31/8/2008

Los tizianos del Duque de Sutherland ponen a prueba al Reino Unido


Desde Londres: Magdalena Madueño
Imágenes: Foto: Web resources
 
La Galería Nacional de Escocia (GNE) y la Galería Nacional de Londres (GNL) están trabajando junto con el Duque de Sutherland, Francis Egerton, para asegurar el futuro a largo plazo del préstamo Bridgewater, que incluye grandes obras maestras de la Historia del Arte. De hecho, de no mediar una urgente y sustanciosa inyección de fondos, el público británico se arriesga a perder el privilegio de contemplar dos de las obras más celebradas de Tiziano Vecelli (1485 - 1576), descritas en su día por Lucien Freud como “las pinturas más bellas del mundo”.
La colección Bridgewater, actualmente expuesta en la GNE, es la colección privada más importante de obras antiguas en préstamo a una institución del Reino Unido. En ella están reunidos artistas como Rafael (3), Tiziano (4), Rembrandt (1), Van Dyck (1), Tintoretto (1) y Poussin (8), entre otros. Las pinturas han sido mostradas al público en la National Gallery de Escocia desde que la colección llegó en 1945, legada por el V Conde de Ellesmere, posterior Duque de Sutherland. Su colección constituye el núcleo central del Departamento de Arte Europeo del museo.
Durante años, esta colección privada ha se ha revalorizado tanto que su actual propietario ha decidido revisar el holding, debido a la crisis económica que está atravesando. Ello le ha llevado a ofrecer un pequeño y selecto número de pinturas al Estado para vendérselo, reflejando así su deseo de que la colección permanezca unida y expuesta en el Reino Unido. Todo se enmarca en una suculenta oferta, realizada bajo unas condiciones más que generosas, que abarca dos obras maestras del genial Tiziano: Diana y Acteón y Diana y Calisto (1556 - 1559). Pinturas que llevan expuestas en el museo escocés desde hace medio siglo.
El Duque de Sutherland pide unos 62 millones de euros por cada una de las obras, precio que el museo considera “una auténtica ganga”, ya que su valor actual en el mercado es el triple. El problema reside en que el presupuesto de la institución museística no alcanza para cubrir dicha cantidad, mientras los marchantes y coleccionistas de medio mundo permanecen a la expectativa. Para conseguir el objetivo, la GNE y la GNL están buscando apoyos en altruistas donantes, al público de a pie y al Tesoro Británico, a pesar de estar pasando por un período de recesión económica.
Los dos tizianos son, según algunos expertos, las mejores obras de la colección Bridgewater. Ambos se pintaron para formar parte de un ciclo de pinturas o “poesías”, que representaran la belleza del cuerpo femenino desnudo, para finalmente decorar la cámara privada del rey Felipe II. El resultado fueron seis lienzos, entre ellos los dos del Duque de Sutherland, de elementos similares, puesto que el autor los concibió para ser colgados en la misma pared.
Egerton, el propietario de las obras, ya ha sentenciado a la GNE y la GNL: “tienen cuatro meses para salvarlas”, como ha podido saber el periódico británico The Times. De momento, ya se han recaudado 40 de los 124 millones de euros necesarios. No todos apuestan por un final feliz, aunque también hay voces como la de Giles Waterfield, experto veterano en este tipo de batallas como miembro del consejo de administración del National Heritage Memorial Fund, que lanza la siguiente predicción: “Creo que finalmente lo conseguirán, pero les espera un arduo trabajo”.
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Nueva cabecera: Pedro Peinado

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En una ocasión más, siguiendo la propuesta de Jacinto Lara, presentamos la nueva cabecera que acompañará a Ars Operandi en la próxima quincena, obra de Pedro Peinado. Como ya anunciamos, iremos presentando sucesivamente las diferentes colaboraciones que estamos recibiendo. Nuestras más efusivas gracias una vez mas a todos por esta interesante iniciativa.

29/8/2008

Fernando M. Romero en El jardín de la casa

Proceso de la intervención de Fernando M. Romero. Foto: MGL





Redacción / Ars Operandi
 
Comisariado por Miguel Gómez Losada , El jardín de la casa es un ciclo de intervenciones pictóricas en la fachada de Vimcorsa, que pretende mostrar públicamente el proceso de creación de una obra y su resultado final. En estos días es el artista  Fernando M. Romero quien desarrolla una pintura mural en la fachada principal de la empresa de viviendas

Siguiendo la fórmula que tan buenos resultados obtuvo la colaboración Gómez Losada - Colegio de Arquitectos, tanto en la exitosa asistencia de público como en las propuestas artísticas presentadas, y en las propias palabras de los organizadores, en cada inauguración estacional de "El jardín de la casa", se celebrará un acto múltiple que relacionará las artes plásticas con otros lenguajes artísticos como la literatura, la música en directo, sesiones de dj´s, víd
eo, y fotografía; y en general con cualquier rama de las humanidades, creando así un ámbito de reunión para el intercambio de ideas, que contribuya a seguir reforzando nuestra conciencia colectiva como ciudadanos y nuestro tejido cultural.
Otoño - 4 septiembre / 21 noviembre 2008

