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31 de jul. de 2008

Ciencias, letras...

Por Magdalena Madueño
Hace unos días leí un artículo de José Manuel Benítez Ariza, en el Diario de Cádiz, sobre la tópica dicotomía entre el mundo de las ciencias y el de las letras que me llamó poderosamente la atención. Quizás ésta esté ya manida, pero está claro que sigue siendo una incesante fuente de debate y desacuerdo. A continuación os adjunto el artículo en su totalidad:
< “Como las letras requieren menos esfuerzo que las ciencias; y, por tanto, los estudios de letras son mayoritariamente elegidos por los alumnos más vagos y dispersos, mientras que los de ciencias son los preferidos de los estudiantes más serios y responsables…” Tal es la opinión generalizada, según confirmaba hace poco un periódico nacional. Y uno, que ha estudiado letras, se siente un tanto en evidencia. ¿Descubrirán mis padres ahora que, en el fondo, pese a mis buenas notas y a haberles invadido la casa de libros, no soy más que un vago? Los propios profesores de una y otra rama, leo, asienten al tópico: los de ciencias recomiendan piadosamente a los alumnos más torpones que se pasen a la opción contraria; y los de letras andan convencidos de que los discípulos que tienen no están ahí porque hayan sentido la sagrada llamada de las artes, sino porque creen que para aprobar lo suyo basta con memorizar unos folios o “bajarse” un trabajo del Rincón del Vago, esa socorrida página de Internet.
Claro que no siempre son así las cosas: a veces, el especialista más competente en lo suyo pasa verdaderos apuros a la hora de redactar una simple circular vecinal; o, a despecho de su acreditada valía profesional, es incapaz de apreciar un libro o una película de complejidad mediana. Y también estos casos particulares sirven para alimentar el tópico de que, en definitiva, el científico o el técnico sabe de lo que le compete, mientras que el “de letras” sabe un poco de todo, que es lo mismo que no saber de nada… Algo de eso hay. La humanidad se divide en especialistas y en personas que tienen un conocimiento amplio y general de las cosas y sus relaciones. Lo lógico sería que unos y otros pudieran codearse sin complejos, sabiéndose complementarios; y hasta cabría imaginar que un ingeniero, pongamos, sintiera una genuina admiración por el filósofo que trata de discernir el sentido del conjunto; y que un filósofo, a su vez, anhelara para su oficio (como de hecho ocurre) la exactitud y precisión de las que hacen gala quienes saben diseñar un motor.
Pero el objetivo de nuestro sistema educativo no parece ser garantizar esa liberadora amplitud de miras, sino capacitar mano de obra. Y si para eso hace falta crear científicos, que en cualquier otro respecto, son analfabetos, y reducir los estudios de letras y humanidades a su mínima expresión (prescindiendo, por ejemplo, de las lenguas clásicas), no hay problema. Tal vez ésa sea la verdadera función del tópico: que cada cual se atenga a lo suyo y mire con desconfianza al otro; no vaya a ser que invadiendo el predio ajeno, un arquitecto filósofo, pongo por caso, pretenda, no ya construir una casa y cobrar por ello, sino contribuir un poco a aliviar la infelicidad humana. O que un poeta conciba edificios para vivir en las nubes, que también puede ser. >
Imágenes: Web resources

Me imagino que muchos de los que habéis leído estas líneas os habéis sentido identificados plenamente con la situación que describe Benítez Ariza. ¿Qué pensáis al respecto?. Después de haber leído el reivindicativo artículo del profesor Manuel Pérez Lozano, el artículo me hace pensar que todo es una consecuencia más del deficiente sistema educativo actual. Por ello, ¿qué reformas creéis que son necesarias para mejorarlo?. ¿Pensáis que las ciencias son excesivamente valoradas socialmente en detrimento de las letras?.


Nueva cabecera: Tete Álvarez

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Siguiendo la propuesta de Jacinto Lara, presentamos la nueva cabecera que acompañará a Ars Operandi en la próxima quincena, obra de Tete Álvarez.  Hemos recibido varios diseños más que iremos presentando sucesivamente. Nuestras más efusivas gracias a todos por esta interesante iniciativa.

