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30 de abr. de 2009

Tertulia de perplejos en Radio Córdoba


Mañana viernes, 1 de mayo, la Tertulia de perplejos, que integran los profesores Antonio Manuel Rodríguez Ramos y Anna Freixas, los periodistas Aristóteles Moreno, Marta Jiménez y Elena Lázaro, y el director del Archivo del Parlamento de Andalucía y bibliotecario de la Casa de Sefarad, Sebastián de la Obra, volverá a Radio Córdoba, medio en el que nació como tertulia.

La charla de esta semana será a partir de las 12.30 en la edición local de Hoy por Hoy, en el 93.5 de FM o en el 1575 de AM. El debate se centrará en la actualidad política de Córdoba.

Tertulia de perplejos en Radio Córdoba
Viernes, 1 de mayo, 12:30 horas

Radio Córdoba. 93.5 (FM) 1575 (AM)

Más información en
Tertulia de perplejos
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Procesos de la escultura en la Escuela Dionisio Ortiz

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José Álvarez / Ars Operandi


La Escuela de Arte Dionisio Ortiz muestra en estos días la exposición titulada Procesos de la escultura, donde se puede contemplar una amplia selección de trabajos de alumnos en diferentes técnicas, cada una de las cuales son impartidas por el profesorado de la Escuela en sus numerosos talleres. Así, se muestran obras en diversos materiales como la piedra, la piedra artificial, escayola, metales - fundidos, soldados - plásticos, siliconas, etc., un amplio abanico de recursos técnicos indispensables para un correcto uso profesional de las diferentes técnicas artísticas.

Las llamadas anteriormente Escuelas de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos, hoy denominadas con el genérico e impreciso nombre de Escuelas de Arte para poder acoger el Bachillerato Artístico, se conforman como uno de los más interesantes caminos profesionales que puede emprender el alumno con inquietudes creativas. Aparte de cursar los estudios de Bachillerato, los ciclos formativos que se imparten en estas Escuelas son numerosos, y están a cargo de unos profesionales altamente cualificados. Las técnicas artísticas que aquí se conservan y transmiten son en algunos casos, como el vaciado en escayola, procedimentos que los adelantos modernos y la implantación de los sintético abocarían a desaparecer de no ser por la existencia de estos talleres.

En el caso de la escultura, las técnicas impartidas son numerosas, tratándose, como hemos señalado, diversos materiales, además de la tradicional talla en madera o el modelado en barro. El metal es trabajado tanto por fundición como por soldadura, ejecutándose en la propia Escuela piezas en bronce de un peso que llega hasta los 3 kg, por el procedimiento de la cascarilla. Cera perdida o cincelado de metales acercan estas técnicas al amplio mercado laboral que la industria de la platería debería ofrecer en esta ciudad. Por otro lado, la llegada de nuevos materiales como resinas, siliconas y otros compuestos sintéticos ofrecen unas extraordinarias posibilidades creativas tanto para elementos decorativos como para la creación artística. Es en definitiva una excelente ocasión para contemplar de cerca el trabajo que se desarrolla en estas Escuelas y valorar así la importancia que detentan tanto en el campo educativo como en el profesional.

Procesos de la escultura
Escuela de Arte Dionisio Ortiz
c/ Agustín Moreno, Córdoba
Horario lectivo

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29 de abr. de 2009

Premios Nacionales de Diseño en el Teatro Principal


La sala del Teatro Cómico Principal de Córdoba acogerá desde el 30 de abril hasta el 27 de mayo la exposición de los Premios Nacionales de Diseño.

Esta muestra, organizada por el Ministerio de Ciencia e Innovación; DDI, Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño y la Innovación y BCD, Barcelona Centro de Diseño, se inaugurará en Córdoba de la mano de Surgenia, Centro Tecnológico Andaluz de Diseño, entidad que tiene como misión fomentar el diseño como factor clave de innovación y competitividad.

Comisariada por Dani Freixes, Oriol Pibernat y Ramón Úbeda, la exposición mostrará productos industriales, piezas de comunicación gráfica y espacios interiores. De esta forma se rompe la relación entre diseño y exclusividad, y se muestra el diseño como un valor al alcance de todos los usuarios.

La exposición, que ya se ha podido contemplar en Barcelona y en Turín – en el marco de la Torino World Design Capital –, visita ahora Córdoba con la intención de extender, potenciar e impulsar la cultura del diseño, al mismo tiempo que promocionarlo en todos sus aspectos; en este sentido destacan las manifestaciones en la relación diseño y empresa, y su incidencia cultural y social.

En su edición de 2008 los Premios Nacionales de Diseño se han otorgado a la empresa Summa, "por ser una de las primeras empresas de diseño multidisciplinar en nuestro país, que con una dimensión significativa es capaz de afrontar proyectos de gran complejidad con excelentes resultados conceptuales y formales" y a Stua, una empresa que crea productos "sobrios, depurados y esenciales al servicio de sus usuarios. La atención por los detalles en producto, comunicación y presentación, refleja el espíritu de la organización y su pasión por todo aquello en lo que creen".

Premios Nacionales de Diseño
Teatro Cómico Principal
c/ Ambrosio de Morales
Del 30 de abril al 27 de mayo
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Equipo 57 en Galería Rafael Ortiz

Equipo 57, Sin título, tríptico, gouache sobre papel, 1960 
Redacción / Ars Operandi

La galería sevillana Rafael Ortiz exhibe desde el pasado jueves 23 de abril la exposición titulada Equipo 57. Concepto - contexto, la tercera muestra que dedica a este colectivo. Rafael Ortiz cierra así una trilogía expositiva que mostró en primer lugar una revisión de gouaches sobre papel, una segunda exposición con la obra preliminar a su teoría de la interactividad y esta última, que pretende situar al Equipo 57 (1957 - 1962) en el contexto de la época.

La exposición se compone de una selección de obras del Equipo, entre las que se incluyen pinturas, dibujos, esculturas, prototipos y diseños. De entre ellas, hay varias inéditas, como la única escultura móvil en la que trabajó el grupo, un dibujo de gran formato y un proyecto de lámpara que ha tomado forma para esta exposición. Asimismo se muestra un variado material documental que incluye correspondencia entre ellos y con otros artistas.

Equipo 57 apostó en todo momento por un trabajo en colaboración y multidisciplinar, buscando un diálogo entre las artes plásticas y otras manifestaciones expresivas como el diseño, la arquitectura o el cine. En Concepto-contexto, las obras del Equipo se complementan con otras realizadas coetáneamente; piezas de Hans Arp, Serge Poliakoff, Richard Mortensen o Pablo Palazuelo dialogan entre sí y son envueltas por la selección musical realizada expresamente para la muestra por el artista de la galería José Miguel Pereñíguez, que va desde el jazz a la música contemporánea. Para ello, se ha acondicionado una especie de gabinete en una sala mediante un montaje donde, a modo de casa de la época, se contemplan diversos cuadros, una radio Braun de 1959, una lámpara de Miquel Milá y otros objetos.