EL JARDÍN DE LA CASA
Inauguración del ciclo de intervenciones pictóricas en la fachada

Jueves 4 septiembre 2008 – 21.00 h
Programa:

Fernando M. Romero
Sweet Home
Intervención pictórica en la fachada de Vimcorsa
Acto de inauguración:

Yonka Zarco - Guitarra, letra y voz
Rafa Sillero - Guitarra, letra y voz
Esperanza María Ortiz - Violín, viola

Antonio Urquízar – Conferencia:
Ante (antes, después de) la imagen

The Black Evolution presenta:

Sr. Lobezno – Sesión Afrobeat en vinilo +
María López - Proyección del proceso pictórico El jardín de la casa

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25/8/2008

V Subasta de Arte Español en Christie’s Madrid


Por Magdalena Madueño 

Manolo Valdés, Minna V

Después del éxito de la de 2007, Christie's vuelve a presentar en Madrid su cita anual con el Arte Español, el próximo 2 de octubre, coincidiendo con el quinto aniversario de su establecimiento en la ciudad. La casa de subastas ofrecerá un conjunto de obras de los artistas más consagrados de la Pintura Antigua, el Siglo XIX, el Impresionismo y el Arte Contemporáneo español.

Como detalló Juan Várez, consejero delegado de Christie's España, el año pasado se alcanzó la cifra de 14.567.975 de euros. "Año tras año esta subasta, única en su categoría, sigue estableciendo récords significativos. El equipo español espera superar este éxito en la próxima subasta de 2008", afirmó en un comunicado remitido por la casa de subastas londinense.

La gata rosa, de Hermenegildo Anglada Camarasa (1871 - 1959), será la protagonista del Departamento del Siglo XIX. La modelo representada es Georgette de López Buchardo, una de sus alumnas de la Academia Vittipara de París. Después de que el retrato original fuera expuesto en Buenos Aires en 1916, Anglada lo llevó de nuevo a su estudio y repintó el rostro para darle a la obra un aspecto más cercano a la Belle Epoque. Según los expertos, esta obra será una de las más deseadas por los compradores por su calidad y estado de conservación.

Hermen Anglada - Camarasa, La Gata Rosa

Este cuadro estará acompañado por El Arcángel San Gabriel (valorado entre 70.000 y 100.000 euros y que forma pareja con la Virgen de la Anunciación que se encuentra en el Palacio Real de Aranjuez), de José de Madrazo (1781-1859) y otras obras de Francisco Pradilla y Ortiz (1848 - 1921), Josep Clará Ayats (1878 - 1958), Eliseo Meifrén i Roig (1858 - 1940), José Mongrell Torrent (1874 - 1937), Vicente March (1859 - 1914), o Manuel Barrón y Carrillo (1814 - 1884).

Otra de las obras más interesantes es la de Agustín Esteve, Retrato familiar de la Duquesa de Osuna, realizado hacia 1796-1797 y valorado entre 300.000 y 500.000 euros. En la subasta estará acompañado por una pareja de bodegones de Pedro de Camprobín (1605 - 1674), temática en la que destacó bajo la influencia de Zurbarán. La carta (200.000-300.000 euros), de Luis Paret y Alcázar (1746 - 1799), será otra de las obras clave.

Las predicciones apuntan a que el Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo será el que coseche el mayor éxito. Desde que el pasado junio se vendiera la obra Madrid desde Torres Blancas (1976 - 1982) por 1’ 74 millones de euros en Christie’s Londres, Antonio López (1936) se convirtió en el pintor español vivo más cotizado. Por ello, dos lienzos suyos se ofrecerán en octubre: Los melocotones y las rosas, un bodegón pintado en 1956 (precio estimado: 250.000 - 350.000 euros); y La salmantina, de 1960 (precio estimado: 200.000 - 300.000 euros).

Antonio López, Madrid desde Torres Blancas

Por su parte, Manolo Valdés, nacido en Valencia hace sesenta y seis años, contará con cuatro piezas en la cita con Christie's: dos arpilleras, Minna V (realizada en 2006 y con una estimación de 220.000 a 320.000 euros) y Matisse como pretexto (de 1988, valorada en 200.000 - 300.000 euros); y dos esculturas: La Infanta Margarita (40.000 - 60.000 euros) y Librería-Aparador (250.000 - 300.000 euros).

Intentando repetir los buenos resultados del año pasado, también se venderán obras del escultor y pintor Pablo Palazuelo (1916 - 2007), de las que cabe destacar Virtus Marin VI, un díptico de 1987 valorado en 150.000 - 250.000 euros; y de Eduardo Chillida (1924 - 2002), siendo Gravitación, de 1987 y estimada en 150.000-250.000 euros, la gran estrella.

Del canario Martín Chirino (1925) se incluirán dos esculturas realizadas en su estudio de Estados Unidos, Lady Lazarus y El viento, con una estimación de 25.000 - 35.000 euros. La primera de ellas es una escultura homenaje a la escritora americana Sylvia Plath, valorada en 60.000 - 80.000 euros.

