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10 sept. 2008

La Gallina Ciega en la Sala Puertanueva



José Álvarez / Ars Operandi 

Organizada por la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y por la Universidad de Córdoba, mañana jueves 11 de septiembre se inaugura en la Sala Puertanueva de la capital cordobesa la exposición colectiva La Gallina Ciega, muestra que inicia la temporada de exposiciones 2008 - 2009 para ambas instituciones. La Gallina Ciega es un colectivo de artistas de diferentes disciplinas, fundamentalmente pintura, escultura y fotografía, cuyo objetivo, "desde una posición intelectual independiente, es mostrar un arte actual de verdadera calidad", según sus integrantes.
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El proyecto incluye, junto a las exposiciones – incluso de carácter permanente -, la realización de publicaciones, jornadas culturales y debate. En este último aspecto, La Gallina Ciega se muestra partidaria de efectuar una revisión de los criterios valorativos del arte contemporáneo, "en especial de aquellos que han otorgado a la novedad y la originalidad la consideración de condiciones suficientes para garantizar la bondad de la obra, por encima de la concepción o de la realización."
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Según su Manifiesto (2007), "es necesario revisitar algunas propuestas artísticas vinculadas a las vanguardias históricas, en las que surgió el elogio al primitivismo acompañado del rechazo al naturalismo y al realismo", campos en los que se desenvuelven la mayoría de los integrantes de La Gallina Ciega. Su posición crítica les lleva a cuestionar el escenario artístico actual, manifestándose en contra de posiciones oficialistas y del consumismo – espectáculo, valorando sobre todo la calidad de la obra independientemente de su valor comercial.
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Forman La Gallina Ciega
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Antonio López, Calabazas, lápiz / papel

