viernes, 18 de mayo de 2012

El bosque de la memoria. María Ortega Estepa en Carmen del Campo


Aspecto de la exposición de María Ortega Estepa en la galería Carmen del Campo. Foto: Ars Operandi
La artista María Ortega Estepa (Córdoba, 1983) presenta desde hoy en la galería Carmen del Campo de nuestra ciudad una selección de trabajos recientes que reúne bajo el título Sus raíces transformaron la tierra. Se trata de una serie de collages, esculturas con elementos vegetales, maderas pirograbadas, dibujos y pinturas que pretenden "invitar al espectador a penetrar en un rincón de mi espacio interior concibiendo la expresión artística como un viaje, como una reflexión sobre nuestro lugar en el mundo y la existencia. Con esta obra desea rememorar el pasado de sus abuelos "construyendo una autobiografía que no tiene carácter narrativo, sino vivencial". Para la artista cordobesa esta evocación del pasado se encuentra "impregnada de una atmósfera de momentos vividos, parcelas de la memoria que tienen sabor, tacto, peso, clima y olor, cargados de nostalgia y ternura. Una especie de arqueología de los orígenes que ahora se traslada a la obra a través de espacios e instantes que mis abuelos y abuelas me narraron todos estos años y han quedado en los cajones de mi memoria convirtiéndose ahora en vivas raíces y troncos de árbol cuya sabia recorre mil caminos e infinidad de historias". 

Cartografías de una savia.  Lápiz y pirógrafo sobremadera. Foto: Cortesía de la galería
Si el paisaje y la naturaleza han sido una constante en el trabajo de María Ortega, la obra reciente se centra en la iconografía del árbol pero ahora, apunta, se trata de "un único árbol solitario y frondoso que crece y ocupa toda la superficie del lienzo, habitando entre sus copiosas raíces recuerdos, caminos, instantes…encontrándonos en la órbita mágica de una creación de bellas fantasías, de ilusiones presentidas que, aquí, nos parecen fáciles de conseguir". Para María Ortega la figura del árbol representa "un monumento de los siglos que no vivimos. El hombre evoca y da vida al árbol a través de su pensamiento, del arte, de los cuentos que lo mentan en torno a la hoguera y en juegos de niños". El marco es para la artista cordobesa "un juego acumulativo como un palimpsesto, una señal, una marca, una huella, un rastro convertidos en pintura y hechos, signos gráficos que adquieren una entidad propia. Encuentro en estas señales mi trayectoria, la única ordenación de tiempo y espacio, completando la metáfora del topógrafo que ahora conforma la savia del árbol. Un laberinto de caminos de ida y vuelta, una geografía de desconocidos y profundos ecos donde los recuerdos conforman imágenes fruto de la memoria reconstructiva con el árbol como punto de partida y las raíces con una unión umbilical".

El árbol de la vida, 2012. Foto: Cortesía de la galería
En la obra reciente de María Ortega  es posible reconocer, según afirma Carmen Andreu en el texto de presentación,  "la fuerza de las metáforas que generan las formas, la sutileza de los símbolos que recrean, podemos sorprendernos con el delicado encuentro de antítesis inevitables en su imaginario, disfrutar con hermosas paradojas. Para la titular del Departamento de Pintura de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, "la intensidad de la obra plástica de María Ortega Estepa reside en esa peculiar capacidad para unir ambos lenguajes, pintura y poesía, poesía visual, pintura poética. Pero su carácter poético no reside sólo en esos recursos técnicos propios de la poesía que afloran en su obra plástica, sino en el modo mismo con el que mira la Naturaleza, que le permite ver sus símbolos casi por transparencia, más allá de la realidad que ven los ojos, y aún más allá de lo que son capaces de comprender". Los collages, sostiene, "más allá de lo narrativo crean imágenes que conectan la persona con la vida y el mundo, pero en esa búsqueda de lo invisible que le caracteriza nos desvela el extraordinario poder de lo simple, de los elementos familiares y cercanos. La facultad constructiva de su imaginación le lleva, por necesidad, a una indagación abstracta en el imaginario colectivo, para sustraer elementos con los que compartir emociones y evocar resonancias que nos trasladen por debajo, o por encima, de las apariencias". Las obras de María Ortega Estepa, concluye, "encierran una síntesis excepcional de la fuerza operativa de su mundo interior y la facultad constructiva de su imaginación y sobre estos dos pilares se cimenta su discurso".

La muestra se completa en la sala inferior con una selección de trabajos anteriores de la artista cordobesa como los realizados con motivo de la Beca de Artes Plásticas Rafael Botí. María Ortega participa en estos días en el Instituto Cervantes de Belgrado en Entre Valles, una exposición colectiva que forma parte del Proyecto Internacional de Cooperación Artístico-Cultural Jarama/Danubio entre España y Serbia. También prepara su participación en el Festival Sahara Libre que reunirá en Sevilla el próximo 26 de mayo a más de cien artistas en apoyo a la resistencia del pueblo saharaui.



María Ortega Estepa
Sus raíces transformaron la tierra
Galería Carmen del Campo
Hasta el 16 de junio

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martes, 15 de mayo de 2012

Manuel Garcés Blancart presenta sus últimas obras en el Museo de Huelva

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Manuel Garcés Blancart, MM1 (2012), mixta/tela/tabla, 162 x 130 

El Museo de Huelva acoge desde el miércoles 16 de mayo Área de sol, en la que Manuel Garcés Blancart presenta al público una muestra de su última producción pictórica consistente en diecisiete acrílicos/mixtas de formatos diversos, que van desde los casi cinco metros del monumental lienzo El barco del azar hasta obras de 30 x 25 en la línea de las que se pudieron contemplar en pasadas muestras del pintor como Tráfico Centro (Montilla 2009) o Circulando (Córdoba 2008). 

Manuel Garcés Blancart (1972), uno de los valores más sólidos de la pintura cordobesa, compagina la pintura de caballete con la mural, la ilustración y la docencia universitaria. Formado en la Facultad de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, es asimismo formador de nuevos pintores desde la dirección de la Escuela Artística Antonio Povedano. Desde 1998, en que realizó su primera exposición individual en la desaparecida sala cordobesa Cobalto, Garcés ha inaugurado una docena de muestras individuales, a las que hay que unir numerosas colectivas. Asimismo ha publicado su obra como ilustrador para autores como Cesare Pavese, Andrés Neuman o Eduardo Chivite, entre otros.

Con el paisaje urbano como pretexto, Área de sol muestra al público la personal concepción del color y de la forma de Garcés, un ejercicio en el que deliberadamente huye de lo artificioso y banal para centrarse en la creación esencial de un paisaje contemporáneo. Sus composiciones, rotundamente pictóricas, tienen a la vez una base geométrica que despoja a la obra de todo componente anecdótico, inscribiéndose así en la más pura tradición cezanniana. Sus urbes, grandes y desangeladas, donde siempre se encuentra un contrapunto de vida en sus formas vegetales o humanas, se muestran en Área de sol en plena expansión en obras como MM1, donde el recuerdo al más vanguardista López Obrero (Casa en construcción, 1935) está presente como latente homenaje al valor puro de la composición pictórica, de la que Garcés es uno de sus más notables representantes.



Manuel Garcés Blancart
Área de sol
Inauguración miércoles, 16 de mayo, 19:30 horas
Museo de Huelva
Alameda Sundheim, 13 
21003 Huelva

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El Centro de Arte Contemporáneo de Pedro Abad recuerda a Beppo en "Vidas paralelas"

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Beppo, Olivos, serigrafía, S/F. Legado de la artista


Abdul y Beppo: vidas paralelas, es el título de la exposición retrospectiva que el Centro de Arte Contemporáneo de Pedro Abad inaugurará el próximo jueves, 17 de mayo, en la que se efectuará un recorrido por la obra de la inclasificable artista Beppo y su marido, Abdul Wahab. La muestra se compone de una selección de fotografías, acuarelas y dibujos en los que el paisaje de Córdoba tiene un papel protagonista, como lugar donde Beppo eligió pasar gran parte de su vida. 