Joan Miró (1893 - 1983) estará representado en la venta por segundo año consecutivo con un colorista lienzo titulado Dans une île à 5 heures de l'après-midi (130.000 - 195.000 euros), de 1960. Por otra parte, tras el éxito cosechado en 2006, Christie's vuelve a ofrecer una obra de la santanderina María Blanchard (1881-1932): El Almuerzo, realizado hacia 1919, durante la época cubista de la pintora, y valorado en 100.000 - 150.000 euros.

En la cita del 2 de octubre en Madrid también habrá obras de Miquel Barceló (1957), como Talls, realizada en 1988 y con una estimación de 180.000 - 250.000 euros; Apertura, de José Guerrero (120.000 - 180.000 euros) o Antonio Saura, con su personal interpretación de El perro de Goya, valorada en 100.000 - 150.000 euros.

Otros artistas como Pablo Picasso, José Gutiérrez Solana, Julio González, Óscar Domínguez, Esteban Vicente, Guillermo Pérez Villalta, Juan Uslé, Lucio Muñoz, el escultor Ángel Ferrant, Antoni Clavé, Equipo Crónica, Juan Muñoz, Antoni Tàpies, o Jorge Castillo también estarán presentes en esta subasta, cuyos resultados se espera que confirmen el buen estado del mercado del arte en España.

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19/8/2008

Licencia para el C4

video

Ayer 18 de agosto, la Gerencia de Urbanismo del Ayuntamiento de Córdoba aprobó la licencia de obra para el futuro Centro de Creación Contemporánea de Córdoba (C4), un proyecto de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía cuyo emplazamiento será el Parque de Miraflores. Con un presupuesto de licitación de más de 28 millones de euros y una superficie total de 12.287 metros cuadrados, las instalaciones vendrán a atenuar el vacío existente en la capital cordobesa respecto a infraestructuras culturales, siendo el plazo de ejecución de 37 meses.

El C4

En agosto de 2005 fue convocado un concurso internacional de ideas que se desarrolló en dos fases. La primera de ellas, resuelta por una Comisión de Selección, concluyó con la invitación a la presentación de anteproyectos para los equipos de Zaha Hadid, Cruz y Ortiz, Dominique Perrault, Nieto y Sobejano y Coop Himmelb(l)au.

En diciembre del mismo año, la Consejería de Cultura anunció el fallo del Jurado presidido por el Director General de Museos, formado por especialistas en arquitectura, urbanismo, centros de arte y artes visuales, otorgándose el premio a l proyecto presentado bajo el lema Circular Breathing, realizado por Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano.

Dejando a un lado la propuesta de un contenedor neutro, el proyecto de Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano se vincula al lugar y la memoria de la ciudad en la que se ubica a través de una reinterpretación de la arquitectura islámica; su geometría, ritmos narrativos, la existencia de diferentes patios en torno a una calle principal - a modo de zoco - y el faceteado de bóvedas y mocárabes, en un conjunto que integra talleres, laboratorios y espacios de producción e investigación que se desarrollan en el interior del edificio.

Dentro del proyecto de Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano, la fachada que evoluciona paralela al río Guadalquivir cobra una especial importancia, al convertirse en un lugar de intervención artística, gracias a la colaboración con el equipo berlinés Realities:United.

Imágenes: Web resources

A través de esta fachada mediática, que permitirá que diferentes artistas intervengan en ella mediante un programa informático que emitirá señales de vídeo y luces LED, el exterior del C4 se plantea como parte de un proyecto único, combinando creación artística y arquitectura contemporánea.

17/8/2008

Berlusconi, Tiépolo y las Mamachicho

por José Álvarez

El equipo de asesores del primer ministro italiano, Silvio Berlusconi, ha decidido cubrir el pecho desnudo de una alegoría de la Verdad expuesta en la sala de prensa de la Sede del Gobierno. La obra, una copia de La Verdad desvelada por el Tiempo, de Giambattista Tiépolo (1696 - 1770), muestra a un anciano, alegoría de el Tiempo, que sostiene a una joven, la Verdad, quien porta un espejo y un disco solar, alegorías de la verdad que alumbra al mundo y que se contempla a sí misma. Como es convención en la iconografía, la Verdad ha de presentarse desnuda, como además señala el título de la obra: desvelada por el Tiempo.


Pues bien, los edecanes del magnate metido a político han decidido que una figura que forma parte del imaginario colectivo occidental puede herir la sensibilidad de algunos espectadores, ya que la figura aparece siempre tras los políticos que realizan una rueda de prensa, una escenografía que -lógicamente- un antecesor de Berlusconi consideró muy apropiada por su simbología: el político rindiendo cuentas ante la Verdad y el Tiempo, y han decidido tapar el pecho con un velo.



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Sorprende que un individuo cuya gran parte de su fortuna esté basada en el modelo de televisión mamachicho, esto es, en el que la mujer se muestra como un simple objeto sexual, apareciendo de adorno en los platós, y semivestida, cuando no desnuda, se muestre ahora tan celoso de la sensibilidad de los espectadores. La acción es metafóricamente clara: tapar la Verdad.


