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28 de feb. de 2009

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Arte para el desarrollo y políticas culturales

por Manuel Sánchez

Grace Ndiritu, Sitting textiles, 2006

El arte y por extensión las manifestaciones culturales que se ocupan de la realidad política y social con una finalidad de denuncia, como es por ejemplo la fotografía, nos hacen dudar ¿imágenes documentales o artísticas?, las dos; en esta dialéctica se halla el hecho artístico, las “imágenes bastardas”. Son imágenes éticas y estéticas por dos motivos: éticas al tener una postura comprometida y reflexiva ante el mundo y estéticas (est-éticas) por ser en sí una percepción sensitiva del mundo, que en absoluto tiene que ver con el concepto de belleza.

El problema viene cuando el mensaje (lo documental) queda banalizado y descontextualizado en grandes ferias o comentarios conceptuales, que obvian la historia contada. Ello es especialmente grave, cuando este arte político y crítico del Sur habla de manera explícita de situaciones de subdesarrollo y violación de los derechos humanos, básicos para reconstruir las “identidades periféricas” de América Latina, el sureste asiático, el mundo árabe o África Subsahariana.

Estas manifestaciones se impostan plenamente al leerse desde el “desarrollo” que ha sufrido una evolución durante las últimas décadas, pasando de lo económico a lo humano, entendido como un proceso de expansión de las capacidades de las personas, incluyendo a la cultura desde una doble dimensión: como un proceso que fomenta el desarrollo en los países del Sur y como un ejercicio para sensibilizar al Norte. Y en este punto entra el concepto de “educación para el desarrollo” como proceso para generar conciencias críticas y sociedad civil comprometida tanto en el Norte como en el Sur según la Estrategia de Educación para el Desarrollo de la Cooperación Española.

Esta definición tiene cuatro dimensiones: la formación (formal o no formal), la sensibilización, la investigación y la incidencia política y movilización social. En su mayor parte (salvo quizás la investigación) estas características se pueden aplicar perfectamente al arte crítico y político que se produce en el Sur, y encajarían perfectamente dentro de la educación para el desarrollo informal. De este modo el arte es un punto de partida y no de llegada en tanto lugar de intercambio, de diálogo, una ventana al mundo.

Dibujo de Yanisel Ordóñez (9 años), del taller Coloreando mi barrio, La Habana

En este sentido distingo tres modos de hacer arte para el desarrollo:

1. Arte como educación:
Programas como Arte para todos trabajan desde la sensibilización pública. Llevado a cabo por voluntarios de la ONU y la Municipalidad de Tegucigalpa (Honduras), varios artistas voluntarios venidos desde distintas partes del planeta, llenaron la capital hondureña con murales y esculturas de materiales naturales o reciclados sobre los Objetivos de Desarrollo del Milenio (ODM). Existen otras iniciativas como la creación del taller artístico para niños/as: Coloreando mi Barrio, promovido por el artista Jorge Jorge en un antiguo basurero de La Habana donde hoy lucen murales y sonrisas de niños/as. O el programa bonaerense Arte & Organización Social, mejorando la calidad de vida de población marginada al facilitar su integración social mediante una cultura para el desarrollo.

2. Arte típico:
Aquí entra la iniciativa de la AECID: ARTE inVISIBLE que a pesar de sus buenas intenciones, me resulta insuficiente y más en el contexto banalizador de ARCO. Su objetivo de fomentar el desarrollo cultural en países del Sur, rescatando a artistas con un alto nivel artesanal que siguen las tradiciones de su país pero está desprovisto de una crítica hacia la realidad que les toca vivir.

3. Arte crítico:
Aquel que producido en el Sur, posee una elaboración estética dentro del movimiento posconceptual y realiza una crítica hacia la realidad que les toca vivir, hablando directamente de subdesarrollo y de derechos humanos. Son artistas que practican un arte objetual, documental-fotográfico (donde los medios de comunicación juegan un papel crucial), instalaciones, videoarte o accionismo (muchas veces mezclados), permaneciendo a menudo al margen de la cooperación cultural. Es el caso de Regina José Galindo, artista guatemalteca que en su acción ¿Quién puede borrar las huellas? (23 de julio de 2003) deja huellas de sangre por todo el casco histórico de Guatemala, en recuerdo a las víctimas que murieron durante el conflicto armado en el país centroamericano y en contra de la candidatura presidencial del ex dictador genocida Efraín Ríos Montt.

Regina José Galindo, León de Oro a la mejor artista joven en la Bienal de Venecia 2006

Los dos primeros modos aparecen en la línea estratégica número cuatro de la Estrategia de Cultura y Desarrollo de la Cooperación Española, titulada “relación y complementariedad entre Educación y Cultura”, hablando de la implicación del alumnado en fenómenos culturales y artísticos contemporáneos, pero adolece de un apoyo a artistas del Sur que trabajen en este sentido. Tan sólo se lanza una invitación a creadores, artistas, organizaciones culturales públicas y privadas, grupos culturales, etc. Pero no se ve una coordinación, dinamización y difusión serias mediante exposiciones itinerantes que surjan desde la propia AECID y sus Oficinas Territoriales en el Sur.

Por lo tanto hago tres propuestas:

1. La inclusión del arte posconceptual en las estrategias culturales de la cooperación española estableciendo redes e intercambios entre el Sur y el Norte para reconstruir las identidades, en contra de la visión colonialista que aún existe. Sólo desde este diálogo se puede sensibilizar y fomentar un verdadero desarrollo.

2. Proponer espacios alternativos a los del mercado del arte en la vorágine postliberal para presentar estas propuestas artísticas. Es un intento de ganar coherencia ya que estas obras postconceptuales critican los sistemas que realmente las exhiben. Estos espacios podrían estar propuestos por las autonomías y ayuntamientos en programas de “Cultura solidaria”.

3. Transversalizar la cultura y el arte como un instrumento dentro de la educación para el desarrollo en las distintas estrategias de la cooperación española, para unir sinergias y producir un diálogo bajo una idea de la pobreza multidimensional: estrategias de educación, pueblos indígenas, lucha contra el hambre, salud, género, acción humanitaria, construcción de paz, medio ambiente y desarrollo sostenible y gobernabilidad. Con esta horizontalidad se contextualizaría a la cultura y las manifestaciones artísticas en las cuestiones de gobernanza democrática, derechos humanos y macroeconomía a las que aluden.

Fomentar un arte para el desarrollo también implica hacer visibles conflictos, a menudo periféricos y olvidados, a través de elaboraciones estéticas que sensibilicen y movilicen al Norte, a nosotros (nos-otros).

Camilo Egas, Cabeza de indio, O/T, 1929
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25 de feb. de 2009

Paco Lara-Barranco: Acerca de lo oculto


Paco Lara-Barranco, de quien tuvimos ocasión de ver recientemente su excelente serie Desaparecidos-Have you seen us? (2001) como parte de la muestra Traslaciones (XI Bienal de Fotografía de Córdoba) expone a partir del viernes 27 de febrero sus últimas pinturas en la galería sevillana Birimbao.

Paco Lara-Barranco (Torredonjimeno, Jaén, 1964) artista y profesor titular de la Universidad de Sevilla, expone por tercera vez en la Galería Birimbao. En esta ocasión ofrece un grupo de pinturas fruto del trabajo de los dos últimos años bajo el título Acerca de lo oculto. Para Lara-Barranco, la muestra se ha planteado con la intención de obtener resultados plásticos que aporten “alguna luz” a ese misterio que, para muchos, envuelve a la pintura.