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Antonio López Tomelloso, 1936
En Madrid desde 1949, donde cursó Bellas Artes en la Academia de San Fernando, en la que se hará cargo a partir de 1969 de la Cátedra de Preparatorio de Colorido. En 1965 presenta su primera exposición individual en los Estados Unidos.
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En 1993, año de su exposición antológica en el Reina Sofía, es nombrado miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes. En este mismo año, Víctor Erice filma el largometraje El sol del membrillo, sobre el proceso creativo del pintor, ganador del Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes. Sus distinciones incluyen la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1985) y el Premio Velázquez en 2006. Pintor de una mirada minuciosa y una técnica excepcional, líder del grupo de realistas madrileños, Antonio López se ha convertido en el pintor español vivo más cotizado, tras venderse en Christie’s el pasado mes de junio su obra Madrid desde Torres Blancas por 1, 74 millones de euros.
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Golucho, Alma en el estudio, óleo / tabla
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Golucho Madrid, 1949
Miguel Ángel Mayo, Golucho, artista afincado en Alcoy, comenzó su formación en Madrid, donde estudió a los grandes maestros expuestos en el Museo del Prado y en el Casón del Buen Retiro. En los años sesenta marchó a París, donde vivió el final de la bohemia en la que fuera capital de las vanguardias artísticas. Al volver a España inicia un proceso de exploración de las posibilidades expresivas de la pintura dentro del realismo, construyendo un lenguaje propio donde las texturas y la investigación del alma por medio de la representación del ser humano adquieren una personalidad única. Su obra ha sido expuesta en París, Bruselas, Filadelfia, Nueva York, y las principales ciudades españolas. De técnica precisa, artesanal, Golucho reivindica el viejo oficio de la pintura adaptándolo a la creación contemporánea.
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Andrés García Ibáñez, La mortificación del penitente, óleo/tela
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Andrés García Ibáñez Olula del Río, 1971
Recibió sus primeras nociones de pintura de su abuelo, siendo un niño, en el seno de una antigua familia de artesanos. En Olula del Río, García Ibáñez comenzó realizando copias de grandes maestros como Velázquez, El Greco o Goya. Tras formarse en la más genuina tradición pictórica española, comenzó a desarrollar su propia obra y, en 1989, mostró su trabajo en varias exposiciones colectivas por toda España.
Simultaneó el estudio de los grandes maestros y los estudios en Arquitectura Superior en la Universidad de Navarra, donde se licenció en 1996. Desde entonces ha participado en exposiciones individuales y colectivas por España y Europa. En 1993 realizó una pintura para la Basílica de San Pedro de Roma. Se encargó de plasmar La salvación del mundo en una bóveda de la catedral de El Salvador y sus numerosos reconocimientos incluyen la Medalla Nacional de UNICEF. De 1995 a 2004 construye en Olula del Río el Museo Casa Ibáñez, el mayor de los privados en Andalucía, donde expone su obra y la de otros artistas, tanto antiguos como contemporáneos.
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Dino Valls Zaragoza, 1959
Desde muy joven se fue formando de forma autodidacta en el dibujo, comenzando en la década de los 70 a pintar al óleo. Licenciado en Medicina y Cirugía, abandonó pronto esta práctica para dedicarse totalmente a la pintura. En 1986 fue seleccionado para participar en la Muestra de Arte Español Contemporáneo, que se exhibió por varias ciudades de Alemania. En 1987 realizó su primera exposición individual en Madrid. A comienzos de los 90 profundizó en el estudio de las técnicas y procedimientos pictóricos de los grandes maestros italianos y flamencos de los siglos XV y XVII. Sus exposiciones son muy numerosas, siendo habitual su presencia en prestigiosas ferias internacionales de arte. En 2005, una de sus obras se mostró en la gran exposición turinense dedicada al Mal en el Arte, comisariada por el crítico Vittorio Sgarbi. Su políptico Barathum se expuso junto a obras de Beato Angelico, Antonello de Messina, Bellini, Tiziano, Annibale Carraci, Caravaggio, Artemisia Gentileschi, Ribera, Rubens, William Blake, Goya, Francis Bacon, Picasso, Balthus, Carol, Bill Viola o Maurizio Cattelan, entre otros nombres fundamentales en la Historia del Arte.
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Guennadi Ulibin, Eco de la civilización, óleo/lienzo
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Guennadi Ulibin San Petersburgo, 1973
Tras finalizar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, en 1999, su obra de fin de carrera fue galardonada con el Premio del Ministerio de Cultura ruso. Instalado en Osuna, sus obras han sido expuestas en numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Su pintura, de minuciosa técnica, se acerca al hiperrealismo, en un personal estilo que mezcla un claro interés por el desnudo inserto en paisajes apocalípticos. El resultado es una obra que ha posicionado al artista como uno de los principales valores del realismo contemporáneo español.
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Giorgio Ortona Trípoli, 1960
Radicado en Roma, donde se formó en el Liceo Artístico y, posteriormente, se licenció en arquitectura en la Universidad de Roma. Recibió enseñanzas de Antonio López, cuya influencia es visible, sobre todo en el plano técnico. El maestro manchego se ha referido a la obra de Ortona como “una pintura extraordinaria, de verdad, muy buena, muy auténtica y original, muy sensible, muy culta, es tan culta que no se nota, así tiene que ser, sin presunción ni ostentación”.
Sus composiciones, paisajes, bodegones, están tratados desde una perspectiva contemporánea, con la inclusión de objetos inusuales, en una fusión de las tradiciones pictóricas italianas y española. En el campo del retrato, gusta de sumergir las figuras en un espacio inacabado, con grandes zonas planas de color y protagonismo de las texturas, con gran precisión, pero eliminando el detallismo superfluo.
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Toña Gómez, Hacialanada (detalle), mixta/lienzo
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Toña Gómez Málaga, 1954