Beppo, cuyo nombre era Freda Clarence Lamb, había nacido en Londres en 1899, comenzando así una azarosa vida que la empujó a fugarse del hogar muy joven, recalando en París en 1917, donde entabló amistad con los círculos vanguardistas. Pronto conoció al aristócrata tunecino Abdul Wahab, quien se convertiría en sus esposo. Wahab era acuarelista, discípulo de Jean Paul Laurens, muy cercano a la obra de los fauves y amigo de Modigliani, Pascin, Brancusi, Soutine y Van Dongen, entre otros, a quienes Beppo frecuentó asimismo desde entonces. 

En los años 40, la pareja visitó Andalucía, tierra de la que Beppo ya no quiso marcharse, y en la que vivió  durante gran parte de los años restantes de su existenia. Muy cercana a la localidad cordobesa de Villa del Río, tuvo gran relación con el pintor Pedro Bueno, quien fue su confidente y mecenas en los momentos difíciles. Fallecida en 1989, Beppo siempre quiso que su obra quedase para siempre en Villa del Río, encontrándose sus albaceas con muchas dificultades para llevar a cabo este deseo hasta que en 2003 cristalizó el proyecto, quedando su obra -una amplia selección de acuarelas, serigrafías y dibujos y un apunte de su amigo Modigliani- expuesta de forma permanente en la Casa de las Cadenas de la localidad villarriense. 

Abdul y Beppo: vidas paralelas 
Inauguración jueves 17 de mayo, 20:00 horas 
Centro de Arte Contemporáneo de Villa del Río 
C/ Alcalde Fco. José Nieto, 36 
Antiguo Pósito Municipal Villa del Río, Córdoba

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viernes, 11 de mayo de 2012

Las no-imágenes de Eduardo D’Acosta


Valla 39 (Cáceres), 2009. Fotografía de Eduardo D'Acosta en Birimbao
El artista Eduardo D’Acosta (Sevilla, 1975) presenta en estos días en la galería Birimbao de la capital sevillana una selección de trabajos que comparten su interés por intentar dilucidar el estatuto de la imagen. Se trata de una serie de fotografías, Vallas,  realizadas entre 2008 y 2012 en distintas regiones de España y Portugal que muestran imágenes de vallas publicitarias ya en desuso. Desde sus primeros trabajos D’Acosta ha mostrado su preocupación por el concepto de mentira, "la idea de falsedad que conlleva una fotografía". Creo, explica, que la fotografía es "una ficción constante  que a su vez esconde los mecanismos apropiados para hacer visibles estas falacias. Es la propia imagen la que nos tiene que hacer conscientes de su poder de convicción y manipulación". A su juicio, autores como Vik Muniz, Thomas Demand, Thomas Ruff o Thomas Struth hacen que el espectador "esté puesto constantemente en alerta sobre la fotografías, que no son más que una representación plana de la realidad". Si en su primer proyecto Horizontes Cotidianos  buscó "la fragmentación para evitar la profundidad, evadir la parte figurativa como elemento referencial", con Mentiras  el encuadre se abre al paisaje y todo se presenta en un mismo plano. Más tarde en  Apariencias  ahonda en este discurso "puliendo los detalles técnicos para que la realidad planteada, aún siendo ficticia y construida por manipulación digital, no mintiera. Es decir, colocar todo en un plano bidimensional que es lo único que puede reproducir la fotografía". 

Valla 155 (Lugo), 2012. Fotografía de Eduardo D'Acosta en Birimbao
El proyecto que ahora presenta en Birimbao pretende  retomar el concepto de mentira "huyendo de la parte física de una fotografía". Piensa que ya ha agotado las posibilidades con respecto al engaño que supone la perspectiva por lo que pretende "ir más allá transformando el contenido de la imagen en objeto para aislarlo de su contexto y hacer evidente que el poder de la imagen no es omnímodo sino más bien lo contrario". La imagen de un anuncio, manifiesta el autor, "llena de exotismo, espectacularidad, sensualidad y erotismo, necesita un soporte para ser mostrada. Ese continente sin la imagen -el contenido- todavía es quizá más representativo y atractivo por su carácter abiertamente sugerente.”

Valla 75 (La Algaba), 2010. Fotografía de Eduardo D'Acosta en Birimbao
Aunque el desarrollo de la serie pudiera remitir a ciertos registros emparentados con  la fotografía taxonómica, para el comisario y crítico de arte Sema D’Acosta no subyace en este conjunto de tipologías ninguna intención documental. El procedimiento, más bien, sería inverso, "lo que se intenta es rescatar la valla como objeto descontextualizado y construir a partir de ahí un nuevo significado alejado de su función enunciativa inicial". Una vez que se inhabilita su uso publicitario y el contenido queda anulado como representación, afirma, "la estructura que perdura permanece como una huella artificial –generada por la mano del hombre– que acaba incorporándose al paisaje de forma extraña y al mismo tiempo ajena". D’Acosta mantiene que una vez despojado de su valor connotativo como icono consumista y anulada también su intención como reclamo publicitario sólo queda "una no-imagen  que reproduce algo que ya no existe, si acaso, un recuerdo vago de lo que fue". El rastro de los sucesivos anuncios que permanecen en las vallas remiten al crítico sevillano a los antiguos palimpsestos que encerraban huellas de escrituras anteriores. De esta manera, todas estas representaciones "acumulan una memoria especial".

Eduardo D’Acosta. Vallas
Galería Birimbao
Alcázares, nº5.  Sevilla 
Hasta el 22 de mayo

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jueves, 10 de mayo de 2012

Ni más ni menos. Vanidad de vanidades en la galería Mecánica

por Fer Francés

Vanitas del castigo de mi mano muerta, obra de Marina Vargas. Foto: cortesía de la galería
Generación tras generación el ser humano se ha cuestionado la razón de la existencia, eligiendo o admitiendo el modo de vida que ha vivido. La muerte es la realidad más firmemente segura que hay en una vida. Ya en 1679 Miguel de Mañara afirmaba en El discurso de la verdad: "pocos días vivirás, y muchas edades habitarás con lombrices de la tierra". Aunque realmente no es tanto tiempo porque la voracidad tanto de las bacterias como de las larvas de mosca, es demoledora. Tanto la gloria eclesiástica como la gloria de los reyes han sido incapaces de sortear la muerte. Aunque la humanidad ha logrado una más que notable evolución del pensamiento, la técnica y la ciencia aún no ha conseguido encontrar la fórmula que paralice ni siquiera retrase de forma natural tan odiado momento. E incluso el paso de los milenios ha provocado en el ser humano una conciencia olvidadiza del acontecimiento, del evento al que sin duda todos acudiremos, indefectiblemente, en nuestra vida. Tal asunto ha sido trabajado por las religiones y la filosofía buscando sosegar nuestra alma pero realmente aún ninguna lo ha conseguido. Todo tipo de bienes materiales o status quedan reducidos a polvo y tierra cuando el inevitable fin de la vida toma el poder. 

Finis gloriae mundis, óleo sobre papel de Matías Sánchez. Foto: cortesía de la galería
Hay diferentes maneras de admitir la realidad de la vida y la muerte, y de ésas intenta versar y reflexionar Ni más ni menos con tan carga de ironía como de aparente desdén. En esta selección cohabitan algunas visiones sobre cómo entender la existencia y cuáles son algunas de las opciones interpretativas y los puntos de vista desde los que otear el asunto del fin de la misma. Mientras que para unos la vida es un estudio sobre creencias, realidades o sentimientos para otros la fuente de inspiración es la observación de la vida desde un ángulo más jocoso, irónico y atrevido. Siendo quizá, en la conjunción de ambas opciones, donde reside algo que se asemeja a la cordura. Hegel sostiene que la muerte es lo más terrible que puede acontecernos y, que su aceptación es el reto que exige mayor fortaleza en nuestra vida. Además su pensamiento se apoyaba en la idea de que el entendimiento demanda esta aceptación, ya que por su discurso revela lo real y se rebela a si mismo. 

