de estos jóvenes artistas geométricos".

Dibujo de Equipo Córdoba. Foto: Cortesía Galería José de la Mano
La génesis de Equipo Córdoba habría que situarla en la denominada Escuela Experimental de Pintura, un colectivo formado en 1954 e integrado por jóvenes alumnos del pintor José Duarte (Francisco Arenas, Segundo Castro, Manuel García, Manuel González, Alejandro Mesa y José Pizarro), quien les impartió docencia primero en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Córdoba y posteriormente en su propio taller. Aún bajo el nombre de Escuela Experimental celebran su primera exposición en noviembre de 1957 en la Sala Negra de Madrid, una galería de arte sostenida por la familia Huarte en la que meses antes había expuesto Equipo 57. Para el historiador Ángel Llorente, comisario de la muestra, "la estrecha vinculación de la Escuela Experimental, que no dependencia, con Equipo 57 fue decisiva para la gestación y la trayectoria del Equipo Córdoba". La cercanía del grupo con Equipo 57 lleva a dos de sus miembros, Segundo Castro y Alejandro Mesa, a viajar a Dinamarca junto a Luis Aguilera Bernier y los componentes de Equipo 57, Ángel Duarte, Agustín Ibarrola y Juan Serrano donde residieron durante un periodo de algo más de tres meses. Parte de las más de sesenta obras hechas durante su estancia se expusieron en el Museo Thorvaldsen de Copenhague en abril de 1958, "como trabajo de cinco de los miembros de Equipo 57 y de Castro y Mesa como invitados.

Dibujo de Equipo Córdoba. Foto: Cortesía Galería José de la Mano
La teoría artística y la obra plástica de Equipo Córdoba, indica Ángel Llorente, estuvieron "como la de Equipo 57, totalmente imbricadas. La primera la recogieron en el ensayo Consideraciones estéticas generales, fechado en Córdoba en enero de 1959 y en un texto sin título publicado en la hoja catálogo de su exposición de noviembre de 1960". Como hiciera Equipo 57, afirma, "Equipo Córdoba trabajó con espacio-color en pintura y espacio-masa y espacio-aire en escultura, es decir, en la línea de la denominada por el primero Interactividad del espacio plástico. También, como hizo ese grupo, Equipo Córdoba eliminó en sus pinturas la línea recta, por ser un obstáculo para la buscada representación plástica de la continuidad y el dinamismo espaciales. Además, lo mismo que Equipo 57, concibieron sus creaciones no como obras artísticas acabadas, en el sentido tradicional, sino como investigaciones que, hechas realidad en pinturas y esculturas, podrían servir, al igual que sus reflexiones, para llegar a nuevas soluciones arquitectónicas".

Dibujo de Equipo Córdoba. Foto: Cortesía Galería José de la Mano
Similares coincidencias advierte Ángel Llorente respecto a la autoría de las obras. Al igual que las de Equipo 57, "las de Equipo Córdoba no eran firmadas por los integrantes del colectivo, sino que se presentaban bajo una única autoría, la del equipo, que era, por lo tanto, creador grupal desde el momento en que se trazaban los primeros bosquejos y se discutía sobre la validez de los mismos". "El que las obras fuesen firmadas con el nombre de los grupos no significa que necesariamente todos sus miembros participasen en hacerlas, ya que con frecuencia trabajaban más los artistas de mejor oficio". Aunque Equipo Córdoba "solo hizo una exposición individual con ese nombre, a finales del año 1960 en Sevilla que serían dos, si añadimos la de la Escuela Experimental en Madrid, de noviembre de 1957. Su participación en colectivas se redujo a tres exposiciones, la hecha con Equipo 57 en Copenhague en 1958; la conocida como Exposición de pintura contemporánea, abierta en Córdoba en mayo de 1959, donde expuso con el nombre de Grupo Funcionalismo y publicó un manifiesto firmado por Alejandro Mesa, García Merina, Pedro M. Pardo y Segundo Castro; y la Primera Exposición Conjunta de Arte Normativo Español, en Valencia en marzo de 1960, que fue organizada por el crítico Vicente Aguilera Cerni".