Equipo 57. Concepto-contexto se conforma asimismo como un acercamiento al trabajo teórico del grupo. Formado por Juan Cuenca, José Duarte, Agustín Ibarrola, Juan Serrano y el fallecido Ángel Duarte, el Equipo 57, protagonistas de uno de los más destacados capítulos del arte del siglo XX en España, no se entiende sin su voluntad de dejar de lado la autoría individual y su decisión de firmar colectivamente las obras. Esta cohesión como grupo ha permitido que su obra no se haya dispersado y pueda ser mostrada de forma continua a la sociedad. Su voluntad de no disgregar la obra les ha llevado a donar casi 200 piezas al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, que forman hoy parte de la colección estable y de los fondos documentales del centro, así como a otras instituciones. Este mismo centro, CAAC, les dedicó, de diciembre de 2007 a marzo de 2008, una amplia retrospectiva donde se puso de manifiesto la coherencia formal y conceptual de su obra.

Equipo 57
Equipo 57. Concepto - contexto
Galería Rafael Ortiz
c/ Mármoles, 12, Sevilla
Hasta el 5 de junio
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28 de abr. de 2009

Páginas en ámbar: lectura poética en Carmen del Campo



Hoy martes 28 a las 20:30 horas, la Galería Carmen del Campo, dentro de la muestra individual de Rafael Martorell Páginas en ámbar, programa una presentación y lectura poética en las que intervendrán:

  • Diana Catherine Badder - filóloga
  • Ramón Rodríguez - escritor y pintor
  • Antonio Povedano Marrugat - profesor de plástica
  • Fernando Vacas - músico

Rafael Martorell
Páginas en Ámbar

Galería Carmen del Campo

Conde de Robledo, 5

14008, Córdoba

Esta exposición es parte del programa Cosmopoética 09
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Un nuevo comienzo. Becados de la Fundación Botí en Sala Puertanueva


Fernando M. Romero, uno de los artistas participantes, en su estudio

Redacción / Ars Operandi 


Un nuevo comienzo es el título de la exposición de artistas becados por la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí que se inaugura el miércoles 29 de abril, a las 21 horas en la sala Puertanueva.

Comisariada por Óscar Fernández, en esta muestra colectiva se mostraran los trabajos de siete artistas que en estos últimos años han disfrutado de las becas de creación “Rafael Botí”. Se trata de una selección heterogénea de procesos de trabajo que, sin embargo, encuentran un poso común en su condición de artistas emergentes y en su propósito de investigación formal en busca de los rasgos constitutivos de una voz y un discurso plástico propios. A pesar de que los lenguajes que emplean también son dispares, coexiste en todos ellos un dominio del tratamiento digital de la imagen que, de uno u otro modo, también articula toda la exposición. La idea de postproducción, tal como la introdujo el controvertido curator Nicolas Bourriaud refiriéndose al segundo proceso de acabado de la obra de arte que tiene que ver con su manipulación por medio de herramientas informáticas, definiría muy acertadamente el discurso visual de la mayoría de los artistas participantes, que son Verónica Ruth Frías, Felipe Gutiérrez, José Jurado Gómez, Juan Carlos Martínez, Fernando M. Romero, Guillermo Mora y Beatriz Sánchez.

 La exposición, que se ha planteado para la sala Puertanueva de Córdoba, estará conformada por siete proyectos concebidos o adaptados por los artistas para este espacio. La singular disposición de la sala, que permite articular diferentes ambientes y micro-entornos, crea las condiciones favorables para que cada artista presente su trabajo de modo autónomo, a modo de pequeño showroom. Y que, a la vez, éste se lea como vertebrado en un discurso más totalizador que es comprendido por toda la muestra.

Un nuevo comienzo
Sala Puertanueva
Ronda de Andújar (Facultad de Derecho), Córdoba
Inauguración 29 de abril, 21 horas
Horario: L-V 18:00 a 21:00 h, S-D 10:00 a 14:00 h
Comisario: Óscar Fernández
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27 de abr. de 2009

Moreno Carretero en Ciudad Real


El próximo jueves 30 de abril, en la sala El Camarote, de Ciudad Real, el artista cordobés Miguel A. Moreno Carretero presentará una selección de sus últimos trabajos, bajo el título El carpintero de nubes.

Dentro de esta selección, los visitantes a El camarote podrán contemplar el proyecto La Nube, producido en este año gracias al programa Iniciarte, de cuya presentación en Córdoba dimos cuenta en una entrada anterior de Ars Operandi.

Miguel A. Moreno Carretero
El carpintero de nubes

Inauguración jueves 30 de abril, 20:00 h

Sala El Camarote

c/ Lanza 5 2ºC

Ciudad Real


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26 de abr. de 2009

La Pasión según Bill Viola


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Manuel Sánchez  / Ars Operandi 

Mientras Bill Viola disfrutaba en 1998 de una beca en el Getty Research Institute se organizó el seminario Representing the Passions, en el que intervinieron historiadores del arte, filósofos y otros especialistas en el tema. Como el propio artista cuenta, éste venía siendo un periodo de frustración, de sequía creativa, en el que estaba agobiado por la proyección que había alcanzado su obra anterior, suponiendo el citado seminario un estímulo para profundizar en lo que le estaba pasando a nivel personal y realizar una serie de nuevas obras bajo el nombre de The Passions.

Para Viola, el interés principal se centraba en como representar los extremos emocionales donde la razón y la capacidad de reflexionar se pierden. Durante este proceso tuvo la oportunidad de conocer tratados devocionales y de expresiones emocionales. Todo ello, junto con su bagaje anterior de lecturas hindúes, budistas, sufíes y místicas constituyeron el caldo de cultivo para The Passions. Visualmente se inspiraba y tomó numerosas notas de las pinturas religiosas expuestas en el Getty Museum de los siglos XV y XVI recreándolas con actores filmados a cámara lenta y en pantallas de plasma. Allí y coincidiendo con la agonía de su padre vio a la Virgen llorosa de Dieric Bouts: “sus ojos hinchados y rojos con todos los dolorosos detalles del realismo duro de los pintores nórdicos, con lágrimas que resbalaban por sus mejillas. Comencé a sollozar de forma incontrolable. Y no pude parar. [...] El cuadro y yo estábamos llorando”, cuenta el videoartista. También encontramos esto en las situaciones de asombro e identificación que experimentaron después los visitantes de The Passions. Podríamos afirmar por lo tanto que el espectador se pone en el lugar de los actores que muestran sus más variadas emociones.

Observance, en la muestra de Bill Viola en el Palazzo delle Esposizione di Firenze, 2008

De todas las obras de la serie destaco dos. Observance (Cumplimiento, 2002) inspirado en los apóstoles de las dos puertas laterales de un altar de Durero. Dispuso en dos plasmas a dos grupos de actores en sendos pasillos haciendo que avanzasen y se moviesen expresando emociones de asombro, estupor y sobretodo dolor hacia algo que está fuera de cámara, justo donde se sitúa el espectador. Emergence (Aparición, 2002) está inspirada en una Pietá de Massolino que muestra la deposición y el llanto sobre Cristo muerto en su tumba, flanqueado por la Virgen y San Juan Evangelista. El actor desnudo surge del sepulcro convertido en pozo, trasunto del parto o de un ahogamiento, siendo sacado por dos mujeres que ponen una sábana sobre su cuerpo inerte.

A pesar que The Passions pertenecían a un momento de crisis, de cambio, un paréntesis en su carrera, formalmente sigue siendo el mismo Viola sublime, icónico, aurático y profundamente místico. Por lo tanto, la cuestión diferencial parece no estar en los aspectos formales, sino en los conceptuales.