En este contexto Cristina Lama advierte la presencia de la muerte en todo momento, y suspira por un movimiento más de la ficha de ajedrez, una partida en la que se define y se retrata. Una visión, sin duda opuesta y distante al estudio científico de Alberto Di Fabio quien desde la abstracción busca el objetivo final de la ciencia y la alquimia, la explicación del más allá y respuestas ajenas a la reflexión metafísica. El ser humano es el animal más evolucionado tanto sicológica como sentimentalmente pero también es el único capaz de tropezar con la misma piedra dos veces. La manzana de Adán no se quedó en una mera historia religiosa y literaria sino que en el s. XXI artistas de la talla de Marina Vargas o Dorothy Iannone, dos artistas de generaciones e influencias totalmente diferentes, reproducen parcialmente los pecados capitales de la mano de la violencia y el sexo con una sobresaliente dosis de elegancia y sensibilidad. Ambas características muy asentadas en algunas de las más importantes mujeres artistas de la contemporaneidad como Bourgeois o Abramovic. En un evidente ejercicio de reivindicar un rol de la mujer como visionaria del mundo. 

Sin  título, óleo sobre papel de Cristina Lama. Foto: cortesía de la galería
La actitud contemporánea acepta la muerte de una manera más razonable a como fue en el pasado (y aún sigue siendo en ciertas culturas) y desprovista de cargas emocionales y dogmáticas y vive respecto a ella con más inmediatez. La religión, ardid usado durante siglos para crear esperanzas, se convierte en un tema actual y recurrente tratado ya desde una posición más burlesca e incluso sacrílega como pueden ser los trabajos de Kati Heck y Manuel León. Ellos navegan en este territorio temático buscando la sonrisa del joker ante las proposiciones de la fe. Todo el mundo piensa sobre la muerte, y llegado el tiempo en el que ese pensamiento se hace constante y vital, el hombre se transforma en pensador, ya sea literariamente épico exponiendo acontecimientos sesgada y subjetivamente como Dexter Dalwood o un pensador tenebroso, pragmático y realista como Matías Sánchez, quien disfraza de irónica y aparente torpeza su pintura con la intención de vulgarizar la muerte y su representación iconográfica, lo cuál también revela una actitud ante la vida de extremo optimismo. Invertir en experiencias y vivencias es una inteligente manera de acometer el lapsus de la vida, pero al tiempo es una opción escasamente elegida. La religión y el deseo por conocer la postmuerte, la diferencia entre el bien y el mal tienen un vínculo muy estrecho con la visión del religioso juicio final. Hans Lemmen explica en su obra el poder de la naturaleza y el sombrío y tenebroso efecto de la muerte del alma, una visión totalmente opuesta a la versión relativa de la vida como una sucesión de experiencias y situaciones desarrollada por Cristobal Quintero. El hombre puede elegir muchas creencias, filosofías o maneras de vivir, pero sólo tiene una manera de terminar que es muriendo. Ahí se recoge la cosecha de cómo se ha vivido y sólo el que sembró preparándose para ella, podrá asumirla sin trauma y hasta que llegue, disfrutar de la no muerte.

Ni más ni menos
Comisario: Fer Francés
Galería Mecánica
Cabeza del Rey Don Pedro, 15 41003 Sevilla 
Hasta el 30 de junio

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miércoles, 9 de mayo de 2012

Homenaje a los Romero de Torres en el patio del Museo de Bellas Artes






El patio del Museo de Bellas Artes de Córdoba será el escenario en el que se desarrollará la V Edición del Homenaje a la Familia Romero de Torres, que con carácter anual vienen celebrando un representativo grupo de profesionales de los Museos de la provincia y otras personas relacionadas con la investigación, la conservación y la divulgación de nuestro patrimonio histórico artístico, con la colaboración de Ars Operandi, quienes de este modo reconocen la labor de la familia Romero Torres -especialmente de Rafael Romero Barros, Enrique Romero y su sobrino Rafael- en la implantación de la moderna Museología en Córdoba. 

El acto, que en las anteriores ediciones se llevó a cabo en el panteón de la familia, se traslada en esta ocasión al patio que comparten el Museo de Bellas Artes y el Museo Julio Romero de Torres. La intervención, como portavoz de los convocantes, estará a cargo de Manuel Aguayo, historiador del arte, del Museo de Bellas Artes. El sencillo acto consistirá en la pronunciación de unas palabras y una ofrenda floral ante el monumento al patriarca de la familia, centrando el homenaje en las figuras de Rafael Romero Barros (1832-1895), Enrique Romero de Torres (1870-1956) y Rafael Romero de Torres Pellicer (1900-1984), quienes fueron, en sus respectivas épocas, los máximos responsables de los museos Provincial de Bellas Artes y Arqueológico, sin olvidar la figura de Julio, quien durante un tiempo ejerció como restaurador en el Bellas Artes. El acto se une así a las diversas celebraciones que desde el Museo de Bellas Artes se vienen realizando con motivo del 150 Aniversario de la llegada de Rafael Romero Barros a Córdoba.

Desde Ars Operandi convocamos a nuestros lectores y a todas aquellas personas que se sienten comprometidas con la investigación, conservación y divulgación de nuestro patrimonio a participar en el Homenaje, así como a aquellos amantes del arte y la arqueología que deseen participar en el mismo. 

Homenaje a la familia Romero de Torres 
Jueves 10 de mayo, 19:00 horas 
Patio del Museo de Bellas Artes 
Plaza del Potro, Córdoba

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lunes, 7 de mayo de 2012

13 miradas de mujer en las Galerías del Cardenal Salazar

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Gloria Martín, Ausencia I


Bajo el título Trece miradas a la Capilla de San Bartolomé, las Galerías del Cardenal Salazar acogen desde el martes 8 de mayo una exposición colectiva en la que trece mujeres muestran su particular visión de la capilla mudéjar a través de la fotografía. Comisariada por la profesora Marisa Vadillo (Facultad de Bellas Artes de Sevilla), la muestra reúne obras de Patricia Alonso, Gabriela Adriana Caballero, Mariló Fernández Taguas, Jessica Gibson, Gloria Martín, Laura Meca, Amalia Ortega, Carmen Osuna, Samira Ouf, Rita del Rio, María Romero, Hisae Yanase y Marisa Vadillo, quien también participa como artista. 

El proyecto pretende, según la comisaria, "abordar libremente desde la creación contemporánea un espacio histórico tan singular y rico como es la cordobesa Capilla de San Bartolomé", edificio mudéjar de finales del siglo XIV que ha servido de escenario, en algunos casos, y como referencia, en todos los casos, de las fotografías de la exposición. Esta unión de autoras supone "el ejercicio de una mirada casi radiográfica hacia la capilla", mostrando las diversas sensibilidades plasmadas en soporte fotográfico, unificados en cuanto a tamaño para toda la exposición. 

La exposición, primera como tal que sucede a la muestra inaugural Ensamble, a cargo de Juan Serrano y Miguel Gómez Losada, realizada el pasado mes de marzo, tendrá como atractivo añadido la actuación previa de Amber Rounds & Antonio Romero, quienes interpretarán en el patio anexo a la Capilla de San Bartolomé un programa de jazz standards. 