Cuaderno de dibujos de Equipo Córdoba. Foto: Cortesía Galería José de la Mano

La autonomía del grupo de jóvenes artistas cordobeses es reclamada por Ángel Llorente al considerar que "sería un error grave considerar que Equipo Córdoba fue únicamente una especie de filial de Equipo 57 o, si se prefiere, un seguidor ciego del mismo. Es innegable que algunos de los escasos cuadros conservados de Equipo Córdoba son muy parecidos a los del otro grupo, como también lo son algunos dibujos preparatorios. Es lógico, dada la similitud de sus planteamientos teóricos de partida y el trabajo compartido codo con codo con los del 57; otros son claramente diferentes, tanto por su forma como por sus principios teóricos". La reciente aparición de 25 dibujos pertenecientes a Equipo Córdoba ha dado pie a la realización de la muestra de la galería José de la Mano. Respecto a los dibujos hallados, Ángel Llorente indica que podrían ser clasificados en tres bloques, "el primero y más antiguo, posiblemente procedente de los años 1954 y 1955, lo constituyen la mayoría de los bosquejos del bloc de dibujo. El segundo lo integran alrededor de veinte dibujos hechos entre 1954 y 1956. El tercero, que dataría de 1957, se reduce a seis hojas con esquemas de trabajo, que serían muestras de sus investigaciones sobre el espacio plástico bidimensional y bocetos para pinturas. Este bloque es el más parecido a los dibujos y pinturas de Equipo 57". La exhibición de estos dibujos y bocetos y su análisis relacionado permite, concluye Llorente, "inscribir a sus autores en la fructífera corriente abstracta geométrica de la vanguardia artística española del siglo XX. La recuperación definitiva de Equipo Córdobajunto con su precedente Escuela Experimental de Córdobaera una más de las tareas pendientes de nuestra historiografía artística que, ahora, gracias al hallazgo de estos dibujos, podemos abordar mejor"


De la Escuela Experimental al Equipo Córdoba. 1954-1957
Comisario: Ángel Llorente
Galería José de la Mano. Madrid
Hasta el 5 de diciembre



31/10/2014

Aptitudes 2014, no solo música

Javi Álvarez en Aptitudes
Juan López López, comisario de Aptitudes, para Ars Operandi

Aptitudes 2014, el Encuentro de cultura contemporánea Alfonso Ariza, iniciaba su andadura en La Rambla a principios de octubre poniendo el foco principal de acción en la Música como elemento fundamental de desarrollo personal, cohesión social y crecimiento económico. Durante estas semanas el público infantil ha sido el objetivo y protagonista a partir de las propuestas diseñadas por dos proyectos cordobeses. El primero de ellos es Tararea Laboratorio Musical, un equipo de profesionales del ámbito educativo musical, especialmente sensibilizados con la importancia de la enseñanza de la música a partir de metodologías divertidas y motivadoras. En Aptitudes han desarrollado un taller de estimulación musical temprana (para bebés desde 10 meses a 3 años) a partir de los cuales el alumnado obtenía una serie de herramientas que potenciaban aspectos intelectuales, físicos, emocionales y sociales. El segundo es La Casa de Tomasa, un proyecto que pretende acercar la arquitectura a la infancia y ayudar a descubrir y comprender nuestra relación con la ciudad y sus formas. “La Rambla, espacio de juego” es el título de la acción realizada para Aptitudes: una propuesta artística, social y lúdica como reflexión del espacio público y su uso como espacio de juego por la infancia rambleña, donde se ha experimentado y tomado conciencia del patrimonio cultural, espacial y sonoro de tres entornos declarados Bien de Interés Cultural en La Rambla, y guiados por el binomio música tradicional-contemporánea.

LCC en Aptitudes
Este fin de semana la séptima edición del proyecto rambleño, enmarcado en el programa Periféricos de la Diputación de Córdoba, alcanza su ecuador con dos actuaciones en directo, gratuitas y para todos los públicos. El sábado 1 de noviembre, a las 22:30h, se presentará en directo “d/evolution”, el primer LP de las asturianas LCC (LasCasiCasiotone), publicado por el prestigioso sello austríaco Editions Mego. Ana Quiroga y Uge Pañeda son parte de la prometedora escena de música electrónica española, más reconocida fuera de nuestro país y aún por descubrir dentro de nuestras fronteras, y ya han pasado por centros de arte de referencia como CCCB, LABoral, Centro Niemeyer y Hangar, además de haber participado en festivales como L.E.V. Para Aptitudes han diseñado una propuesta creativo-musical en colaboración con alumnos y alumnas de la Escuela Municipal de Música y Danza de La Rambla que tendrá su punto fuerte en el interior de la Ermita de la Concepción, un pequeño y austero templo barroco que con la presencia de las artistas y las voces angelicales de los alumnos y alumnas de canto, y en combinación con las poderosas composiciones electrónicas catalogadas en el subgénero del ambient, con desarrollos vigorosos y espectacular capacidad evocadora, permitirán a los espectadores asistentes sumergirse en una experiencia sensorial con cierto afán de trascendencia y dos claros objetivos: abrir nuevos caminos en la enseñanza musical a partir de géneros experimentales y descubrir el inmenso poder de evocación de la música contemporánea más alejada de los parámetros comerciales.