Se me ocurre que Berlusconi y su gobierno podrían también actuar de forma tan celosa con esta otra imagen, la de una prostituta arrojada al suelo de una comisaría en Parma tras su detención el pasado 9 de agosto.


Imágenes: Web resources

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Pero, evidentemente, para ellos, la imagen de una mujer, puta, negra y sin papeles, maltratada hasta el extremo que la fotografía evidencia, no daña la sensibilidad del espectador. Pues una cosa decimos desde aquí: esta imagen daña nuestra sensibilidad, y no la estupidez del cuadro.


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16/8/2008

Modernidad versus Antigüedad

Por Magdalena Madueño

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Esta imagen la tomé hace algunos días en el centro de Santa Cruz de Tenerife. Se trata de un edificio modernista, de fachada impoluta, pegado a otro de estética totalmente diferente. Ambos han sido construidos durante el siglo XX pero, ¿son capaces de convivir juntos? A la luz de las opiniones que oí de los que paseaban conmigo, el eterno debate hizo aparición: ¿la modernidad necesita destruir lo antiguo?, o, por el contrario, ¿lo necesita para existir?

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13/8/2008

Exposición de Manuel Garcés

Manuel Garcés, 180 x 122, mixta-tela-tabla, 2007

Adelantamos que la próxima exposición del artista Manuel Garcés tendrá lugar en la Sala Capitulares de Córdoba, siendo su inauguración el próximo día 5 de septiembre a las 21:00 h. En fechas sucesivas ofreceremos mayor información.

Puedes ver algunas de sus obras y los textos que las acompañan pinchando aquí.

10/8/2008

Jesús Fuerte, un actor cordobés en Nueva York

desde Nueva York: Fanelo Aguayo

El viernes 8 de agosto apareció el diario Córdoba una nota de prensa emitida por la agencia EFE titulada "Los actores españoles rompen la barrera del inglés". En ella se da un breve repaso a las excelencias de nuestros más afamados actores nacionales y sus logros en Hollywood. Se mencionan así las andanzas de Antonio Banderas, Javier Bardem, Penélope Cruz, Paz Vega, Elsa Pataky, Jordi Mollá y Eduardo Noriega. Como en Ars Operandi estamos comprometidos con todas las manifestaciones culturales que entendemos de interés para nuestros lectores, es nuestro deber puntualizar una omisión de envergadura y ampliar un poco la noticia.

Entre otras cosas, la nota se hace eco del estreno este año de la película Ernesto Che Guevara, producida en Hollywood y protagonizada por Eduardo Noriega. Lo que no se menciona es que uno de los personajes secundarios en esa película -Armando, un joven burgués cubano que apoya la revolución pero no los métodos radicales de Los Barbudos- está interpretado por un cordobés, un cordobés de casta, con proyección seria y mucho futuro. Su nombre es Jesús Fuerte, un joven actor del Método que dará mucho que hablar.

El actor cordobés Jesús Fuerte ante la fachada de la New York Film Academy, ayer. Foto: Fanelo Aguayo

Jesús tiene ya un largo curriculum en el terreno de la interpretación. Comenzó su carrera en Madrid, donde estudió con los prestigiosos Rene Pereyra -quien fuera el asistente de Lee Strasberg- e Iñaki Aierra. En la capital trabajó en series televisivas como Médico de Familia, Compañeros, Policías y Siete Vidas, así como en representaciones teatrales de Dolls´House y The Glass Menagerie. Posteriormente se traladaría a Mexico para continuar su formación y trabajar en una serie cortos-adaptaciones (A View from the Bridge, Viva Zapata, On the Water Front, Happiness) y obras de teatro como protagonista (Waiting for the Lefty, The Outsider).

Unos meses más tarde decidió dar el gran salto y marcharse a Los Angeles. En la Ciudad de las Luces continuaría su formación con profesores de la talla de Penny Allen y Charlie Laughton - ambos tutores de Al Pacino - y trabajaría en anuncios de televisión y largometrajes de cine, entre los que destacan Patterns of Passion y Ernesto Che Guevara.

Transcurridos cinco años, decidió cambiar de aires y venirse a Nueva York con la intención de continuar su formación en el Método y buscar esas oportunidades de calidad y textura diferentes que sólo la Gran Manzana puede ofrecer. Aquí ha trabajado con directores de casting como Paul Schne, Jodi Angstreich y Sid De Miguel y rodado recientemente el corto Los Últimos Momentos del General Leopoldo, dirigido por el también español Jaime Dezcallar y estrenado ayer día 9 de agosto en la New York Film Academy de Manhattan. Nosotros tuvimos oportunidad de asistir a la proyección y comprobar una vez más las sólidas cualidades interpretativas de nuestro valiente paisano.

Puedes ver a Jesús en acción durante un casting pinchando aquí.

8/8/2008

Mármoles del Partenón, ¿en Londres o en Atenas?