28 de jul. de 2008

Daños al Patrimonio

por José Álvarez
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La extraordinaria proliferación de restos arqueológicos utilizados como material de acarreo a lo largo de la historia de Córdoba hace que muchos de ellos, insertos en nuestro paisaje cotidiano, pasen injustamente desapercibidos, cuando no menospreciados. Un ejemplo de ello lo hallamos en la esquina del convento de la Encarnación con la calle Rey Heredia, donde se ubica un conjunto formado por un pedestal cilíndrico con cartela rematado por capitel. Su mayor importancia radica en que la inscripción ostenta el nombre de uno de los evergetas que contribuyeron con fondos a la construcción del teatro de la ciudad en época augustea, probablemente con anterioridad a 5 d.C., y cuyo nombre -cincelado ad perpetum rei memoriam- era Tito Mercello Persinus Marius. La colocación de estos elementos en el paisaje urbano -independientes en origen entre sí- tuvo lugar durante la construcción del convento de la Encarnación, a comienzos del siglo XVI, fecha en la que se encontró el pedestal durante la acometida de unas obras en las casas de D. Fernando de la Cerda, sitas en las inmediaciones del convento y en el entorno por tanto del teatro que se construyera catorce siglos antes.
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Recreación virtual del Teatro Romano de Córdoba. Fuente: El teatro romano de Córdoba (2002)
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Por evergetismo entendemos la práctica de actividades altruistas por parte de los más ricos y poderosos. Es el nombre de la tendencia que dirigió la política del Imperio Romano durante varios decenios, práctica que arranca de las sociedades anárquicas -aquellas en la que no es concebible el tributo interno- en las cuales se busca el único poder posible, el del prestigio aristocrático, a través de una generosidad visible en las obras públicas. Los evergetas solían constatar la naturaleza de sus patrocinios y la intencionalidad de éstos mediante la colocación de elementos epigráficos conmemorativos en las inmediaciones de las obras por ellos costeadas (véanse a este respecto los estudios de Ventura Villanueva). Las principales familias cordobesas entre los siglos I y II d. C. eran los Annaei -la estirpe de Séneca y Lucano-, los Marii -dueños absolutos de las minas de oro y cobre de Sierra Morena-, los Numisii, los Furii, los Postumii y los Mercellones Persinii, de quienes nos ocupamos en este artículo.


El pedestal, de forma cilíndrica, está labrado en piedra de mina gris (caliza micrítica), con una cartela de 27 x 62 cm en cuyo interior se encuentra un texto inscrito en letras capitales cuadradas de época augustea de 4 cm de altura. El texto dice:

T(ITO)·MERCELLONI·PERSINO 
MARIO·AEDIL(I)·HVIR(O) 
COLONI·ET·INCOLAE
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Imágenes: ars operandi

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Tito Mercello Persinus Marius fue edil y duumvir en Corduba, así como procurator Augusti. Como las demás familias aristocráticas, los Mercellones Persinii se enriquecieron al amparo del poder, al que rindieron culto en la persona del emperador. Sus actos de evergetismo sirvieron asimismo para constatar el poder de las élites locales. El pedestal se inscribe dentro de esta práctica, dejando constancia de la aportación económica del prócer.


El capitel es corinto-asiático, datado en las últimas décadas del siglo II d. C. Es pieza de mármol cuyo lugar de manufacturación está aún por determinar. Su conservación es deficiente, al estar expuesto en zona de tránsito continuo. Tiene dos grandes mutilaciones recientes, en la secunda folia y en la ima folia. De este último daño fuimos testigos: fue causado por el conductor de un camión utilizado en obra cercana. Es probable que fuese autor de las dos mutilaciones, pues la blancura del mármol arrancado en la secunda folia señalaba que el hecho tuvo lugar en fechas próximas entre sí. El capitel guarda notables diferencias con el resto de capiteles corintio-asiáticos de Córdoba y de los conservados en la Península Ibérica, con hojas "mucho más naturales y de mayor belleza plástica" que los demás de estas características, según Márquez Moreno.
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Es por tanto un conjunto de notable importancia, pues sus elementos dejan constancia histórica -la aportación de familias patricias al desarrollo urbano de Córdoba- por una parte, y artística -con un capitel con características muy particulares- por otra. Es un bien patrimonial que debe ser protegido y conservado como parte del legado cultural común a todos los ciudadanos. Como bien particular, la conservación corre a cargo del titular, según la Ley 14/2007, de 26 de noviembre, de Patrimonio Histórico de Andalucía (BOJA número 248, de 19/12/2007), que en su Título I. Protección del Patrimonio Histórico, Capítulo III, Artículo 14. 1, dice: " Las personas propietarias, titulares de derechos o simples poseedores de bienes integrantes del Patrimonio Histórico Andaluz, se hallen o no catalogados, tienen el deber de conservarlos, mantenerlos y custodiarlos de manera que se garantice la salvaguarda de sus valores ". En los bienes de titularidad eclesiástica, el incumplimiento de la Ley es irritantemente usual, siendo frecuentemente las administraciones quienes se hacen cargo de las labores de restauración una vez que el bien se halla peligrosamente dañado, generalmente por desidia de sus propietarios, quienes eluden así sus obligaciones legales. En el caso del conjunto que tratamos, sin embargo, los daños son producidos principalmente al estar el bien expuesto en la vía pública, sujeto al deterioro que este hecho conlleva, pero también es víctima de otros daños que podríamos denominar colaterales.
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¿Cómo si no denominar los añadidos que el Ayuntamiento ha colocado o ha permitido colocar en el entorno del bien y que dañan sobremanera la visión del mismo? Dejando aparte la suciedad circundante -que es cuestión de todos- no creemos que el lugar donde se ha colocado la papelera sea el más adecuado. Dado el poco uso que se hace de ella, bien podría estar cinco metros más arriba que diez más abajo. La colocación del cableado aéreo es práctica común pese a estar taxativamente prohibido por ordenanza municipal. No se cumple, pues no hay denuncia ni, lógicamente, sanción.


