.

.

3 de mar. de 2015

RE-VIEW. Otras maneras de acercarse a la imagen actual

Fotografía de Maxime Guyon. Artista seleccionado por Diego Díez para una de las proyecciones comisariadas
Redacción / Ars Operandi

"Revisar la imagen. Pensar la imagen. Construir la imagen". Estos son los ejes sobre los que se articula RE-VIEW, las jornadas que en torno a la imagen actual se plantean desde CoMbO y Blow Up entre los días 10 y 15 de marzo. En un mes en el que la fotografía adquiere gran protagonismo en la agenda cultural de la ciudad, desde estos dos espacios independientes se apuesta por abordar territorios de la imagen a los que ni de lejos se asoma la propuesta institucional. Y lo hacen desde una perspectiva abierta que permite ofrecer otras maneras de acercarse a la imagen que "superan el paradigma de lo fotográfico y se insertan en el territorio de ese amplio campo de investigación y producción de la imagen que es la cultura visual, tratada por teóricos como Mitchell o Mirzoeff". Toda una contrapropuesta que intenta alumbrar "nuevos lugares para los que ya no nos sirven las categorías del siglo pasado", nuevos caminos "más allá del paradigma de una fotografía que ya se ha quedado obsoleto en un contexto de producción icónica como el actual".

Imagen promocional para el taller de Miguel Ángel Tornero. Cadáver suculento. La imagen menos pensada. 2014
Para ello han confeccionado un intenso programa que toma en consideración las innumerables problemáticas en las que se ve inmersa la imagen en un mundo sobresaturado de contaminación visual. Con esta aportación, dos proyectos que comparten el compromiso de explorar los derroteros de la creación actual, CoMbO y BLOW UP, unen sinergias para proponer otros formatos "más cercanos a la sensibilidad contemporánea y más imbricados en las lógicas de distribución de la imagen actual en el contexto internacional". Una apuesta, indican, "necesaria e independiente" que anuncia nuevas maneras de relacionarse y producir. "La imagen está mutando", advierten,  "las maneras de trabajar con ella también". Por eso, aseguran, "RE-VIEW nace como una apuesta por visibilizar otras maneras de abordar la gestión de la cultura contemporánea, desde fórmulas más flexibles y abiertas a la colaboración, pensando global y actuando localmente para crear tejido y una estructura de trabajo de la cultura más sostenible".

Lúa Coderch. Le technique et le temps. 2014
Desde la producción a la difusión pasando por la formación y la investigación, RE-VIEW se plantea como unas jornadas en las que tendrán cabida exposiciones como Undocuments, en la que artistas como Lúa Coderch, Patricia Esquivias e Ira Lombardia abordan las contradicciones de la imagen como documento, talleres como Cadáver suculento. La imagen menos pensada, impartido por el artista Miguel Ángel Tornero y La imagen mutante, taller de autoediciones y fanzines impartido por Ignacio Navas y Andrés Cobacho, presentaciones de revistas y publicaciones de artistas como David Hornilllos, Miguel Ángel Tornero, Ira Lombardía o la presentación de la Revista Concreta, el proyecto editorial de Nuria Enguita. Las jornadas contarán también con un visionado de portfolios para jóvenes fotógrafos que quieran tener una opinión profesional sobre sus trabajos por parte de comisarios, artistas y críticos, así como actividades dedicadas al público infantil a través del formato Kamishibai o presentaciones como Fabzine Boom Mix, una sesión de bookjockey a cargo de Ignacio Navas. Además RE-VIEW planteará una ruta de proyecciones por diferentes establecimientos comerciales para los que se ha contado con fotógrafos como Jon Uriarte, Fosi Vegue y Diego Diez que presentarán una selección de aquellos artistas que están transformando la imagen en esta primera década del siglo XXI a modo de proyecciones comisariadas.

RE-VIEW. Jornadas en torno a la imagen
Organizan: CoMbo y Blo Up
10 al 15 de marzo
http://review-jornadas.tumblr.com/




27 de feb. de 2015

Artistas cordobeses en las ferias madrileñas

Obras de Pepe Espaliú junto a una escultura de Stephan Balkenhol en el stand de Pepe Cobo . Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

Seis artistas cordobeses participan en las ferias de arte contemporáneo que en estos días se suceden en la capital madrileña. ARCO, JUSTMAD, ART MADRID, Casa Leibniz y JAAL PHOTO conforman una oferta caracterizada por la variedad de formatos y de propuestas, desde las vanguardias históricas al arte más emergente, desde las galerías internacionales a los espacios independientes. ARCO focaliza su mirada en el mercado latinoamericano en una edición en la que solo concurren dos galerías andaluzas. La presencia cordobesa en ARCO 2015 no se encauza, como viene siendo tradicional, a través de la galería Rafael Ortiz. La apuesta del galerista sevillano por un Solo/Duo ha hecho que se eche en falta la presencia de obras de artistas cordobeses habituales de la feria como Equipo 57, José María Baez, Dorothea Von Elbe o Manolo Bautista. Tras algunos años de ausencia en la cita madrileña Pepe Espaliú vuelve a la feria de la mano de su galerista de toda la vida, Pepe Cobo. Cobo recuerda para Ars Operandi las primeras exposiciones del artista cordobés en La Máquina Española allá por 1986. Desde entonces ha sido "su galerista, su albacea y sobre todo su amigo". Un trabajo "afectivo" y "sentimental" que el galerista reclama como una de las señas de identidad de un "dealer de la vieja escuela". "Más importante que dedicarte exclusivamente a un tema de mercado", afirma, "se trata de creer en los artistas, se trata de involucrarse de una manera más afectiva con su carrera".

Paseo del amigo, escultura de hierro pintado de Pepe Espaliú. Foto: Ars Operandi
Pepe Espaliú, quien comparte stand con obras de Stephan Balkenhol, Juan Muñoz o Cristina Iglesias, está representado con una colección de dibujos y la escultura en hierro pintado Paseo del amigo, fechados todos en 1993 y que tienen a las muletas como iconografía recurrente. En esta última etapa de su vida las muletas son para Espaliú simbolo de protección, de apoyo, de sustituto del miembro que falta, de lo que no está, de lo ausente. Pepe Cobo reclama en un ARCO más políticamente correcto que nunca la plena vigencia de la obra del artista cordobés. "Pepe Espaliú tuvo una muerte que fue muy castigada moralmente por la sociedad. Él hablaba de la autobiografía como obra, mostró aspectos que el arte había tocado muy poco o lateralmente quizás porque hemos vivido un siglo XX muy lleno de moralismos".