Bill Viola, Emergence, 2002

En la publicación de las actas de aquel seminario organizado por el Getty se aludió con cierta asiduidad a numerosos autores, que por diversas razones se ocuparon del estudio de las pasiones, como Descartes, Le Brun o Spinoza. Este último en su Tratado político (1670) establece una crítica a las pasiones incontrolables, pero también a las éticas que tienden al autocontrol y manipulación política de las pasiones. Con esta crítica no sólo aludía al estado absolutista, sino que se adelantaba algo más de un siglo a la Revolución Francesa y a la política practicada por los jacobinos. Las pasiones se consideraron como perniciosas para la razón y el buen gobierno, de modo que el Estado comenzó a gestionarlas y tutelarlas mediante una racionalización y una imposición del miedo y el terror.

En esta línea Tocqueville diseccionaba a la sociedad estadounidense en La democracia en América, dónde el poder se convierte en aval que asegura la felicidad, la seguridad, crea placeres, guía negocios hasta crear un férreo dominio de la vida. La sintomatología expuesta por este libro escrito en 1840, parece volver en uno de los ensayos que el director de escena Peter Sellars le dedica al repertorio de pasiones de Viola, aludiendo a la sociedad americana como llena de dudas, temor y resentimiento.

Y es aquí donde radica la lectura invisible de The Passions. Los actores muestran sus emociones en un intento de romper la represión emocional y de crear una comunidad con el espectador, una intimidad en la que compartir y descubrir lo que realmente son frente a la prohibición social y el miedo de mostrarse ante los demás con las debilidades, con los sufrimientos, con aquello que escapa del control y que es precisamente lo que nos hace ser, lo identificativo de nuestra propia naturaleza humana.

La necesidad de abrirnos expresando aunque sea dolor, y especialmente dolor, en un mundo en el que las imágenes atroces han anestesiado toda emoción. Pero además recordemos que tanto Observance como Emergence se gestaron bajo el shock del atentado contra las torres gemelas de Nueva York, formando un tríptico del duelo.

Las aguas en las que se sumerge el cuerpo de Emergence ya no son aquellas en las que nadan los ángeles de Five Angels for the Millennium (Cinco Ángeles para el Milenio, 2001), ni las de aquellas personas que parecían envasadas en un líquido amniótico, en las mitológicas Aguas del Olvido de Stations (Estaciones, 1994) o las de The Sleepers (Los durmientes, 1992) donde siete bidones llenos de agua contienen monitores con gente que duerme en total oscuridad, ajena a lo que ocurre fuera. Estas aguas ya no son las que huían de lo que pasaba en el mundo, sino las aguas del llanto, las lágrimas que redimen a los que ya no pueden llorar. El videoartista vuelve a la vida desde su componente más trágico y humano a la vez: el dolor y la muerte a través de la tragedia del 11 de septiembre.

Entre estas obras analgésicas y The Passions encontramos otras de transición: Hall of Whispers (Pasillo de susurros, 1995) una serie de personas aparecen amordazadas, somnolientas y sin posibilidad de expresar, quedando su conflicto oculto. El trauma parece ser la esencia de estas obras de Viola; un trauma, trasunto del mal, del dolor y de un nuevo terror preventivo instaurado visiblemente en esta nueva era que se expresa sin mordazas ni consensos en The Passions, creando un espacio político en el que replicar.

Bill Viola

Este mensaje tiende a desaparecer bajo las imágenes fascinantes creadas por Viola, bajo su “tecnoiconodulía”, donde la experiencia estética resulta anestésica y en vez de ser un contacto con la realidad, es un modo de bloquearla, como si nuestros sentidos quedasen sobre-estimulados. A pesar de este “shock de la forma” y esta “percepción contemplativa” el contenido político de la obra sigue ahí, bajo lo visible.

Esta alusión solidaria y comprometida con lo real, libera en parte a estas obras de referencias teológicas o trascendentales para darles voz política y hacer visible el sufrimiento. Viola se sitúa entre lo real de la barbarie cometida y la poética de la imagen como experimentación interna. Podríamos decir que crea un doble “algo” edulcorado de la realidad, como una delicada capa que nos aproxima al hecho y a la vez nos aleja de él, eludiendo las consecuencias.

El espectador de The Passions se inestabiliza al sentir algo incómodo -el fluir indiscriminado de las emociones- al presentarse ante estas obras, algo que le raya el cristalino, un esperanzador prurito en la obra Viola. Habremos de esperar como evolucionan las próximas “pasiones” del popular videoartista, contradiciendo, reubicando y adaptándose a las nuevas imposiciones de lo real.
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24 de abr. de 2009

Fríos, blancos y muy quietos en la Feria del Libro


El próximo sábado 25 de abril, coincidiendo con la celebración de la XXXVI Feria del Libro, el Quinteto Aral estrenará el relato original de la escritora infantil cordobesa Inmaculada Díaz. Este espectáculo didáctico-musical, que recibe el nombre de Fríos, blancos y muy quietos, estará destinado a los más pequeños y a todos los que quieran compartir una tarde de música y literatura. El concierto se celebrará a las 19’30 horas en el Jardín de los Libros, situado en el Paseo de la Victoria.

Quinteto Aral:
  • Domingo Escobar Díaz (violín)
  • Ángel Moreno Millán (violín)
  • Manuel Ruiz Rodríguez (viola)
  • Azahara Escobar Hernández (violonchelo)
  • Francisco Escobar Hernández (contrabajo)

Pieza del Mes del Museo Arqueológico: grifo romano

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 Foto: Domus

Continuando con el ciclo “Últimos hallazgos arqueológicos en Córdoba”, el próximo domingo 26 de abril, la protagonista de la Pieza del Mes del Museo Arqueológico, será una escultura que representa a un grifo de época romana hallado en el Parque Tecnológico de Rabanales.

Los grifos son criaturas híbridas, mitad águila y mitad león, que comparten características de ambas: del águila poseen la parte superior del cuerpo, la cabeza, las alas y un afilado pico; del león la parte inferior, las patas traseras, el lomo y la cola.

El origen de este mito pudo estar en Oriente Próximo, donde aparece en pinturas y esculturas de los antiguos babilonios. En la antigüedad, autores como Heródoto o Eliano, creían en su existencia, e incluso aparecen nombrados en la obra de Virgilio. Durante el Imperio Romano la figura del grifo tenía además un valor político, pues representaba el poder que doblegaba a los otros pueblos. En los antiguos bestiarios simbolizaba las cualidades morales del buen maestro, como la prudencia, el valor, la audacia y la atención al deber y a las obligaciones, y por eso aparecía asociado a la figura de Cristo. Esta relación entre el grifo y la divinidad se repite como símbolo de Júpiter, del Sol, de Osiris o de Apolo, al que le servía de tiro para su carro.

Los encargados de desvelar los misterios que encierra la pieza serán la arqueóloga Sonia Vargas y el profesor de la Universidad de Córdoba, José Aª Garriguet.

Pieza del mes
Grifo romano
Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba
Plaza de Jerónimo Páez

Domingo 26 de abril, 13:00 h

Sala del Alcaide
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23 de abr. de 2009

Eloy Fernández Porta en Hipertexto 3.0

por Jesús Alcaide

El viernes 24 de abril a las 20 h en el Salón de actos de la Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía en Córdoba se verificará a la presentación del libro Homo sampler. Tiempo y consumo en la Era Afterpop. (Anagrama, 2008) de Eloy Fernández Porta.