Es por tanto una mirada hacia el aspecto técnico de la obra de arte y el propio proceso de creación del objeto. El artista ha escrito:

"Lo que ha interesado, en estas pinturas, ha sido un desarrollo no premeditado; de ahí que los procesos tengan que ser considerados tan importantes como el hecho final: los resultados. Es preciso subrayar las características que definen a este modo de trabajo: ha sido raras veces controlado, sólo en ocasiones sistematizado y decididamente atento a los beneficios que siempre proporciona la combinación de textura, huella, gesto y arrastre de color. A partir de aquí, surge una superficie portadora de una riqueza visual donde la sola presencia de la materia adquiere una relevancia suficiente, y necesaria, para comenzar a convencer. Entonces, puede nacer la emoción".


Paco Lara-Barranco
Acerca de lo oculto
Viernes 27 de febrero, 20 horas
Galería Birimbao
C/ Alcázares, 5.- 41003 Sevilla
Del 27 de febrero al 4 de abril de 2009
www.birimbao.es
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24 de feb. de 2009

Video de David Trigo

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David Trigo Algar, alumno del IES Luis de Góngora (Córdoba), nos envía este video grabado durante su visita a la exposición MODERNSTARTS, en concreto al Teatro Principal, donde se exponen videocreaciones, entre otras obras. De entre ellas, David eligió Skating Carabanchel, del colectivo El Perro, para improvisar esta grabación junto a unos compañeros. Utilizó un teléfono móvil de última generación para realizar la grabación, que posteriormente editó en el ordenador de su casa. Agradecemos a David su envío y a su profesor, Paco Gil, su interés por fomentar el acercamiento al arte por parte de sus alumnos.
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22 de feb. de 2009

Eulália Valldosera: Dependencias

por Rosa Colmenarejo


En su recorrido Eulália Valldosera ha planteado desde los primeros años noventa la negación del objeto de arte como producción para el consumo otorgando en su trabajo evidente primacía a la acción. Su intención no es crear un objeto para ser observado, sino hacernos partícipes de una acción que pueda ser recordada, como un flujo de información que se introduce en nuestra memoria y forma parte de nuestra propia vida, incidiendo en esos actos cotidianos y en los residuos de nuestro paso que actúan como prolongaciones del cuerpo.

En Dependencias 2009, una instalación realizada expresamente para esta muestra del MNCARS, Valldosera pone en nuestras manos un carrito de la compra cargado con proyectores de vídeo. La obra toma vida cuando comenzamos a empujar el carrito, avanzamos, retrocedemos, nos detenemos, saludamos a nuestra sombra proyectada sobre las imágenes recogidas por Valldosera en un supermercado, en una terminal de aeropuerto y en un museo. Nuestra sombra se hace una, se solidariza rápidamente, con el movimiento que genera la conciencia del estar vivo, estar y ser, aquí y ahora. Otros tres carritos más interactúan con el chorro de luz y experiencias que sale del nuestro, una proyección en travelling que se emancipa de la autora para acogerse a nuestro ritmo vital, a nuestra percepción, a nuestra curiosidad y nuestro deseo. Un regalo experimental. Un juego muy serio que hábilmente nos remite a las cargas que arrastramos, que nos acompañan o nos lastran la existencia, la experiencia y, sobre todo, nuestro modo de relacionarnos con los demás.


Dependencias da nombre a toda la muestra y hace referencia también a las estancias en las que ésta se desarrolla, a la sucesión de contenedores de experiencias que aspiran a explorar nuestra psicología de la percepción. Botellas interactivas (Forever Living Products nº3) pretenden sacudir nuestros sentidos, pesan o suenan, alojan en su interior un ojo mágico, conversaciones privadas, confesiones íntimas, testimonios de experiencias para terminar proponiéndonos el juego más arriesgado, una botella de Fairy que nos habla y nos propone: Te doy la bienvenida a mi espacio. Estoy capacitada para borrar, para eliminar todo aquello que deseas olvidar. Si me lo cuentas, lo guardaré en mi interior y en pocos días habrá desaparecido de mi espacio para siempre y del tuyo también. Aprieta el botón y habla.


Los sólidos puentes con lo cotidiano y la experiencia doméstica vital que tiende Valldosera se traducen en frágilísimas escenografías de luz, liquidos y fluidos, objetos comunes, que permiten afianzar una empatía, un efecto envolvente, una simpatía hacia nuestra propia experiencia, nuestra posición en el mundo y nuestra relación con el otro.

Eulália Valldosera
Dependencias
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Madrid
Del 4 de febrero a 20 de abril
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21 de feb. de 2009

Peligro: visibilidad reducida



Ilustración de Tete Álvarez


Tete Álvarez / Ars Operandi

Esta semana han cerrado sus puertas Arco09 y Art Madrid, dos de las ferias que reúnen al mayor número de galerías españolas de arte contemporáneo. Mientras la galerista Carmen del Campo ha acudido a Art Madrid con una nómina mayoritaria de artistas locales, en Arco, la presencia de creadores cordobeses se ha articulado de nuevo en torno a la galería Rafael Ortiz. En el stand del galerista sevillano se han podido contemplar obras de Equipo 57, Dorothea Von Elbe y el lucentino Manolo Bautista. Por otra parte, en el stand de la Consejería de Cultura de la Junta, dos jóvenes artistas cordobesas, Beatriz Sánchez y Verónica Ruth Frías, participan en Survideovisiones, II Muestra de Vídeo Andaluz que recoge las tendencias conceptuales y estéticas que se están produciendo en el ámbito del vídeo en Andalucía.

Sirva todo esto para poner en el tapete el eterno problema de la in-visibilidad de la creación artística cordobesa. Los artistas exponen fundamentalmente a través de sus galerías y el apoyo a éstas, mediante ayudas de asistencia a ferias y para la edición de catálogos, resulta cada vez más necesario cuando se trata del fomento de la plástica local. Existe un programa, Iniciarte, dependiente de la Consejería de Cultura, que destina ayudas directas a galerías y realiza adquisiones a través de una bolsa de compra. Iniciarte ha facilitado, entre otras cosas, la presencia de Arte21 en ArteSantander´09 o de Carmen del Campo en Art Madrid´08. En Córdoba, las únicas convocatorias de ayudas a la creación contemporánea parten de la Fundación Botí, aunque sólo están destinadas a artistas y no contemplan, en cambio, el apoyo a galeristas. Por su parte las ayudas municipales son esporádicas y no se atienen, que sepamos, a ningún tipo de convocatoria de carácter anual.

Las políticas de apoyo a las prácticas artísticas contemporáneas deben acometerse desde distintos frentes y la única manera de romper con la endogamia del círculo artístico cordobés pasa por apoyar proyectos de difusión exterior de contrastado interés. La participación de galerías cordobesas en ferias nacionales e internacionales y la realización de exposiciones en otras galerías mediante el intercambio de artistas resulta, hasta el momento, el camino más recto para la proyección de nuestros artistas fuera de un ámbito estrictamente local.


Una pieza excepcional: Músico andalusí


Como parte de la programación del Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba, y dentro del ciclo La pieza del mes, mañana domingo 22 de febrero se verificará la presentación de la excepcional pieza Músico andalusí.

En ocasiones, la actividad arqueológica urbana que se viene realizando en Córdoba en los últimos años, proporciona auténticas sorpresas en forma de objetos raros y excepcionales. En el caso de la pequeña figura de terracota que se presenta como pieza del mes de febrero, lo es por derecho propio. Se trata de una de las escasas representaciones humanas de bulto redondo del Islam medieval y, sin duda, la primera conocida en al-Andalus.