Obras de Jesús Pedraza en el stand de la galería PM8. Foto: Ars Operandi
El otro artista cordobés representado en la feria madrileña es el lucentino, aunque afincado en Madrid, Jesús Pedraza. Pedraza trabaja habitualmente con la galería PM8 de Vigo con quien ha acudido a ferias como Artíssima en Turin o JUSTMAD. En su estreno en la feria madrileña presenta una recopilación de trabajos de marcada raíz conceptual en los que interviene en libros emblemáticos de la historia del arte y el pensamiento y manipula pósters en un meticuloso proceso que borra las imágenes mediante el lijado de carteles de propaganada electoral dejando como único referente la sonrisa de los políticos. En Jarra Rota, Pedraza pule cuidadosamente los bordes de un recipiente de cristal roto en un intento de restar violencia a la fractura. Francisco Salas, director de la galería viguesa, manifestaba a pie de stand que la obra de Jesús Pedraza se nos muestra "crítica, continuada, muy coherente", "pero a la vez es un trabajo que se puede disfrutar, que no es muy hermético y que sin llegar a ser irónico juega con una doble vertiente que lo hace muy abierto. Se trata de un trabajo muy reflexivo no solo sobre aspectos sociales sino sobre asuntos que tienen que ver con la institución arte"

Vista del stand de la galería Siboney en JUST MAD con obras de Fernando M. Romero. Foto: Ars Operandi
En Just Madrid, que por segundo año se celebra en la sede de COAM, el artista Fernando M. Romero ocupa en solitario el stand de la galería Siboney en una de las propuestas más acertadas de toda la feria. El comisario Ángel Calvo Ulloa ha seleccionado a doce artistas que representan "una muestra del talento productivo artístico en la península Ibérica". Entre ellos destaca la presencia del artista cordobés con una intervención en la que la pintura se expande más allá de los límites del cuadro para alcanzar géneros como la instalación o la fotografía. Juan Riancho, director de la galería santanderina, confiesa a Ars Operandi que "hay varias cosas que me gustan especialmente de él pero hay una que subrayo sobremanera que es una actitud muy contemporánea que es compartida por muy pocos". Aunque Fernando ultima en estos días la intervención pública Partículas Elementales en la Plaza Europa de Hospitalet, "aquí le han pasado cosas muy buenas" indica el galerista. Y avanza como ejemplo de este "salto cualitativo" que algunas de las galerías que forman parte del JustBrooklyn han mostrado su interés en exponer la obra del artista cordobés en la capital neoyorkina.

Nocturno, múltiple sobre tabla de Pepe Puntas en Art Madrid. Foto: Cortesía del artista
También en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles se celebra la décima edición de la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid’15. La feria reúne a medio centenar de galerías nacionales e internacionales dedicadas al arte contemporáneo, arte emergente y vanguardias históricas. La galería fundadora de la feria, BAT Alberto Cornejo, acoge un año más obras del artista cordobés Pepe Puntas. Puntas ha señalado a Ars Operandi que acude en esta edición a Art Madrid con pinturas cuya temática "sigue siendo la denuncia social, la crisis y sus resultados. Todo ello mezclado y agitado con un poco de sexo, la comida rápida y antidepresivos. También se propone técnicas de relajamiento y longevidad chinas con un toque de añoranza sobre el tiempo perdido".

Vista del proyecto de Miguel Ángel Moreno Carretero en One Project 2015 de Art Madrid. Foto: Cortesia La Fábrica Galería
Sin salir de Art Madrid y dentro del programa One Project 2015 encontramos la propuesta del artista carpeño Miguel Ángel Moreno Carretero de la mano de la galería madrileña La Fábrica. El comisario Carlos Delgado Mayordomo ha seleccionado ocho proyectos en formato solo show de otros tantos artistas que aunque jóvenes mantienen una presencia continuada en el panorama expositivo actual. Los trabajos están unidos por el concepto de artefacto, "planteado como un dispositivo claramente  onstruido, fruto de un proceso razonado de producción, que no oculta su artificialidad y su medida precisión". Moreno Carretero muestra, entre otros,  trabajos pertenecientes a Mecanismos inconscientes del horizonte, la exposición que recientemente ha clausurado en la sede madrileña de La Fábrica. Un proyecto con un latente componente autobiográfico que documenta más de un centenar de reclamos de carácter publicitario situados en las cercanías de las carreteras españolas que Miguel pudo conocer de pequeño sentado junto al volante del camión de su padre. Esta serie de artefactos publicitarios y señalizadores, "vinculados al comercio y desprovistos de cualquier intención artística inicial conforman una colección de fotografías que evocan un período de tiempo claramente identificable en el paisaje español y posiblemente, en peligro de extinción", indican desde la galería La Fábrica.

Fotografía de Verónica Ruth Frías en JAAL PHOTO
Experiencias como JAAL PHOTO o Casa Leibniz complementan, desde otros planteamientos, la oferta artística de la capital en estos días. En JAAL PHOTO, la feria de fotografía independiente de Madrid, ha presentado sus trabajos la artista Verónica Ruth Frías. La habitación 503 del Hotel Mayerling ha sido el escenario de la presentación de A 153 cm., un proyecto cuyo nombre alude a la altura de la artista. "Adquiriendo una pose casi hierática y aparentemente inmutable", indican desde Factoría de Arte y Desarrollo,  "la artista se insertó en el paisaje como un hito vertical, tal que una forma de vida vegetal o un simulacro de totem. Lo hizo durante el periodo de gestación de su segunda hija, de manera que su figura embarazada constituye en sí misma una redefinición del paisaje como ecosistema vivificante. Tal y como ella misma explica, asume el papel de una diosa madre ancestral, transfiguración de la propia naturaleza, una personificación de la tierra asociada a la fertilidad".


26 de feb. de 2015

El sector del arte en Andalucía pide "un nuevo comienzo" para el C4 tras quedar desierta la licitación

 Interior del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. Foto: Cortesía Fernando Alda ©
Redacción / Ars Operandi

Las principales asociaciones del sector del arte contemporáneo en Andalucía, Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA) e Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) han hecho público un comunicado conjunto en el que valoran "muy positivamente la resolución de la comisión de expertos de dejar desierta la licitación para la asesoría artística del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. Esta decisión culmina el errático proceso que, a nuestro juicio, ha caracterizado la configuración de este equipamiento cultural en los últimos años". 

Un proceso, afirman las asociaciones,  "en el que, a pesar de las numerosas peticiones del sector para que se aplicara el Documento de buenas prácticas en museos y centros de arte, éstas no han sido nunca tenidas en cuenta.  Desde las organizaciones del sector ya denunciamos que se convocara una licitación sin haber resuelto aspectos sustanciales como son el decreto de constitución, los estatutos, el plan de usos, el modelo de gestión, los órganos de gobierno o la dotación presupuestaria y de personal. Cabe recordar que el Documento de buenas prácticas, firmado en 2007 por el Ministerio de Cultura y con el respaldo de todo el sector, establece que debe ser un Patronato, constituido por la administración, especialistas en arte contemporáneo y representantes de la sociedad civil, quien se encargue de establecer las bases de la convocatoria y la posterior resolución del concurso". Desde el sector señalan también que "en su momento ya manifestamos que el proceso de licitación, un procedimiento administrativo para la adquisición de suministros  y realización de servicios, resultaba absolutamente inédito en centros de esta naturaleza y que  esta circunstancia podría dar lugar a que la empresa adjudicataria nombrase de facto al director un centro de titularidad pública". 