Trece miradas a la Capilla de San Bartolomé 
Galerías del Cardenal Salazar 
Facultad de Filosofía y Letras 
Plaza del Cardenal Salazar, 3, Córdoba 
Inauguración martes 8 de mayo, 20:00 horas 
Comisaria: Marisa Vadillo

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domingo, 6 de mayo de 2012

Retrospectiva de Jose María Córdoba en Marbella


Hombre con pez en la cabeza, bronce de José María Córdoba

El artista José María Córdoba (Córdoba, 1950) presenta en Marbella en estos días una revisión de trabajos realizados en los últimos treinta años. Bajo el título de La ciudad sumergida, la muestra ocupa una doble sede; desde el pasado 3 de mayo, las salas Capilla y Vilató del Museo del Grabado Español Contemporáneo y a partir del próximo jueves, el Centro Cultural Cortijo de Miraflores de la localidad marbellera. Son en total alrededor de 90 obras en las que se puede seguir la evolución del artista cordobés afincado desde hace décadas en la costa malagueña. La ciudad sumergida toma el nombre de algunos grabados y series de pinturas del autor en los que representa escenas urbanas en el fondo marino, "una metáfora del silencio, como pretexto para nuevas relaciones entre formas y colores, fantasia poética, obras que significan por su contenido y su estética".

El Museo del Grabado acoge dibujos y obra seriada –grabados y bronces– realizados desde finales de los 80 hasta 2012. Allí se pueden contemplar sus grabados de temas literarios, mitológicos y simbólicos junto a otros más recientes de cariz más experimental con raíces en la obra picassiana y el grupo CoBrA. Las esculturas de bronce, de pequeño formato, plantean, por su parte,  nuevos significados a partir de las relaciones que se establecen entre dualidades: perro con máscara, hombre con un pez, mono que lee un libro. Las salas del Centro Cultural Cortijo Miraflores albergan los óleos de gran formato, las esculturas de hierro y los dibujos. 

Iluminado, aguafuerte y aguatinta de José María Córdoba
El recorrido artístico de José María Córdoba queda así patente en su evolución desde mediaos de los 70 cuando trabajaba en una figuración de influencia expresionista o posteriormente cuando adoptó un lenguaje más surrealista y metafísico. A principios de los años 80 se produce "un cambio vital" que se tradujo en un giro hacia la abstracción, "una estética, afirma el autor, en la que, sin embargo, "necesitaba desarrollar un tema, poniendo varios elementos en relación dentro de la obra. Luego fui girando hacia el aislamiento de los personajes, que poco a poco volvieron a surgir desde la figuración". La doble muestra se completa con la edición de una carpeta de obra gráfica, homónima de la exposición, en las que José María Córdoba representa escenas urbanas en el fondo del mar "como metáfora del silencio y de la soledad que ilustran tanto las figuras humanas como las marinas".

Aunque afincado en Fuengirola desde principios de los 80, José María Córdoba ha mantenido a lo largo de su carrera una estable relación artística con la ciudad que data de 1975 cuando inaugura su primera individual en la galería Studio 52. Por esos mismos años su obra se puede contemplar en algunas de las galerías con las que contaba la ciudad como Atrium, Juan de Mesa o Manuela. Tras un paréntesis de diez años, la obra de Córdoba vuelve a la ciudad de la mano de la galería 2000. En el año 2000 vuelve a colgar en Studio 52, antesala de su colaboración con la galería Carmen del Campo. Allí se han podido contemplar sus dos últimas exposiciones individuales en la ciudad, Lingua franca en 2003 y Las Tentaciones de San Antonio en 2008. De manera colectiva la obra de José María Córdoba ha estado presente en alguna de las muestras más significativas del arte cordobés de las últimas décadas como Córdoba. Arte Contemporáneo 1957-1990, Pintar el Museo en el Museo de Bellas Artes o Figuras Contaminadas en el Palacio de la Merced.

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jueves, 3 de mayo de 2012

Pepe Espaliú. El eco de los últimos días

por Jesús Alcaide


Four Provisional Suicides, 1989.
Hierro y algodón. Colección del CAAC
Depósito realizado por F.M.D. Foto: Jesús Alcaide
Coincidencia no buscada o interferencia del destino, coinciden en estas fechas en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, las exposiciones de dos de los artistas cordobeses que en los años ochenta dieron pie al conocido como Grupo de Sevilla, que más tarde fueron relacionados con la revista Figura y el entorno de la galería La Máquina Española. 

Me refiero a la exposición Prólogos de Rafael Agredano, que hasta el día 13 de mayo presenta en varias salas del Claustrón Sur una mirada retrospectiva sobre su trabajo con el comisariado de Esther Regueira y a una selección de las piezas de Pepe Espaliú que forman parte de la colección del CAAC y otras que se encuentran en depósito, como la fundamental Four provisional suicides (1989) que podremos ver expuesta hasta el próximo mes de junio. 

Aunque compañeros de generación e incluso aliados en la construcción de Figura, las poéticas de Rafael Agredano y Pepe Espaliú, pronto mostraron las divergencias que avanzada la década de los ochenta se fueron produciendo en el entorno de la malentendida posmodernidad. Fría para unos, cálida para otros, pronto llegaron “los últimos días” como diría Brea para trazar el rastro de nuestro paso fugaz. “Nosotros los póstumos, nosotros los más efímeros”. 

Es difícil presentar la complejidad de la poliédrica obra de Pepe Espaliú en apenas ocho piezas, pero si que a través de ellas podemos seguir los trazos de su trayectoria a la manera de los “rastros de carmín” de Marcus, desde pinturas iniciales como El creyente (1986) hasta los conocidos Carryings (V y VII) fechados en 1992, pasando por los diez dibujos con que cuenta la colección del CAAC, dos piezas de la serie Santos (un dibujo y una escultura), un vídeo de la acción del Carrying realizado en San Sebastián y por último la pieza en depósito, Four provisional suicides, escultura en hierro y algodón, que presiente “la noche que se acerca”, la enfermedad y muerte de Pepe Espaliú. 


Carrying VII, 1992-1993, instalado en una capilla del Monasterio de la Cartuja
Colección CAAC. Foto: Jesús Alcaide
En la primera sala, los diez dibujos que aluden al rostro, la máscara y la ocultación, a través de la metaforización del caparazón de las tortugas, se enfrentan a una escultura de los Santos, realizada en cuero por artesanos cordobeses y un dibujo sobre conglomerado en el que Espaliú vuelve a los erráticos caminos de santidad a lo Genet, mientras en el otro eje de la sala, el falo-casa de “El creyente” mira frente a frente a la impresionante Four provisional suicides, probeta blanda que anuncia la enfermedad y la muerte, una instalación que nos muestra al Espaliú de madurez, el de los últimos días, el que anuncia ya los Carryings y las jaulas, los duelos de opuestos, el ruido secreto.

Dos de estos últimos, el Carrying V y VII aparecen instalados en el suelo de una de las capillas del Monasterio de la Cartuja, entorno religioso que nos recuerda dos de las instalaciones realizadas por Espaliú a finales de su vida, la instalación de las tres jaulas en el Hospital de la Venerable Orden III en Madrid y la acción Peter en la iglesia de Sant Paul en Londres, una antigua iglesia de marineros en la que Espaliú consiguió que los cojines sobre los que se arrodillan los fieles flotaran sobre las aguas, en una imagen de la pérdida de la fe y la creencia. 

En este caso, la instalación de los dos Carryings, en un entorno de exceso barroco como el de la Capilla del Monasterio de la Cartuja, potencia más la sensación de aislamiento de estas piezas íntimas y oscuras, pues si bien algunas piezas de esta serie han formado parte de importantes exposiciones en contextos artísticos, como la Bienal de Venecia del 2009 donde uno de los Carryings formó parte de la instalación realizada por Elmgreen & Dragset para la 53rd de la Bienal de Venecia, en entornos sagrados como este, con imágenes religiosas como verdugos vígias el discurso de Espaliú nos invita a refugiarnos en la oscuridad de sus palabras, el eco de los últimos días.

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Nueva cabecera: Antonio Blázquez




Como cada mes, Ars Operandi ofrece a sus lectores un regalo que para nosotros resulta muy preciado. Se trata de las cabeceras que abren nuestras páginas desde hace ahora cuatro años. Son obras expresas realizadas en su mayoría por artistas cordobeses  que quieren contribuir con la generosidad de sus trabajos en la construcción común de esta revista. Las 61 cabeceras con que contamos hasta la fecha, conforman una colección de la que nos sentimos especialmente orgullosos y que aprovechamos una vez más para agradecer públicamente.