Asimismo, el poste y las señales son un ejemplo de libro de contaminación visual, que deberían retirarse. El tráfico de vehículos a motor es causante directo de los grandes desperfectos que hemos señalado anteriormente, consecuencia del eternamente irresoluto tema de la peatonalización del Casco Histórico. Es zona que debería estar vedada al tránsito rodado, salvo a residentes y servicio público, de una forma cada vez más restrictiva, compensada por supuesto con mejoras de diversa índole en el entorno y en la calidad de vida de los ciudadanos que en él habitan.


La propuesta por tanto es sencilla: la puesta en valor del bien mediante la eliminación de todos estos inconvenientes y la limpieza del conjunto. Creemos que Tito Mercello Persinus Marius no merece menos.
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26 de jul. de 2008

IV Centenario de Pablo de Céspedes

TRIBUNA ABIERTA
por Manuel Pérez Lozano
Universidad de Córdoba

 

Francisco Pacheco, Pablo de Céspedes, Libro de Descripcion de Verdaderos Retratos de Ilustres y Memorables Varones

Han pasado 400 años sin eco alguno. El día 26 de julio de 1608, fallecía en Córdoba uno de sus más ilustres hijos, Pablo de Céspedes. Se había educado en Alcalá de Henares, bajo la tutela de Ambrosio de Morales, y puede considerársele uno de los principales humanistas españoles, buen conocedor de los autores griegos y latinos. También se formó allí como pintor, perfeccionándose luego en Roma, donde vivió bajo la protección del cordobés don Diego de Simancas. Allí destacó por las obras realizadas en la iglesia de la Trinitá dei Monti y fue bien reconocido por la crítica artística italiana.

De regreso a su patria fue uno de los introductores del Pleno Renacimiento en la poesía y las artes figurativas. Amigo de Fernando de Herrera y de Luis de Góngora, y maestro de algunos pintores cordobeses y sevillanos. A su mano e influencia se debe gran parte de la decoración renacentista de nuestra Catedral, incluida la obra de Cesare Arbasia en el Sagrario. Obras suyas pueden verse en el Museo de Bellas Artes, en la Iglesia de la Compañía, y los recientemente descubiertos cuatro delicados cuadritos del banco del retablo del Convento de Santa Marta. También pintó varios retablos para la Catedral cordobesa, de la que fue racionero. La Catedral y la Universidad hispalenses, el Monasterio de Guadalupe, o la Real Academia de San Fernando en Madrid, son otros lugares para admirar sus obras. Influyó mucho en la concepción de la pintura de Francisco Pacheco, el suegro de Velázquez, quien lo cita frecuentemente en su tratado Arte de la pintura, considerándolo una referencia asimilable a los grandes pintores del Renacimiento italiano.


Pablo de Céspedes, La Última Cena (circa 1595) Catedral de Córdoba

En 1908 su muerte se conmemoró con diversos actos culturales y una placa recuerda la casa donde murió. Hoy, como estamos tan empeñados en ser la Capital Cultural Europea, nos hemos olvidado absolutamente de él. Personalmente intenté, sin éxito obviamente, que las instituciones de más peso cultural de la ciudad se hicieran eco de esta efeméride; ni siquiera he logrado que apareciera un breve texto recordatorio en la prensa local. Al menos, sirva esta pequeña nota como homenaje a Céspedes en el Cuarto Centenario de su muerte y para reflexionar todos, políticos incluidos -aunque no creo que lleguen a leer estas cosas-, en qué dirección queremos que Córdoba sea reconocida: como "capital cultural" que potencia sus valores históricos, o como "pueblo cateto" que ignora su pasado a riesgo de borrarlo. ¿Qué es lo que podremos mostrar en 2016?