Se trata de un acto de spoken word & videojockey que combina tres materiales: vídeos seleccionados de YouTube, con copyleft, música y textos recitados. Las imágenes incluyen tráileres y escenas de cine, animación y videoarte; la parte sonora es instrumental. En cuanto a los textos, son, como el libro del que forman parte, "teóricos" en un sentido extenso: el aforismo, la sátira y la poesía se integran en el discurso ensayístico.

La premisa original es sencilla: la sociedad hipermoderna está recorrida por una pulsión primitiva. Esa pulsión se expresa en muy distintas manifestaciones de la cultura mediática, configurando un paisaje primitivista que es parte sustancial de la iconosfera contemporánea. Homo Sampler explora las consecuencias de esta premisa a varios niveles: psicológico (los instintos y gestos telúricos), social (comunidades y políticas que llevan el sello de lo primitivo) y estético (obras "artísticas" o "comerciales" que dialogan con ello). La consecuencia principal atañe a la gestión de la temporalidad, que se nos presenta como una negociación entre el Tiempo™ tecnológicamente producido (desde la parrilla televisiva hasta el ciclo de la moda y el revival) y la vivencia "personal" y "privada", que sólo puede definirse como resistencia primitivista al Tiempo™.

La vj session pone en escena estas ideas por medio de una secuencia multimedia que representa el trayecto desde el hiperconsumo hasta lo atávico. Los primeros textos y clips tratan de la técnica, la novedad y el capital, mientras que el segundo bloque muestra diferentes formas de lo primitivo (bruto, tribu, neandertal). De la ciudad a la selva -desde el techno y el ambient hasta el metal y el ruidismo-, lo precivilizado y lo hipercivilizado se contraponen, pero también se imbrican. Estructurado en diez momentos, nuestro ciclo regresivo tiene su centro en la escena titulada Emociónese así, donde el tema del apocalipsis permite relacionar la producción del desastre por medios tecnológicos de última generación y su reverso: el uso del instinto destructivo como fundamento del consumo.

Eloy Fernández Porta (Barcelona, 1974) es uno de los más lucidos escritores y ensayistas de la última generación de escritores nacionales. Profesor de Humanidades en la Universitat Pompeu Fabra y autor de los libros de relatos Los minutos de la basura y Caras B, ha sido incluido en una docena de compilaciones en España, Alemania, México y Estados Unidos. Coeditor -con Vicente Muñoz Álvarez- de la antología Golpes: Ficciones de la crueldad social, ha escrito sobre crítica cultural en diversos periódicos y en revistas como The Barcelona Review o Quimera, donde publica la serie satírica Terrorinfo. Los relatos de su ciclo Bibliografieras han aparecido en algunos de los medios más prestigiosos de la escena independiente norteamericana, como Fiction International, The Iowa Review web o A-Way With It! Contemporary Innovative Fiction y han sido objeto de una tesis en la New York University, recabando una considerable acogida crítica.

En el 2007 publicó Afterpop. La literatura de la implosión mediática (Berenice), ensayo que revolucionó el panorama literario y en el que se trazaban algunas de las ideas que desarrolla en Homo Sampler. Tiempo y consumo en la Era Afterpop.

Eloy Fernández Porta
Homo Sampler

24 de abril, 20:00 h

Salón de actos de la Delegación Provincial de Cultura de la Junta de Andalucía en Córdoba , Capitulares, 2

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21 años después de la revista Figura


José Álvarez / Ars Operandi

Paco Lara-Barranco (Torredonjimeno, 1964), artista y profesor Titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, es el autor de 21 años después de la revista Figura, “un testimonio de lo que fue el espíritu de una época, tomando como argumento el estudio de la revista Figura, por su gran contribución a la difusión del arte de vanguardia”, en palabras del autor, quien repasa el arte contemporáneo andaluz a través del análisis de Figura y su entorno.

El estudio por parte de Paco Lara-Barranco de la revista Figura parte de su tesis doctoral (1993), donde investigó sobre la estética de la posmodernidad en Sevilla a partir de Figura. Años después retoma el proyecto con la idea de publicar lo más destacado de la tesis junto con entrevistas realizadas a sus protagonistas en los años 90, concretándose en el presente libro, que aparece dentro del proyecto Iniciarte.

Figura (primavera 1983 – octubre 1988), surgió en principio como una revista de alumnos de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, cuyo inicial carácter local fue eliminado por el consejo de redacción que se hizo cargo de la revista, y cuyo factótum fue Guillermo Paneque (Sevilla, 1963). Rafael Agredano (Córdoba, 1955) fue invitado a formar parte del consejo y aportó para el número 0 el texto referencial de la revista Figura y por extensión de la posmodernidad sevillana, Titanlux y moralidad, de donde se entresaca una de las citas más repetidas para referirse a este periodo, escrita como declaración de intenciones: “Quien quiera pintar como De Kooning que lo haga y el que quiera pintarle claveles a la morena de mi copla que se los pinte, pero por favor, no molesten con estúpidas ironías a los que están en su sitio, es decir, pintando como exigen los tiempos que corren y de acuerdo con su generación. Y otro favor: no seáis tan aburridos, tan serios, tan intrascendentemente trascendentes, tan moralistas, tan soberbios. La pintura tiene menos importancia de la que se le da (…) un cuadro, al fin y al cabo, sólo es un objeto decorativo que sirve para ponerse sobre un sofá y ser olvidado con el tiempo”.

Figura, desde su inicio, tuvo repercusión en los ámbitos artísticos nacionales e internacionales. Partiendo de Sevilla, la revista fue creciendo a través de contactos en España, Portugal, Francia (donde se unió al proyecto Pepe Espaliú), Alemania (donde lo hizo José Lebrero), Italia y EE. UU., algo que permitió a Figura la presencia fuera de nuestras fronteras, un momento previo a Internet en el que la difusión de la revista debía realizarse por medios tradicionales, con la presencia física de ejemplares de la revista en estos lugares.


Las colaboraciones con Figura fueron aumentando; las portadas fueron obra de Luis Gordillo, Pérez Villalta, Miquel Barceló, José Mª Sicilia, Chema Cobo, Navarro Baldeweg y otros, mientras que los textos eran firmados con nombres como José Luis Brea, Juan Manuel Bonet, Juan Vicente Aliaga, Calvo Serraller, Mar Villaespesa, o Kevin Power. Los artistas también participaron, encontrando en la relación de nombres a Pepe Espaliú, José Mª Báez, Gerardo Delgado o Juan Muñoz entre otros. A partir de octubre de 1983, la revista aparece bajo el título Figura Internacional como cuadernillo interior de Sur-Exprés, despareciendo en la tercera entrega.

