Según fuentes del periódico londinense The Art Newspaper, se ha conocido la existencia de un contrato firmado el 7 de marzo de este año entre los gobiernos de Abu Dhabi y Francia para la creación de un Louvre Abu Dhabi.
Las informaciones apuntan a que se dejará un pequeño número de obras y una “cantidad razonable” de los fondos de las colecciones del Louvre. Cuando el museo se inaugure en 2012, habrá 300 préstamos; cuatro años más tarde, 250; y en 2019, 200. Después de diez años, dicho proceso cesará. Todas las obras prestadas al museo se protegerán con un seguro especial proporcionado por los Emiratos Árabes Unidos (EAU).
El emirato, al sureste del Golfo Pérsico, está pagando 1.3 billones de euros durante treinta años a la agencia France - Muséum, que administrará la astronómica suma para el beneficio de este consorcio de museos galos, incluyendo el 40% del Louvre. Los ingresos servirán para acometer “nuevos proyectos artísticos” en estas instituciones “sin que su actual financiación se vea reducida”.
El contrato revela más detalles sobre cómo será el nuevo museo, diseñado por el arquitecto francés Jean Nouvel (1945), premio Pritzker 2008. Estará en la isla de Saadiyat y ocupará 24.000 m2, de los que alrededor de 8.000 m2 de espacio expositivo estarán listos para “confrontar obras de períodos y procedencias diversos, haciendo especial hincapié en el diálogo entre civilizaciones”. Las obras estarán colocadas temáticamente: paisajes, arte funerario, retrato, etc. Una “pequeña parte de este espacio” se dedicará al arte contemporáneo para “demostrar la continuidad entre diferentes períodos y la manera en que nuestra visión del arte antiguo está condicionada por una concepción contemporánea”.
Al parecer no se ha pensado usar el nombre del Louvre en ningún otro estado de los EAU (Abu Dhabi, Dubai, Sharjah, Ajman, Ras Al-Khaimah, Umm al Qaywayn y Fujairah). La agencia France - Muséum será el socio operativo de Abu Dhabi y supervisará todos los aspectos del edificio del museo y formará a los curadores del mismo. Aconsejará en la política de adquisiciones y elaborará unas directrices éticas, obligando a demostrar la proveniencia de todas las obras.
El contrato con Abu Dhabi contempla una inversión de 40 millones de euros para la adquisición de la colección, pero Sheik Sultan Al Nahyan, presidente de la Consejería de Turismo del emirato, responsable del patrocinio del museo, ha contado a The Art Newspaper que esa cantidad es flexible. El presupuesto anual para exposiciones será de 13 millones de euros.
El nuevo museo generó polémica en Francia, sobre todo por lo que significa el préstamo de obras al Louvre de Abu Dhabi. Sin embargo, el acuerdo fue firmado. El rico país petrolero ya cuenta con la primera filial de la prestigiosa Universidad de La Sorbona, otro de los símbolos de la cultura gala, que fue inaugurada meses atrás.
¿Será el Louvre de Abu Dhabi el comienzo de otra cadena de museos-franquicia como ocurre con el Guggenheim?.
A partir del próximo día 25 de junio hasta el 20 de julio, el Jardín Botánico de Córdoba acogerá la exposición Tierra Cocida 08, en la que se expondrán obras realizadas por veintidós alumnos del Ciclo Superior de Cerámica Artística de la Escuela de Arte Dionisio Ortiz de Córdoba. Estos trabajos son el resultado del estudio de las diferentes asignaturas desarrolladas desde el Departamento de Cerámica.
La mayoría de las piezas están realizadas a torno o manualmente, en diversas técnicas cerámicas, pero con un eje central: la relación tierra, agua y fuego junto a los elementos vegetales, unión que se hará especialmente visible en el entorno expositivo, algo que da lugar a que en la presentación y montaje se entable un diálogo entre los elementos cerámicos y los motivos vegetales. En la muestra participan los/as alumnos/as Elisa Acosta
Myriam, Ait Amar,
Ana Ariza,
Mónica Canseco,
Mª Dolores Carrasco,
Mª Carmen Cecilia,
Mª Carmen Delgado,
Laura Garrido,
Rosa Guerrero,
Kathleen Holly,
Ángel Jiménez,
Eun Kyung,
Rafaela Luque,
Oleg Kushnikov,
Alberto Moreno,
Enriqueta Moreno,
Itaru Moriyama,
J. José Ortega,
Juan Pérez,
Tamara Pinilla,
Antonio Sillero y
Mª Carmen Suárez.