Imágenes: Web resources


Manuel Pérez Lozano (1955) es profesor de Historia del Arte en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Córdoba. Licenciado en Historia por di­cha Universidad, presentó su Memoria de Licenciatura con un estudio sobre los símbolos en el libro Empresas espiri­tuales y morales de Juan Francisco de Villava (Baeza 1613). Se doctoró en 1993 con la Tesis titulada El conceptis­mo en la pintura andaluza del Siglo de Oro, dirigida por el doctor Alberto Villar Movellán, catedrático de Historia del Arte en la Universidad de Córdoba. Miembro del Grupo de Investigación INTERBIC, ha dirigido sus trabajos princi­palmente al campo de la pintura del Si­glo de Oro y a su interpretación contextual.
(N. del E.)



22 de jul. de 2008

La casa de muñecas de Viktor & Rolf



Desde Londres: Magdalena Madueño
Imágenes: Barbican Art Gallery

Este verano la Galería de Arte Barbican exhibirá el trabajo de los diseñadores de moda holandeses más vanguardistas del momento, Viktor & Rolf. Esta será la primera vez en el Reino Unido que se dedique una muestra a este dúo tan influyente. Desde hace quince años Viktor & Rolf están revolucionando el mundo de la moda con su particular mezcla de fresca ironía y belleza surrealista.
La exposición desarrolla la carrera de ambos enmarcándola en una instalación de gran teatralidad especialmente encargada a los diseñadores y repleta de muñecas de 60 centímetros con los diseños del dúo. Dominando las dos plantas de la galería, esta instalación permaneció cubierta has el día 18 de junio, cuando se inauguró. La Casa de Viktor & Rolf presentará todas las obras clave de la firma desde 1992 hasta ahora. Un claro ejemplo de ello son los diseños de alta costura de la colección Atomic Bomb (1998-1999), de escotes que simulaban el hongo producido por la explosión de una bomba nuclear.
En la exposición The house of Viktor & Rolf (La casa de Viktor & Rolf), 55 muñecas de porcelana, unas de 65 centímetros de altura y otras de 180, pueblan las dos plantas de la galería Barbican. "Nos gusta jugar con las medidas. Las muñecas de 1,80 te hacen sentir pequeñito, es como perderse junto a Alicia en el País de las Maravillas".
Ambos se han encargado de crear versiones de momentos cumbre de su carrera. La impactante colección Russian Doll (1999-2000), que presentaron con dramatismo sobre la pasarela, está allí. En aquella ocasión vistieron delante del público a la modelo Maggie Prizen (subida en un pedestal giratorio), con nueve vestidos, capa sobre capa. Las muñecas también se vestirán con las estrambóticas piezas de Atomic Bomb (1998-1999), la línea de prendas hinchadas como almohadones, con la que reflexionaron con ironía sobre el final del milenio.
Viktor Horsting & Rolf Snoeren llevan trabajando juntos desde que se graduaron en la Academia de Bellas Artes de Arnhem (Holanda), en 1992. Su primera colección de alta costura, en enero de 1998, fue el inicio de cuatro más que sirvieron para afirmar su reputación. En marzo de 2000 Viktor & Rolf presentaron su primera colección casual, basada en la bandera americana, un anuncio audaz de sus pretensiones.
Cuatro años más tarde y gracias al popular perfume lanzado por L’Oréal, Flowerbomb, y a la línea de ropa que lanzaron para el gigante sueco H&M, consiguieron llegar a un campo más amplio de la sociedad. La aclamada boutique que abrieron los diseñadores en 2005 en Milán, de corte neoclásico, es una muestra del conceptualismo, la elegancia y el glamour de los diseñadores holandeses.
El trabajo de Viktor & Rolf ha sido objeto de estudio en diversas exposiciones a nivel internacional como el Museo de Bellas Artes de Boston; el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; el Museo de Arte Mori de Tokio; la Trienal Yokohama; el Museo de Arte Moderno de la Villa de París; y el Museo de la Moda y el Textil de París. El dúo además ha recibido prestigiosos premios de moda, incluyendo tres primeros puestos en el Salón Europeo de Jóvenes Estilistas de París, en 2003; el otorgado por el Grupo Internacional de Moda de Nueva York (2002); y el premio al Mejor Diseñador Internacional en los Premios de Elle Style en Holanda (2004).
La Galería de Arte Barbican ha previsto una serie de actividades especiales coincidiendo con la celebración de esta exposición. Durante los próximos tres meses se podrá asistir a performances, debates, clases magistrales, talleres, conferencias y juegos. Además, Viktor & Rolf han diseñado una serie de pañuelos exclusivos y ediciones limitadas de sus perfumes Antidote y Flowerbomb, entre otros, para ser vendidos en la tienda de la galería.
Lugar: Barbican Art Gallery, Londres
Fecha: 18 de junio – 21 de septiembre de 2008
Horario: L, V-D, 11’00-20’00. M y X, 11’00-18’00. J, 11’00-22’00.
Precio: 8 £ (6 £ para estudiantes)