Mediante las entrevistas, articuladas en torno a preguntas sobre el surgimiento de Figura, el artista y su obra, el espectador, y la situación del arte contemporáneo en España, Paco Lara-Barranco nos muestra un detallado examen de las circunstancias del momento a través de las distintas opiniones de los protagonistas. Desde las negacionistas como la del artista y comisario Paco Molina - “Figura no existía” - hasta las que aluden al carácter rompedor de la publicación. En diversas ocasiones se ha hablado de que la revista fue un vehículo de promoción de sus autores; Lara-Barranco incluye en el libro un artículo de Paneque al respecto donde anima a los que lo censuran “a que funden su propia revista”, titulado “Ni tengo memoria ni falta que me hace”, algo que deja clara su poca propensión a la nostalgia. Para Kevin Power, la desaparición de la revista fue debido a que “Guillermo (Paneque) no podía cumplir más con sus dos papeles, el de artista y el de director de la revista”, a la vez que reivindica su obra: “En la hiper-confusión de los 80 subió con demasiada velocidad y cayó en desgracia con la misma falta de seriedad, muchas veces a través de los mismos críticos que le habían apoyado”.

Lara-Barranco concluye su examen al panorama artístico de los ochenta con una serie de concisos análisis a los artistas, las galerías de arte, la crítica artística, las instituciones… y deja clara su personal posición respecto al arte contemporáneo, cuando escribe: “El arte contemporáneo no es sólo una actividad para los entendidos que asisten a los grandes museos; también tiene una repercusión social, colectiva, aunque pare ello se requiere de una predisposición individual (…) Las deficiencias del pasado (de las que Figura se hizo eco) corresponde mejorarlas a todos los agentes, responsables de la construcción de un tejido cultural, mejorarlas de un modo objetivo y cualitativo desde la institución pública y privada, el sector privado de galerías de arte, la crítica de arte, los medios de comunicación y el sector educativo, arrancando en Primaria hasta llegar a la Universidad (…) Sin duda porque lo más destacado nunca será lo que se ha hecho, sino todo lo que queda por hacer”.

Paco Lara-Barranco
21 años después de la revista Figura
Prólogo de Ángel Luis Pérez Villén
Edita Fundación Cajasol, Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía
Sevilla, 2008
ISBN 978-84-8455-284-0

372 págs.


Entrevistas a los artistas Rafael Agredano, Chema Cobo, Gerardo Delgado, Angustias García + Isaías Griñolo, Curro González, Federico Guzmán, Juan Francisco Isidro, Abraham Lacalle, Juan Carlos Lázaro, Paco Molina, Pedro Mora, Guillermo Paneque, Juan Suárez e Ignacio Tovar; a los críticos José Luis Brea, José Antonio Chacón, Manuel Lorente y Kevin Power; a los galeristas Juana de Aizpuru, Carmen Carmona, Rafael Ortiz y Fernando Serrano; a los profesores de Universidad Juan Carlos Arañó Gisbert, Jaime Gil Arévalo, Fernando Martín Martín y Alfonso Pleguezuelo y una conversación con Bartolomé Ruiz González, Director General de Bienes Culturales de la Junta de Andalucía en los años 80.


22 de abr. de 2009

Jorge Satorre en Hipertexto 3.0

por Jesús Alcaide


Continuando con la programación Hipertexto 3.0, el próximo 24 de abril será el día en que podamos contemplar la intervención de Jorge Satorre El encuentro. Durante un tiempo predefinido, el artista mexicano Jorge Satorre realizará una serie de dibujos basados en una selección lo más larga posible de libros procedentes de su biblioteca particular. Los textos provendrán de publicaciones tan diversas como novelas, ensayos filosóficos, catálogos de exposiciones, cuentos, cómics, etc.

Los dibujos corresponderán a cada uno de los subrayados y anotaciones que hizo en el momento de su lectura. Al igual que en El encuentro (trabajo realizado en 2007 en la Noche Blanca en Madrid), esos momentos tienen que ver con el concepto de imaginación moral que ha venido manejando en los últimos años, en donde pone especial atención a los instantes en que el lector experimenta un desdoblamiento y se posiciona como conversador para mantener por un instante un contacto estrecho con autor y personajes.

A diferencia de este trabajo, para Hipertexto 3.0, el contacto se hará a través de una cámara de vídeo que retransmitirá en tiempo real el proceso de construcción de estos dibujos.

Jorge Satorre, nacido en Ciudad de México en 1979, vive entre Barcelona, París y México. Compagina su labor artística con la de ilustrador editorial. Su trabajo ha sido presentado de manera individual en el Process Room / Irish Museum of Modern Art, Dublín (2007); West Cork Arts Centre, Skibbereen, Irlanda (2007) y La Casa Encendida (2006). Ha realizado residencias artísticas en Hangar (2003-05); FLACC, Genk, Bélgica (2004); Irish Museum of Modern Art, Dublín (2007) y en Le Pavillon del Palais de Tokio, París (2007-08). Entre los reconocimientos que ha recibido destacan el premio INJUVE 2007; Miquel Casablancas 2006 y el primer premio en la lV Bienal de Vic (2004).

Hipertexto 3.0
Jorge Satorre
El encuentro
24 de abril
Filmoteca de Andalucía. Sala Tres.
La performance se realizará durante el horario laboral de la Filmoteca.
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21 de abr. de 2009

Maestros japoneses en Lucena


La Biblioteca Pública Municipal de Lucena celebra el próximo 23 de abril el Día del Libro con una muestra de cinco maestros artistas japoneses. La exposición, comisariada por la artista Hisae Yanase, se encuadra dentro de un proyecto de intercambio cultural entre España y Japón iniciado el pasado mes de enero con las Jornadas Internacionales Orientarse. Yasuhiko Ogawa, Noriko Takasu, Yoshio Tanaka, Takehiro Tokunaga y Nariki Watanabe son los especialistas en esta técnica tradicional japonesa. El procedimiento habitual que utilizan se denomina batik, y se realiza mediante teñido por reserva de cera. Como en el resto de la pintura japonesa, el tema de la naturaleza es la principal fuente de inspiración; el viento, la hierba, las olas, las estaciones, son motivos recurrentes entre estos artistas que utilizan los biombos tradicionales como soportes artísticos.



Tinturas japonesas
Artistas:

小川 泰彦 Yasuhiko Ogawa

高巣 典子 Noriko Takasu

田中 嘉生 Yoshio Tanaka


德永 武洋 Takehiro Tokunaga

渡邊 成樹 Nariki Watanabe

Sala La etiqueta me duele, Lucena

Inauguración 23 de abril, 20:30 h
Comisaria: Hisae Yanase
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Acerca del arte de teñir y la artesanía

TRIBUNA ABIERTA
por 小川 泰彦 Yasuhiko Ogawa
Asociación de Artistas de Nihon Kougei
Profesor de la Universidad de Saga (Japón)

Obra de Yasuhiko Ogawa

 Sabemos que el paño más antiguo fue hilado en Egipto. Fue una tela de lino, utilizada para envolver una momia hace más de 5.000 años.

Ya por aquel entonces, en Japón, nuestros antepasados usaban telas de lana y de lino. Las primeras sedas aparecerían en China unos 1.200 años AC. En la India, la gente usaba el algodón, que luego fue introducido en Europa. El algodón era entonces un material raro y precioso, y la técnica de teñirlo estaba todavía en fase de desarrollo.

Con el paso del tiempo las nuevas técnicas para tejer y teñir los tejidos se fueron introduciendo en India e Indonesia, desde donde se extenderían a China y más tarde a Japón. En este último país se desarrollaron nuevas técnicas que mejoraron las primitivas, y que fueron aplicadas a telas de lana, de lino, de seda y de algodón, importadas al país.