El uso del patrimonio como recurso social y económico, atendiendo a la sostenibilidad, es una cuestión que acapara la atención de un número cada vez mayor de personas, gran parte de ellas ligadas a las administraciones locales y comarcales, preocupadas especialmente por preservar los elementos materiales e inmateriales en los que se manifiestan sus señas de identidad y por impulsar el desarrollo del territorio incorporando los bienes patrimoniales a los instrumentos que determinan ese desarrollo.
La creciente sensibilización y valorización del patrimonio está en la base de una demanda social que reivindica una mayor atención a la problemática patrimonial desde la administración local y comarcal, que tienen que proteger, conservar, difundir y rentabilizar el patrimonio, lo que exige una planificación que debe partir del conocimiento de la realidad patrimonial, asumiendo aquellas medidas que directamente dependan de ellas, destacando entre otras la definición de los niveles de protección en la normativa municipal, y promoviendo aquellas que requieran la intervención de un ámbito superior de la Administración.
Por ello, la Universidad de Córdoba ha puesto en marcha el Master de Gestión del Patrimonio (Cultural y Natural) desde el Municipio, en colaboración con los ayuntamientos de Córdoba, Úbeda y Baeza, la Diputación de Córdoba, La Federación Andaluza de Municipios y Provincias y Departamentos de la UCO, UMA y UJA.
El programa está orientado a cubrir una parcela de la gestión cultural de gran importancia, la que se desarrolla desde el municipio, que por mandato constitucional está obligado a proteger, conservar y acrecentar el Patrimonio Histórico Español (art. 46), recogiendo la Ley de Patrimonio Histórico Español de 1985 que los ayuntamientos cooperaran con los organismos competentes en la ejecución de esta Ley (art. 7) y destacando la Ley de Patrimonio Histórico de Andalucía de 2007 que corresponde a los municipios la misión de colaborar activamente en la protección de los bienes integrantes el Patrimonio Histórico Andaluz que radiquen en su término municipal, en especial a través de la ordenación urbanística, así como realzar y dar a conocer el valor cultural de los mismos (art. 4.2).
Es por ello, por lo que resulta de enorme interés la gestión del patrimonio desde el punto de vista municipal, que va constituir el núcleo del programa, pues los municipios que tengan un rico patrimonio no sólo deben protegerlo y conservarlo, sino también gestionarlo, estableciendo una política de patrimonio histórico que recoja las acciones de tutela sin entrar en competencia con otras instituciones.
Importante es conocer la problemática patrimonial que afecta al municipio, en el que se encuentran gran diversidad de bienes culturales: monumentos, parques, etc... cuyo conocimiento es fundamental para establecer una política y un proyecto de gestión, que implique no sólo la conservación y protección, sino su acrecentamiento desde la investigación y la difusión -entendida en la legislación patrimonial como la mejor garantía de conservación- para acercar el patrimonio a la sociedad que lo ha producido y a la que pertenece, contribuyendo a que la comunidad precise sus señas de identidad y al desarrollo de la zona por la potencialidad de los bienes culturales para generar riqueza y empleo.
Por ello, este programa pretende introducir a cuantas personas estén interesadas, universitarios y personal de la administración, en la temática propuesta partiendo del marco legal en el que se inscribe y abordando importantes temas de conservación, difusión y rentabilidad social, tratando el fomento del turismo cultural como importante fuente de riqueza, que requiere un decidido esfuerzo tendente a la interpretación patrimonial.
El programa tiene como objetivo fundamental cubrir la demanda de la gestión del patrimonio desde el municipio, con importantes recursos patrimoniales en su territorio, cuya gestión se plantea desde un doble punto de vista, el sector público y la iniciativa privada, buscando la profesionalización del gestor, intérprete, mediador y dinamizador del patrimonio que potencie iniciativas culturales en el ámbito de las políticas culturales municipales, encardinándose con ellas, y el conocimiento, conservación y difusión del patrimonio, que la normativa considera garantía de conservación.