18 de jul. de 2008

Desde ArteSantander, Arte21

Intimidad de Cristina Cañamero

Redacción / Ars Operandi


Como venimos informado en anteriores entradas, la galería cordobesa Arte21 participa durante estos días en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ArteSantander. Una vez pasado el ecuador de la feria, Ars Operandi ha hablado con su director, Antonio Jiménez, para que nos comentara in situ los pormenores de su participación en una cita, que los medios especializados han calificado como "la segunda feria de arte contemporáneo más importante del país". Extremo éste que parece corroborar el galerista al afirmar que "al ser una feria selectiva, el nivel año tras año es más exigente, la organización más perfecta y la repercusión en los medios más importante". A esto hay que sumar "las inmejorables instalaciones del Palacio de Exposiciones de Santander donde por segundo año se desarrolla". Todo ello da por resultado una "feria consolidada, con una competencia muy alta y una nómina de artistas y galerías de primer nivel". En cuanto a las ventas, Antonio Jiménez se muestra optimista de poder ofrecer un balance positivo al final de la feria. Hasta el momento, "para abrir fuego", se ha vendido una pieza de Cristina Cañamero de la seria Azul titulada Intimidad. Y es que para el director de Arte21, en cuanto al nivel de ventas no se percibe la alegría de otros años, con "una reducción notable del número de puntos rojos", aunque espera que esta tendencia se rompa durante los días fuertes de la feria.

Recordamos que para viajar a Santander, Arte21 ha llevado una selección de sus artistas habituales entre los que se encuentran Juan Carlos Lázaro y Alfonso Alcalá con pinturas, Cristina Cañamero con una muestra de pintura y de dibujos, fotografías de José Carlos Balanza, dibujos de Nieves Galiot y una pieza de video de Angel García Roldán. Pero no son estas las únicas obras que Arte21 ha llevado a tierras montañesas. Obras de pequeño formato de artistas de la galería como Hisae Yanase, Jacinto Lara o Paco Salido se pueden contemplar en un fondo de galería que "este año ha despertado mucho interés, sobre todo en el público que busca piezas de menor tamaño". De la calidad de la escudería cordobesa da referencias la prensa local al destacar en sus crónicas los dibujos con bordados de Nieves Galiot y "una contundente imagen de una mano que se introduce en una fisura/herida abierta en una superficie blanca de José Carlos Balanza".


After Nature en el New Museum, NYC

desde Nueva York: Fanelo Aguayo
Visitantes ante una obra de Eugene von Bruenchenhei. Fotografías de Fanelo Aguayo
Mientras en Washington el señor Bush levanta la prohibición presidencial -instituida por su propio padre- de explorar el fondo marino de las costas norteamericanas para extraer petróleo, en el New Museum de Nueva York, un grupo multidisciplinario de artistas muestra su visión de lo que pronto será el mundo si se siguen tomando decisiones como ésta. No se trata de una visión alentadora, sino apocalíptica. Y no es para menos. Todos somos conscientes de ello. Todos excepto el señor Bush, por supuesto, un incomprendido.
Sarcasmos aparte, esta comprometida muestra, titulada After Nature, reúne noventa obras creadas por un grupo internacional y multigeneracional de escultores, cineastas, escritores y pintores -muchos de los cuales exponen por primera vez en Nueva York- unidos por la intención común de intentar salvar el planeta a su manera: concienciando a través de la creación artística.