Procede de la zona de la Avda. de las Ollerías, tradicionalmente dedicada a la fabricación de cerámica. La figura, de pequeñas dimensiones, viste túnica y turbante y toca con las manos una especie de tambor muy parecido a la darbuka actual.

Su presentación correrá a cargo de Antonio Molina Expósito, arqueólogo director de la excavación donde ha aparecido la pieza. En su exposición, apoyándose con recursos audiovisuales, explicará la propia intervención arqueológica y lo que aporta al conocimiento de la Córdoba islámica y, por supuesto, el significado de esta pieza realmente única.

Pieza del mes
Músico andalusí
Presenta: Antonio Molina Expósito, arqueólogo
Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba
Plaza de Jerónimo Páez
Domingo 22 de febrero de 2009
13:00 horas. Sala del Alcaide

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20 de feb. de 2009

La realidad desvelada

por Manuel Sánchez

Shadi Ghadirian, Untitled from the Like Everyday Series, 2000-2001, C-print, 183 x 183 cm

Quizá no debiera empezar un artículo de la manera en que lo voy a hacer, máxime cuando mi vida sentimental siempre ha tenido el sexo de los ángeles y la apariencia de una selva opaca imposible de atravesar a veces incluso para mí mismo. Efectivamente, lo confieso, estoy saliendo de una relación truculenta, tormentosa, irracional, furtiva; realmente llevo saliendo de ella algunos meses porque la misma profesión y el mismo círculo de amigos me incitan a seguir pecando. Me asfixia esta maldita ciudad. Pero desde hace unas semanas me he propuesto ser firme y cortar definitivamente, para ello la cabeza debe tirar del corazón, aunque este no quiera y en ello ayuda mucho la realidad, es decir lo que es, sin más apelativos. Y lo que es, aunque duela, es una relación imposible que no lleva a ningún lado, salvo al laberinto que prolonga la agonía. La realidad es cruel porque es así, sin consuelo, sin sueños ni metáforas que amortigüen el golpe, pero también es el proceso para lograr la alegría y cierta ironía que produce su idiotez. Sí, soy un idiota y me río cuando me desdoblo y desde el techo me veo girando en torno al mismo mástil.

Cuando nuestras vidas, que ya lo dijo el poeta son los ríos, se estancan lo mejor es darse un baño de realidad y cotidianidad y allí “ver” (y ser visto) lo que pasa. En mi estúpida situación es un gran consuelo reflexionar exposiciones como la de la Saatchi Gallery de Londres: Unveiled: new art from the Middle East. Cuando uno se pasea entre la serie de obras de Shadi Ghadirian: Like everyday Series (2000-01) donde el shari deja entrever una escoba, unos guantes de goma, un plato, una plancha… en lugar del rostro inmediatamente puede pensar en los fenómenos de la globalización y es cierto pero se puede profundizar más porque la cotidianeidad, es decir lo real del quehacer diario de estas mujeres nos revela otra realidad más terrible, la del sometimiento y una vida de ama de casa que dramáticamente no tiene otras alternativas.

Shirin Fakhim, Tehran Prostitutes, 2008, técnica mixta

En la obra de la misma artista Ghajar Series (1998-99) se fotografían en sepia y en ambientes orientalistas a mujeres con el velo y túnica islámicos que llevan un teléfono, una aspiradora… de modo que el choque entre estas dos realidades cotidianas nos lleve a cuestionar la mencionada situación de la mujer. O Tehran Prostitutes (2008) de Shirin Fakhim, bocetos de muñecas realizadas con materiales reciclados al uso, rescatados de la cotidianidad entre la que pasean estas mujeres iraníes. Se revisten de ella, están “hechas” de ella para mostrarnos su otra realidad. Otra obra que me impresionó fue la de Marwan Rechmaoui que en Spectre (The Yacoubian Building, Beirut) (2006-2008) es la réplica exacta en cristal, aluminio y cemento del edificio homónimo inspirado en el estilo de Le Corbusier en Beirut que fue evacuado en 2006 durante el conflicto con Israel. La precariedad de la instalación es un fiel reflejo del aspecto de edificio fantasma que tiene en la actualidad.

Marwan Rechmaoui, Spectre (The Yacoubian Building, Beirut), 2006-2008, materiales diversos, 225 x 420 x 80 cm

De extraordinario interés es la obra del palestino Wafa Hourani que en Qalandia 2067 (2008) reconstruye en miniatura la citada ciudad, cerca de Ramallah y centro de fuertes disturbios y violaciones de los derechos humanos. La fecha futurista de 2067, 100 años después de la guerra de los 6 días, convierte a la ciudad en un campo de refugiados donde el tiempo parece haber retrocedido. Cada edificio tiene su antena de televisión, su propia luz, tiras de películas en las ventanas, un futuro aterrador que ya viven, en su cotidianeidad, muchos palestinos.

Wafa Hourani, Qualandia 2067, 2008, materiales diversos, 400 x 700 cm

Los objetos cotidianos envuelven las realidades de oriente y occidente por igual, pero el contexto donde se sitúan en bien diferente. Lo cotidiano extraído de lo real es en sí lo real, sin doblarlo, sin representarlo, sino directamente; de este modo la instalación Ghost (2007) de Kader Attia forma con papel de aluminio las formas huecas de un grupo de mujeres musulmanas en oración aunando el consumismo y el extremismo religioso. La realidad de un objeto de lo cotidiano nos lleva a la realidad de una situación a la que se debe hacer frente. Así el cuerpo del ser amado me debe llevar forzosamente a acabar con esta relación. Cuando comprendemos esto, comprendemos el poder de la realidad y sólo entonces somos capaces de desarrollar las herramientas para transformarla.

Kader Attia, Ghosts, 2007, papel de aluminio, dimensiones variables

El secreto del mundo es precisamente el mundo, sin más, su realidad es absurda e idiota porque es como es, sin porqué y en este sentido es sumamente cruel. Debemos actuar sobre esta realidad absurda y cruel sin darle rodeos, sin teorizar más, enfrentándose a lo que es e intentar dejarla a nuestras espaldas, para que podamos construir otra realidad, otro mundo que tampoco tendrá misterios, ni secretos, lleno de verdades a voces… pero que quizá sea un poco mejor que el desvelo de realidad mostrado en esta exposición.

19 de feb. de 2009

Isaí Moreno, finalista del Premio Rejadorada

El escritor y fotógrafo mexicano Isaí Moreno, colaborador de Ars Operandi

Isaí Moreno, colaborador de Ars Operandi, ha resultado finalista en el Premio Rejadorada de Novela breve 2008, en el que, en su quinta edición, han participado 150 obras de 18 países. El jurado, formado por Agustín Remesal, Francisco García, Luis Remesal, Susana Fortes, Óscar Esquivias, Rafael Vega, Javier Blasco y José Antonio Fernández, una vez reunido en la Torre del Museo de la Ciencia de Valladolid, eligió la novela El suicidio de una mariposa, de Isaí Moreno, como una de las cinco obras finalistas, recayendo el primer premio en La cicatriz, de la escritora española Empar Fernández.

El suicidio de una mariposa narra la existencia del adolescente Antonino, su transcurrir en una pequeña ciudad mexicana y las relaciones de éste con otros personajes de su entorno, su amistad con la joven Marta y con el outsider Saúl Castellán.