En la actualidad, y especialmente a partir de la Conferencia Europea de Ministros responsables del Patrimonio Cultural (Helsinki, 1996) que incidió en la necesidad de valorar el patrimonio cultural como recurso económico y "promover estrategias dinámicas de conservación que movilicen el potencial económico que el patrimonio representa para la regeneración urbana y el desarrollo rural", el Patrimonio se considera como un factor de desarrollo económico. La utilización del patrimonio como recurso económico determina unos parámetros en los que el responsable político debe establecer en primer lugar si los bienes culturales deben participar en el proceso de desarrollo local y si lo hacen en qué forma, y por supuesto debe determinar el importe de los recursos financieros a disposición del proceso de inversión; mientras que el gestor -teniendo en cuenta los objetivos políticos generales y los fondos de financiación a su disposición- debe definir los objetivos específicos y la capacitación adecuada del gestor es lo que persigue este programa.
En segundo lugar, responder a la demanda de agentes locales que desde las instituciones, o desde la iniciativa privada en colaboración con las mismas, contribuyan a la salvaguarda y valoración del patrimonio, considerado como un factor de desarrollo local en Europa, formando profesionales que articulen las necesidades de las colectividades locales, adecuando de manera flexible las necesidades -públicas y privadas- y la formación ofrecida en el programa, que se articula con una estructura capaz de adaptarse a todas las exigencias. En esta línea se plantea la obtención de un Master Oficial de 60 créditos ECTS, cursando el módulo troncal y uno de los itinerarios de créditos incluyendo el trabajo fin de Master, de acuerdo con la normativa de POP, pudiéndose obtener la titulación en los bloques fundamentales de la Gestión del Patrimonio desde el Municipio:
a)Políticas municipales y equipamientos.
b)Puesta en valor del Patrimonio
c)Patrimonio Natural y calidad medioambiental
El tercer gran objetivo del programa presentado es ofrecer enseñanzas especializadas de nivel universitario atendiendo a la realidad municipal. Es por ello, por lo que la Universidad de Córdoba (según la Ley Orgánica de Universidades 6/2001, de 21 de diciembre, LOU, en la que se habilita, artículo 34.03, a las Universidades a impartir, en virtud de su autonomía, enseñanzas conducentes a la obtención de diplomas y títulos propios, distintos a los homologados con carácter oficial en todo el territorio nacional) posibilita y rentabiliza el programa ampliando su oferta a través de enseñanza abierta a la sociedad, especialmente a quienes ejercen funciones de gestores.
Se envía un PDF con información detallada a quien lo solicite a arsoperandi@gmail.com
Sotheby’s Londres presentará Beautiful inside my head forever, la mayor subasta de obras de arte de las realizadas por Damien Hirst (1965) – el enfant terrible del arte contemporáneo – , y que se celebrará el 15 y 16 de septiembre de este año. La histórica venta ofrece un extraordinario grupo de obras creadas entre 2006 y 2008 por el artista nacido en Bristol (Reino Unido). Desde esculturas monumentales en formaldehído hasta nuevas técnicas pictóricas que muestran los clásicos temas de Hirst, como las mariposas, las células cancerosas o las pastillas. Así mismo se podrán adquirir exquisitos armarios e intuitivos dibujos preparatorios, entre otros. Todo ello demuestra una vez más la extensa producción creativa del artista.
Coincidiendo con el vigésimo aniversario de la exposición Freeze a cargo de Damien Hirst en Londres, que consiguió lanzar las carreras del artista y sus contemporáneos, la subasta confirma que el inglés continúa rompiendo moldes en el mercado del arte actual.
Beautiful inside my head foreversigue la estela de la legendaria subasta llamada Pharmacy, organizada por Sotheby’s en 2004, llegando a recaudar casi 14 millones de euros, cuando se había estimado que las ganancias serían de 4 millones. El acto atrajo un número de postores sin precedentes, muchos de los cuales pasaron horas esperando a que se abrieran las puertas de New Bond Street, ansiosos por pujar por una obra del principal artista inglés del siglo XXI.
Con respecto a dicha noticia, Damien Hirst ha manifestado: “Después del éxito cosechado en Pharmacy, siempre he sentido que quería hacer otra subasta. Es una forma democrática de vender arte y supone la evolución natural del arte contemporáneo. Aunque se corren ciertos riesgos, acepto el reto de vender mi obra de esta manera, aunque no quiero parar de trabajar con mis galerías. Esto es diferente. El mundo está cambiando y por eso necesito ver dónde me lleva este camino”.