La exposición está planteada como una novela cuya lect
ura va derivando en imágenes proféticas, fantásticas, míticas, desasosegantes. Un documental de Werner Herzog, el caballo con la cabeza empotrada en la pared de Maurizio Cattelan, el árbol enfermo de Zoe Leonard, así como el resto de las delirantes piezas, anuncian el fin de la naturaleza tal y como la conocemos, y el comienzo de la pesadilla que nunca nos atrevemos a soñar.
Maurizio Cattelan, Untitled, 2007

Comisariada por Massimillano Gioni e incluyendo obras de otros artistas como Allora and Calzadilla, Althamer, Micol Assaël, Fikret Atay, Roger Ballen, Huma Bhabha, William Christenberry, Roberto Cuoghi, Bill Daniel, Berlinde De Bruyckere, Nathalie Djurberg, Reverend Howard Finster, Nancy Graves, Robert Kusmirowski, Klara Liden, Erik van Lieshout, Diego Perrone, Thomas Schütte, Dana Schutz, Tino Sehgal, August Strindberg y Eugene von Bruenchenhein, la exposición permanecerá abierta hasta el 21 de septiembre.
Thomas Schütte, Magnificient Seven, 1993


Zoe Leonard, Tree, 1997

Es posible visitar la exposición en la red pinchando aquí:

17 de jul. de 2008

Galería Clave, una apuesta por el hiperrealismo

Una vista de Nursery en la galería Clave
Redacción / Ars Operandi

La galería Clave presenta credenciales en Córdoba con dos exposiciones que dan buena cuenta de los intereses artísticos de la galería. La primera de ellas, Nursery, que ocupa la planta superior de la galería, es una recreación de una guardería en la que los bebés reales han sido sustituidos por esculturas hiperrealistas realizadas en vinilo policromado, vestidas con ropas reales y guarnecidas de todo el atrezzo propio de un jardín de infancia. Son más de treinta obras - el proyecto original constaba de cien, las restantes ya han sido vendidas - de veinticuatro artistas de los cinco continentes, con una estética que entronca tanto con Duane Hanson o Ron Mueck - en la precisión - como con la más tremendista tradición imaginera del barroco hispano. 

La planta baja acoge una selección de artistas de la galería entre los que se encuentranAlfredo López, Ricardo González, Lorenzo Fernández, José Romero, Javier Arizábal, Amancio Mendoza, Miguel Vivo, Jesús Morilla y Carlos Tárdez. La galería Clave inicia su andadura en Murcia en 1986 donde contó con un edificio de más de mil metros cuadrados, divididos en dos plantas. En este tiempo la galería ofreció exposiciones de pintura y escultura tanto nacionales como internacionales, como la retrospectiva en 1994 de Andy Warhol. En su singladura murciana, Clave ha expuesto obras de Manolo Valdés, Barceló, Saura, Sicilia o el Equipo Crónica entre otros más de trescientos artistas, en muestras individuales o colectivas. 


15 de jul. de 2008

Pedro Peinado



El ilustrador y diseñador gráfico cordobés Pedro Peinado es el creador del nuevo decorado virtual - mediante proyecciones - que utilizará Poliposeídas en su próximo espectáculo, y que reproducimos aquí. Esta entrada es asimismo para recomendar vivamente pasar por minimeces, donde se podrán ver gran cantidad de obras de este extraordinario creativo.

La Ciudad Collage


La Asociación de Pintores Antonio Povedano, junto al Ayuntamiento de Córdoba y la colaboración de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía han organizado el III Curso de Paisaje en Córdoba, La Ciudad Collage. En dos convocatorias - julio y agosto - el curso consta de 120 horas lectivas, divididas en sesiones de mañana y tarde, de teoría y práctica. Asimismo se contempla la realización de actividades tales como conferencias, talleres, excursiones, proyecciones y visitas a museos.

La Asociación de Pintores Antonio Povedano es una organización de personas interesadas por las artes plásticas, aglutinadas bajo la figura del artista prieguense, que tiene como objetivo la difusión de las artes plásticas en todos sus aspectos. Para más información o inscripciones se puede consultar su página web aquí.

Exposición de las 3 Culturas


La malagueña Galería Krabbe, especializada en arte contemporáneo andaluz, inaugurará el próximo viernes La Exposición de las 3 Culturas, en la que diecisiete artistas mostrarán sus trabajos. Cinco de los participantes trabajan en Córdoba: Trinidad Murillo, Manuel Méndez, Juanjo Caro, Hashim Cabrera y Jacinto Lara. Además de ellos participan Erik Tonsberg, Rosalind Burns, Luise Haugen, Perry Oliver, Margaret Harris, Fernando de La Rosa, Caroline Krabbe, Søren Kent, Dorthe Krabbe, Antonio Valverde, Robert Harding, Arne Haugen Sørensen, y Dámaso Ruano.