La composición de los tintes también se fue desarrollando paulatinamente. Hasta el año 1887, sólo se usaban tintes naturales. En esa fecha un químico británico produjo los primeros tintes artificiales, y otros muchos químicos en distintos países comenzaron a estudiar las posibilidades de esta industria, creando una inmensa variedad de productos para la tintura de los tejidos.

El Kimono japonés debe parte de su belleza y exquisita elegancia a la artesanal fórmula empleada para teñir cada lazo, cada modelo, mediante técnicas como el batik o la conocida como teñido Yuzen. Estas técnicas siguen siendo utilizadas actualmente, y los artistas de la tintura exponen sus trabajos en exposiciones colectivas o individuales, gozando de gran prestigio social por a calidad de sus obras y lo artesanal del proceso.

Las principales muestras de tinturas japonesas se celebran en ciudades como Nitten, Gendai Kougei, Nihon Shinkougei, Dentou Kougei o Kokuten. Cada artista solicita participar en estas exposiciones y es muy difícil ser seleccionado para tomar parte en las mismas y más aun conseguir un premio o reconocimiento.

Los artistas que se dedican a teñir estas telas deben ser pacientes y tenaces en el esfuerzo. El proceso creativo de estos tejidos tintados se inicia con la observación de la naturaleza, que es uno de los temas fundamentales en sus obras. Cada trabajo es original y único en el mundo y aquí reside la importancia de la creatividad que nos muestran.
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La constelación Bartleby en Hipertexto 3.0

por Jesús Alcaide


La constelación Bartleby es el primer trabajo videográfico de Andrés Duque en el terreno de la ficción. El cortometraje esboza dos historias inconexas entre sí que gravitan, de forma más lúdica que reflexiva, en torno a la literatura. Del Bartleby, el escribiente de Herman Melville al que alude su título, a la sociedad distópica de Fahrenheit 451 de Ray Bradbury, pasando por los ecos a Vila-Matas o la cita directa a Stanislav Lem, las múltiples referencias literarias funcionan como pretexto para evocar un estado (alienación), un efecto (extrañamiento) y una adscripción genérica (ciencia ficción): ámbitos por los que transita la pieza y que demarcarían sus posibles significados.

Estructurada a modo de díptico, con una secuencia bisagra que parafrasea estilemas del video institucional, los micro-relatos que conforman La constelación Bartleby están conducidos por una voice over concisa, descriptiva y, por momentos intrusiva, que ofrece la mínima información para su legibilidad. El primero narra el periplo de un ingeniero aeronáutico convertido en truhán espacial. Mientras que el segundo, se propone como un posible epílogo irónico a la obra de Bradbury llevada al cine por François Truffaut en 1966. Subvirtiendo el carácter humanista que comparten el libro y la película, el director sitúa a su protagonista (un joven que regresa a su hogar, personaje siempre fuera de campo y cuyo punto de vista se asimila al de la cámara) en un futuro no menos imperfecto donde la literatura ha dejado de estar prohibida y la resistencia ha sido neutralizada. De nuevo, surge el espacio distópico: los párrafos memorizados ayer para salvaguardar a la humanidad imposibilitan hoy la comunicación, siendo ésta insólita o, directamente, ininteligible.

La constelación Bartleby es un filme ecléctico e inestable que, intencionalmente, tensa los códigos genéricos que delimitan las fronteras entre documental, ficción y experimental. Si bien el director parte de métodos documentales (rodaje sin guión, actores no profesionales, descripción de espacios y uso de material de archivo), la voz en off parece anclar el relato en la ficción y dotarle de un sentido. Mientras que la imagen parece esquivar la lógica narrativa impuesta, abriendo puntos de fuga mediante el simbolismo, la asociación libre y el registro de escenas insólitas. Bajo la mirada de Duque, los espacios reales (altamente connotados por la música) configuran un universo extraño que cronológicamente sufre una involución: el video comienza con imágenes de alta tecnología representada por la aeronáutica para finalizar en espacios de tintes apocalípticos que remiten a los inicios de la era industrial (una estación de tren y una fábrica textil). Entre el azar y la intención, en La constelación Bartleby el texto fija, la imagen sugiere. Y su asociación, desconcierta.

Andrés Duque (Caracas, 1972). Tras licenciarse en periodismo, trabaja para la división latinoamericana de la cadena HBO como guionista y realizador de reportajes sobre cine y cronista de festivales como Cannes, Berlín o Sundance. En el año 2000 se traslada a Barcelona para cursar el Master en Documental Creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona. En la actualidad trabaja como realizador para la productora Agosto. Entre sus trabajos destacan Salón rojo o La fábrica, Home Soverignty, Life Between Worlds, Not in Fixed Reality, grabada con un teléfono móvil para la sección Heterodocsias del Festival de Cine Documental Punto de Vista 2008, e Ivan Z, su documental más conocido hasta la fecha.Parte de estos trabajos se han podido ver en más de una veintena de festivales internacionales, como San Sebastián, Las Palmas de Gran Canaria, Gijón, Mar del Plata, Punto de Vista, Toulouse, Annecy o Pesaro; así como en pantallas vinculadas a la institución museística: el Reina Sofía o el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, entre otros.

La Constelación Bartleby se proyecta el 22 de abril a las 18 horas en la Sala Josefina Molina de la Filmoteca de Andalucía dentro del programa Hipertexto 3.0

La imagen de Andalucía en el turismo

Vista de Sevilla desde Triana, fotografía por Jean Laurent, s. XIX

El próximo miércoles, 22 de abril, el Centro de Estudios Andaluces presenta en el marco de la Feria del Libro de Córdoba la publicación La imagen de Andalucía en el turismo, del doctor en Antropología Social y profesor de la Universidad de Sevilla, Javier Hernández Ramírez.

El acto de presentación tendrá lugar a las 12:30 horas en el recinto de la Feria del Libro en los Jardines del Paseo de la Victoria (Caseta Victoria).

Entre las publicaciones que edita el Centro se encuentra la Colección La Imagen de Andalucía, que tiene por objeto desvelar, desde el análisis y la investigación, cómo se construye esta imagen desde diferentes perspectivas. La imagen de Andalucía en el turismo analiza la evolución de los discursos promocionales de Andalucía como destino turístico desde 1928, año de creación del Patronato Nacional de Turismo, hasta nuestros días, con el enfoque específico puesto en marcha por el gobierno autonómico andaluz. El autor del estudio sostiene que las campañas de marketing turístico en Andalucía contribuyen a modelar y difundir una imagen concreta sobre Andalucía en el mundo. Sin embargo, existen escasas investigaciones científicas al respecto. Esta obra pretende contribuir a cubrir esta laguna y a fomentar los estudios sobre imagen y turismo en Andalucía.
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La vida de las casas, nuevo programa sobre arquitectura en TVM


Hoy martes a las 23:30, Televisión Municipal emitirá el primer programa de La vida de las casas, una serie patrocinada por Vimcorsa que efectuará un recorrido por la arquitectura cordobesa de los siglos XX y XXI. José Mª Baez, quien ha seleccionado los contenidos del programa, y Óscar Fernández, guionista y asesor científico, llevarán a las pantallas algunos de los edificios singulares de Córdoba así como los arquitectos más relevantes del periodo.