Por Magdalena Madueño

La esperada apertura formal del Museo de la Nueva Acrópolis en Atenas ha sido fijada para el mes de septiembre, tras varios retrasos. La galería que albergará los mármoles del Partenón, en la parte más alta del museo, y con vistas al famoso templo griego a tan sólo 300 metros, ha sido finalmente desvelada. A pesar de ello, se espera que muchas de las salas expositivas no sean completadas hasta el año 2009.
Tras años de discusiones, el museo ya ha decidido cómo se presentarán los controvertidos mármoles. Los originales se expondrán al lado de vaciados en yeso de las piezas que Thomas Bruce, séptimo conde de Elgin, extrajo de Grecia en 1801, muchas de las cuáles se encuentran en el Museo Británico de Londres.
En un primer momento se pensó en colocar unas cortinas de gasa frente a los moldes, para re
saltar que no eran los originales. Sin embargo, el museo ha optado por una solución más simple: los vaciados serán de un color más brillante que los originales del museo, cubiertos por una ligera pátina.
Transporte de las piezas

La construcción del Museo de la Nueva Acrópolis ha sido un proyecto largamente debatido desde que el concurso se promulgara en 1976. Éste, y el lanzado en 1979, sólo condujeron a diseños insatisfactorios; mientras que una tercera competición, diez años más tarde, fue anulada por el gobierno griego. Todo finalizó en 2000, cuando el arquitecto neoyorquino Bernard Tschumi fue el elegido para realizar el edificio, cuya inauguración se fijó coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Atenas 2004. Pero diversos descubrimientos arqueológicos en los terrenos del museo y otras cuestiones condujeron a numerosos retrasos.

Mientras tanto, el propietario de la línea aérea de bajo coste, easyJet, el griego-chipriota Stelios Haji-Ioannou, lanzó una campaña publicitaria en el Reino Unido, instando a los conservadores de los museos Británico y Nueva Acrópolis respectivamente, a que entablaran un “diálogo constructivo” sobre los famosos mármoles del Partenón, bajo el titular: “Sólo quiero que los dos chicos hablen”. No obstante, su posición ante esta diatriba es clara, a la luz del texto que puede verse en el yate que posee: “Reunid los Mármoles del Partenón”, algo que –según él- sólo tiene cabida en el nuevo museo ateniense.

Su petición se une al gran número de voces que abogan porque los mármoles retornen a su ciudad de origen. De hecho, una encuesta, realizada en 2002, reveló que el 57% de los ciudadanos británicos apoya dicha iniciativa, en contra del 7% que afirma que los frisos del Partenón deberían permanecer en Londres. Si Lord Byron (Londres, 1788 - Missolonghi, 1824) aún viviese, se encontraría en ése 57%, a tenor de lo que escribió en Las peregrinaciones de Childe Harold (1812):

Ciegos están los ojos que vierten lágrimas mientras ven, oh amada Grecia, tus sagrados objetos saqueados por profanas manos inglesas, que han herido una vez más tu adolorido seno y arrebataron tus dioses, dioses que odian el abominable clima boreal inglés"

Los mármoles Elgin en su emplazamiento actual, British Museum

Recreación virtual del espacio expositivo del nuevo museo
Imágenes: Web resources