Para el siguiente día, domingo 2 de noviembre y a las 12:30h, Javi Álvarez pondrá en marcha en el interior del Museo de la Cerámica uno de sus famosos entremeses musicales titulado “Llama Bar: Sesión Vermú”. Un formato entre el concierto, la conferencia y lo teórico-performático, terrenos por donde transita este gallego afincado en Madrid, todos abonados con ingentes dosis de humor, electrónica vintage y desvarío punk. Básicamente, una mezcla de palique intenso, acompañado de videoartes marciales y sonido renegade en auténtico 2D. Y sin dejar de mirar el territorio inhóspito que pisa por primera vez. Javi demostrará como de la cerámica rambleña es capaz de extraer no solo sonoridaz sino la inspiración para componer piezas video-musicales específicas. Álvarez es artista multidisciplinar, DJ y hombre orquesta que también ha pasado por reconocidos festivales como Sónar y LEM, y por centros de arte como CCCB o el CA2M. Para concluir la programación de Aptitudes 2014, Subtónica (Javier Estévez y Luis Rubén Gallardo) presentarán en La Rambla el 26 de noviembre su libro Rock y Educación, propiciando un foro-debate entre la comunidad educativa y musical rambleña donde exponer las diversas estrategias y herramientas de intervención educativa usando la música rock.




30/10/2014

J.M. Córdoba vuelve a Studio 52 cuarenta años después

Hombre con pez en la cabeza, bronce de José María Córdoba. Foto: Cortesía del artista

Redacción / Ars Operandi

En enero de 1975 y siendo aún estudiante de Bellas Artes en Sevilla, José María Córdoba realizaba su primera exposición individual. El lugar, un espacio emblemático de la historia del arte local, la galería Studio 52, epicentro en aquella época del ambiente artístico y cultural de la ciudad. Inaugurada en abril de 1972 y regentada por el fotógrafo José Jiménez Poyato por Studio 52 pasaron la mayoría de los artistas cordobeses del momento. Durante esos años, explica Jose María Córdoba,  "la galería era frecuentada por artistas de la talla de Pepe Morales, Aguilera Amate, Ojeda, Serrano, Duarte, Marcial Gómez, Ariza, Zueras, Pedro Bueno, Liébana y tantos otros que formaron parte de mi aprendizaje como artista". Cuarenta años después Córdoba vuelve al espacio donde realizó su presentación con una selección de esculturas en bronce realizadas en los últimos años. Las esculturas, de pequeño formato, plantean juegos formales y conceptuales a partir de las relaciones que se establecen entre dualidades: perro con máscara, hombre con pez, mono que lee un libro.

Esculturas en bronce de J.M. Córdoba en la galería Studio 52. Foto: Cortesía del artista

Aunque afincado en Fuengirola desde principios de los 80, José María Córdoba ha mantenido a lo largo de su carrera una estable relación artística con la ciudad que data de 1975, fecha de su primera individual. Por esos mismos años su obra se puede contemplar en algunas de las galerías con las que contaba la ciudad como Atrium, Juan de Mesa o Manuela. Tras un paréntesis de diez años, la obra de Jose María Córdoba vuelve a la ciudad de la mano de la galería 2000. En el año 2000 vuelve a colgar en Studio 52, antesala de su colaboración con la galería Carmen del Campo. Allí se han podido contemplar sus dos últimas exposiciones individuales en la ciudad, Lingua franca en 2003 y Las Tentaciones de San Antonio en 2008. De manera colectiva la obra de José María Córdoba ha estado presente en algunas de las muestras más significativas del arte cordobés de las últimas décadas como Córdoba. Arte Contemporáneo 1957-1990, Pintar el Museo en el Museo de Bellas Artes, Figuras Contaminadas en el Palacio de la Merced y próximamente en 60 años de Arte Contemporáneo en Córdoba

Bronce 
José María Córdoba
Galería Studio 52 Juan Bernier
Hasta el 21 de noviembre

28/10/2014

Ut pictura poesis: una revisión contemporánea por José María Baez

Una vista de la intervención de José María Baez en Filosofía y Letras. Foto: Isabel Olmo / GCS
Redacción / Ars Operandi