La Exposición de las 3 Culturas
Galería Krabbe
c/ Rosarico la Joaquina, 12 Frigiliana, Málaga
Inauguración: viernes 18 de julio
Hora:19:00 horas

14 de jul. de 2008

Fanzines en la Biblioteca



La Biblioteca Central de Córdoba programa para el próximo miércoles 16 de julio sendas actividades relacionadas con el mundo de los fanzines en España. El fanzine (acróstico de fan magazine) es una publicación hecha con escasos medios y diversos contenidos: musicales, literarios, políticos, etc. Surgido en el underground de los 60, la explosión punk popularizó y extendió el fenómeno, que tuvo enorme importancia en el mundo del comic y del diseño gráfico en general.
Para ilustrar este hecho se programa la conferencia Fenómeno Fanzinero, a cargo de Jesús Ordovás, periodista y locutor de Radio 3 - RNE, quien dirigió durante largo tiempo el programa - hoy de culto - Esto no es Hawaii, el apartado de música española del Diario Pop.
Ordovás, uno de los mayores expertos en música pop, puede ser considerado como el mejor conocedor del patrimonio literario más alejado de lo estrictamente comercial de los 80, los 90 y la actualidad, a través de la colección privada de fanzines y de revistas musicales y de tendencias.
Se inaugura asimismo la exposición Fanzines: palabras al margen.

Conferencia: Fenómeno Fanzinero, por Jesús Ordovás
Lugar: Bibloteca Central de Córdoba, Sala de Usos Múltiples, Ronda del Marrubial, s/n
Día: 16 de julio
Hora: 19 horas
Exposición: Fanzines: palabras al margen
Inauguración: 16 de julio

Nueva cabecera: Jacinto Lara

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De Jacinto Lara parte la iniciativa de realizar una nueva cabecera para Ars Operandi, a la vez que ha propuesto a diversos artistas su colaboración mediante la creación de otros tantos diseños, que se irán intercambiando. Así que decimos adiós a nuestro amigo el sastre de Moroni, que nos ha acompañado en este corto tiempo de existencia, y saludamos a la nueva cabecera, obra de Jacinto Lara. Gracias a Jacinto y a todos los artistas que deseen colaborar. Es un verdadero honor para Ars Operandi.
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Pintura orientalista en el Tate Britain


Desde Londres: Magdalena Madueño
“Llena de gran arte”. “Espectacular belleza”. Estas son las críticas que ha recibido The lure of the East. British orientalist painting (El atractivo del Este. Pintura orientalista británica) en los periódicos The Guardian y The Independent, respectivamente. Y es que la exposición del Tate Britain de Londres pretende ser una de las más prometedoras de la estación veraniega.
Arte y turismo florecieron en lugares a los que no era fácil llegar, y que fueron rápidamente objeto de visita y estudio de artistas. Lugares como El Cairo, Jerusalén, Estambul (Constantinopla), Marruecos, Grecia, los Balcanes e incluso España. La muestra examinará cómo los pintores británicos buscaron convencer a sus seguidores de la autenticidad de sus imágenes, a veces usando composiciones intensamente detalladas. Además enseñará que el drama y el romance derivados del Oriente serán una parte central de la obra de aquéllos artistas. En escenas del harén y la mezquita, en particular, estos dos impulsos suelen aparecer en una fascinante tensión.
Con más de 110 obras, entre acuarelas, óleos, grabados y dibujos, de colecciones de todo el mundo, The Lure of the East incluye otras de grandes pintores británicos como el prerrafaelista William Holman Hunt (1827-1910), Richard Dadd (1817-1886), Lord Leighton (1830-1896) y John Frederick Lewis (1805-1876). La exposición hace especial hincapié en la moda de corte oriental y en diversos géneros pictóricos –paisajes, vistas urbanas, el harén, la mezquita-.
La exposición está estrechamente relacionada con el debate abierto en 1970 por el académico palestino-americano Edward Said (1935-2003) sobre las representaciones artísticas de corte oriental. Para muchos, dichas representaciones aparecen como una secuencia de ficción que viene a satisfacer el deseo occidental de superioridad y control sobre Oriente. La discusión a favor y en contra del orientalismo defendido por Said ha continuado durante treinta años hasta la actualidad.
Su resonancia en la exposición del Tate Britain, sin embargo, es más fuerte que nunca teniendo en cuenta que, desde la década de los 20 (el final del periodo que cubre The lure of the East), Inglaterra controlaba muchos de los países que habían pertenecido al Imperio Otomano, incluyendo Egipto, Palestina e Irak. Como dijeron los seguidores de Said, estas imágenes no pueden ser vistas de manera aislada de su contexto político y cultural. Y ése es el principal fin que persigue esta muestra que, junto a la rica e inestimable oferta que posee el museo londinense, no os debéis perder si viajáis a Londres en estas fechas.
Imágenes: Tate Britain
Lugar: Tate Britain
Fecha: 4 de junio – 31 de agosto de 2008
Horario: L-D, 10:00 h -17:50 h
Precio: 10 £ (8 £ para estudiantes)