La obra estrella de la subasta, The golden calf (El ternero dorado), es una escultura monumental. Se trata de un ternero conservado en formaldehído, cuya cabeza está coronada por un disco de oro macizo. Sus pezuñas y cuernos están realizadas también en oro de 18 quilates. El ternero está encerrado en una urna de cristal y acero inoxidable chapado en oro, que mide 215’4 por 320 por 137’2 cm. Esta obra tan excepcional que aúna los intereses del artista por la ciencia, la religión, la belleza y la muerte, tiene un precio de salida de entre 10 y 12 millones de euros.
Cheyenne Westphal, Presidente del Departamento de Arte Contemporáneo de Sotheby’s en Europa, y Oliver Barrer, especialista internacional de la mencionada casa de subastas, coinciden en que: “Damien Hirst es el artista líder de su generación. El grupo de obras que se exhibirán y subastarán posteriormente es ambicioso, exquisito e increíblemente impactante”.
La confianza plena que la casa Sotheby’s ha depositado en el artistaen esta ocasión está respaldada por los resultados obtenidos en anteriores subastas. Y es que su obra Lullaby Spring (2002) – un armario de acero inoxidable con 6136 pastillas pintadas en bronce – se vendió en junio de 2007 por casi 12 millones de euros, batiendo el récord por una obra de un artista vivo. Veremos si en esta ocasión ocurre lo mismo.
Nota bene: Las obras a subastar se exhibirán del 5 al 15 de septiembre de 2008 en New Bond Street, Londres. Horario aún por determinar.
En el número 529, de la presente semana del 21 al 27 de junio, en El Semanario La Calle de Córdoba se puede leer una pequeña entrevista que, con motivo de la creación de esta publicación, amablemente nos realizaron por medio de la redactora Julia Zafra. Desde Ars Operandi agradecemos su interés y el de todos nuestros lectores, a quienes instamos para que colaboren con este pequeño proyecto de la forma que prefieran.
La entrevista, en la edición digital de El Semanario La Calle de Córdoba, se puede consultar pinchando aquí.(Foto J. Huertos)
El Cuarto Plinto de Trafalgar Square. Foto: The Telegraph
Antony Gormley (1950) y Yinka Shonibare (1962) han sido los artistas ganadores de los próximos encargos para ocupar el Cuarto Plinto (Fourth Plinth) de Trafalgar Square, según ha anunciado hoy el alcalde de Londres, Boris Johnson. Ambos han llegado a imponerse a las ideas de Tracey Emin o Anish Kapoor, entre otros.
La propuesta de Gormley, One and Other (Uno y otro), consiste en ocupar durante 100 días, 24 horas al día, el cuarto plinto con voluntarios que se mantendrán de pie una hora. Se estima que alrededor de 2400 personas formarán parte de este proyecto. Antony Gormley ha explicado: “Gracias a la elevación del plinto y a la eliminación del espacio común el cuerpo se convierte en una metáfora, un símbolo que nos permite observar la diversidad, vulnerabilidad y particularidad del individuo en la sociedad contemporánea”. Aunque lo más importante para el artista era que una plaza reservada históricamente a los héroes militares se haya convertido “en una plaza de celebración étnica”. El proyecto empezará a desarrollarse próximamente.
Maqueta de la obra de Shonibare. Foto: Time Out London
Nelson’s Ship in a Bottle (Barco de Nelson en una botella) es el título de la propuesta de Yinka Shonibare, artista londinense de origen nigeriano. Se trata de una réplica a escala del buque del Capitán Horatio Nelson, el HMS Victory, encastrada en una botella de cristal gigante. En ella también podemos observar a sus pequeños tripulantes, ataviados con tejidos de motivos africanos comprados por el artista en el mercado de Brixton (Londres). Shonibare cree que su obra reflejará la historia multicultural de la capital británica: “Para mí es una celebración de la inmensa riqueza étnica de Londres, dando voz y ensalzando a todas las culturas que insuflan aire a este gran barco que es el Reino Unido”.
La propuesta de Gormley, One and Other (Uno y otro). Foto: The Telegraph
La selección ha sido llevada a cabo por la Comisióndel Cuarto Plinto, presidida por Ekow Eshun, Director Artístico del Instituto de Arte Contemporáneo (ICA) de Londres, quién explicó que: “Antony Gormley y Yinka Shonibare han sido las ideas más destacadas de las que hemos recibido. Han creado obras audaces y llamativas que, desde diferentes puntos de vista, expresan la naturaleza poliédrica y moderna de Gran Bretaña. Los proyectos de ambos artistas consolidarán el Cuarto Plinto como uno de los lugares más relevantes para el arte público mundial”.