Estudia en la Escuela de Artes de Almería, donde reside hasta 1973. Trasladada a Barcelona, amplía su formación pictórica con el aprendizaje de diversas técnicas y formatos, que van desde la realización de murales hasta la estampación. Tras su vuelta a Almería, experimenta un profundo cambio en su proceso creativo y expresivo, que se plasmará a principios de los 90 en series como Espacios habitados o Cinco elementos, cinco movimientos, donde el uso de los pigmentos naturales, la austeridad en su aplicación y el lenguaje expresivo –una suerte de abstracción hiperreal– une a la artista y a su entorno a través de su obra.
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Francisco López Madrid, 1932
Recibió las primeras enseñanzas en el taller de su padre, orfebre, tras de lo que pasó a la escuela de Artes y Oficios - donde fue alumno de José Capuz – y posteriormente a la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Amplió sus estudios en Grecia e Italia, donde profundizó en el estudio de la escultura clásica y renacentista, y en París, interesado por la escultura contemporánea. Su primera exposición data de 1955, junto a otros dos artistas de la escuela realista contemporánea española, Antonio López García y Julio López Hernández, su hermano, y a un informalista, Lucio Muñoz. Francisco López siempre ha defendido que el legado realista –no los postulados de un academicismo obsoleto– no está en absoluto caduco. Para el artista, es deber dejar testimonio del mundo contemporáneo reflejando con realismo nuestro entorno. Este lenguaje realista es actualizado y depurado, eliminando los virtuosismos innecesarios, dotando a la obra de gran austeridad y emoción.
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Noé Serrano, El Pastor, mixta
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Noé Serrano Córdoba, 1973
Desde el inicio de sus estudios de Bellas Artes en Sevilla, Noé Serrano ha manifestado un gran interés por la anatomía tanto humana como animal. El resultado de años de experimentación y trabajo es un universo propio de seres híbridos representados de forma hiperrealista. Sus seres, entre terroríficos y grotescos, presentan un acabado extraordinariamente detallista. Todos los músculos están perfectamente estudiados y resueltos, ojos, uñas, incluso los poros de la piel están representados con perfección absoluta, para lo que se sirve de las más novedosas técnicas y el uso de resinas policromadas. Su obra, que se inscribe en la tradición realista de la imaginería andaluza, presenta unos rasgos de denuncia social y de reflexión irónica que se trasluce en sus títulos.
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José María Serrano Córdoba, 1972
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, ha participado en numerosos certámenes y simposios tanto nacionales como internacionales. Asimismo ha realizado diversos monumentos públicos, como el conjunto en bronce titulado Vientos de cambio, situado en el Paseo de Córdoba, en su ciudad natal. De un modelado minucioso, aunque sin llegar al hiperrealismo, las obras de Serrano se centran sobre todo en la figura humana, tratada con diferentes grados de realismo. Trabaja con un amplio registro que abarca desde la estética tradicional hasta las nuevas formas derivadas del comic.
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Juan Polo Fernán Núñez, 1923
Miembro de las Reales Academias de Córdoba y Sevilla, Juan Polo es el último discípulo vivo de Mariano Benlliure. Sus inicios artísticos, en Málaga, tomaron un giro fundamental cuando, destinado en Madrid para el servicio militar, entró como aprendiz en el taller de Benlliure. En 1947, de vuelta a Andalucía, realiza estudios superiores de Bellas Artes en Sevilla. Trasladado a su pueblo, comienza una fructífera carrera, que deja un enorme legado, recientemente donado al Ayuntamiento de Fernán Núñez para la creación de un museo con el nombre del escultor. Su obra es muy variada, dentro de los cánones naturalistas del XIX, que incluyen una gran variedad de temas, con tendencia al costumbrismo, producción en la que destacan asimismo numerosas imágenes procesionales.
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Roberto Manzano Madrid, 1972
Pese a su joven trayectoria, Roberto Manzano, admirador de los grandes maestros, es un artista dotado de una sorprendente técnica que le permite ir al límite en el tratamiento de los materiales, ya sea el barro, el bronce o el mármol blanco de Macael, siendo este último el que más trabaja. Sus obras reflejan tanto aspectos físicos de las figuras –la sensación de movimiento o la contención de éste– como diversos estados de la condición humana. Sus acabados contrastan las diversas texturas, rugosidades junto a suaves superficies, con un gran interés por el claroscuro. Su oficio y eficiencia le ha llevado a realizar numerosos monumentos públicos, así como a la obtención de diversos premios en otros tantos simposios y certámenes de escultura contemporánea.
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Oriol Maspons, Ibiza, 1954, fotografía
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Oriol Maspons Barcelona, 1928
En 1953, enviado por asuntos de trabajo a París, Maspons conoce a Robert Doisneau, Cartier – Bresson, Guy Bourdin , Brassai y Masclet, a quienes entrevista y fotografía para la revista AF. Vuelto a España en 1956, se dedica plenamente a la fotografía, integrándose en el grupo AFAL. Especializado en moda y fotografía publicitaria, sus obras comenzaron a publicarse en numerosos libros, así como publicaciones especializadas, como Photography Annual (EE. UU.) o Photography Year Book (G.B.), entre otras muchas, que incluirán posteriormente L’Oeil, Paris–Match, La Gaceta Ilustrada y otras. En 1958, el MoMA adquiere tres de sus obras para su colección permanente, en 1972, la Bibliotheque Nationale Française adquiere un portafolio con sus fotografías. Uno de los renovadores de la fotografía española de los cincuenta, Maspons fue cronista con sus fotografías de la gauche divine catalana y de los cambios sociales de las últimas décadas. Es autor asimismo de reportajes que van desde el terremoto de Managua hasta los más celebrados festivales de cine como Venecia y Cannes. Sus premios son numerosos y sus obras están presentes en museos y colecciones.
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Francisco Ontañón, Boda con niñas, 1960, fotografía