Cartel de Scarpia VII por Manolo Bautista



Scarpia, las Jornadas de intervención artística en el espacio natural y urbano, ha presentado el cartel de las séptimas jornadas que tendrán lugar en El Carpio del 28 de agosto al 7 de septiembre. Obra exclusiva para este proyecto, del artista cordobés Manolo Bautista, el cartel muestra una intervención digital, habitual en su obra, sobre la fachada de la Central Hidroeléctrica de El Carpio, recientemente declarada BIC.

Más información sobre Scarpia VII pinchando aquí.

12 de jul. de 2008

Dalí y el cine en el MoMA

desde Nueva York: Fanelo Aguayo

.Fotografías de Fanelo Aguayo

Desde el 29 de junio se encuentra abierta en el Museo de Arte Moderno de Nueva York la exposición Dalí: Painting and Film, una vasta muestra diseñada para explorar el papel que el cine jugó en la obra del polémico artista catalán. Reune más de 130 pinturas, dibujos, guiones, cartas, escenarios, story boards y películas hechas por Salvador Dalí que muestran cómo el cine era su pasión y cómo la visión cinematográfica se convirtió en un modelo para su propio trabajo. La importancia de Dalí en el historia del celuloide ya fue asegurada tras colaborar con Luis Buñuel en la producción de Un Chien Andalou (1928) y L’Age D’Or (1930). En la exposición se pueden ver ambas películas, así como dibujos preliminares e incluso una carta escrita por Buñuel desde París insistiéndole a Dalí en que no olvide traerse de Cadaqués las hormigas que iban a utilizar para la escena de la mano.

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Íntimo amigo de Jack Warner, presidente de la Warner Brothers, -a quien hizo un retrato expuesto en la muestra-, Dalí no fue un extraño en Hollywood. En 1941, durante una de sus visitas, Dalí organizó una fiesta de disfraces en Pebble Beach bajo el lema Noche de Surrealismo en un Bosque Encantado. Se trataba de una fiesta en beneficio de los artistas europeos refugiados y atrajo a estrellas como Bob Hope y Ginger Rogers. En esa fiesta el mismísimo Frizt Lang le ofreció hacer una secuencia/pesadilla de tres minutos para una película titulada Moontide. Lamentablemente, el ataque a Pearl Harbour mandaría el proyecto al garete. Sin embargo, años más tarde, Afred Hitchcock le encargaría un trabajo similar que ya es historia cinematográfica con letras mayúsculas: cinco escenas oníricas para su la película Spellbound (1945). Por esa colaboración Dalí recibiría la hoy ridícula cifra de 5.000 dólares y, de las cinco, sólo tres escenas acabarían en la cinta. A este trabajo se le ha dedicado una sala de la exposición en exclusiva, donde se proyectan las escenas en cuestión, así como pinturas preliminares y hasta el gigantesco fondo de uno de los decorados. No tan conocida, quizás, sea su colaboración con los Hermanos Marx en la película Giraffes on Horseback Salad and The Surrealist Woman. Dalí también escribió un guión para un film titulado Babaouo, originalmente pensado para ser protagonizado por Harpo a sólas, de quien era íntimo amigo. Aunque ninguna de esta dos obras llegaría a la fase de producción, la muestra exhibe buena parte del fascinante trabajo de preparación. Similar curiosidad inspira en el visitante la obra Destino, una cinta de animacion encargada por Walt Disney en la que el catalán trabajó durante 8 meses y de la que sólamente completaría quince segundos. El film fue finalmente distribuido en 2003, tras integrar en él las nuevas técnicas de animación por ordenador (CGI, Computer Generated Images). Otros trabajos expuestos son su video - experimento Chaos and Creation -realizado para ser proyectado en la Convención de Video Comunicaciones de Nueva York en 1946-, el documental Impressions From Upper Mongolia (1977) -en el que utiliza técnicas fotorrealistas para examinar la realidad microscópica-, y hasta un screen test hecho para Andy Warhol.


La exposición ha sido organizada por la Tate Modern en colaboración con La Fundación Gala - Salvador Dalí, y permanecerá abierta hasta el 15 de septiembre en la sexta planta del MoMa. Para aquellos de vosotros que visitéis Nueva York con un presupuesto ajustado, los viernes, de 4 a 8, la entrada es gratis.

Fotografías de Fanelo Aguayo