6/8/2008

Psycho Buildings

Desde Londres: Minerva Parra Peralbo
Licenciatura de Historia del Arte - UCO

Michael Beutler ante su obra Sandwiches, dobbels and burgers. Foto: The Hayward

Dentro de la amplia oferta cultural que el Southbank Centre programa, se oferta en estos momentos la exposición titulada Psycho Buildings. Artist take on Architecture. La muestra forma parte de una serie de actos que The Hayward tiene organizados para celebrar su XL aniversario, y cuyo título está tomado de un libro de fotografías del artista alemán Martin Kippenberger, publicado en 1988, en el que mostraba, desde un punto de vista irónico, la racionalización y la abstracción en la arquitectura moderna.
Es esta una exposición en la que los artistas –una decena de creadores de diferentes países- han tomado el papel de arquitectos, donde se recogen diversas instalaciones mediante las que los artistas expresan las relaciones entre nosotros y nuestro entorno.
Atelier Bow-Wow, es la unión de los artistas Yoshiharu Tsukamoto y Momoyo Kaijima (Japón). Su trabajo, titulado Tunnel of Life, consiste en un túnel metálico formado mediante triángulos de superficie plana. Para entender el sentido de este trabajo el visitante debe introducirse en el túnel y subir por su pendiente, algo que no será muy cómodo pues la pendiente varía y los techos son bajos. Con ello, los autores pretenden explicar lo complicado de la trayectoria de nuestras vidas en este mundo.
Michael Beutler (Alemania): Sandwiches, dobbels and burgers. Uno de los trabajos más atractivos es, sin duda, el del artista alemán. La estructura realizada mediante malla metálica y papel de diversos colores, define diversos espacios llenos de colorido que bien podría transportarnos a un laberíntico zoco árabe en el que nos sentimos como niños. Este trabajo, además se encuentra en construcción pues en él se lleva a cabo un taller para estudiantes de arte.
Los Carpinteros son una pareja formada por los artistas cubanos Marco Antonio Castillo Valdés y Dagoberto Rodríguez Sánchez. Mediante su instalación Show room, los autores quieren concretarse en los desastres (naturales y creados por el hombre) que diariamente suceden y con los que somos bombardeados por las noticias, llegando a no crear efecto alguno sobre nosotros. Así encontramos una sucesión de habitaciones en las que los objetos están fragmentados y quedan esparcidos por todas direcciones.
Gelitin es un grupo formado por Wolfgang Gantner, Ali Janka, Florian Reither y Tobias Urban (Austria). Normally, proceeding and unrestricted with without title, es un trabajo para el que han tenido la idea de colocar un estanque artificial en la terraza del edificio donde se distribuyen algunas pequeñas barcas. Con ello quiere resaltar los accidentes que se producen sin la existencia de timón o de un motor.
Mike Nelson (GB). Su trabajo, titulado To the memory of H. P. Lovecraft, no es sólo un homenaje a Howard Phillips Lovecraft, pues además encuentra sentido a su obra con la ayuda de otro autor y uno de sus cuentos: Hay más cosas, de Jorges Luis Borges. La sala presenta todas las paredes destruidas y decorada por los fragmentos de madera, pintura y demás compuestos constructivos que se desprenden de ella.
Ernesto Neto (Brasil): Con Stone Lip, pepper tits, clove love, fog frog, nos aísla del mundo exterior al introducirnos en una estructura híbrido entre una gran araña y una jaima árabe, todo ello de lycra, de la que se desprenden aromas de especias e incienso.
Tobias Putrih (Eslovenia): su trabajo consiste en un pequeño cine al que ha dado por nombre Venetian, Atmospheric. La inspiración le viene del arquitecto John Eberson, quien creó la arquitectura atmosférica, y cuya especialización fue la construcción de cines.
Tomás Sarraceno (Argentina): Observatory, air-port-city. Para el artista el concepto utopía está en constante mutación, pues lo que hace dos siglos era utopía, hoy probablemente sea realizable, si no es ya una realidad. Sus trabajos se centran en estructuras inflables, modulables y móviles que acogen a individuos, aislándolos del mundo exterior.
Do Ho Suh (Corea): Fallen star 1/5. Con este trabajo el artista realiza una metáfora del choque cultural que le produjo trasladarse desde Corea a EE. UU. Mediante la representación de una colisión entre las maquetas de su casa en Corea y su primera vivienda en EE. UU., el artista expresa su personal vivencia.
Rachel Whiteread (GB). Su Place (Village) sugiere un lugar fantasmagórico, sin vida y solitario. A través de un conjunto de casas de muñecas, la artista representa una aldea en la nocturnidad cuyo único atisbo de presencia humana es delatado por las luces encendidas de las casas.

Psycho Buildings. Artist take on Architecture The Hayward
Southbank Centre,
Belvedere Road SE1 8XZ,
Central London
Del 28 de mayo al 25 de agosto
Más información aquí

Basquiat: ahuyentando fantasmas

por Marina Mellado  
Cada línea significa algo
J. M. Basquiat
Acabo de visitar la exposición Basquiat, ahuyentando fantasmas, organizada por la Fundación Marcelino Botín en su sede de la calle Pedrueca, antigua residencia de Marcelino Sanz de Sautuola, descubridor de las pinturas de la Cueva de Altamira. Sólo conocía a Basquiat de oídas, he de reconocerlo. Sabía que había hecho graffitis y que era amigo de Andy Warhol, poco más. Pero el arte, al menos en una primera impresión, no entiende de fechas ni de datos, sólo de emociones. El disfrute pausado, fruto de un conocimiento más especializado, viene después. Al principio es más que suficiente con la emoción, con el estímulo. Y ante el cartel de la muestra sentí precisamente eso, una suerte de alteración, de reacción, que me apremió a querer conocer algo más del artista cuya moderna producción se exhibía en la que fuera morada de un paleontólogo universal.
Público en la exposición
Jean-Michel Basquiat nació en Brooklyn en 1960 en el seno de una familia inmigrante de clase media. Desde pequeño hablaba inglés, francés y español, lenguas que, siendo ya artista, utilizó indistintamente para expresarse en sus obras. Tras la separación de sus padres vivió junto a sus dos hermanas en casa de su progenitor. En 1968, mientras se recuperaba en el hospital de las heridas sufridas tras un atropello, recibió un ejemplar de la Anatomía de Henry Gray, decisiva fuente de inspiración para su obra posterior. Con 16 años fue matriculado en un centro para adolescentes con talento, el City-as-School. Allí conoció al graffitero Al Díaz, con quien comenzó a pintar por los muros de Manhattan. Basquiat firmaba sus graffitis de dos maneras: SAMO © y una corona. Tras fugarse de casa durante varios días y tener sus primeros contactos con las drogas, fue expulsado del colegio por indisciplina.
Jean - Michel Basquiat, Tabac, 1984
En 1977 se encontró en un restaurante con el crítico de arte Henry Geldzahler, quien, para su sorpresa, reaccionó positivamente al ver sus dibujos. Un año más tarde dejó a su familia y se fue a vivir junto a otros artistas. Frecuentó el ambiente underground de Nueva York y vendió postales y camisetas para ganarse la vida. En 1979 la revista The Village Voice se hizo eco de su obra, firmada ahora como “SAMO © is dead”. Basquiat abandonó el graffiti callejero y rompió su colaboración con Al Díaz. En 1981 protagonizó, junto a Andy Warhol y Keith Haring, la muestra New York, New Wave, y tan solo un año después su figura se consolidaba en las galerías de arte más importantes de Europa y Estados Unidos. Participó en Documenta 7 y consiguió exhibir sus obras en el Whitney Museum y en el MoMA de Nueva York. El galerista suizo Bruno Bischofsberger organizó para él varias muestras, convirtiéndose asimismo en su marchante principal.
En 1985, The New York Times seleccionó un retrato de Basquiat para ilustrar el artículo New Art, New Money: The Marketing of an American Artist. A pesar de la gran demanda de producción, su calidad nunca resultó afectada. Viajó a África para participar en una exposición organizada en el Centro Cultural Francés de Abidjan (Costa de Marfil). La muerte de Andy Warhol en febrero de 1987 fue un golpe difícil de soportar. Su ritmo de trabajo siguió siendo intenso, pero, en agosto de ese mismo año, Basquiat fallecía en su taller de la calle Great Jones a causa de su adicción a la heroína.
Jean - Michel Basquiat, Autorretrato, 1982
Imágenes: Web resources
La obra de Basquiat debe entenderse en el ambiente en el que vivió el artista. Se había demostrado que la utopía del arte no era más que eso, una utopía. La realidad era amarga, cruel, mezquina, y el mundo del arte no resultaba ajeno a ello. Múltiples formas, ideas y propuestas artísticas se generaban y sucedían en la controvertida ciudad de Nueva York. Un joven pero maduro Basquiat se decantó por expresar la condición humana del mundo a través de la música y del lenguaje. Temas claros y una forma de expresión sugestiva y un tanto agresiva fueron sus principales herramientas. Sus lienzos y tablas muestran a héroes negros, figuras de cómics y partes de cuerpos. Las alusiones al dinero, al racismo o a la muerte son constantes. Las influencias de sus admirados Dubuffet, de Kooning, Pollock, Twombly y Warhol están presentes, pero la sorpresa está garantizada. La obra de Basquiat recuerda, en última instancia, sólo a Basquiat.