Nacido en Ciudad de México, Isaí Moreno ha publicado dos novelas: Pisot (Ed. Lectorum, Premio Juan Rulfo a Primera Novela en 1999) y Adicción (2004, Ed. Planeta-Joaquín Mortiz). Tiene en proceso de revisión el libro de cuentos Café Sarajevo, además de las novelas El libro de la destrucción y Orange Road.
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Actividades en el Día de Andalucía en el Bellas Artes


Como parte del programa educativo del Museo de Bellas Artes de Córdoba, el próximo 28 de Febrero, Día de Andalucía, se celebrará en las dependencias del museo un taller infantil destinado a los más pequeños, titulado ¡Qué arte tienes!

En el taller participarán músicos y estudiates del Conservatorio Superior de Córdoba, quienes mostrarán las relaciones entre arte y pintura, fabricando instrumentos y decorándolos, e incluso improvisando una pequeña orquesta entre los participantes. Una interesante actividad que sin lugar a dudas agradará tanto a pequeños como a mayores.


Descargar información, inscripción y horarios:

12 de feb. de 2009

Crónica desde ARCO´09

Obras de Equipo 57 en Arco'09. Foto: Ars Operandi
Redacción / Ars Operandi

Jornada preinaugural de la 28ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO Madrid. 238 galerías y más de 3.500 artistas para demostrar al mundo que "el banquete todavía no ha acabado." Todos a una, galeristas, críticos y artistas se conjuran para apartar de sí la palabra maldita. Y es que como algunos dicen " los tiempos malos son buenos para comprar". Una edición de ARCO que viene precedida por la espantada de algunas galerías (veinte según cifra oficial) que han dejado los huecos para recordarnos que la fiesta parece que ya ha terminado. Atrás quedan los años de los alegres puntos rojos. A día de hoy, sólo se hizo presente la presencia institucional. Bancos, fundaciones, diputaciones y consejerías insuflan un poco de aire a un negocio, que a pesar de todo, luce sus mejores galas. Valores seguros para tiempos inciertos. Desde el Study from the Human Body de Francis Bacon (a 15.700.000 euros) pasando por los sauras de 900.000 o el Kabakov de 800.000, el nivel artístico de la feria no desmerece del de los años de bonanza. Eso sí, algunas soluciones ingeniosas como la seleccionada por Moacir dos Anjos para el Solo Proyect , con cuadros de Amaya Gonzalez de tickets y facturas ploteadas que son vendidos al valor nominal de éstas. Hoy miércoles por la mañana habían vendido más de doscientas.

El galerista Rafael Ortiz coloca junto a la obra de Manolo Bautista la etiqueta que la acredita como seleccionada para los Premios Brugal. Foto: Ars Operandi

Por lo que respecta a la nómina de artistas cordobeses, lo normal en estas fechas. Sólo una galería, Rafael Ortiz, presenta obra de Equipo 57, Dorothea von Elbe y el lucentino Manolo Bautista.

Equipo 57 es el mejor representado con tres piezas. Una escultura sin título de 1961-62 en latón y metal pavonado, un relieve en escayola de la misma fecha y un óleo sobre lienzo, también sín título de 1959. Dorothea von Elbe, por su parte, exhibe una sutil escultura en bronce, Escaramujo (2009) que luce un flamante punto rojo, y un óleo sobre madera, Sin título, también de 2009. Mahi-Mahi es el título de la obra de Manolo Bautista, una fotografía digital que presenta a un inmenso pez, un dorado, convertido en estrella de rock. La pieza ha sido seleccionada para el Premio Brugal de Artistas Emergentes.

Escaramujo, escultura en bronce de Dorothea von Elbe. Foto: Ars Operandi



11 de feb. de 2009

Las alamedas de Salvador: retazos de un diario

desde Santiago de Chile: Manuel Sánchez

Todo en el Palacio de La Moneda es blanquísimo, a veces demasiado, de hecho el antiguo despacho de Allende, recuperado en 2008 coincidiendo con el centenario de su nacimiento, se llama “Salón blanco”. Tan sólo hay una mancha diferenciada, se trata de un sofá modelo “Dagoberto”, una especie de diván lleno de botones y ese color… Los dos patios de la Moneda son también extraordinariamente blancos, blancos con unos recatados parterres, blancos con esculturas, instalaciones… detalles artísticos que hablan de la importancia que ocupó el arte y la cultura para el presidente. Sobre todos ellos se proyecta el sofá que acabo de ver en el despacho, como si después de mirar el sol intentase enfocar a los objetos circundantes, sobre los que veo una mancha luminosa, amarillenta, rojiza, ennegrecida, como un nuevo cristal a través, un sol de medianoche que proyecta ese color… carmesí, púrpura, grana, encarnado, bermellón, granate, carmín, rubí, cárdeno, bermejo, purpúreo, rojo, rojo sangre… ahí se suicidó la democracia chilena. Creo recordar que el último discurso radiado del presidente, cuando en su voz a través de Radio Magallanes se adivinaba su destino, justo antes del bombardeo a este palacio, dijo que sólo saldría de ahí cuando hubiera terminado su mandato, no antes. Eran las 9’10 de la mañana del 11 de septiembre de 1973:

“El pueblo debe defenderse, pero no sacrificarse. El pueblo no debe dejarse arrasar ni acribillar, pero tampoco puede humillarse.

Trabajadores de mi Patria, tengo fe en Chile y su destino. Superarán otros hombres este momento gris y amargo en el que la traición pretende imponerse. Sigan ustedes sabiendo que, mucho más temprano que tarde, de nuevo abrirán las grandes alamedas por donde pase el hombre libre, para construir una sociedad mejor.

¡Viva Chile! ¡Viva el pueblo! ¡Vivan los trabajadores!

Estas son mis últimas palabras y tengo la certeza de que mi sacrificio no será en vano; tengo la certeza de que, por lo menos, será una lección moral que castigará la felonía, la cobardía y la traición.”

Museo de la Solidaridad Salvador Allende
Foto: Miguel Lawner


Encuentro estas palabras subiendo por la Avenida O’Higgins y llegando hasta la universitaria Avenida República donde se ubica la Fundación Salvador Allende y Museo de la Solidaridad, en una casa de estilo victoriano, como todas las casas de clase alta de Chile. Rodeo la parte izquierda de unas enormes gafas de pasta negra, partidas por la mitad y dejadas caer sobre el jardín, obra de Carlos Altamirano en 2007. Es una reproducción de las características gafas de Allende alusivas a la dictadura que partió al país en dos, a ese post-holocausto como me gusta llamarlo.

El Museo de la Solidaridad nació en octubre de 1971 como compromiso de muchos artistas con el proceso de Unidad Popular iniciado por Allende. Este proyecto fue desbaratado con el golpe militar de 1973 y las obras ocultadas. Sólo desde el extranjero se crean los Museos de la Resistencia que abarcaba obras de artistas exiliados por esta y otras dictaduras latinoamericanas. Con la recuperación de la democracia en Chile, la viuda de Allende, Doña Hortensia y una de las hijas, Isabel, logran el traslado de estas obras que se suman al fondo original en una exposición en 1991 en el Museo Nacional de Bellas Artes, hasta que encuentran su sitio en el actual espacio. Esta colección es la más importante en arte contemporáneo de Latinoamérica.

Obras de Calder, Miró o Chillida, entre otras de los fondos del museo

La Fundación y Museo me resultan algo solitarios, quizá porque estoy solo o porque aun se está montando en esta vieja casona que no le hace justicia a la magnitud de la colección. A la entrada, una pintura con el retrato del presidente dice: “Allende Vive”. La planta baja tiene una antigua mesa de despacho y un par de instalaciones: con los objetos de Allende (capa, medallas, gafas, carné de médico…) que puedes ir iluminando uno a uno a través de un dispositivo táctil y un “muro de las voces” por el que van saliendo discursos de Allende, crónicas de guerra y en definitiva retazos sonoros de la época. Encuentro una sala donde se proyecta un documental sobre la reconstrucción del Salón Blanco, con la inauguración por parte de la presidenta y las dos hijas de Salvador. Es una agradable sorpresa después de haberlo visitado en vivo.