Francisco Ontañón Barcelona, 1930
Comienza en 1957 en la Agencia Europa Press, donde permanece hasta 1961, en el que se incorpora a La Actualidad Española. Posteriormente colaborará con Félix Rodríguez de la Fuente, así como con el Ministerio de Información y Turismo español en numerosas campañas publicitarias. Tras conocer al grupo AFAL, se unió a ellos. Compaginó la colaboración con escritores –como Delibes, Rosa Montero, Juan Eslava Galán, Luis Carandell o Fernando Fernán Gómez– con la realización de reportajes, o trabajos de encargo –trabajó durante años realizando las fotografías de las portadas de los discos flamencos de Hispavox, con lo que ha dejado una de las más importantes colecciones sobre flamenco-. Su trabajo de reportero le ha llevado por medio mundo, siendo extensísimas sus publicaciones. Sus distinciones son numerosas, Premio Nacional Meliá de Periodismo Gráfico (1972), Premio de Arte y Tradiciones Populares del Ministerio de Cultura (1982) y el Premio Internacional de Fotografía Ruiz Echagüe en 1985, año en que comenzó a trabajar en el suplemento dominical de El País.  Francisco Ontañón falleció el pasado mes de agosto.
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Miguel Ángel Invarato, El silencio, Glicée

Miguel Ángel Invarato Madrid, 1956
De incorporación tardía a la aventura de la creación, Miguel Ángel Invarato aporta una gran experiencia vital que le lleva a trabajar en diversos campos a la vez que la fotografía, como el comisariado de exposiciones o la creación artística en otras disciplinas. Su fotografía es, formalmente, profundamente romántica y contemplativa, de estética contemporánea, aunque evocadora de otro tiempo. Es autor de series como Existencias, donde indaga sobre lo presente y lo trascendente.
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Carlos de Paz, Basta ya, fotografía digital
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Carlos de Paz Madrid, 1953
Hasta principios de los 90, Carlos de Paz trabajó en Madrid en el campo editorial, en fotografía para publicaciones y revistas de tirada nacional, actividad que alterna con proyectos culturales y expositivos en torno a la fotografía contemporánea. En 1984 es seleccionado por Foto Press España por su trabajo de reportaje sobre los chabolistas de El Querol. Tras marchar a Almería, desarrollará una nueva trayectoria creativa y expositiva, practicando tanto la fotografía documentalista como el reportaje. Es autor de numerosas exposiciones individuales y publicaciones, como Facetas, Fusiones, Compactas, A Costa da Morte, Desnudos, Contraretratos o Genoveses. Incorporado al lenguaje digital, imparte cursos de aprendizaje y especialización.
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Pablo García Ibáñez, La Chanca III, fotografía digital
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Pablo García Ibáñez Olula del Río, 1982
Fotógrafo de reciente trayectoria, ha expuesto en diversas ocasiones, mostrando un estilo adaptado a la nueva fotografía digital, dentro del documentalismo. En este campo cabe señalar su serie sobre el barrio almeriense de La Chanca, una revisión de un tema abordado por la mirada de otros fotógrafos, como Pérez Siquier o Jesús de Perceval. En sus fotografías usa el medio digital, interesándose siempre por plasmar el momento decisivo y dejar testimonio del suceso.
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Alfonso Alonso Montalbán, 1967
Tras finalizar sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, en 1992, comenzó a trabajar y forjar su personalidad artística en talleres de pintores como Antonio Zambrana y escultores como Juan Polo. Dedicado en principio a la pintura, que practica con dedicación dentro de un realismo mágico, y, tras colaborar con Antonio López en los Cursos Internacionales de Pintura, comienza su investigación dentro del arte contemporáneo, la fotografía digital y sus posibilidades de manipulación. Su estilo es de un pictorialismo que recuerda al hiperrealismo fantástico, con cierto barroquismo en el tratamiento y crítica provocadora.
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La Gallina Ciega
Una mirada contemporánea
Sala Puertanueva
Ronda de Andújar, s/n (Facultad de Derecho)
Córdoba
Inauguración, 11 de septiembre, 21 h.
Hasta el 13 de octubre
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3 comentarios:

francisco dijo...

solamente tengo que decir que ya era hora de ver arte de verdad.

L'osservatore romano dijo...

O sea, que hay arte de mentira, ¿no?

John dijo...

Si.