Jean – Michel Basquiat
Ahuyentando fantasmas
Fundación Marcelino Botín
Sala de exposiciones de la calle Marcelino Sanz de Sautuola, 3, de Santander
Del 11 de julio al 14 de septiembre de 2008.
Más información en Basquiat

Escultura contemporánea y mercado

Por Magdalena Madueño


Jeff Koons, Hanging Heart (Magenta- Gold)

En el campo del arte contemporáneo, la escultura, y particularmente las instalaciones, están disfrutando de un alto nivel de interés en el mercado actual. De hecho, algun
os coleccionistas han llegado a pagar decenas de millones de dólares por obras monumentales de Jeff Koons, Damien Hirst o Takashi Murakami. El artículo que sigue tiene como fin profundizar en este segmento del mercado, ocupado en gran parte por artistas jóvenes nacidos después de 1945.

En menos de un año, el número de subastas que incluyen obras de carácter tridimensional, ha crecido de manera sorprendente. En 2007, se vendieron catorce obras de estas características por más de un millón de dólares; y en los primeros seis meses del presente año ya van dieciocho y creciendo.
Hoy la escultura que recauda millones de euros está muy lejos de la clásica concepción del arte imperante en el siglo XX gracias a “modernos” como Constantin Brancusi (1876-1957), Aristide Maillol (1861-1944) o Alberto Giacometti (1901-1966). En ciertos momentos de la historia, el verbo esculpir significaba labrar, tallar o rascar, en otras palabras, eliminar la masa existente para revelar una imagen. Los artistas más conocidos de la actualidad conciben sus obras y después, para realizarlas se valen de su propio taller, en el que una amplia gama de técnicas, materiales y dimensiones son empleados. En muchas ocasiones, este proceso artístico puede suponer un verdadero reto técnico y científico.
Las composiciones monumentales – y no arquitectónicas – en acero de Richard Serra (1939), son la perfecta expresión de la expansión de este medio artístico que está flirteando con la nueva concepción de espacio y que puede requerir ciertas habilidades técnicas para llevarlas a cabo.
En la era industrial en la que nos encontramos, el modelo, reproducido varias veces, también tiene una posición importante en el mercado. De esta manera, se permite a los entusiastas del arte adquirir algunas piezas simbólicas por tan sólo unos pocos cientos de euros. De hecho, aunque Koons, Hirst y Murakami son adictos a vender obras por millones de euros, también crean reproducciones que son vendidas por precios más asequibles. En efecto, estos artistas satisfacen a sus consumidores con producciones tridimensionales de manera regular. Sin embargo, éstas, realizadas en masa, son buscadas desesperadamente después.
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Jeff Koons, Ballon Dog (Blue)

Ballon Dog (Blue), por ejemplo, en porcelana metalizada, producido por Jeff Koons (1955) en series de 2.300 unidades, cambió de manos en 2002 por 1.200 - 1.800 euros. Hoy pueden llegarse a pagar entre 3.000 y 5.000 euros. De sus Puppies, pequeños jarrones de porcelana blanca, de 45 centímetros de alto, se produjeron hasta 3.000 ejemplares y se vendieron por aproximadamente las mismas cantidades que en el caso anterior.
En la actualidad, Jeff Koons es el más caro de los artistas jóvenes con un récord de 21 millones de dólares por su Hanging Heart (Magenta/Gold) el 14 de noviembre de 2007 en Sotheby’s. Cuando se vendió, este corazón rojo de tres metros fue tan problemático de conservar que su propietario, Adam Lindermann, tuvo que subastarlo directamente desde el almacén en el que se encontraba sin haberlo expuesto aún.