El presente de este mes viene de la mano del artista  Antonio Blázquez (Fuente Carreteros, Córdoba, 1977) quien estos días forma parte de Ruta 2010-12  la exposición que se puede contemplar en el centro expositivo del Albergue Inturjoven de la Creatividad de Córdoba. Blázquez presenta trabajos recientes que indagan en la construcción de la identidad personal y colectiva. http://www.google.es/search?q=antonio+blazquez, es una suerte de work in process a partir de los distintos antonio blázquez que aparecen en la búsqueda de imágenes de Google, utilizando como  es habitual en su obra distintas técnicas y soportes como fotografías, impresiones sobre papel, pinturas, collages y dibujos.

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sábado, 28 de abril de 2012

Ars Operandi Videos. Caminos de retorno. Júlia Soler. La Fragua, 2012




Ars Operandi Videos trae hasta su archivo una nueva entrega con el video que documenta Caminos de retorno, la instalación de Júlia Soler que se puede contemplar hasta el 4 de mayo en La Fragua, la residencia de artistas de la localidad cordobesa de Belalcázar. Fruto de su estancia en la residencia, Júlia Soler presenta trabajos en video, fotografía y escultura que reflexionan sobre la figura legendaria del héroe. La artista catalana actualiza el mito del retorno del héroe y equipara la figura de éste con la del torero contemporáneo. "Estas caras de toreros" -afirma-, "representan este héroe que ha regresado al pueblo". Júlia Soler toma prestadas las palabras de Joseph Campbell cuando en El héroe de las mil caras asegura que el principal enemigo del héroe es el héroe mismo. “El héroe… descubre y asimila a su contrario (su propio e insospechado yo) ya sea devorándolo o siendo devorado. Una a una, las resistencias se van quebrando. Debe dejar a un lado su orgullo, su virtud, su belleza, su vida, e inclinarse y someterse a lo absolutamente intolerable. Es entonces cuando se da cuenta de que él y su contrario no son diferentes, sino que son una misma carne”.

Su paso por La Fragua ha representado para la artista "un punto de parada en el proyecto que emprendí hace un año, motivado por un interés creciente, la tauromaquia". Confiesa haber encontrado en ella "multitud de puntos de conexión con otros temas que también me obsesionan: la libertad espiritual del ser humano y el viaje interior que cada uno emprendemos desde que nacemos hasta que morimos". Para Júlia Soler "la capacidad de un torero por superar obstáculos y trascender a otro plano de consciencia, aquel donde se produce una conexión total con el alma, tiene puntos comunes con la conexión que alcanza un pintor o un músico en el momento de producir una obra; ¿ Qué es lo que se produce en ese momento de total libertad? ¿Cuáles son los caminos que experimenta el hombre para llegar a ese estado? ¿Qué efectos colaterales produce esa conexión? ¿Qué aprendizaje podemos sacar de ello?". Y es en los mitos donde la artista catalana parece haber encontrado "la fórmula adecuada para intentar explicar todas estas cuestiones". Caminos de retorno forma parte de una trilogía Los Tiempos de la Suerte,  "un cuento fotográfico sobre el viaje mitológico del hombre torero en el cual se nos dan pistas de como enfocar nuestro propio viaje vital". El viaje del héroe, comienza con la partida del pueblo, "del plano normal de consciencia, y a partir de entonces éste afronta una serie de pruebas y retos, lucha contra monstruos y villanos, recibe ayudas, atraviesa bosques oscuros y aguas agitadas, para posteriormente retornar al pueblo y compartir el elixir de la experiencia con el resto de mortales. Caminos de Retorno, la tercera parte de la trilogía, representa esta vuelta del héroe, en este caso a Belalcázar, donde compartirá algunas de las lecciones aprendidas en el viaje".

Con la presentación de los trabajos de Júlia Soler, la residencia de artistas continúa su programación de artistas residentes e invitados que ha llevado recientemente hasta la localidad del norte de la provincia a creadores como Christian Hoel o Michael Gregorsky quien actualmente desarrolla su proyecto en La Fragua. La próxima semana se incorpora la artista Teresa Gómez Martorell y para finales de mayo se espera la presencia de Hisae Yanase quien dirigirá Sanagui,  un trabajo grupal de creación de una escultura en barro mediante técnicas  de cocción con fuego directo. Por otro lado, La Fragua continúa ampliando su oferta de becas con la incorporación de convenios como la Beca La Fragua-Universidad de Córdoba o la próxima convocatoria de la Beca Izara II.

Júlia Soler
Caminos de retorno
La Fragua. Convento de Sta. Clara, Belalcázar, Córdoba.
Hasta 4 de mayo

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jueves, 26 de abril de 2012

Individual en Berlín de Fernando M. Romero


         Obra reciente de Fernando M. Romero en la galería Egbert Baqué de Berlín
El artista cordobés Fernando M. Romero inaugura hoy, Plain View, su primera exposición individual en la galería berlinesa Egbert Baqué Contemporary Art. Y lo hace de manera especial ya que la muestra coincide con la celebración en la capital alemana de la Gallery Weekend Berlin, una propuesta iniciada en 2004 por un grupo de galerías privadas  de la ciudad que cuenta ya  con más de 50 participantes. Durante tres días y sus noches, Berlín se convierte en lugar de encuentro de coleccionistas, críticos y amantes del arte contemporáneo que recorren la capital atraídos por la amplia oferta que despliegan las galerías para tan singular ocasión.

No es la primera vez que expone Fernando M. Romero en la Egbert Baqué aunque si es la primera ocasión en la que lo hace en una muestra dedicada exclusivamente a sus trabajos. Recordemos que en enero de este mismo año  ya participó en There is no end - A tribute to Jackson Pollock, exposición colectiva que sirvió de homenaje a una de las figuras fundamentales del arte del siglo XX justo cuando cumplía el primer centenario de su nacimiento. Para su debut individual en la capital berlinesa, Fernando M. Romero ha realizado una selección de trabajos de los tres últimos años entre los que incluye obras que pudieron ser contempladas en 2010 en la sala Galatea de nuestra ciudad bajo el título de Feedbackstage. De esta muestra ha seleccionado obras pertenecientes a las series Feedbackstage y You are not lost trabajos que, para su autor, "indagan en la construcción de la imagen en sí misma, el hecho pictórico y las manipulaciones y distorsiones a las que nuestra percepción de lo real se ve sometida”. Son obras en las que, como apunta el crítico Jesús Alcaide, es posible rastrear algunos de los aspectos de su producción reciente, "la noción de stage o escenario, puesta en escena o trampantojo, ese lugar en el que se desarrolla el carácter performativo de su pintura, donde acción y gesto, se encuentran bajo los focos de nuestra mirada y la luz del pensamiento". Una investigación sobre el hecho pictórico que no se plantea como una pugna contra los otros constructores de imagen (mass media), sino como "una integración o una puesta en crisis de la propia pintura como espejo de la realidad, ofreciéndonos que lo que allí vemos no es esa realidad sino una ficción distorsionada y puesta en escena por parte del pintor para producir espacios para el sentido y la reflexión". 