Desde las organizaciones que representan a buena parte del sector en Andalucía, afirman, "instamos a la Consejería de Cultura a retomar el proceso desde el principio, un proceso que siente las bases de un espacio para la creación contemporánea en Andalucía transparente y participativo y que cuente con la opinión del sector. En este sentido volvemos a reiterar nuestra disposición para establecer cauces de diálogo, hasta ahora inexistentes, y lograr un compromiso que ayude a rentabilizar socialmente la fuerte inversión realizada".


20 de feb. de 2015

Nexos. Artistas emergentes en las Galerías Cardenal Salazar

Alberto M. Centenera. POST_SPAIN, 2013-2015, instalación, medidas variables. Foto: GCS

Redacción / Ars Operandi 

Las Galerías Cardenal Salazar continúan su programación expositiva con la muestra colectiva titulada Nexos, una pionera colaboración entre la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha, UCLM) y la Facultad de Filosofía y Letras (Universidad de Córdoba, UCO). La exposición reúne hasta una veintena de artistas procedentes de la UCLM, que como indica el comisario de lña muestra, Sergio R. Arjona, dejan traslucir a través de sus obras "la multiplicidad de puntos de vista, de procesos y técnicas, de líneas de reflexión y, en suma, de medios de expresión que nos dan las claves sobre cuáles son los caminos que está tomando la creación artística actual". 

Para los responsables de las galerías, de esta manera el proyecto GCS "amplía sus horizontes de actuación, implicando activamente a otros colectivos universitarios y poniendo en relación directa a unos y otros alumnos, en un proyecto docente que contribuye a la formación profesional del alumnado participante a la vez que es un espacio generador en la vida cultural de la ciudad".

Temas como la identidad del individuo son tratados en Nexos por artistas como Lorena Esteso, Melanie López, Nacho Vergara, Belizón Pérez o Lucía Montano, en cuyas obras "reflexionan sobre discursos queer, la búsqueda del yo y nuevas visiones sobre el cuerpo". 

Otro de los nexos, de los puntos en común a los que alude el título de la muestra es la reflexión sobre el espacio "eje sobre el que giran las creaciones de José Luis Vieco, Marino Herreros, David Plaza, Sandra Revuelto, Alberto Martínez o Sergio Peramato nuevas visiones que renuevan técnicas tradicionales como la escultura añadiendo a su obra elementos de la vida cotidiana".

Carlos Sanz. Peces, 2014, óleo y acrílico s/t, 130x 114 cm. Foto: GCS

Del mismo modo, en la muestra se pretende mostrar "la convivencia entre la máquina y el ser humano, la cual está presente en gran parte de la creación artística actual". Las obras de Adrián Gusano y Cristina Rodríguez se desarrollan entre programas informáticos y sistemas operativos, "con un resultado que se mueve entre la realidad virtual y el mundo real". Completan la exposición obras de Vanesa Sánchez, Raúl Jurado, Adrián Langreo, Carlos Sanz, David Gómez y Bárbara Thibout. 

El comisario de la muestra, Sergio R. Arjona, Graduado en Historia del Arte por la UCO, ha seleccionado para la presente exposición piezas realizadas en diversas técnicas como la pintura, escultura, grabado, instalación, arte electrónico y sonoro o vídeo arte. Desde las GCS , con Nexos se ha querido desarrollar "un proyecto inédito realizado específicamente para las Galerías Cardenal Salazar, que supone, como nexo o punto de unión, un paso adelante para la relación entre ambas Universidades, potenciando el intercambio cultural y la difusión de sus valores creativos e investigadores, y ofreciendo una instantánea de las nuevas tendencias en la creación artística actual".

Lorena Esteso. Queer self portrait, 2015, collage digital, 50 x 70 cm. Foto: GCS 

Nexos es la tercera exposición programada por las GCS en la presente temporada, tras la inaugural de José María Baez y la reciente Memorias particulares, de Gil Gijón. Tras Nexos, las galerías participarán como espacio expositivo en la XIV Bienal de Fotografía de Córdoba con la obra de Emilio Pemjean, de la que se mostrará su serie Palimpsesto.


Nexos
Galerías Cardenal Salazar
Facultad de Filosofía y Letras
Plaza del Cardenal Salazar, 3
Hasta el 7 de marzo
Comisario: Sergio R. Arjona

Cuadernos sonoros de Juan Isaac Silva en DMencia


Redacción / Ars Operandi

La experiencia personal que mantiene Juan Isaac Silva (Cádiz, 1979) con el aprendizaje sonoro es el telón de fondo sobre el que levanta Gestos Cotidianos # 1, la muestra que se inaugura hoy en Dmencia, el programa de arte contemporáneo que se desarrolla en la localidad de la Subbética cordobesa desde 1996. Atendiendo en esta edición a una determinada vocación andaluza, por sus salas han pasado esta temporada artistas como la sevillana Susana Ibañez, la jerezana Ana Barriga y más recientemente el también sevillano Pablo Martinez Conradi. Juan Isaac Silva es un artista gaditano que combina en su trabajo en sus producciones diferentes disciplinas como el dibujo, la fotografía, el vídeo y el sonido, y que muestra un especial interés en el comportamiento y la representación del sonido como concepto y experiencia en distintas vivencias cotidianas.

Fotografías que forman parte de Gestos cotidianos de Juan Isaac Silva en DMencia. Foto: Cortesía del artista
El proyecto Gestos Cotidianos # 1 surge a partir del descubrimiento que Juan Isaac Silva realiza del universo sonoro. Sordo desde los tres años, el artista ha recuperado recientemente la audición tras un implante clocear. A partir de esta vivencia personal, el objetivo del artista ha sido construir y clasificar un cuaderno, donde explora y registra el comportamiento del sonido en diferentes situaciones, "en el paisaje, el espacio, los objetos y el lenguaje hablado". Silva propone explorar "el acto cotidiano de brindar con diferentes copas de vino, cuya cadencia las encontramos en las distintas y inesperadas formas sonoras que producen estos objetos cuando se golpean : “ …..sentir la experiencia de oír el golpeo de dos copas de cristal me plantea la necesidad de explorar el objeto y buscar con ellos el mayor número posible de sonidos. Registrar estos gestos sonoros me permite estimular la memoria auditiva y es a partir de mi experiencia anterior como pintor lo que me lleva a asociar esta actitud como concepto de pinceladas sonoras.”