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Jeff Koons, Puppie



Jeff Koons, Two ball 50/50 tank

En la década de los ochenta, Koons realizó obras basadas en objetos de consumo común como aspiradoras, balones de baloncesto y otros artilugios decorativos. Pero, al contrario que Duchamp, quien al exponer sus ready-mades no perseguía un placer estético, Koons glorifica los productos de consumo con una perspectiva Pop. Al optar por el vocabulario de la cultura popular, el artista esperaba alcanzar la audiencia masiva. Su opción ha sido tan afortunada que desde hace años es una gran generadora de dividendos. Los primeros coleccionistas de la obra de Koons estaban muy satisfechos con sus adquisiciones. Por ejemplo, el mayor postor de Two ball 50/50 tank, vendido el 7 de mayo de 1992 en Sotheby’s Nueva York, pagó por la instalación 65.000 dólares. Esta obra, perteneciente a la serie Equillibrium, contenía dos balones de baloncesto medio sumergidos en un acuario y fue concebida con la asistencia del Dr. Richard Feynman, Premio Nobel de Física. En 2000, la obra se vendió por 220.000 dólares en la casa de subastas Phillips de Nueva York, y en 2005 una versión a mayor escala de la misma obra alcanzó casi el doble de recaudación (420.000 dólares, Christie’s Nueva York).
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Damien Hirst, For the love of God

Por su parte, Damien Hirst (1965), el abanderado de los jóvenes artistas británicos, es el segundo artista contemporáneo más preciado llegando a subastar su obra Lullaby Spring, en junio de 2007, por más de 17 millones de dólares, como ya dijimos en otro artículo . Según algunas voces del mundo del arte, la londinense White Cube Gallery vendió la obra de Hirst For the love of God, una calavera de platino con 8.601 diamantes incrustados, por 100 millones de dólares. Si esto fuera cierto se convertiría en la cifra más alta jamás pagada por un artista vivo. Para Damien Hirst, ganador del Premio Turner en 1995, el 2007 fue un buen año puesto que su obra se revalorizó en un 270% en tan sólo 12 meses. Sin embargo, este crecimiento no comenzó el pasado año, puesto que ya en 1992, su instalación God, fue comprada por 4.000 libras en Londres. Seis años más tarde, la obra consiguió venderse por 170.000 £.

El tercer puesto del ránking de los escultores contemporáneos más caros lo ocupa un artista proveniente del país del Sol Naciente. El pasado mayo, Takashi Murakami (1963) vio cómo una de sus esculturas manga más espectaculares se subastó por 13.5 millones de dólares en Nueva York. La obra en cuestión, My lonesome cowboy, que representa a un sátiro de estética manga eyaculando, partió con un precio de 4 millones de dólares. Al mismo tiempo, los entusiastas de Muraka
mi han podido adquirir pequeñas figuras de plástico o plush desde sólo 100 euros, dependiendo del modelo y del número producido. Por ejemplo, Superflat museum, un conjunto de diez figuritas en PVC se vendió el pasado mayo por 350 euros en la casa de subastas Pandolfini, en Florencia.
Takashi Murakami, My Lonesome Cowboy
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Tras los tres primeros puestos de este ranking que nos ocupa, se encuentra el controvertido escultor italiano Maurizio Cattelan (1960), que consiguió su mayor récord en una subasta con su obra La nona ora (1.7 millones de euros), en 2004. Esta provocativa instalación, que representa al Papa alcanzado por un meteorito, escandalizó a los visitantes de la Royal Academy of Arts de Londres y la Bienal de Venecia algunos años antes. Por su parte, otro artista que sobrepasa la línea del millón de dólares es Robert Gober (1954), quien vendió una de sus instalaciones –con una pierna que golpea un muro- por más de 2 millones de euros, el pasado 15 de mayo.

Por último, el artista indio Anish Kapoor (1954) se e
ncuentra ahora en la sexta posición del ranking de los escultores contemporáneos más caros después de vender una escultura de 150 centímetros, por casi 1.6 millones de euros en diciembre de 2007. Pero, a pesar de Koons, Hirst y Murakami, ni Cattelan, ni Gober ni Kapoor han desarrollado un mercado alternativo destinado a un público amplio. De hecho, en términos de ventas, su curva anual de subastas sólo representa unas diez piezas cada uno.
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Maurizio Cattelan, La nona ora
Imágenes: Web resources

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