El proyecto Galerías Cardenal Salazar (GCS) comienza una nueva temporada expositiva con la intervención de José María Baez titulada Todo es representación, una serie de treinta y siete obras datadas desde 1988 a 2006, en las que Báez parte de las experimentaciones llevadas a cabo por las vanguardias en el campo de la poesía para encontrar paralelismos plásticos. Esta vinculación literaria es "una espectacular intervención que logra anudar un hilo conductor entre las pinturas de José María Baez y el espacio expositivo, y que dota a la selección de obras de una lectura conjunta, sólida y homogénea", según el comisario de la exposición y director del proyecto GCS, José Álvarez. Para la profesora de Teoría de la Literatura Celia Fernández Prieto, tal como señala en el texto realizado para el catálogo, "la alianza de geometría y cromatismo se exhibe en la combinación armónica de estratos de diversa anchura o longitud, en las texturas sutiles de los fondos de lienzo, siempre trabajados con esmero, en la estudiada disposición de bandas cromáticas limpias. En ellos y sobre ellos se inscribe un texto breve, generalmente una cita desgajada totalmente de su contexto original. La composición aparece formalmente impecable, con unos juegos de color seductores y con un acertado equilibrio rítmico entre las líneas horizontales y verticales del fondo y el cuerpo de las letras". Para Fernández Prieto, la creatividad de José María Baez "hunde sus raíces en un amplio conocimiento y una asimilación inteligente de las aportaciones teóricas y de las innovaciones revolucionarias que las vanguardias realizaron en la escritura poética, en el uso de la palabra como imagen y en el diseño gráfico y tipográfico". 

José María Baez, Todo es representación (detalle). Foto: Isabel Olmo / GCS

Con Todo es representación, las GCS comienzan su tercer año académico de funcionamiento, en una apuesta por convertir la Facultad de Filosofía y Letras en un espacio de confluencia entre la investigación y la difusión de la creación artística contemporánea. El proyecto tiene como uno de sus principales activos la participación del alumnado, que de este modo tienen la posibilidad de realizar como prácticas trabajos entre los que se incluyen la redacción de hojas de sala, elaboración de textos críticos, relaciones con los medios de comunicación, redes sociales, programas de difusión, educativos, etc., en un proceso de aprendizaje práctico que refuerza las competencias adquiridas con vistas a la inserción laboral y la carrera profesional. Del mismo modo, el proyecto pretende alternar las exposiciones de artistas consagrados junto a los novísimos valores, además de favorecer la presentación de propuestas curatoriales por parte del alumnado participante. Para los responsables de las GCS, la respuesta que el proyecto ha obtenido desde sus comienzos por parte de los creadores "no puede ser más positiva, contando entre la nómina de artistas cuyas obras han sido expuestas nombres indiscutibles de la plástica contemporánea junto con artistas emergentes que mediante esta vía realizan en muchos de los casos su primera exposición pública". 

José María Baez (Jerez, 1949) inició su carrera artística en la literatura, fundando en 1968, junto a Rafael Álvarez Merlo y otros, la revista de poesía Zaitún (Córdoba, 1968-1969). En 1973 publica en Málaga Trepanación / Pernil miserable / Carrozas reales, conjuntamente con Fernando Merlo. Durante la década de los setenta madura su paso a las artes plásticas y en 1980 accede a la Beca Nuevas Formas Expresivas del Ministerio de Cultura, comenzando en esta década un trabajo continuado tanto en el campo de la creación pictórica como en las intervenciones de arte público y comisariado de exposiciones. En cuanto a las exposiciones individuales, Baez ha realizado una serie continuada de muestras desde 1970 tanto en galerías y ferias de arte como en museos, siendo muy numerosas las muestras colectivas en las que ha participado. Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas.


Todo es representación 
José María Baez 
Galerías Cardenal Salazar 
Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Córdoba 
Plaza del Cardenal Salazar, 3 
Comisario: José Álvarez 
Hasta el 31 de enero de 2015

24/10/2014

Todo lo que subyace. Trabajos de Fernando M. Romero en la Beca Pilar Montalbán

All that lies below_01/02. Cinta PVC y panel de yeso sobre pared. Foto: FMR
Redacción / Ars Operandi

Continúa imparable la trayectoria ascendente de Fernando M. Romero (Córdoba, 1978). Si meses atrás dábamos cuenta de su paso por las galerías Paz y Comedias de Valencia, AJG de Sevilla, CoMbo en Córdoba y Siboney de Santander, amén de su participación en ferias como Arte Santander y Estampa, ahora le toca el turno a Elche donde hoy presenta All that lies below/ Todo lo que subyace. Se trata de una recopilación de los trabajos fruto de la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán que el artista cordobés obtuvo en 2013.  La beca, convocada para artistas menores de 35 años, está dotada con 6.000 euros e incluye la edición de un catálogo y la realización de una individual con los trabajos realizados a lo largo del año. Plegados, el proyecto del artista cordobés, quien ya quedó finalista en la tercera edición, fue seleccionado entre casi noventa propuestas de pintores españoles o residentes en España.