Foto: The Telegraph
Las obras de arte de Gormley y Shonibare reemplazarán la instalación arquitectónica de vidrio del artista alemán Thomas Schütte (arriba), que ocupa desde hace 18 meses el Cuarto Plinto. Dicho lugar se encuentra en la esquina noroeste de la Plaza de Trafalgar de Londres, frente a la Galería Nacional de Arte. Originariamente se pensó en construir un monumento ecuestre en 1841. Sin embargo, el plan quedó paralizado por razones económicas. Ya en 1998 la Real Sociedad para la Promoción de las Artes del Reino Unido decidió destinar el plinto a exposiciones temporales relacionadas con la escultura. Desde entonces se han venido observando obras de artistas como Mark Wallinger –ganador del Premio Turner 2007-, Hill Woodrow y Rachel Whiteread.
El próximo viernes 27 de junio a las 20:30 tendrá lugar en la malagueña Taller - Galería Gravura, la inauguración de una nueva exposición de la artista cordobesa Nieves Galiot. En palabras de la artista, de quien pudimos ver recientemente su serie Sit Tibi Terra Levis en la Sala Puertanueva dentro de la colectiva Confabulaciones, las obras mostradas, serán "una colección de pequeños objetos que tienen en común el empleo del lenguaje de la gráfica y la estampación".
Bajo el título de Objetos de tocador, podremos ver piezas elaboradas con diversas técnicas; collage, bordado, dibujo y grabado, terrenos por donde la artista se mueve con precisión y sutileza, algo que le ha llevado a construir una obra dotada de enorme personalidad y coherencia.
Objetos de tocador se podrá ver desde 27 de junio al 15 de septiembre. Asimismo, Nieves Galiot estará impartiendo un curso de verano sobre gráfica y objeto en el propio Taller los días 14 al 16 de julio.
Nieves Galiot
Objetos de tocador
Taller – Galería Gravura
Pasaje Ntra. Sra. de los Dolores de San Juan, 3, 1º.
Siguiendo la línea del artículo Fotografía en el Tate Modern, el mencionado museo londinense nos propone una exposición paralela con la misma raíz temática: la calle como escenario artístico. Street Art, que así se llama la muestra, es el primer encargo que se realiza para decorar la fachada del Tate Modern que mira al río Támesis; y el único proyecto de estas características que es planteado por un museo. Para ello se ha presentado la obra de seis artistas aclamados internacionalmente, cuyo trabajo esta íntimamente ligado con el medio urbano. Sus nombres son Blu de Bolonia; el colectivo Faile de Nueva York; JR de París; Nunca y Os Gêmeos, ambos de Sao Paulo; y Sixeart de Barcelona.
Todos ellos y algunos más forman parte de la exposición que se desarrolla, eso sí, en los alrededores del Tate Modern. Por eso se ha elaborado el Street Art Walking Tour (mapa haciendo clic aquí), un tour urbano en el que se desvelan las intervenciones de un grupo de cinco artistas residentes en Madrid: 3TTMan, Spok, Nano 4814, El Tono y Nuria.
Sin embargo esta iniciativa que apuntaba a ser pionera en la Historia del Arte Universal, fue empañada astutamente por el Cans Festival que organizó el grafitero inglés Banksy (1975) pocos días antes de que se inaugurara la exposición en el Tate Modern. Todo partió de la idea de pintar un antiguo túnel abandonado de la línea de trenes Eurostar en Leake Street, junto a la estación londinense de Waterloo. Así lo explicaba el propio Banksy: “En sólo unas horas, con un par de centenares de botes de pintura espero que podamos transformar un agujero oscuro, olvidado y sucio en un oasis artístico”. El evento contó con 40 artistas convocados por Internet por el misterioso grafitero. Juntos han hecho del túnel – que podrá visitarse hasta octubre de 2008 – una atracción turística más desde que el negro de sus paredes se llenó de coloridas imágenes. Banksy colaboró pintando cinco grafittis, entre los cuales se encuentra la controvertida visión del Papa Benedicto XVI a lo Marilyn Monroe; o la imagen de un trabajador de la limpieza quitando unas pinturas rupestres con agua a presión.
Ésta última imagen es un ejemplo claro de la actitud contestataria de Banksy, puesto que actualmente está liderando la batalla contra el Ayuntamiento de Londres, que quiere acabar con todas las pintadas sin distinción porque “no pueden decidir si algo es arte o grafitti ”. Aún así, el inglés es acogido con simpatía por el ciudadano de a pie y por el mercado del arte, en donde se han llegado a pagar más de 200.000 euros por obras suyas.