Silva es licenciado en Bellas artes y Master en Arte, idea y producción por la Universidad de Sevilla (2011-2012). Ha participado en diferentes exposiciones colectivas como Que vienen los Bárbaros… ICAS, (Sevilla, 2012) ,  WunderKarmmmer La Bañera Gallery, (Madrid, 2012) o más recientemente Los ojos del tiempo que todavía se puede contemplar en Castillo de Santa Catalina de Cádiz con el comisariado de Guillermo Paneque.

Gestos cotidianos # 1. Juan Isaac Silva
Dmencia. Hasta el 5 de marzo

9 de feb. de 2015

Las "partículas elementales" de Fernando M. Romero

Partículas elementales, instalación de cinta de PVC y fotografía de Fernando M. Romero. Foto: FMR
Redacción / Ars Operandi

Tras su paso por Elche donde Fernando M. Romero ha presentado una recopilación de los trabajos fruto de la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán, el artista cordobés arriba a Cataluna de la mano de la Fundación Arranz-Bravo (Hospitalet, Barcelona). Allí presenta Partículas elementales, un conjunto de fotografías, pinturas, video e instalaciones que conforman su producción más reciente. Comisariada por el crítico de arte barcelonés Albert Mercadé, y con la colaboración de Jaume Vidal Oliveras, Fernando M. Romero explora en Partículas elementales algunos de los componentes artísticos fundamentales de su obra, centrada, "en una indagación sobre las relaciones visuales y conceptuales que el artista halla en los campos de la percepción icónica y la ciencia. Colisiones, explosiones, trayectorias, interferencias, dualidades, son fenómenos que emergen tanto del núcleo de la misma creación artística como de la investigación científica, desembocando ambas en la construcción de modelos que nos permitan interpretar la realidad. Romero caza la complejidad de los matices visuales y expresivos que aparecen en la micro realidad que se esconde detrás de los objetos, así como en la fragmentación del tiempo, a través de un lenguaje artístico híbrido, que abraza la fotografía, la pintura, el vídeo y la instalación.

Et in arcadia ego_002. Fotografía de Fernando M. Romero. 
En palabras del crítico de arte Sema D´Acosta, indican desde la Fundación Arranz-Bravo, la obra de Romero “obtiene energía de ese roce continuado entre la mirada previsible y la inesperada, un choque de fuerzas activas donde saltan chispas y se producen descargas espontáneas que generan nuevas combustiones pictóricas”. Sin embargo, observa a su vez el autor sevillano, la obra de Romero va más allá de la especulación formal: “Sus preocupaciones artísticas son de orden conceptual antes que procesual”. En este sentido, Romero se interroga sobre cuestiones relacionadas con la imposibilidad del ser humano de percibir la realidad sin transformarla; el vínculo entre la mirada y la memoria o entre la realidad y la ficción".

En primer término, óleos sobre lienzo de la serie Folded de Fernando M. Romero. Foto: FMR
Coincidiendo con la celebración de la muestra, Fernando M. Romero realizará una instalación en el Sculpture’s Corner de la Plaza Europa de L’Hospitalet  que será inagurada durante el Mobile World Congress ‘15 de Barcelona. El proyecto contarà con la edición de un catalogo, con textos de Jaume Vidal Oliveras y Albert Mercadé. Residente entre Berlín y Córdoba, Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) es, a juicio de la fundación catalana, "uno de los artistas más prometedores de la plástica española contemporánea, una realidad avalada por su trayectoria, incluyendo su paso por ferias como JustMad (Madrid), SWAB (Barcelona), Estampa (Madrid) o ArteSantander (Santander); así como sus recientes exposiciones individuales en Berlín (Egbert Baqué Contemporary Art), Estocolmo (Candylandgallery), Valencia (Galería Paz y Comedias), Elche (IV Beca Pilar Montalbán), Sevilla (AJG Gallery), Córdoba (Combo) o Santander (Galería Siboney), y con importantes reconocimientos como la Beca Artes Nobles 2009, la IV Beca de Pintura Pilar Montalbán 2012 o la Beca de Creación de la Fundación Botí en 2001". 

Fernando M. Romero. Partículas elementales
Fundación Arranz-Bravo. Hospitalet, Barcelona
Hasta el 22 de marzo


31 de ene. de 2015

Detrás de las imágenes. Tete Álvarez en JM

Una vista de la serie Apropiaciones en la galería JM. Foto: Cortesía de la galería
Redacción / Ars Operandi

El artista Tete Álvarez (Cádiz, 1964) hace su presentación en estos días en la galería malagueña JM con Desplazamientos. Se trata de una exposición expresa para el espacio de la galería que se sirve de material hallado en la red para plantear una reflexión crítica sobre el estatuto de la imagen en la sociedad contemporánea y su papel en la conformación de la esfera pública y política. Y es que el interés por los sistemas de representación no es nuevo en la obra de Tete Álvarez, ya que hace más de dos décadas que desarrolla una línea de trabajo con la que ausculta la realidad, a través de las distintas problemáticas que la imagen ha generado en su devenir tecnológico desde los noventa hasta nuestros días. Un artista pionero de la experimentación audiovisual en Andalucía y uno de los creadores, según afirma Sema D'Acosta "con más perceptibilidad para absorber el pálpito de las cosas que de verdad están ocurriendo en torno a los lenguajes actuales del arte. Sin exageraciones, podría considerarse de los pocos que con criterio capaz de adentrarse con atrevimiento por los bordes de la praxis contemporánea, zonas de difícil acceso que se sitúan exactamente en el límite entre lo que está sucediendo y todavía no se ha afianzado.

Una vista de la serie Atrezzo en la galería JM. Foto: Cortesía de la galería
Una evolución tecnológica que ha culminado ahora con un posicionamiento apropiacionista que rastrea y captura en la red aquello que ya existe para re-significarlo, incorporando para el arte un hecho habitual en las dinámicas de interacción que aplican los usuarios de la Web 2.0. Y es que con la extensión universal de Internet y de las tecnologías móviles, "las imágenes visuales han llegado a ser hegemónicas en la conformación de nuestra identidad social y personal. Todo se fotografía y todo se muestra para ser fotografiado. Más de 500 millones de imágenes al día se comparten en la red", afirma el artista. Se hace necesario utilizar las imágenes desde una práctica ecológica que determina reutilizar las ya existentes cargándolas de nuevas semantizaciones. Como resultado de una estrategia de acumulación y reciclaje, Tete Álvarez ha reunido en Desplazamientos una serie de trabajos de raíz procesual en base a retazos de imágenes, pedazos de Google, Flickr y Youtube, que debidamente recompuestos, vuelven a crear significados. Desplazamientos se formaliza en 6 series que, desde distintos soportes como la fotografía, el video y la instalación, tratan de "subvertir ese carácter aparentemente unívoco con que a diario se nos presentan las imágenes".