Plain View, óleo sobre lienzo que da titulo a la muestra
Plain View también incluye obras realizadas en 2012 como las pertenecientes a la serie Unexpected que formaron parte de la colectiva de homenaje a Pollock. En ellas Fernando M. Romero ha sometido fragmentos e imágenes del trabajo del artista norteamericano a su habitual proceso de reconstrucción a partir de imágenes ya existentes. De esta manera, afirma, "a través de la repetición del mismo proceso una y otra vez sobre los mismos referentes (generando así un bucle), doy lugar a nuevas imágenes resultantes en las que se ponen de manifiesto los artificios de la representación y de la propia pintura. Así, estas imágenes oscilan entre la abstracción y el referente, entre la superficie bidimensional y la simulación de la tercera dimensión, entre la retórica visual desplegada y sus referentes originales. El resultado de este difícil equilibrio es una pintura en la que las contradicciones inherentes a su propia práctica pasan al primer plano. Así, las fallas en la representación se magnifican con el fin de acotar un terreno en el que poder lidiar con los interrogantes que la práctica de la pintura nos sigue planteando hoy día"

Completan la muestra series recientes como Szene, obras de pequeño formato en pintura vinílica sobre papel  Fabriano y Plain View, fechada este mismo año, en las que, a través de la superposición de tramas es posible rastrear también lo ficticio de la representación, las imágenes que se esconden detrás de las imágenes y sus procesos de construcción y codificación.  Y es que, como afirma Mitcchell,  "la metaimagen no es un subgénero dentro de las bellas artes, sino uno fundamental y potencialmente inherente a la representación pictórica como tal: es el lugar donde las imágenes se muestran y se conocen a sí mismas, donde se reflejan en las intersecciones de lo visual, el lenguaje y la similitud, y donde se dedican a la especulación y las teorías sobre su propia naturaleza y su historia".

Fernando M. Romero
Plain View
Egbert Baqué Contemporary Art
Fasanenstrasse 37
10719 Berlin
Del 6 de abril al 9 de junio de 2012

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miércoles, 25 de abril de 2012

Ruta 2010-12, proyecto Movic en Inturjoven


Los artistas Marta F. Jódar y Antonio Blázquez durante el montaje de la obra de este último. Foto AO

Desde el viernes 27 de abril, el centro expositivo del Albergue Inturjoven de la Creatividad de Córdoba acogerá la exposición Ruta 2010-12, colectiva en la que están presentes una selección de artistas participantes en las dos ediciones anteriores de Movic. Los seleccionados son los cordobeses Antonio Blázquez, Juan López López, Miguel Ángel Moreno Carretero y Otes, junto a Verónica Eguaras, Maite Leyún, Alfredo Zubiaur y el colectivo que forman Miriam Isasi, María Salazar y Víctor Santamarina, lo que deja patente el excelente momento que vive la creación contemporánea en nuestra provincia. 

Albergues Movic es un proyecto de estancias creativas en albergues para jóvenes artistas, promovido por la Red Nacional de Albergues Juveniles (REAJ). La propuesta surge en el Albergue Inturjoven de Córdoba, a partir del trabajo de un grupo de artistas andaluces durante el proceso de investigación de las empatías del viaje y los procesos creativos. Ruta 2010-12 es una muestra que representa a los 100 artistas de todo el territorio nacional que han pasado por el programa en estos dos años, como ejemplo de la calidad de los participantes y de la actualidad de los lenguajes contemporáneos en nuestro país.

La muestra, que ocupa la totalidad del centro expositivo, se inicia con la intervención del artista urbano Otes (Córdoba, 1980), titulada בל שודק, en la que un gigantesco grafitti muestra un Sagrado Corazón llameante con una estética híbrida y potente con el que el artista muestra "un eufemismo de la realidad" con el que se simboliza "el amor del Salvador para con toda la humanidad". Por su parte, Antonio Blázquez (Fuente Carreteros, Córdoba, 1977), presenta con http://www.google.es/search?q=antonio+blazquez, una suerte de work in process a partir de los distintos antonio blázquez que aparecen en la búsqueda de imágenes de Google, utilizando para ello diferentes soportes y técnicas como fotografías, impresiones sobre papel, pinturas, collages y dibujos. Paisajes que se ven desde la montaña, de Miguel Moreno Carretero (El Carpio, Córdoba, 1980), es una instalación de madera y pizarra dorada planteada como un recuerdo de los senderos campestres, dentro de la estética de replanteamiento del paisaje en la que se inserta la obra de Moreno Carretero. También la artista granadina Maite Leyún (1980) participa con una instalación, la titulada Shot in the back of the head, en la que mezcla video y escultura cerámica, un trabajo que tiene como eje principal "la relación entre la cerámica y el cuerpo desde una perspectiva contemporánea". El vídeo muestra a una persona patinando sobre un skate realizado en material cerámico, lo que da lugar a un accidente anunciado. Para la artista, esta instalación, cuestiona, "como un disparo en la nuca, la disciplina, la acción y el resultado a la vez que se desarrolla entre columnas, interdisciplinariedad y accidente”.

Verónica Eguaras (Pamplona, 1979), combina técnicas en Weeping Willow, vídeo HD, stop-motion y dibujos sobre copia fotográfica, un trabajo en el que la artista "intencionadamente", según sus palabras, ha querido "hablar del cuerpo, la naturaleza, la narración… e impremeditadamente acabé hablando de la identidad, el género y los arquetipos sociales. Actualmente me intereso por lo performativo y el desorden y no puedo esperar por ver el final de mi película. Como si fuera de otro".

La videocreación continúa con Juan López López (La Rambla, Córdoba, 1980), quien con Lo que rodea al núcleo efectúa un acercamiento a las periferias "a partir de enclaves nocturnos apáticos, lejanos, impersonales y de melancólica belleza donde la protagonista es la periferia misma”. Con Mindscape, Alfredo Zubiaur (Pamplona, 1980) plantea la pregunta "¿Qué es lo que vemos cuando tenemos los ojos cerrados?”, realizando un video con el que crea "un paisaje mental de lo que proyectamos en el interior de la mente cuando miramos algo".

Cierran la relación de artistas el colectivo formado por Miriam Isasi, María Salazar y Víctor Santamarina (Vitoria-Gasteiz, 1981; Bilbao, 1983; Madrid, 1990), quienes presentan el proyecto titulado Tierra roja, conformado como una reflexión sobre la identidad local. “Desde una mirada visitante la identidad de la ciudad es un estrato de tradiciones ancestrales que previenen actualizándose con el paso del tiempo. Determinando los rasgos propios de Pamplona y de sus habitantes, dando forma a una identidad contemporánea de la ciudad”.

Ruta 2010-12
Inauguración viernes 27 de abril, 20:30 h
Albergue Inturjoven de la Creatividad de Córdoba
Entrada por Plaza del Cardenal Salazar
(frente Facultad Filosofía y Letras)
Hasta el 17 de junio de 2012
Horario de 12 a 14 y de 18.30 a 21 h


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La piel de los árboles: veintisiete propuestas sobre arte y naturaleza

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Una vista de la exposición. Foto: Sonia Corzo

Sonia Corzo / Ars Operandi 

El Aula de la Naturaleza del Real Jardín Botánico de Córdoba acoge hasta el 20 de mayo la exposición colectiva titulada La piel de los árboles, una iniciativa surgida del artista cordobés Rafael Martorell. El lugar elegido, inmejorable para un contacto directo con la naturaleza, reúne a veintisiete artistas que aportan otras tantas sensibilidades con un mismo objetivo de acercamiento al medio ambiente. Para Rafael Martorell (Córdoba, 1966), alma mater de la muestra, La piel de los árboles “no es un título buscado, sino encontrado en uno de mis innumerables paseos contemplativos buscando referencias y similitudes que me hagan reflexionar y profundizar en la semejanza del árbol y el ser humano, y la tan acertada lección aprendida sobre el tratamiento como seres vivos de las plantas. Tomando como base esa idea, con este proyecto avanzo un poco más identificando a los árboles como a un ser humano acercándome de una forma radical y contundente a su “piel” tomando esta visión como concepto”. 