Subiendo una hermosa escalera accedo a la planta primera donde se encuentran las obras del Museo que el propio Allende programó y fue coleccionando, confiado en el poder del arte y la cultura. En este “museo vivo” hay obras de hijos de los artistas fundacionales del museo: Concepción Balmes y los españoles Isidro Blasco, Daniel Canogar y Pablo Genovés. Este museo quiere tener una conexión continua con el presente desde que se inauguró poco antes de 2008, año del centenario del nacimiento del presidente, algo que ojalá consiga pronto. A esta altura hay una terraza con esculturas que junto a las pinturas, instalaciones y videoinstalaciones son claramente reivindicativas y políticas de una manera críptica (Calder, Miró, Vasarely, Oteiza, etc.), ambigua (informalismo) o evidente aludiendo al pasado (y presente) indígena de Chile, a la dictadura y al imperialismo de los EEUU: Kajarten Slottermark: ¡A parar el match de Chile! (1975), Isidro Blasco: El hombre solitario (2008), Daniel Canogar: Sin título (MPI) (2008), Juan Pablo Langlois Vicuña: América resumida (1987) o las obras de Paul Meter Piech como la xilografía USA intégrate! (1973) y la litografía One of the first (1979) (ver).


Al salir veo unos lápices de madera en un cilindro con la leyenda: “cien años mil sueños”, es decir cien años desde que nació Allende y mil sueños de democracia. Una democracia que abriría las grandes alamedas llenas de arte y cultura como algo imprescindible como así lo afirmó el presidente en su carta “A los Artistas del Mundo”:

“En nombre del pueblo y del Gobierno de Chile, hago llegar mi emocionada gratitud a los artistas que han donado sus obras para constituir la base del futuro Museo de la Solidaridad. Se trata, sin duda, de un acontecimiento excepcional, que inaugura un tipo de relación inédita entre los creadores de la obra artística y el público. En efecto, el Museo de la Solidaridad con Chile […] será el primero que, en un país del Tercer Mundo, por voluntad de los propios artistas, acerque las manifestaciones más altas de la plástica contemporánea, a las grandes masas populares.”
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10 de feb. de 2009

Comienza Cosmoarte


Cosmoarte, una mirada a la poesía desde el arte actual, es un proyecto artístico compuesto por un conjunto de acciones que se desarrollarán en Córdoba del 13 de febrero al 30 de abril, como actividades previas al festival Cosmopoética. Exposiciones, conferencias, intervenciones o talleres son algunas de las propuestas que presentará Cosmoarte y que se inicia con la intervención de Vladimir Oliveira (Belo Horizonte, Brasil 1970) en la Muralla del Alcázar Viejo.

Bajo el título Marabunta, el artista brasileño se valdrá de un elemento concreto, la representación de hormigas como metáfora de la sociedad humana, para establecer su poema visual, en el que se valdrá de la asistencia de alumnos de la Escuela de Arte Mateo Inurria de nuestra capital.

Oliveira en una de sus intervenciones

Descargar programa de Cosmoarte en pdf:

Taller de Chema Madoz


Se ha abierto el plazo de matricula para el taller de Chema Madoz No es todo lo que parece, que tendrá lugar en Córdoba de los días 16 al 18 de febrero como parte de la programación de Cosmoarte.

El curso partirá de una conferencia en la que el fotógrafo hablará de su proyecto personal, a la que seguirá la impartición de determinados contenidos dentro de un taller dedicado a conocer los diferentes estados del proceso de creación artística.


Fecha de celebración: 16, 17 y 18 de febrero
Día 16 conferencia de 12:00 a 14:00 h, taller de 17:00 a 20:00 h

Días 17 y 18, taller de 11:00a 14:00 h / 17:00 a 20:00 h

Lugar:
Fundación Antonio Gala C/ Ambrosio de Morales, 20

Número de plazas:
7

Importe de la matrícula:
100 €

Fecha límite de inscripción:
16 de febrero de 2009

Inscripción e información:
626 599 178 – 655 017 657

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Antonio Blázquez en EL Camarote de Ciudad Real



Organizada por El Camarote y con la colaboración de la Universidad de Castilla - La Mancha y la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Ciudad Real, el próximo jueves 12 de febrero tendrá lugar la inauguración de la exposición Todo lo que podría haber sido, del artista cordobés Antonio Blázquez, donde se podrán contemplar una serie de dibujos encuadrados dentro de su trabajo más reciente.

Antonio Blázquez (Fuente Carreteros, 1977) es Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas; Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Rundang Atelier Q202 (Viena, Austria), Museu Abelló (Mollet del Vallés, Barcelona ), MUA (Alicante) y otras en ciudades como Valencia, Sevilla, Cádiz, Málaga o Córdoba. Asimismo ha realizado diversas exposiciones individuales, seis en 2008, la más reciente, en Tula Prints (2009). Es Premio Pepe Espaliú 2007.

Antonio Blázquez
Todo lo que podría haber sido
Inauguración jueves 12 de febrero, 20 horas
El Camarote
Lanza, nº 5, 2º C
Ciudad Real
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9 de feb. de 2009

La sexta mirada, en Córdoba

Pieza de Hisae Yanase presente en la exposición

Como ya publicó Ars Operandi en una entrada anterior, la muestra titulada Córdoba, la sexta mirada, que ya fuera inaugurada el pasado 12 de diciembre en Bruselas, afronta hoy su presentación ante el público cordobés. La inauguración será esta tarde a las 19:30 horas en la Casa Góngora (c/ Cabezas, 3).

Formada por ocho artistas, Manolo Bautista, Luis Calvo, Otes, Hisae Yanase, Ángel García Roldán, Daniel Palacios, Pepe Puntas y Esteban Ruiz, la muestra está organizada por La Caja del Agua, y cuenta con el patrocinio de el Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación, la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, la Oficina Municipal para la Capitalidad Cultural Córdoba 2016 y la Delegación Provincial de Cultura de la Junta de Andalucía. En Bélgica colaboraron la Oficina de la Junta de Andalucía en Bruselas y el Instituto Cervantes en Bruselas.