Apropiaciones (2014). Impresión de tintas sobre papel baritado
El espacio público se presenta en la obra de Tete Álvarez como una interesante zona de confrontación y se convierte en el telón de fondo sobre el que se negocian roles, identidades y relaciones de poder. La serie Apropiaciones surge a partir de la búsqueda en la red de imágenes de espacios públicos dotados de gran carga simbólica, El Zócalo, Reichstag, Capitolio..., escenarios donde se desarrollan gran parte de las protestas sociales y manifestaciones ciudadanas y que son a la par focos de atracción turística. Estas mismas localizaciones son también rastreadas en los álbumes de imágenes que los turistas cuelgan en la red como afirmación de su presencia en el lugar. En este sentido, Apropiaciones puede entenderse como una confrontación entre dos maneras diametralmente opuestas de abordar y apropiarse del espacio público como lugar en el que confluyen las relaciones que tanto el individuo como la multitud establecen con el monumento como representación del poder. Los puntales alegóricos de la metrópoli del siglo XXI, mantiene Sema D'Acosta en el texto editado con motivo de la muestra, "retienen la memoria de un espacio común donde antaño se generaban intercambios y relaciones, un centro neurálgico heredero del ágora romana donde cada grupo muestra, o ha mostrado, sus credenciales identitarias. Este epicentro característico se ha ido convirtiendo con el paso de los siglos en un eje iconográfico que representa, de algún modo, una herencia relacionada con las imposiciones del poder y la sumisión del pueblo. Y pese a que esa importancia del locus se va desvaneciendo enajenada por la pérdida de vitalidad de esas plazas públicas, sigue conservando todavía su significación. En Apropiaciones se confrontan las dos posiciones que colisionan en ese enclave compartido. De un lado edificios o monumentos que salvaguardan la autoridad y ejemplifican la organización del Estado, aunque también otros de carácter simbólico, sitios donde los ciudadanos se manifiestan y demuestran sus desacuerdos; de otro lado, forasteros ajenos, gente anónima que indiferente ante las problemáticas de la población local, posa satisfecha ante los monumentos autóctonos. El solapamiento evidencia cómo en las sociedades capitalistas la imagen se utiliza, ante todo, como agente del espectáculo, un barniz deliberado que tras la cara amable del turismo oculta cuestiones sociales profundas.

Atrezzo (2014). Duratrans en caja de luz LED
En Atrezzo, Tete Álvarez amplifica fragmentos de imágenes de prensa o distribuidas por las propias instituciones públicas de reuniones bilaterales, audiencias o entrevistas de altos dignatarios políticos. Los detalles de mobiliario ampliados se tornan así, descontextualizados, en objetos de atrezzo, decorados para una representación actoral que se escenifica ante la mirada atenta del mundo como espectador. Una obra que, a jucio de D'Acosta, deja traslucir la vocación política del trabajo de Tete Álvarez. Trabajos que "ahondan en los valores y actitudes del individuo en Democracia. Hoy en día una parte esencial de los asuntos que nos incumben se dirimen en ámbitos establecidos por los gobernantes, una corporación global que actúa como gremio y ha adquirido sus propios modos de funcionamiento y protocolo. En los mass-media, el bombardeo de personalidades es incesante. A diario vemos en los telediarios, periódicos o páginas web fotografías de encuentros bilaterales entre líderes mundiales, presidentes o ministros. Todos calcan, uno tras otro, un mismo acto de concordia y entendimiento. Su pose medida procura contagiar una imagen adecuada de firmeza y serenidad, una estampa estudiada que suelen facilitar y promover las propias instituciones. El escenario de estas entrevistas es constante, varía sólo en los matices: una habitación aseada y discreta con sillones o sofás, ambos separados por una pequeña mesita de acompañamiento; sobre ella, es habitual colocar algún tentempié de deferencia. A veces, se distingue algún detalle ornamental. Cambian los actores y los elementos del decorado, pero la posición de los personajes y los términos de su charla no varían. Nunca se improvisa. Ante la atenta mirada de la opinión pública, interpretan un papel inocuo que teatraliza un acto huero. Conscientes del momento y las circunstancias, para ellos sólo cobra trascendencia la efigie que se transmite, lo que piense el receptor final. Las cajas de luz que comportan Atrezzo inciden en el contexto que circunscribe cada reunión de este tipo. Al desnaturalizar lo que acontece y focalizar una fracción aislada del episodio, aquello que habitualmente es secundario, el artista da importancia a la tramoya para desenmascarar un trance inservible y reincidente".

Location shooting (2014). Dípticos fotográficos. Foto: Cortesía de la galería
Las herramientas de geolocalización han abierto también una nueva perspectiva en la representación del mundo. Location shooting se sirve de las imágenes proporcionadas por Google Street para elaborar una serie de dípticos que sitúan al mismo nivel imágenes de lugares donde se produjeron acontecimientos históricos que tienen que ver con el uso de la violencia -como el magnicidio de JFK, el atentado de Carrero Blanco o el de Ronald Reagan- con otras que tienen que ver con localizaciones de rodaje de la ficción cinematográfica o televisiva, como la imagen de la cabecera de Twink Peaks, la fotografía que toma a diario el protagonista de Smoke, la localización donde se rodaron las escenas de la casa del protagonista de Breaking Bad o el restaurante Holsten’s, donde se grabaron escenas de Los Soprano. Este duplicado virtual que sobrecoge por su analogía, indica D'Acosta, "nos permite peregrinar a confines insospechados a través de la pantalla del ordenador, un modo de desplazamiento sin moverse de la silla que también localiza otros escenarios donde se produjeron atentados célebres. Su naturaleza no deja de ser una ficción. Como tal, puede mezclarse con escenas extraídas del cine o la televisión, superponiendo al mismo nivel estos hechos verídicos de carácter histórico con acontecimientos inventados que se asientan en el imaginario colectivo. Sin que podamos evitarlo, el mundo contemporáneo se ha convertido en un solapamiento de simulacros, una fábula donde se mezclan lo que de verdad ha acontencido con parábolas fantasiosas".