Con el título Una rareza neomudéjar, el primer capítulo estará dedicado a la antigua Facultad de Veterinaria (hoy Rectorado de la Universidad de Córdoba), obra del arquitecto Domínguez Espúñez.

La vida de las casas
Una rareza neomudéjar
Televisión Municipal, TVM, Córdoba
Emisión: martes a las 23:30 h
Reemisión: miércoles a las 17:00 y domingos a las 15:30 h
Duración: 15 minutos

20 de abr. de 2009

Narraciones caminadas en Hipertexto 3.0

por Jesús Alcaide


Tercera jornada de Hipertextos 3.0, el programa de artes visuales paralelo a la Feria del Libro de Córdoba, que presenta hoy 21 de abril a las 19 horas en la sede de la Delegación Provincial de Cultura de la Junta de Andalucía la obra de Antonio Ruiz Montesinos, Narraciones caminadas.

Narraciones Caminadas es una manera de cartografiar un paseo, de producir espacio urbano por medio de la relación con los ciudadanos. También es una forma de escritura, de caminar como forma de escribir. El proyecto bebe de las fuentes del net.art, el sticker art, el arte conceptual, el situacionismo, la ficción serializada, la cultura hip hop y/o el marketing viral de guerrilla.
A partir de las nuevas tecnologías, y utilizando el paseo como forma de apropiarse del espacio, se pretende generar un vínculo sobre el espacio público y la esfera virtual. Para ello se realizará una serie de cinco derivas por la ciudad de Córdoba.

Esta práctica producirá una serie de materiales residuales que constituirán la pieza: la experiencia documentada en una web, los recorridos marcados en la ciudad mediante stickers, y siete planos que cartografíen los siete recorridos efectuados. Los datos para conformar esos planos serán recogidos a partir de escenas cotidianas, de paseos y situaciones lúdicas. Micro-territorios y micro-realidades que conformarán mapeos alternativos representando el espacio como algo que se conforma a cada paso. Toda la información recogida se podrá seguir desde una web realizada con formato de juego interactivo, como si de un videojuego de 2D de los años 90 se tratase en http://www.narracionescaminadas.com/.

Narraciones caminadas de A.R. Montesinos

Antonio Ruiz Montesinos (Ronda, 1979) comenzó sus estudios de Bellas Artes en Sevilla, de donde se trasladó a Valencia para terminar su licenciatura. Estudió gracias a una beca de intercambio dos semestres en la Akademie der Bildenden Künste en Munich, Alemania. En Valencia realizó el Master de aplicaciones multimedia para Internet en la E. U. de Ingeniería Técnica Industrial. Actualmente, está finalizando el Master de Artes Digitales en la Pompeu Fabra en Barcelona y sigue realizando el programa de Doctorado de Arte Público de la Universidad Politécnica de Valencia. Ha expuesto en eventos, como Observatori 05 (Valencia), VAD Festival 06 (Girona), Certamen de arte Injuve 05 (Madrid), Certamen Andaluz de Artes Plásticas 05 o Málaga Crea 04 y 05. Ha participado además en la coordinación de diferentes eventos relacionados con el arte contemporáneo y en estos momentos forma parte de colectivo D_forma.
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Los Premios Nacionales de Diseño en el Teatro Cómico Principal


La sala del Teatro Cómico Principal de Córdoba acogerá desde el 30 de abril hasta el 27 de mayo la exposición de los Premios Nacionales de Diseño.

Esta muestra, organizada por el Ministerio de Ciencia e Innovación; DDI, Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño y la Innovación y BCD, Barcelona Centro de Diseño, se inaugurará en Córdoba de la mano de Surgenia, Centro Tecnológico Andaluz de Diseño, entidad que tiene como misión fomentar el diseño como factor clave de innovación y competitividad.

Comisariada por Dani Freixes, Oriol Pibernat y Ramón Úbeda, la exposición mostrará productos industriales, piezas de comunicación gráfica y espacios interiores. De esta forma se rompe la relación entre diseño y exclusividad, y se muestra el diseño como un valor al alcance de todos los usuarios.

La exposición, que ya se ha podido contemplar en Barcelona y en Turín – en el marco de la Torino World Design Capital –, visita ahora Córdoba con la intención de extender, potenciar e impulsar la cultura del diseño, al mismo tiempo que promocionarlo en todos sus aspectos; en este sentido destacan las manifestaciones en la relación diseño y empresa, y su incidencia cultural y social.

En su edición de 2008 los Premios Nacionales de Diseño se han otorgado a la empresa Summa, "por ser una de las primeras empresas de diseño multidisciplinar en nuestro país, que con una dimensión significativa es capaz de afrontar proyectos de gran complejidad con excelentes resultados conceptuales y formales" y a Stua, una empresa que crea productos "sobrios, depurados y esenciales al servicio de sus usuarios. La atención por los detalles en producto, comunicación y presentación, refleja el espíritu de la organización y su pasión por todo aquello en lo que creen".
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19 de abr. de 2009

Conversation piece de Cova Macías en Hipertexto

Conversation piece, Cova Macías
Jesús Alcaide / Ars Operandi 

Segunda entrega de Hipertexto 3.0, el programa de artes visuales paralelo a la Feria del Libro de Córdoba que tiene como objeto "visibilizar, difundir e investigar las transformaciones que se han producido en la narrativa y la literatura con la incorporación de los nuevos media en el panorama cultural contemporáneo". Segunda entrega que nos viene de la mano de la artista ovetense Cova Macías quien presenta el lunes 21 a las 18 horas en la Filmoteca de Andalucía la obra Conversation Piece. El vídeo nos sitúa en el centro de un improvisado juego de espejos, que constituye la base sobre la cual cada uno de los seis personajes de un grupo expone su propio rol y construye su autorretrato, a través de la palabra, la actitud y el gesto: “Tú me dices lo que te gusta, lo que deseas, y yo me reconoceré”. 

Cova Macías (Oviedo, 1976) vive y trabaja en París actualmente. Ha participado en programas de vídeo tales como: Amores difíciles, La Casa Encendida (Madrid); Todo cuanto amé formaba parte de ti, Instituto Cervantes (Damasco, Dublín); Adolescentes, Museo Reina Sofía, (Madrid) y Museo Marco (Vigo). Entre sus exposiciones individuales más recientes están En un lugar solitario en las salas de Cultura de Sa Nostra de Mallorca, Formentera y Menorca y El tiempo que pasamos juntos, Galería Espai Visor de Valencia. Entre sus exposiciones colectivas y proyectos cabe destacar Building societies, Konsthall C. (Estocolmo) y Centre d’Art La Panera. (Lleida); Versus, Les artistes du Pavillon, Palais de Tokyo, (París); Existencias, MUSAC (León); Sessió contínua, Diputació de Barcelona (itinerante); Processos Oberts, Queda la Marca y Processos Oberts 2. (Terrassa); Conflicto/ Pluralismo/Comunidad, Sala Rekalde (Bilbao). 