La muestra tuvo un antecedente el pasado mes de diciembre, cuando Martorell expuso una selección de sus fotografías en la Sala de Madera del Real Jardín Botánico de Córdoba agrupadas bajo el mismo título de La piel de los árboles. En esta ocasión, fotografía, pintura, dibujo, escultura o música conviven en las veintisiete propuestas presentadas por los diversos artistas y creadores, que incluyen los nombres de Hisae Yanase, Antonio González, Yulia Eremita, Pedro Caro, María Ortega Estepa, Rafael Varo, Juan Pablo Lucena, José Carlos Nievas, Juanjo Caro, Miguel Ángel Moreno Carretero, José Antonio Modelo, Antonio Blázquez, Ramos Dual, Juan José Romero, Yulia Romantsova, Alicia Sánchez y Mayte Ramiro, Rebeca Saray, Nina Vamstad, Ana Martínez, José Díaz, Celia de la Fuente, Neves Seara, Begoña Ortiz Recio, Rita Rutkowski, Leire Olkotz y Rafael Martorell. 

La inauguración, el pasado día 20, estuvo acompañada con las actuaciones de la compositora y pianista rusa Yulia Romantsova, cuyas letras fueron compuestas en especial para la muestra, y Ramos Dual, compositor y músico cordobés, quien también interpretó sendas piezas especialmente compuestas para la ocasión. 

La piel de los árboles 
Aula de la Naturaleza del Real Jardín Botánico de Córdoba 
C/ Escultor Fernández Márquez s/n 
(Parque de La Asomadilla) 
Hasta el 20 de mayo de 2012 
Córdoba
Comisariado: Rafael Martorell

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lunes, 23 de abril de 2012

Se inicia el el II Congreso Internacional sobre Ciudades Históricas del Patrimonio Mundial en Filosofía y Letras

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Foto: AO

En la mañana de hoy se ha celebrado en el Salón de Actos de la Facultad de Filosofía y Letras la jornada inaugural del II Congreso Internacional sobre Ciudades Históricas del Patrimonio Mundial, que se desarrollará hasta el día 26 de abril. Organizado por el Ayuntamiento de Córdoba en colaboración con la Universidad de Córdoba, y con el apoyo económico del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, el Congreso, que girará en torno a los importantes retos que ofrece la conservación, protección y habitabilidad de los cascos históricos, contará con la participación de numerosos especialistas en urbanismo y arquitectura. El alcalde de Córdoba, José Antonio Nieto, ha señalado en la conferencia inaugural la importancia de habitar "ciudades vivas" evitando que el legado patrimonial sea "un mero espacio-fachada para los visitantes", y que debe favorecer "el desarrollo de la cultura y otras actividades generadoras de empleo". Asimismo han intervenido el subdelegado del Gobierno, Juan José Primo Jurado, el Decano de la Facultad, Eulalio Fernández y el director académico del Congreso, Clemente Martín de la Cruz, cerrando el acto el Vicerrector de Estudiantes y Cultura, Manuel Torres, en representación del Rector de la Universidad de Córdoba. 

 Al Congreso asisten diversos representantes y especialistas de ciudades Patrimonio de la Humanidad de seis países: Lyon (Francia), Matera (Italia), Évora (Portugal), Puebla (México), Tetuán (Marruecos) y las españolas de Santiago de Compostela y San Cristóbal de la Laguna, además de Córdoba. El Congreso se articulará por medio de ponencias e intervenciones junto a mesas redondas y debates. Algunos de los intervinientes serán Justo Fernández Trapa de Isasi (catedrático de la Universidad Politécnica de Madrid), Mª Eugenia González de la Rocha (Comisión Permanente Red OTRI), Zaida Muxí (arquitecta, Universitat Politécnica de Catalunya) y Cornelio Bergantino (Assesore alla Cultura e Turismo. Capitalidad Cultural 2019, Matera, Italia), junto a un numeroso grupo de especialistas que alternarán sus intervenciones durante la semana. 


II Congreso Internacional sobre Ciudades Históricas del Patrimonio Mundial
Facultad de Filosofía y Letras, Córdoba
Del 23 al 26 de abril  


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miércoles, 18 de abril de 2012

Naturaleza y artificios. Moreno Carretero en la Sala Galatea


Moreno Carretero, ayer en la Sala Galatea bajo la obra Paraiso por sombrero. Foto: Ars Operandi
La Sala Galatea de la Casa Góngora inicia una nueva andadura que arranca con la intención de establecer una especial atención a la creación actual que se produce en el contexto local de la ciudad. Y lo hace de la mano del artista Miguel Ángel Moreno Carretero (EL Carpio, Córdoba. 1980) quien reúne en las tres salas de la Calle Cabezas una revisión de trabajos anteriores y recientes que permiten establecer nuevas conexiones y significados entre ellos. Comisariada por Óscar Fernández, El paisaje disimulado propone una manera lúdica de interpretar el entorno natural,  una búsqueda poética, en palabras de Noelia Centeno, autora del texto de la exposición que, "lejos del carácter bucólico y existencialista, nos acerca a una interpretación abierta de las estrategias de venta y publicidad del entorno paisajístico y la naturaleza como valor artístico añadido por los mass media". El juego de la escala, la intención de lo rural, la escultura conceptual y la cultura pop son para Centeno los leitmotiv de la obra de Moreno Carretero, una obra que "desvela un significado oculto del proceso creativo del artista en conexión con el territorio. Una serie de propuestas análogas que buscan, en las ruinas y los hitos populares, maneras de interpelar al espectador a través de la conjugación de valores nostálgicos, la dialéctica de las proporciones, y la fabricación de distintas escenas. Lenguaje visual intencionado que mezcla diversas posiciones actuales en la concepción del paisaje".

Un día en el campo buscando agua en el bosque, encontré una cantimplora. Foto: Ars Operandi
La muestra se articula en tres estancias que corresponden con tres miradas evocadoras de su relación con el paisaje: representación, acción e investigación. En la primera "la pintura deviene objeto y el paisaje conquista la vertical. Pintura de género y arte de concepto sobre un tapiz verde. Entorno desnaturalizado: el paisajismo se vuelve ironía. Tocando el césped sin salir del lienzo". Moreno Carretero reune aquí piezas emblemáticas como Un día en el campo buscando agua en el bosque, encontré una cantimplora, una serie de cinco cantimploras intervenidas que formaron parte en 2006 de la colectiva La Estrategia del Caracol. Confronta estas piezas con  obras  realizadas en 2011 durante su estancia en CRIDA, la residencia de arte de Palma de Mallorca Spai d'Art y que se han podido contemplar recientemente en el stand de la galería Trinta en la feria madrileña JUSTMAD3. Junto a ellas rescata pinturas como La casa del árbol o Paisaje para patio de butacas que son preludio de trabajos recientes como Ley de Costas o Archipiélago sobre lino. Pintura y video se complementan en  Paisaje sobre mano, filmación en video de un pintor urbano que pinta un paisaje sobre un cristal transparente siguiendo las indicaciones del propio artista.

La más bella silueta. Foto: Ars Operandi
El recorrido continúa en el patio de la Casa Góngora donde Moreno Carretero ha situado La más bella silueta, una escultura de gomaespuma forrada que formó parte en Matadero de Madrid de la exposición Bellamatamatic, una intervención sobre la máquina expendedora que la editora de revistas experimentales La Más Bella instaló en el centro de creación contemporánea de la capital madrileña. Si en la pieza de Matadero, la silueta se recortaba sobre la gomaespuma de color rosa a modo de vaciado, ahora se nos presenta corpórea y exenta ocupando la zona central del patio.

La nube, escultura y video. Foto: Ars Operandi
La segunda estancia está dedicadas a las prácticas de acción, y en ella encontramos otra de las constantes en la obra de Moreno Carretero "los usos y apropiaciones del paisaje. Naturaleza: un concepto abierto y un imaginario por hacer. La acción artística como mecanismo de trasformación de lo inmediato. Colores industriales y estrategias de marketing toman el paisaje". Se trata de una recopilación de documentación de procesos y acciones que el artista ha ido llevando a cabo en lugares como el CDAN de Huesca, Asturias o la ciudad de Praga. Completan el contenido una recopilación de objetos intervenidos frutos de la acción que llevó a cabo en el Puerto de las Artes de Huelva, el borlón de ¿Sabes qué es un señuelo?, escultura-señuelo realizada para el ciclo Intervenciones en jueves además de una escultura y un video pertenecientes a la serie La Nube que Moreno Carretero presentara en la Filmoteca de Andalucía en 2009.