Ensayo para una multitud (2014). Fotografía. Foto: Cortesía de la galería
Con la proliferación de los dispositivos móviles, el retrato se ha convertido en el instrumento más preciado para la construcción de identidad. Ensayo para una multitud presenta una secuencia de retratos extraídos de la red y ordenados en función del número de personas que aparecen en ellos. Este desplazamiento desde lo individual a lo colectivo alude, para el artista, al concepto de multitud como una de las categorías centrales del pensamiento político de nuestros días. Habitualmente consideramos, sostiene Álvarez, que el individuo, desde el momento en el que participa de lo colectivo, debe renunciar a algunas de sus características individuales. "Parece que en lo colectivo la individualidad se diluye. Pero lejos de ser regresiva, nos dice Paolo Virno, la singularidad se pule y alcanza su apogeo en el actuar conjunto, en la pluralidad de voces, en la esfera pública. Es lo que Pierre Levy califica de "inteligencia colectiva", la suma de inteligencias personales formando un sistema colaborativo inclusivo, el cual suma el conocimiento de los individuos para generar un conocimiento colectivo". Para Sema D'Acosta Ensayo para una multitud explora "el trasvase del individuo hasta su integración en el grupo. Este trayecto que parte de lo personal y acaba en lo colectivo, relata la relevancia del grupo en nuestra consideración social. Vivimos en pareja, rodeados de la familia, de los amigos, de los compañeros de clase o trabajo. Nuestro ser es compartido, plural. Por eso somos, también, aquellas personas que nos rodean. Aristóteles consideraba al ser humano un animal político (Zoon politikon). Un animal cívico que necesita de la vida social. Para el pensador griego la virtud, la justicia y la felicidad sólo podían alcanzarse en convivencia; es decir, al relacionarnos en grupos organizados dentro de una polis. La web, como polis virtual, es la última extensión del Zoon Politikon, un confín nuevo donde se prodigan modelos de comportamiento espontáneos que se suman a las maneras tradicionales de comunicación e interrelación. El hombre sólo puede ser en sociedad, por eso nuestra verdadera medida se asienta en el entendimiento con nuestros congéneres. En lo venidero, seguiremos necesitando a los demás, pero el giro radical que suponen Internet y la telefonía móvil cuestionan este comportamiento milenario, una paradoja que no sabemos hacia donde nos lleva y pone en jaque uno de los paradigmas que identifican nuestra sociedad contemporánea, que tendrá que afrontar de manera distinta asuntos como la disolución de la singularidad física en una multitud virtual de pronóstico incierto".

Buscando "sentido" (2014). Proyección de 80 diapositivas. Foto: Cortesía de la galería
Los sistemas de catalogación e indexación permiten buscar imágenes a través de parámetros definidos como el color, la forma o el tamaño. Buscando “sentido” es una obra que deriva de un proceso de búsqueda. Basta introducir la palabra (“sense”, “sinn”, “sens”, “sentido”) en buscadores de Flickr o Google Images para que "aflore una secuencia de imágenes, hasta estonces inconexas, y ahora enhebradas por el algoritmo de un robot de búsqueda que las relaciona otorgándoles el sentido del que a menudo carecen". La instalación se despliega en una proyección en loop de 80 diapositivas que acaban estableciendo sus propias conexiones. Los resultados obtenidos por hipervínculo acaban siendo, para Sema D'Acosta, "un panóptico caprichoso que demuestra la arbitrariedad de las exploraciones aleatorias. En estos tiempos de indefinición, Internet se ha convertido en un canal omnímodo que traduce aquello que acontece, una interpreteción sesgada del mundo que generan pautas irreales y modelos fingidos".

Infinity Tour (2013). Video HD. Foto: Cortesía de la galería
A partir de material videográfico encontrado entre el caudal que los turistas vierten a la red, principalmente a través de plataformas como YouTube o Vimeo, Infinity Tour propone una experiencia urbana por las principales capitales turísticas. El video de 6 minutos de duración propone "una deriva entendida como técnica de paso ininterrumpido a través de ambientes diversos, un city sightseeing psicogeográfico a bordo de los famosos autobuses panorámicos. Para Sema D'Acosta "en este uso ufano de los momentos disponibles, viajar por placer se ha situado entre uno de los principales alicientes, convirtiendo el turismo en un fenómeno de masas que genera una ingente cantidad de divisas en aquellos enclaves que son capaces de atraer visitantes foráneos, normalmente por su relevancia patrimonial. Tanto es así, que los centros históricos se han entregado a este público deseoso de itinerarios preparados que les acerquen, aunque sólo sea de manera superficial, a los monumentos que ansían conocer. Las hordas de extranjeros tienen poco margen de tiempo para recorrer las calles o descubrir con paciencia. Los que llegan en crucero apenas unas horas; por eso se hacen imprescindibles, sumidos en este ritmo frenético, los autobuses turísticos, medios de transporte especializados, con audioguías y paradas concertadas, que llevan y traen gente a los lugares emblemáticos. A veces no es necesario ni bajarse, una foto rápida o una grabación con la videocámara constantan el encuentro. Esta práctica enlatada y esterotipada que recoge Infinity Tour muestra un video-collage que reproduce esta experiencia de consumo mutada en sucedáneo de un paseo. Seamos diligentes con el modo en que estas empresas del ocio legitiman estas rutas enpaquetadas como producto de venta. En su afán de lucro, no hay límite moral para los touroperadores".


Desplazamientos. Tete Álvarez
Galería JM. Málaga
23 enero al 21 de marzo


Catálogo online de Desplazamientos




28 de ene. de 2015

My architect inicia el ciclo Arte, Espacio y Arquitectura en la Filmoteca


Redacción / Ars Operandi 

Como continuación del ciclo de documentales sobre arte contemporáneo que en en 2014 se llevó a cabo en colaboración entre la Universidad de Córdoba y la Filmoteca de Andalucía, 2015 se inicia con un nuevo ciclo que con el título de Arte, Espacio y Arquitectura. Una aproximación documental desde el audiovisual, abordará las relaciones entre la práctica arquitectónica y la creación contemporánea a partir de una serie de trabajos documentales que no sólo tienen como protagonistas a importantes artistas y arquitectos, sino a los espacios donde el arte puede tener lugar en la actualidad, desde el cubo blanco al espacio publico.

Al igual que en la primera edición, para la primera actividad del ciclo se contará como invitado a un profesional relacionado con el tema que se aborda en el documental, y en esta ocasión, será el arquitecto Martín Domínguez el encargado de mantener una charla con Pablo Rabasco sobre la obra del arquitecto norteamericano Louis Kahn, protagonista del primero de estos documentales, My architect, tras de lo que se procederá a la proyección del documental.

Dirigida por el hijo del arquitecto, Nathaniel Kahn, My architect es un viaje íntimo a la memoria del padre y sus creaciones, un recorrido por la vida de esta figura fundamental para la creación arquitectónica del siglo XX y su compleja personalidad, a partir de un relato múltiple en el que irán apareciendo arquitectos como Philip Johnson, I. M. Pei, Frank O. Ghery o Robert Stern entre otros.