Catálogo aquí

8 de feb. de 2009

Somerset House, o de cómo gestionar el patrimonio con sentido común e imaginación

Un comentario desde Londres: Marina Mellado


Sólo unas líneas para dar a conocer, a aquellos que no lo conozcan ya, uno de los espacios culturales y artísticos más interesantes de Londres: Somerset House. Con una historia vital que comenzó hace ya casi cinco siglos, la que fuera residencia del Protector y Duque de Somerset, Edward Seymour, acoge hoy un programa cultural extraordinario, que incluye, entre otras actividades, exposiciones, ciclos de conferencias, talleres, proyección de películas y conciertos, la mayoría gratuitas y abiertas a todos. Todo ello hace que, cuando uno entre, no quiera marcharse. El espacio invita al visitante, lo acoge y celebra su presencia. Porque es el visitante el que hace que el espacio esté vivo, el que justifica su existencia. Las familias pasean, los niños juegan, los amigos toman café en torno a mesas de mármol dignas de exposición, y, en definitiva, todo aquel que se acerca a Somerset House se siente parte de ella, de su razón de ser, de su presente. Cuando uno visita Somerset House siente, de alguna manera, que el patrimonio le pertenece, que puede, no sólo admirarlo, sino utilizarlo, hacerlo suyo. Y, ¿no es preferible, poniéndonos en lo peor, que el patrimonio se deteriore del uso, y no del desuso? ¿Para qué conservamos, si no? O, mejor dicho, ¿para quién? ¿Quiénes son las siempre recurrentes “generaciones futuras”? ¿No nos merecemos también nosotros disfrutar de la historia materializada en el patrimonio cultural? Con respeto, de acuerdo, faltaría más, pero sin miedo y con familiaridad. Es la única manera de que la cultura, en su sentido más amplio y en sus múltiples expresiones, sea valorada, apreciada, y, claro que sí, ADMIRADA, pero siempre de forma distendida y amable, sin aspavientos, con naturalidad, y, sobretodo, con imaginación, con mucha imaginación, como propone nuestra amiga Rosa. Hay que jugar más, comunicar más y sentir más. Y espacios como Somerset House hacen que todo eso sea posible. ¿Lo importamos?



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7 de feb. de 2009

Más ópera para comprender el arte y el mundo contemporáneos

una propuesta de Rosa Colmenarejo



Bien podemos agotar la vida intentando comprender en qué consiste, qué sentido, qué finalidad tiene no tanto ya nuestra propia vida, la vida en sí; sino la vida en general, ya saben, aquella cantinela del quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos (que yo siempre escucharé en voz de Siniestro Total) Qué sentido tienen la guerra, el sufrimiento, el terror, las mentiras, la destrucción de nuestro entorno, nuestro paisaje, nuestro patrimonio, nuestra cultura… en aras de un beneficio privado que hace oídos sordos al bien general.

Así mientras crecemos, leemos, reflexionamos, escuchamos a nuestros amigos, a nuestros mayores (primero descubrimos el valor de los testimonios de las abuelas, más tarde el de los abuelos y, plenos de madurez y felicidad, el de nuestras madres y, finalmente, el de nuestros padres cuando ya jubilados se incorporan definitivamente a nuestra vida cotidiana) parece que alcanzamos no ya a entender pero sí a comprender y mantener el sentido de cierto espíritu de lucha, de alerta intelectual, de conciencia del mundo que nos permite estar informados y, sin embargo, ser felices y seguir adelante.

Las cosas se complican, a mi se me han complicado muchísimo mentalmente hablando, cuando se cruzan niños en tu camino. Mi mayor deseo es que sean felices consigo mismos, que se quieran, que se quieran mucho y que proyecten después esa seguridad hacia el mundo empleando cualquier modo de expresión. También deseo educarles para comprender el mundo, que sepan “Que este cielo azul y limpio es, en realidad, negro infinito”

No deseo campanas de cristal para mis hijos, lugares aislados, vigilados 24 horas, no deseo programaciones culturales basadas en lo comercial (televisión, cine) todo esto parece relativamente fácil, sólo hay que dejarse llevar…

Para mis hijos (y todos los niños y niñas de su generación pues son ya, de hecho, conciudadanos) deseo un imaginario que yo pueda transmitirles; habrán de ser los cuentos y los juegos físicos e intelectuales a ellos asociados que nos contaban a nosotros de niños, sí, pero no a través de películas que vengan de un gélido ambiente intelectual establecido a miles de kilómetros. Entonces más ÓPERA para comprender el ARTE y el MUNDO contemporáneos.

Representación para niños de hasta tres años de La Flauta Mágica en el colegio Giner de los Ríos (Córdoba), en 2007

Manos a la obra.

Espacio. Podemos emplear y con ello vitalizar los espacios urbanos, los espacios comunes (teatros, plazas, patios y jardines) poner en valor métodos, siempre exitosos, como los cuentacuentos, la música en directo y en la calle, danza contemporánea y música barroca en un jardín… (descontextualizar es poner en valor, cargar los escenarios de un sentido lúdico y de cómplice sorpresa difícilmente olvidable)

El medio y su tempo. Incorporar el mundo de la ópera al imaginario infantil me parece una brillante solución a este reto. Planteado como un juego de descubrimiento la ópera no resultará nunca aburrida o extraña. Los personajes pueden ser maravillosamente buenos y/o malos; en las representaciones (como en el teatro) los cuadros en los que se desarrolla la acción son lentos, preciosamente lentos, tanto que te permiten detenerte a mirar y ver los decorados, la composición escenográfica, los figurines, todo transcurre al ritmo de la música que marque la orquesta, de un aria, de un coro, de una danza. La violencia también es lenta, de baja intensidad, para hacernos comprender la naturaleza humana sin muchos circunloquios (siempre he intuido mucho teatro de Shakespeare en los buenos libretos) Los efectos especiales emulan tormentas, truenos, caballerías, terremotos, el mar blandiendo furioso olas y espumarajos. La naturaleza en estado puro, alguien a quien tampoco debemos perder de vista.

Más lenguajes, más comunicación. A la comunicación, los cuentos, las historias, por la ópera a través de la música, la danza, el arte contemporáneo. El fin es aprovechar la lentitud, la necesidad de reiteración, que precisa la ópera para aprehender todos los lenguajes expresivos puestos en escena. Así es como funciona la imaginación infantil… slow, lenta, pero segura, segurísima. Todos los lenguajes empleados ya sean arquitectura, paisajismo, medios artísticos en la escenografía y puesta en escena, musicales, literarios, poéticos, corporales deben aprovecharse de esta corriente favorable, efectiva, juguetona y lenta, siempre, lenta porque lo que más nos gusta a todos es jugar, el camino, el proceso, el itinerario, cómo se construye el espectáculo y también como crece la historia.

Todo ello permitirá, como nos permite a los que amamos la ópera irremediablemente, educar el oído, la vista, alimentar con mucho amor, los cinco sentidos. La ópera, el espectáculo total, la confluencia de caminos, el conjunto intersección de todas las artes. ÓPERA, pues, para comprender, a través del arte, el mundo contemporáneo.

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Lingüística y poética cognitivas a estudio en Córdoba



Organizado por el grupo TIEDPAAN y el Departamento de Ciencias del Lenguaje de la Universidad de Córdoba, durante los próximos días 25 y 26 de febrero de 2009 se celebrará en la Facultad de Filosofía y Letras de Córdoba el Congreso Internacional Lingüística y poética cognitivas.

La Lingüística cognitiva es una de las corrientes más jóvenes nacidas en el seno de las ciencias del lenguaje: fue en la década de los ochenta cuando algunos gramáticos generativistas (como M. Johnson, G. Lakoff y R. Langacker) reclamaron integrar las habilidades cognitivas del hablante en la descripción semántica de las lenguas. El resultado fue, una vez más, el reencuentro de la Lingüística con otras ciencias humanas y experimentales, algunas de nuevo cuño, como la Psicología, la Antropología y la Neurolingüística. Esta nueva corriente multidisciplinar que hoy llamamos Lingüística cognitiva centra su interés en dos de las principales capacidades que activamos los humanos al hablar: la categorización y los procesos de metáfora y metonimia. Es este segundo aspecto al que el propio proceso de creación literaria no permanece ajeno, por lo que una nueva área del conocimiento científico, la Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, se ve implicada en aquella intersección de disciplinas a las que, desde una u otra perspectiva, interesa el fenómeno lingüístico: el surgimiento de una Poética cognitiva está, pues, más que justificado. Los organizadores de estas Jornadas pretenden, con la participación magistral de reconocidos especialistas y bajo su tutela académica, debatir los presupuestos y aplicaciones de estas nuevas teorías de orientación cognitiva, cuyo fructífero recorrido no ha hecho más que comenzar.