Que La exposición del Tate Modern y el Cans Festival de Banksy den un claro lugar de preferencia al llamado Street Art nos plantea lo siguiente: es urbano pero... ¿es arte?. Esperamos vuestros comentarios al respecto.
Iniva - Institute of International Visual Arts presenta Mirror Image, la primera exposición individual en Europa de Óscar Muñoz (1951), uno de los mejores artistas de la escena cultural de Colombia, que se podrá ver hasta el 27 de julio de este año. Temas como la memoria y la pérdida humana impregnan la obra de Muñoz para conseguir un efecto seductor e irresistible. Su obra se imbuye de una calidad trascendental gracias al uso de la luz propia de la fotografía y al movimiento de la imagen. El centro de la obra del colombiano es la no permanencia de la imagen, creando oportunas metáforas de la condición humana, el tiempo y la memoria. Muñoz ha dicho al respecto: “Mi obra consiste […] en documentar un escenario inmemorial: la lógica del pensamiento diario que nace de la imposibilidad de retener y fijar imágenes permanentemente”.
Nacido en Popayán y actual residente en Cali (Colombia), Óscar Muñoz reta al espectador para hacerle reflexionar sobre el significado de la imagen fotográfica. La base de la mayoría de su obra visual es la fotografía, aunque Muñoz también emplea otras técnicas más tradicionales, como el dibujo a carboncillo, utilizado en sus obras más impactantes.
A pesar de que la obra de Muñoz alude sutilmente al impacto de la guerra en Colombia –un país inmerso en una constante agitación política y social desde hace 50 años-, sus temas tienen una proyección más universal. Las palabras del artista lo refuerzan: “Mi obra actual surge de mi interés en entender cómo una sociedad llega a aceptar la guerra –o mejor dicho, una oscura y corrupta sucesión de guerras desde hace más de 50 años- que no ha terminado aún, formando parte de una rutina donde ambos, pasado y presente, están plagados de hechos violentos diarios que persistenincansablemente”.
La exposición comprende seis de las obras más conocidas de Muñoz de los últimos diez años. En Proyecto para un memorial(2005), una de las piezas más grandes de la exposición (una proyección de cinco pantallas), Muñoz dibuja en una acera de Cali, copiando fotografías de las secciones necrológicas de varios periódicos. El artista realiza varios retratos con agua, que va rehaciendo conforme van evaporándose por las altas temperaturas de la ciudad colombiana.
Por otra parte, en Aliento(1996 - 2002), podemos observar discos espejados que cuelgan de una pared. La brillante superficie invita al espectador a mirar más allá e interactuar con ella. Una suave corriente de aire en el cristal revela los rostros de aquéllos que aparecen en unas fotografías seleccionadas por el artista de periódicos colombianos.
Asímismo, en la exposición hay algunas de sus instalaciones más recientes. Éstas incluyen facsímiles de las portadas de dos destacados periódicos de Colombia (El País y El Tiempo), donde el artista ha quemado la imagen y el texto. Al pasar cada página, la imagen pierde intensidad gradualmente.
Eclipsees una instalación que se vale de una cámara oscura para dar un efecto asombroso reflejando la vida urbana de Shoreditch en el espacio expositivo. Cuando el espectador se acerca a la obra, lo que aparece como imágenes estáticas es en realidad la calle Rivington, donde está localizado Iniva. Las obras de Óscar Muñoz se pueden encontrar en colecciones internacionales de gran relevancia, como Tate Modern; el Museo de Arte Contemporáneo (MOCA) de Los Ángeles; el Museo de Arte de Miami; el Museo Hirshorn de Washington D.C.; el Museo de Bellas Artes de Houston; el Museo de Arte Moderno de Bogotá; la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá; o el Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali.
El programa elaborado por Iniva incluye conferencias, vídeos seleccionados por Óscar Muñoz y proyecciones de artistas colombianos que han expuesto previamente en Lugar a Dudas (lugar a dudas - home), un espacio de creación artística contemporánea establecido en Cali por Muñoz.
Lugar:Institute of International Visual Arts (Iniva).
Rivington Place, Londres.
Fecha: 13 de junio al 27 de julio de 2008
Horario: M – V, 11:00 h – 18:00 h; S, 12:00 h – 18:00 h