Nathaniel Kahn, My architect
Ciclo Arte, Espacio y Arquitectura. Una aproximación documental desde el audiovisual
Organizado por la Filmoteca de Andalucía en colaboración con la Universidad de Córdoba
Ciclo coordinado por Jesús Alcaide
Intervienen Martín Domínguez y Pablo Rabasco 
Jueves 29 de enero, 20:00 horas
Filmoteca de Andalucía

1 de ene. de 2015

Alvin Langdon Coburn. La primera vanguardia fotográfica

Station Roofs, Pittsburgh [Tejados de la estación, Pittsburgh], 1910
Impresión a la gelatina de plata, c. 1985, 25,5 × 30,7 cm 
Colección de la George Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0147:0002)
© George Eastman House, International Museum of Photography and Film

A.L. Pérez Villén / Ars Operandi

Fiel a su compromiso con la fotografía, la Fundación Mapfre nos ofrece una magnífica exposición retrospectiva de Alvin Langdon Coburn que se compone de casi dos centenares de imágenes, procedentes las mejores colecciones sobre su obra : el Metropolitan Museum of Art, el Museum of Modern Art y la colección privada de Janet Lehr en Nueva York y la Royal Photographic Society y la George Eastman House. Precisamente a esta última viajará la exposición una vez termine su estancia madrileña. Comisariada por Pamela Glasson Roberts, la muestra es la primera que se hace sobre el fotógrafo norteamericano desde que a mediados del siglo pasado se reuniesen varias colecciones representativas de su trabajo y supone la primera ocasión en que se reúne tal cantidad de obra, toda ella documentada junto a diversos textos introductorios en el catálogo. Se ratifica por tanto, ese compromiso de Mapfre por la fotografía, ya sea histórica o contemporánea, como se pone de manifiesto en su programación de los últimos años : Lisette Model, Graciela Iturbide, Fazal Sheihk, Walker Evans, John Gutmann, Anna Malagrida, Dayanita Singh, Gotthard Schuh, Eugène Atget, Adam Fuss, Imogen Cunningham, Jitka Hanzlová, E. O. Hoppé, Manuel Álvarez Bravo, Emmet Gowin, William Christenberry, Lynne Cohen, Vanessa Vinship, Henri Cartier-Bresson y Stephen Shore, por mencionar sólo las individuales.


St. Paul's from Bankside, London [Saint Paul desde Bankside, Londres], c. 1905
Impresión posterior al platinopaladio,34,7 °— 24,6 cm 31 Studio, Londres ©George Eastman House/
Published and Printed by 31 Studio.
Ahora es el turno de uno de los autores claves para entender la evolución de la fotografía desde comienzos del pasado siglo, pues Coburn representa como nadie el tránsito del pictorialismo y otras tendencias asociadas de finales del siglo XIX a los intereses por las corrientes de vanguardia del siglo XX. Su aportación a la disciplina, ya sea en su faceta sintáctica –en la experiencia de un nuevo lenguaje artístico- como en la técnica, desarrollando e investigando nuevos sistemas de positivado de la imagen (desde los platinotipos a la goma-platino y sobre todo la goma bicromatada, además de la gelatina de plata) y en su difusión mediática (fotograbado) hacen de Coburn uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX –al menos en su primera mitad- y no obstante lo que llama la atención a historiadores de la disciplina, como Glosson Roberts, es que para la comunidad fotográfica no esté a la altura de coetáneos suyos como Edward Steichen, Alfred Stieglitz o Paul Strand. La razón es su prematura desaparición de la escena fotográfica, primero por su residencia en Europa (asolada por la Primera Guerra Mundial) y después su voluntaria reclusión en Gales, apartado e inmerso en procesos de ascetismo espiritual que le llevaron a vincularse a numerosos grupos de espiritistas, teósofos, ocultistas, masones, rosacruces, etc…


The Flat-Iron Building, Evening [El edificio Flat-Iron, atardecer], 1910-1911
Platinotipia, 40,5 °— 31,4 cm Colección de la George Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0144:0303) © George Eastman House, International Museum of Photography and Film
En cualquier caso lo que resulta evidente es su temprana apuesta por la fotografía, desde que en su niñez le regalasen una máquina fotográfica hasta su primera experiencia expositiva con sólo 17 años y al otro lado del Atlántico. Quizá ayudase el hecho de haber nacido en una familia de clase media bien acomodada –Alvin Langdon Coburn nace en 1882 en Boston, Massachusetts- y a que algún pariente le ayudase en su primera formación : un tio suyo, fotógrafo diletante, con el que inicia su formación artística y que le pone en contacto con autores europeos y norteamericanos, logrando entrar en grupos y hermandades que serán determinantes para el devenir de la fotografía en los primeros años del siglo XX. Pero Coburn se lo trabaja, al trato afable e incluso la seducción galante de un temperamento atractivo hay que añadirle el tesón de quien no duda en ponerse en contacto con quienes le pueden formar en aspectos técnicos fundamentales para la fotografía. Así sucede en numerosas ocasiones y en contextos y épocas diferentes, Coburn no ceja en su empeño por hacerse con las herramientas (distintas técnicas de positivado, fotograbado) que le permitan crecer como artista. Por todo ello en los primeros años del nuevo siglo ya forma parte de colectivos que serán decisivos para la disciplina fotográfica, como Photo-Secession de Nueva York de Stieglitz (para el advenimiento de la Nueva Objetividad) y de la hermandad de Linked Ring de Londres (para el pictorialismo). Coburn se dará a conocer por su vinculación al pictorialismo, pero también será precursor del formalismo vanguardista, de las tomas urbanas en picados inconfundibles, de la fotografía abstracta, geométrica y vorticista, incluso del retrato moderno.


Landscape [Paisaje], 1902 Platinotipia, 24 °— 18,8 cm. The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, 
Colección Alfred Stieglitz, 1933 (33.43.190) ©2014. Image copyright The Metropolitan Museum of Art/
Art Resource/Scala, Florence.
Y toda esta carrera la desarrolla en apenas dos décadas, teniendo en cuenta que el primer año del siglo XX es cuando muestra por primera vez sus trabajos en Londres en una colectiva de fotógrafos norteamericanos que le propicia su tío Fred Holland Day en la Royal Photographic Society, iniciando un continuado periplo entre Europa y América –poco más de diez veces se trasladará de un continente a otro- hasta que en 1912 fije su residencia definitiva en Reino Unido. Y antes de que finalice la década ya estará pasando largas temporadas al norte de Gales, donde terminará recluyéndose años más tarde. Los primeros trabajos de Coburn son vistas de entornos naturales y urbanos, nimbados por la atmósfera misteriosa del pictorialismo, célebre corriente de finales del siglo XIX que pugnaba por otorgar credibilidad a una disciplina –la fotográfica- que era reprendida desde la esfera del arte por su testimonial compromiso con la realidad que representaba, por su vacuo mimetismo que reproducía maquinalmente el motivo. Como consecuencia de ello se produce un movimiento fotográfico que pretende dotar a la nueva disciplina técnica de un aura artística, volcándose en la recreación de ambientes bajo la pátina claroscurista, imprecisa y seductora del pictorialismo. Las fotografías de Coburn de estos años presentan rincones envueltos en la bruma formal de tonalidades agrisadas que semejan procesos más propios de la estampación que de la técnica fotográfica.