Descargar típtico informativo, programa e inscripción en pdf:


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5 de feb. de 2009

Pepe Cobo: “Un Centro Pepe Espaliú sin contar con Juan Vicente Aliaga ni con Pepe Cobo sería como falsear la historia”

Una vista de la galería Pepe Cobo & Cía


Pepe Cobo, el maquinista que internacionalizó el arte contemporáneo andaluz en los ochenta y noventa, ha pasado por nuestra ciudad para participar en la mesa de debate Arte Contemporáneo y ciudad.

Con un curriculum sólo a la altura de su prestigio -creador de La Máquina Española (1984-1984), de Weber, Alexander y Cobo (1991-1994) de la Galería Pepe Cobo (1999), comisario de exposiciones, miembro del comité de Arco o de la Feria de Chicago, etc- Cobo inaugura hoy, su última, hasta el momento, vuelta de tuerca en el mundo del arte: Pepe Cobo & Cía. Se trata de un antiguo taller de reparación de vehículos en el número 7 de la madrileña calle José Marañón con el que el galerista pretende abrir un nuevo espacio expositivo alejado del concepto tradicional y convencional de galería.

Este nuevo ambiente ha sido recientemente rehabilitado manteniendo la mayor parte de sus características iniciales y estructurales con el objetivo de que “suponga un acicate y un reto para los creadores contemporáneos que en él hayan de exponer o generar una actividad creativa”.
Por sus manos han pasado artistas de la talla de Robert Mapplethorpe, James Rosenquist, John Baldessari, Jasper Johns, Sol Lewitt o Richard Tuttle, entre otros muchos. Dentro del panorama nacional su trayectoria se vincula con la de artistas como Juan Muñoz o el cordobés Pepe Espaliú, del que además de amigo y galerista, ha sido su albacea testamentario.

Ars Operandi no podía dejar pasar esta oportunidad y ha mantenido con Cobo la siguiente entrevista:

Ars Operandi: Después de una singladura internacional de más de veinte años inaugura en estos días su último proyecto, un taller mecánico que se asemeja poco al concepto tradicional de galería. ¿Significa esto que el proyecto galerístico, tal como lo entendemos, está ya agotado?

Pepe Cobo: Yo lo veo desde mi perspectiva y desde mi estrategia en España, es decir, como un lugar periférico. Llevo pensando en esto desde hace tiempo. Yo quería significarme dentro del contexto internacional por pertenecer a un branch, a unas sucursales de todas las estrategias anglosajonas. ¿Cómo lo tenía que hacer? Pues de alguna manera haciendo proyectos que tengan una singularidad en un lugar y en un espacio, buscando una idea, cómo hacer proyectos concretos que sean sólo de Pepe Cobo, para que tengan una voz más fuerte. Yo he estado buscando un espacio raro y de pronto me encontré un taller mecánico donde dije: ¡tate!. Romper con la idea del proyecto pero acompañado de también romper con la idea del cubo blanco y de la neutralidad. Es decir, a partir de un lugar que ha sido hasta ahora un taller de mecánica y cambio de aceite, además con un letrero dentro de “Cambio de aceite”, es el que ya me hizo dispararme con la idea. Conservando toda esa memoria de un taller que está en desuso pero que se va a mantener tal cual. Es una apuesta muy significativa de cara a los artistas. Conformar un espacio muy determinado para que los artistas intervengan en esa accidentalidad.

AO: Una propuesta muy radical ¿no, Pepe?

PC: Sí es radical pero por otro lado atractiva. Yo creo que el artista también necesita entrar en un debate acerca de la formalidad de su obra y de cómo encuadrarla y como poder articularla respecto al espacio en la que se inserta.

AO: Entonces ahí está tu papel, en cómo encauzar todo este tipo de propuestas más especificas, y llevarlas al terreno del mercado, quizás lo más difícil.

PC: Si pero yo creo que hoy en día hay colecciones de todo tipo. Yo que visito muchas casas de coleccionistas y te encuentras obras en los sitios más inverosímiles, encima de un w.c o junto a la caseta del perro. Creo que el artista debe cuestionarse el espacio, cuestionarse el formato, es decir no tener siempre la posibilidad de que su obra obtenga un sentido celestial.

AO: La propuesta surge en un momento delicado por la difícil situación que atraviesa la economía a nivel global. ¿Cómo está afectando esta crisis al terreno del arte contemporáneo?

PC: Es una situación financiera que afecta a todo el mundo y más a las personas que… indiscutiblemente el arte está en manos de los que tienen capacidad. Yo creo que este proyecto, que no viene como una reacción a la crisis, pero también creo es un cuestionamiento muy bueno para poder crear un proyecto en un momento de crisis no sólo económica sino también en lo que significa a nivel ideológico.
Un momento de la entrevista que mantuvimos con el galerista
AO: Descendiendo a un terreno estrictamente local, ¿cuál es tu visión como amigo, galerista y albacea de la obra de Espaliú del proyecto de Centro de Arte Pepe Espaliú que recientemente ha presentado el Ayuntamiento de Córdoba?

PC:Yo creo que un museo es necesario, que una colección de arte será bienvenida pero yo pienso que es fundamental exigir a un tipo de proyecto que proviene de lo público como este, yo le exijo como ciudadano una rigurosidad. Yo creo que ese proyecto ha de ser analizado por técnicos y profesionales. Me parece importante que los políticos, que están en su labor de promocionar y alentar proyectos, pero yo también creo necesario que interviniera la iniciativa privada. Pero respecto a tu pregunta yo como ciudadano exijo que los museos no se equivoquen y sobre todo en los contenidos.

AO: Has afirmado que consideras una barbaridad hablar de cualquier tipo de proyecto museístico acerca de la obra de Pepe Espaliú sin tener en cuenta la opinión de por un lado, Juan Vicente Aliaga, máximo estudioso de su obra y por otro de la tuya como galerista y responsable de su carrera artística.

PC: Vamos a ver, sí, yo he tenido, por orden de decisiones del artista, he tenido desde el principio de la obra del artista en el año 86, ha estado en mis manos por decisión del propio artista, he tenido esa posibilidad y he tenido esa gestión, pero mucho más cuando el artista en el lecho de la muerte decide que sea Pepe Cobo el que continúe con esa memoria, junto al lado también con Juan Vicente Aliaga. Yo creo que lógicamente hoy en día sin contar con Juan Vicente Aliaga ni con Pepe Cobo ni con alguno que otro más, pero fundamentalmente sin contar con estos dos, que tuvimos el legado y la voluntad del artista sería como falsear en un futuro la historia.
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4 de feb. de 2009

Cultura y arte en el Foro Social Mundial 2009

por Pablo Rabasco


En estos días, la ciudad de Belem, en el estado de Pará, en Brasil, se ha convertido sorprendentemente en un lugar de encuentro para tratar de convencernos a todos de que otro mundo es posible. Este lema se convierte en una exigencia mundial no solo en ámbitos tan urgentes como la defensa de los derechos humanos o la consecución y el compromiso con los Objetivos del Milenio aprobados por las Naciones Unidas, como punto de referencia que poco a poco se fue agotando al obviar las causas reales y políticas, sino también en todo aquello que se refiere a la defensa y recuperación de la cultura y el arte de las regiones más empobrecidas del mundo, en el sentido más profundo de la defensa de unos derechos sociales, mutantes, flexibles e innegables.