All that lies below_01/02. Cinta PVC y panel de yeso sobre pared. Foto: FMR
Fernando M. Romero continúa en All that lies below/ Todo lo que subyace un proceso de trabajo en el que manipula y distorsiona las imágenes "hasta lograr una fractura entre la codificación visual resultante y su referente original". Una reflexión sobre la naturaleza de la imagen que pretende cuestionar su condición artificial y los procesos que intervienen en su construcción. Plegados, el proyecto que da pie a este trabajo, surge de la necesidad de "profundizar en estos procesos previos en el estudio y abordar de una forma más directa los problemas con la imagen y sus manipulaciones ya presentes en mi obra". Fernando M. Romero pone especial atención en los procesos que "desencadenan, nutren y condicionan mi actividad pictórica, buscando así desvelarlos y hacerlos más evidentes".

All that lies below_01. (detalle) Cinta PVC sobre pared. Foto: FMR
Aunque el territorio connatural de Fernando M. Romero es la pintura, a partir de 2011 ésta comienza a desbordar la superficie del cuadro para situarse dentro de un campo expandido que integra además la instalación, fotografías y objetos. A este respecto, Sema D'Acosta, autor del texto del catálogo editado con motivo de la muestra, refiere que "aunque la problemática de cada ámbito requiere posiciones distintas, existe en todos sus trabajos un componente sintáctico, intrínseco al lenguaje pictórico, que se mantiene invariable desde sus inicios. Sus preocupaciones son de orden conceptual antes que procedimentales, por eso lo que encontramos en su obra es un permanente cuestionamiento del medio que rebate no sólo sus fronteras, sino también la manera en que se construye una representación artística o es percibida por el espectador. Lejos de la ortodoxia canónica del género, sus planteamientos van acumulando estratos de complejidad hasta confundir el carácter de sus piezas, que en muchos casos no son ni una cosa ni la otra, sino más bien una mezcla amplificada de valores diferentes que superan las preocupaciones habituales de la pintura para adentrarse por otros derroteros más profundos que nos hacen pensar sobre lo que vemos y cómo se construye la realidad al modo en el que lo describe John Berger, evitando los juicios preestablecidos y asumiendo el peso de la contemporaneidad".

Un_folded_02.  C-print sobre papel fotográfico. Fernando M. Romero, 2014
Como resulta ya habitual en sus proyectos, Romero ha ideado para su comparecencia en Elche  una propuesta que tiene mucho que ver con el sitio específico. En la planta baja ha dispuesto una de sus fragmentadas intervenciones reticulares realizadas con cinta PVC. La novedad estriba ahora, como indica Sema D'Acosta, "en que de manera natural incorpora distintos planos, un ensanche tridimensional que se apropia del espacio para crear un volumen inexacto que se independiza y adquiere sus propias reglas. Así, como en los rigurosos grabados de fidedignos interiores inexistentes que inventara Piranesi, donde lo que creemos divisar se desvanece una y otra vez sin saber bien en qué dimensión situarlo, aquí el artista crea de nuevo una partitura especulativa a modo de ensayo, una tentativa que no hace más que corroborar sus incesantes exploraciones con el medio y su multiplicidad de enfoques".

Folded_01. Óleo sobre papel. Fernando M. Romero, 2013
De esta manera la obra del artista cordobés se convierte, en palabras de D'Acosta, en un "audaz ejercicio tautológico donde lo verdaderamente trascendente no es la imagen que se consigue, sino la reivindicación del acto de pintar como una práctica mental compleja y ramificada que se sitúa al mismo nivel que cualquier otra expresión intelectual sostenida por el pensamiento. En este sentido, es clave desglosar el proceso y dar protagonismo a todo lo que ocurre en el estudio, una investigación que gracias a la cámara permite ahora destapar aquellos procedimientos motores que antes quedaban silenciados. Al incluir la fragmentación del tiempo como variable que registra los cambios y permite escarbar en las circunstancias intermedias que hacen progresar la actividad creativa, esta nueva coordenada mide de igual modo el hecho pictórico y sus consecuencias, una dilatación que refuerza la importancia de las ideas por encima de las materializaciones y utiliza el mismo rasero para ponderar un óleo sobre lienzo, una intervención en la pared o una fotografía".

All that lies below/ Todo lo que subyace
Fernando M. Romero
IV Beca de Pintura Pilar Montalbán
Centro Municipal de Exposiciones de Elche