The Octopus, Madison Square Park [El pulpo, Madison Square Park], 1909
Impresión posterior al platinopaladio, 42,2 °— 32,2 cm 31 Studio, Londres ©George Eastman House/
Published and Printed by 31 Studio.
Los muelles de Liverpool, los ambientes fabriles y mineros, las callejas, iglesias y fortalezas del viejo Edimburgo. Fragmentos de paisajes anclados en la memoria de una retina que se niega a focalizar y dispensar nitidez a la representación de la imagen. Pero no sólo son las escenas de su América natal, ni de Reino Unido, debido a sus continuos desplazamientos a un lado y otro del Atlántico, también fija emplazamientos europeos, enclaves y vistas italianas (El Vesubio, Venecia y sus canales), españolas (Cádiz), alemanas, suizas o parisinas. Muy conocidas son también las imágenes del Nueva York previo a los felices años 20, celebérrima la del edificio Flat-Iron, que era su habitual hospedaje en sus viajes a la ciudad de los rascacielos. Pero Nueva York es también la localización de sus primeras tentativas formales –derivadas de sus particulares picados y encuadres- que preludian en casi una década los intereses de corrientes como los de la Nueva Objetividad. Se trata de imágenes precursoras de un interés fotográfico que vincula la disciplina con la vanguardia del arte. Imágenes tan impactantes y singulares como atrevidas que testimonian un compromiso por el paisaje –algo que Coburn venía practicando desde su primeros trabajos- pero desde una perspectiva exclusivamente fotográfica, dotándolas de la plusvalía artística que les confiere una faceta del paisaje que no practicaba la pintura. Imágenes como la que muestra los senderos que hollan el paisaje nevado del Madison Square Park, que componen los tentáculos de un pulpo urbano. El catálogo de localizaciones de la cámara de Coburn es inmenso, siempre bajo el paradigma formalista que hemos esbozado. Así trabaja en torno a los paisajes industriales de Pittsburg, las Cataratas del Niágara (congeladas en territorio americano), el Parque de Yosemite, el Gran Cañón del Colorado…


Le Penseur (George Bernard Shaw [1856–1950]), Paris [El pensador (George Bernard Shaw 1856-1950),
París], abril de 1906 Impresión a la goma-platino, 28,7 °— 22,9 cm. Colección de la George Eastman House 
(legado deAlvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0155:0032) © George Eastman House, 
International Museum of Photography and Film
Un apartado singular es el de sus retratos de celebridades. Max Weber, Henri Matisse, Alfred Stieglitz, Gertrude Stein, Igor Stravinsky, Mark Twain, H. G. Wells, Henry James (que lo contrató para ilustrar sus libros), Auguste Rodin y George Bernard Shaw, entre otros. Es este último quien facilita su implicación con el género, ofreciéndole la posibilidad de ilustrar revistas de comienzos de siglo con imágenes de personajes célebres : artistas, músicos, literatos, etc… Especialmente singular es su fotografía asociada al vorticismo, que es una tendencia artística derivada del cubismo y que en pintura practicaron algunos autores al recomponer la realidad representada mediante la geometría y el movimiento.


Vortograph [Vortografía], 1917 Impresión a la gelatina de plata, 27,5 °— 20,3 cm Colección de la George
Eastman House (legado de Alvin Langdon Coburn), Rochester, Nueva York (1967:0098:0051) 
© George Eastman House, International Museum of Photography and Film
Coburn a través de Wyndham Lewis y el poeta Ezra Pound entra en contacto con el movimiento vorticista británico y comienza a trabajar en torno a imágenes reduplicadas, ya sean retratos, objetos o retazos de realidad. Este principio se lleva a efecto entre 1914-1917 y desarrolla una línea formalista que en ocasiones se adentra en el territorio de la abstracción geométrica, dando lugar a sus vortografías. No obstante y sin desmerecer el interés de este tipo de imágenes, que son indisociables de los elementos añadidos a las lentes –Coburn diseña con la ayuda de Pound un artilugio similar a un caleidoscopio- para conseguir el efecto deseado, resultan más contundentes las tomas que muestran aspectos parciales de la sintaxis constructiva de la Catedral anglicana de Liverpool. La razón quizás estribe en su higiene formal y atrevida composición, además del carácter anticipatorio de la fotografía que vendrá con la Nueva Objetividad.

Alvin Langdon Coburn
Fundación Mapfre (Sala Bárbara de Braganza), Madrid
hasta el 8 de febrero

16 de dic. de 2014

Los artistas de la comisión del C4 denuncian que la Junta utiliza sus nombres sin consentimiento

 Interior del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. Foto: Cortesía Fernando Alda ©
Redacción / Ars Operandi

La Junta de Andalucía hizo ayer público el nombre de los tres integrantes de la comisión asesora que dictaminará en la licitación para resolver la dirección del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea, antes conocido como C4. Según informa la Consejería de Cultura esta comisión de expertos, que afirman, garantizaría "los principios de transparencia, profesionalidad e igualdad" estaría integrada por los artistas Juan Serrano y Nieves Galiot y por el director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Juan Antonio Álvarez Reyes.

Hasta ahí la versión oficial, sin embargo, en declaraciones a Ars Operandi los dos artistas cordobeses han negado taxativamente su participación en esta comisión. Juan Serrano y Nieves Galiot lamentan que se haya utilizado su nombre sin su consentimiento expreso y  aseguran que no han recibido notificación alguna al respecto y que en el caso de que se hubiese producido hubieran declinado la invitación al estar en desacuerdo con el procedimiento de la Junta para proveer la plaza de director del centro sin atender al Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte. Ambos artistas han expresado su malestar ante "la falta de respeto y consideración" que supone la difusión de esta noticia y piden a la Junta que rectifique esta información a través de los mismos canales por los que la ha hecho pública.

Cabe recordar que las principales organizaciones que conforman el sector del arte contemporáneo en Andalucía, Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA), emitieron recientemente un comunicado en el que mostraron su "perplejidad" ante el anuncio de licitación para la adjudicación del contrato de servicios de “Asesoramiento Artístico para la puesta en marcha y funcionamiento del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba”. Desde las asociaciones de arte lamentaron que "una vez más la Consejería de Cultura vuelva a incumplir sus compromisos públicos, en este caso el de sacar a concurso la plaza de director del centro acogiéndose a las buenas prácticas como se ha venido afirmado en reiteradas ocasiones por parte de la Junta de Andalucía".

IAC y uavA denunciaron asimismo que se convoque el puesto de dirección del centro sin haber resuelto hasta el momento aspectos sustanciales como son el decreto de constitución, los estatutos, el plan de usos, el modelo de gestión o los órganos de gobierno. En este sentido, las organizaciones del sector recuerdan que el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte establece que debe ser un Patronato, constituido por la administración, especialistas en arte contemporáneo y representantes de la sociedad civil, quien se encargue de establecer las bases de la convocatoria y la posterior resolución del concurso.