Azul vertical, fotografía de Miguel Moreno Carretero
Clausura El paisaje disimulado una tercera sala que acoge obras que tienen que ver con el proceso de investigación. Aquí encontramos trazadas líneas entre lo natural y lo industrial y cómo ambos "se abrazan en la lógica del consumo". Son recorridos fotográficos por el paisaje urbano donde el objeto encontrado, propio de la vanguardia, pervive en lugares insólitos. "Sólo la escala diferencia el arte de la publicidad". Son una serie de propuestas "análogas que buscan, en las ruinas y los hitos populares, maneras de interpelar al espectador a través de la conjugación de valores nostálgicos, la dialéctica de las proporciones, y la fabricación de distintas escenas". Podemos contemplar aquí por fin el resultado de los trabajos de la Beca de Creación que la Fundación Rafael Botí le otorgara años atrás y que hasta ahora no habían salido a la luz pública por la desidia del organismo provincial. Son las obras Azul vertical -que ha formado parte recientemente de Mundos Propios, la exposición que ha comisariado Sema D'Acosta para la Fundación Madariaga de Sevilla-, Todo sobre ruedas, Helados y Gigantes, series fotográficas donde el paisaje natural establece confrontaciones con las intervenciones humanas en unos trabajos sumamente lúdicos por el juego que proporcionan los efectos de escala. A modo de colofón y como testigo de este trabajo de campo queda la escultura-mesa de trabajo en la que Moreno Carretero despliega, sobre el mapa utilizado en sus procesos, un repertorio de  fotografías, cuadernos de notas y objetos a escala reducida que dan buena cuenta de los intereses que ocupan al artista cordobés.

El paisaje disimulado ha contado con la colaboración de tres poetas de diferentes generaciones que ponen el contrapunto literario a las imágenes de Moreno Carretero. Cristian Alcaraz, Elena Medel y Pablo García Casado prestan sus palabras y adhieren a las obras nuevas perspectivas  ensanchando así sus significados. Yo convierto un pedazo de tierra en un verano...



Miguel A. Moreno Carretero
El paisaje disimulado 
Inauguración: 18 de abril, a las 20,30 h.
Sala Galatea (Casa Góngora)
De L a V de 17,00 a 21,00 h. S de 10,00 a 14,00 h y de 18,00 a 21,00 h. 
Domingos y festivos de 10,00 a 14,00 h.
Comisario: Óscar Fernández



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martes, 17 de abril de 2012

La creación local cobra presencia en la oferta municipal


Collage de Franz Roh
A pesar del panorama de crisis que ha convertido a la ciudad casi en un páramo cultural como consecuencia de la desaparición de las salas Puertanueva, Iniciarte y de las galerías Tula Prints y Clave, el Área de Cultura del Ayuntamiento intenta conjurar la recesión mediante una programación que, aún siendo coherente con los tiempos de crisis, pretende mantener el nivel de la oferta artística en materia expositiva. Así, y hasta final de año, las distintas salas municipales  presentan un programa en el que la creación local contemporánea cobra gran parte de presencia. La Sala Vimcorsa se reafirma como buque insignia de las políticas culturales y prepara los platos fuertes de la temporada. En mayo, tras la clausura de Trobat, llega una revisión, en coproducción con el TEA de Tenerife, de obras del artista y crítico de arte alemán Franz Roh. Con la colaboración con la galería neoyorquina Ubu Gallery, Realismo Mágico, traerá hasta la Casa Carbonell una selección de collages de época, prácticamente inéditos en España,  junto a las ediciones originales de las publicaciones del célebre libro de Roh, Realismo Mágico. Ya en septiembre Vimcorsa acogerá Góngora. La estrella inextinguible, un ambicioso proyecto que  sobre la figura del poeta cordobés ha organizado Acción Cultural Española junto a las instituciones cordobesas Diputación, Ayuntamiento y Universidad.  La muestra que se inaugura en mayo en la Biblioteca Nacional está comisariada por el profesor Joaquín Roses y reunirá alrededor de 200 obras entre pinturas, grabados, manuscritos de los siglos XVI y XVII y publicaciones del siglo XX procedentes de museos como el Prado, el Thyssen, el Louvre, el British, el Rijksmuseum, los Uffizi, el Museum of Fine Arts de Boston o el Nacional d’Art de Catalunya. Entre ellas podremos encontrar desde el célebre retrato del poeta que pintara Velázquez hasta obras contemporáneas de autores como Luis Gordillo o Juan Muñoz pasando por obras de Rubens, Tiziano, Picasso, Dalí, Jean Cocteau y el escultor cordobés Mateo Inurria. Góngora. La estrella inextinguible, compartirá sede entre Vimcorsa y el Centro de Arte Pepe Espaliú y dada la envergadura de la muestra alguna de las obras expuestas en Madrid no podrán viajar a Córdoba.

Haiku puerta lejos, escultura en acero de Jacinto Lara
La Sala Orive, por su parte, adquiere un uso más acorde con sus características al acoger sendas muestras de escultura. Jacinto Lara prepara en estos momentos, Anotaciones al margen, una recopilación de sus trabajos menos conocidos, los escultóricos, que desplegará en el mes de junio en la Sala Capitular. El artista cordobés José Manuel Belmonte cerrará el año con una retrospectiva de sus trabajos escultóricos centrados en el estudio de la figura humana. Completará la programación de la Sala Orive una muestra de arte tradicional africano que coincidirá con la celebración en nuestra ciudad por primera vez del Festival de Cine Africano.

Fotografía de Simon Norfolk
La Sala Galatea reabre en estos días sus puertas con la intención de albergar las propuestas más emergentes prestando especial atención al contexto local. De esta manera a partir de mañana miércoles, el artista Miguel Ángel Moreno Carretero revisará los  últimos años de su producción en la que incluye trabajos recientes sobre paisaje humanizado que se han mostrado en la Fundación Madariaga de Sevilla o en el stand de galería Trinta en JustMadrid. Entre junio y agosto el espacio de la calle Cabezas albergará una exposición del fotógrafo Simon Norfolk.  Norfolk traerá a Córdoba una representación  de las series fotográficas que han sustentado su prestigio internacional. Tomadas entre 2000 y 2006, estas imágenes nos presentan las ruinas petrificadas de guerras muy recientes (Afganistán, Bosnia, Irak, Líbano...), pero también campos de refugiados todavía abiertos en diferentes lugares del planeta o los escenarios de genocidios históricos como Auschwitz y Camboya. Tras el verano, exposición colectiva de arte joven cordobés comisariada por el colectivo 16 ASAS, que seleccionará a cuatro artistas locales para realizar proyectos específicos adecuados a cada una de las tres salas  y el patio central de la Casa Góngora. Posteriormente una nueva entrega de Páginas de Barro, el proyecto  de difusión e investigación en torno a la cerámica artística contemporánea que dirigen desde 2008 los artistas cordobeses Hisae Yanase y Antonio González, comisariada en esta ocasión por José Álvarez. Cerrará la programación de 2012 una muestra de las obras realizadas por Nathalie Mohadjer con motivo de su estancia en la residencia de artistas La Fragua de Belalcázar. Esta estancia ha sido obtenida recientemente por la fotógrafa alemana tras resultar ganadora de la primera beca La Fragua-UCO para artistas en residencia. Mohadjer estuvo viajando a Bosnia-Herzegovina en varias ocasiones entre el 2001 y 2005 y allí realizó series en las que las secuelas y los lugares del conflicto conforman un imaginario fotográfico que conjuga el testimonio documental con la mirada analítica propia de la fotografía de autor.

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