En estos días en los que la pequeña y demasiado perfecta ciudad de Davos se alzaba con la victoria absoluta en lo concerniente a lo mediático, poniendo como valor encima de la mesa el Foro Económico Mundial, entelequia en la que unos (muy) pocos deciden (a lo lejos) sobre la inmensidad de los demás, la ciudad de Belem organizaba el Foro Social Mundial, desoído, minimizado y violentado con el silencio de los medios de comunicación occidentales.

Siendo así, las relaciones entre los países del Norte y del Sur pasarán inevitablemente por un encuentro de culturas, de diferentes lenguas e imágenes. Este es ciertamente el único lenguaje cuya comprensión depende únicamente de la sensibilidad y la solidaridad de las partes.

Esta semana, en Belem, y en ámbito de este Foro Social Mundial, los debates se han centrado en la diversidad lingüística, en la visión de las diferentes culturas como punto de resistencia ante el modelo único de pensamiento. En la cultura de la no violencia, en los límites del turismo cultural a través de una visión integradora y no agresiva. En definitiva, se ha mostrado una visión real y tangible del contenido de la palabra "cultura", desde sus límites hasta el corazón de Brasil, hacia donde muchos giramos nuestras miradas y nuestros corazones.

La urgencia en la recuperación y la apreciación de muchas experiencias artísticas que se nos escapan de las manos, que se pierden en el tiempo. De esto se habla hoy en Belem, de cuestiones tan obvias como necesarias. Debemos asumir la producción de las riquezas inmateriales como elementos útiles para la lucha contra el sistema depredador de las políticas neoliberales.

Con el arte, la danza o la música otro mundo es posible. Con la poesía confusa e incompresiblemente pequeña de los empobrecidos.

Consenso institucional para que Circa XX se instale en el nuevo Bellas Artes

Los asistentes a la mesa redonda. Foto: Ars Operandi
“Oportunidad única” fue la frase más escuchada entre los representantes políticos que ayer asistieron a la mesa de debate Arte Contemporáneo y ciudad: la colección Circa XX de Pilar Citoler. Como única fue también la oportunidad de ver a nuestros máximos dirigentes políticos participar en un coloquio acerca de arte contemporáneo en Córdoba.

Con el telón de fondo de la permanencia estable de la colección Citoler en el futuro Museo de Bellas Artes, el encuentro reunió, no sólo en la mesa sino también en el nutrido público asistente, a una gran parte de las “fuerzas vivas” de la ciudad que quisieron dar así su respaldo implícito al proyecto museístico.


Abrió fuego la alcaldesa, Rosa Aguilar, que expresó su “compromiso pleno y total” con un proyecto que considera “de vital importancia para el futuro de la ciudad”. Para llevarlo a cabo, dijo tener “la mano tendida” hacia el Ministerio de Cultura y la Junta de Andalucía para llegar cuanto antes a un acuerdo institucional. La alcaldesa manifestó que “el Ayuntamiento ya tiene el suelo, y si el Ministerio lo considera suficiente y bastante lo pondremos a disposición inmediatamente”. En este sentido anunció que en breve se realizarán las catas arqueológicas en los terrenos próximos a la Torre de la Calahorra. También pidió que se articularan mecanismos para que “durante el tiempo de ejecución del proyecto, la colección siga estando presente en la ciudad”.

A continuación tomó la palabra la coleccionista Pilar Citoler que recordó los pasos que se han ido dando hasta llegar a este día “tan importante” para ella. La convocatoria del Premio Internacional que lleva su nombre, las exposiciones de la colección Circa XX Claves de arte y El ojo que ves en la sala Puertanueva han sido estadios determinantes “para llegar a un momento de madurez que puede dar el fruto que todos deseamos”.

Por su parte el presidente de la Diputación, Francisco Pulido, manifestó que “Cordoba tiene una gran oportunidad” y que aún contando con las limitaciones competenciales “la Diputación estará presente en cada una de las oportunidades que se presenten".

El galerista sevillano Pepe Cobo y albacea testamentario de la obra de Pepe Espaliú calificó el proyecto de “iniciativa fundamental para Córdoba” para a continuación recordar sus vanos intentos de crear un museo dedicado a la obra del malogrado artista. Tras reclamar la vigencia de la obra de Espaliú, expresó que cualquier proyecto que se lleve a cabo en relación a la obra del artista cordobés ha de guiarse por “criterios artísticos profesionales”. Cobo cuestionó abiertamente el Centro de Arte Pepe Espaliú que presentó recientemente el Ayuntamiento, cuando dijo que “no es la vía más adecuada ofrecer un centro separado y desgajado” sino que este debería estar contextualizado, enmarcado y arropado por las obras de otros artistas.

La ex ministra de Cultura Carmen Calvo empezó por agradecer la tarea de la Universidad en este asunto, a la que no dudó en calificar como “un ataque de modernidad”. La ahora parlamentaria en el Congreso de los Diputados dijo que Córdoba que “no tiene nada que demostrar en cuestión de patrimonio, ha de dar un giro de reequilibrio con el presente”. Calvo instó a los presentes a un ejercicio de “prudencia, paciencia y mucho trabajo” para a continuación lanzar un desafiante: “¿Es que no vamos a ser capaces de poder con esto?".

Cerró el acto el rector de la Universidad, José Manuel Roldán, quien manifestó su deseo de “comenzar ya con los actos”. En este sentido propuso “que las instituciones firmemos un protocolo de intenciones que inicie procesos técnicos, de seguimiento, espacios y terrenos” para la próxima construcción del nuevo Museo de Bellas Artes".

Taller semiótica de la Cultura, semiótica de la moda

Foto: Terry Richardson para Gucci

El Círculo de Bellas Artes de Madrid realizará entre los días 16 al 27 de febrero el Taller semiótica de la Cultura, semiótica de la moda. Dirigido por Jorge Lozano, semiólogo y catedrático de Teoría general de la Información en la UCM, participan los miembros del Grupo de investigación de semiótica de la Cultura de la Fundación Ortega y Gasset de Madrid, entre los que se encuentra Óscar Fernández López, colaborador de Ars Operandi.

En Semiótica de la Cultura, semiótica de la moda, la cultura -memoria no hereditaria de una colectividad, sistema de prohibiciones y prescripciones-, será analizada a través de textos de índole histórica, artística o mítica, con el objeto de describir su significación, al ser la relación con el signo una de sus características fundamentales.

Una parte importante del taller estará dedicado a la moda, fenómeno esencialmente semiótico en tanto es capaz de hacer significante lo más insignificante o no significativo. En el taller se seguirán además las contribuciones del máximo representante de la semiótica de la cultura, Yuri M.Lotman, autor de Cultura y Explosión.

Información y matrículas
de lunes a viernes
11:00 - 14:00 h y 17:00 - 19:00 h
CBA 5ª planta, despacho 2
Teléfono 913 605 409
mangeles.garcia@cbamadrid.es

3 de feb. de 2009

Cambios en Cultura

La actual delegada provincial de Cultura de la Junta de Andalucía en Córdoba, Mercedes Mudarra, será sustituida por Joaquín Dobladez, actualmente director del Instituto Andaluz de la Juventud, según informaciones del PSOE. Mudarra, que accedió al puesto en octubre de 2004, pasará a ocupar el cargo de coordinadora general del Área de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, cuyo principal responsable es el teniente de alcalde de Cultura, Rafael Blanco.

Por su parte, David Luque, quien hasta el momento ha desempeñado la coordinación general, pasará a ocupar labores internas en la organización de su partido.