Durante estos últimos años ha desarrollado una línea de investigación centrada en unos intereses y modelos estéticos que se sitúan en un territorio indeciso entre el documental y la ficción. Utiliza como soporte el medio audiovisual y fotográfico para elaborar un discurso en el que establece como eje direccional: el análisis de la construcción de la identidad en edades conflictivas, como son la adolescencia y la juventud, la exploración psico-sociológica de distintos tipos de comportamientos y roles adquiridos y la reflexión sobre la representación que hacen de sí mismos los propios protagonistas frente a la cámara y su relación con la realidad que les rodea. Por otra parte, continúa durante toda la semana la proyección de la obra en video La tarde de un escritor, del bonaerense Gustavo Romano, que se podrá ver a diario a las nueve de la noche en el Kiosko de la Música

18 de abr. de 2009

Madinat al-Zahra. La Sede Institucional, lista para su apertura


Cartel de entrada a la Sede Institucional Madinat al-Zahra
Foto: Ars Operandi

José Álvarez / Ars Operandi

Desde que a inicios de 2004 se colocara la primera piedra de lo que sería la Sede Institucional Madinat al-Zahra hasta hoy, en que las obras están prácticamente terminadas a falta de los últimos trabajos que permitan su pronta inauguración, las vicisitudes por las que ha pasado la antigua ciudad califal han sido muchas, todas en mayor o menor medida, acertada o equivocadamente, destinadas a poner en valor un patrimonio arqueológico que, sin lugar a dudas, podemos calificar como el de mayor importancia de España, situado en lo que fuera el centro neurálgico de la primera potencia mundial de hace diez siglos: el Califato de Córdoba.

La Sede Institucional, un conjunto de instalaciones que se conforma como un centro de recepción, interpretación, divulgación, investigación, conservación y exposición, es el resultado de décadas de trabajo en las que se ha pasado de la falta absoluta de apoyos al proyecto de puesta en valor científica y adecuada a los nuevos planteamientos museográficos, a una actuación decidida que ha permitido la realización de un centro que se ha de convertir de inmediato en un referente mundial por sus características técnicas y su capacidad para integrarse de forma absoluta en el entorno dotándose a sí mismo de todos los equipamientos necesarios para una infraestructura museística del siglo XXI.

Hace justamente un siglo, cuando comenzaron las excavaciones de forma científica en el conjunto arqueológico, la enorme cantidad de material aparecido - ataurique en su mayor parte, ya que el expolio para acarreo duró ochocientos años – evidenció la necesidad de dotar al conjunto de unas instalaciones en las que se pudiera almacenar, conservar e investigar los restos. A instancias de Velázquez Bosco se construyeron unos pequeños almacenes y talleres que en poco tiempo resultaron incapaces de soportar el ingente número de piezas encontradas.


Vistas del exterior de la Sede
Fotografías: Ars Operandi

Tras la Guerra Civil, las excavaciones que sacaron a la luz el Salón de Abd al-Rahman III exhumaron una cantidad de ataurique tal que hubiera sido imposible almacenarla en lugar alguno de no ser por el proyecto de Félix Hernández de reconstruir el edificio devolviendo las piezas a su lugar original. Aún así, como último recurso, las piezas fueron colocadas alfombrando las instalaciones toda vez que era imposible tanto su almacenamiento como su identificación y reintegración, dado el escaso apoyo económico que el conjunto recibía en las décadas de los 50 y 60. Constituido no obstante un pequeño museo monográfico, cuyo director era a la sazón el mismo del Museo Arqueológico de Córdoba, su infraestructura no se planteaba al servicio del sitio, sino al del propio Museo Arqueológico. Tras el fallecimiento de Félix Hernández, ya en 1977 las piezas del museo – de propiedad estatal - son trasladadas por Orden Ministerial a las dependencias del Arqueológico, rompiendo de este modo la necesaria identificación de las mismas con el sitio.

En 1981 se plantea al Estado la necesidad imperiosa de crear un museo en Madinat al-Zahra. El responsable del museo en ese momento, Rafael Manzano, proyecta una reconstrucción del Salón de Abd al-Rahman III, aprovechando la capacidad del edificio basilical, de unos 1.100 m2 de superficie. Un proyecto polémico que, aunque aprobado en inicio, fue suspendido por el Ministerio de Cultura un año después. También en la década de los ochenta la ciudad califal vivió un importante momento cuando por parte de la Junta de Andalucía fue declarada Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra, creándose al efecto una institución encargada de la tutela de la zona arqueológica.

A mediados de los 90, la Junta presenta una serie de proyectos de sedes para diferentes conjuntos, Baelo Claudia, Itálica, Madinat al-Zahra, basados en los existentes en esos momentos en los Parques Naturales, esto es, poco más que una serie de paneles explicativos diseminados por el entorno y unas determinadas casetas prefabricadas para dotar los servicios básicos de expendeduría de entradas, aseos y pequeños almacenes de mantenimiento. Baelo Claudia y Madinat al-Zahra rompen decididamente ese esquema y apuestan por la creación de un museo de sitio, conforme a las necesidades del siglo XXI y, en el caso de Madinat al-Zahra, adecuado a la extraordinaria importancia del Conjunto Arqueológico. La necesidad de una estrategia de desarrollo sostenible fue evidenciada y se alcanzó el consenso necesario para apoyar un proyecto que no interfiriese en el sitio, fuera del yacimiento, justo al contrario de lo habitual hasta el momento.

El programa de uso también fue clave en el desarrollo del proyecto, pues hubo de definir qué se quería ofrecer al público, si una visión eminentemente turística, un centro de interpretación con el añadido de un museo y una tienda de recuerdos, o si por el contrario, se adoptaba un proyecto que recogiese los servicios que el Conjunto demandaba, claramente un proyecto I + D + I. Este ambicioso proyecto se aprueba y, tras los retoques técnicos llevados a cabo por el arquitecto Juan Serrano (de Equipo 57), el proyecto sale a concurso internacional, recibiéndose más de una veintena de propuestas, de entre las que es elegida la presentada por los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano.

Planta de la Sede Institucional Madinat al-Zahra
Estudio Nieto y Sobejano

La Sede

El proyecto de Nieto y Sobejano es invisible desde la terraza alta del Conjunto. No interfiere en absoluto en la visión de la ciudad califal desde fuera de ésta, ni en la apreciación paisajística del entorno, gravemente dañada por la inadmisible implantación y acoso de las parcelaciones ilegales, ya que la zona de mayor alzado expuesta al exterior ronda los tres metros, en la fachada de entrada. El edificio se halla en su mayor parte a ras o por debajo del nivel del suelo. El estudio de la luminosidad está realizado con tal fortuna, que aún en estas cotas, la necesidad de la iluminación artificial es escasa. Los colores predominantes son el blanco y el rojo, tal como lo fueran en la ciudad, y el material predominante en la construcción es el hormigón blanco, con encofrado de tablas de madera, lo que da como resultado un acabado orgánico, donde están presentes las vetas y nudos de la madera, eliminando así la frialdad de las paredes de hormigon liso.

Al acceder al edificio por una rampa descendente (1) y, tras franquear la entrada (2), nos encontramos con una zona de información destinada a planificar nuestra visita (3), ayudados por las indicaciones que nos proporcionarán el personal especializado de los diversos mostradores. Están previstas las visitas a los distintos lugares que conforman el Conjunto, como la Almunia al-Rumaniyya, acueducto de Valdepuentes, Puente de los Nogales, Canteras de Santa Ana de la Albaida, Alberca y Puente del Cañito de María Ruiz y Almunia de Turruñuelos.


Vistas del interior de la Sede
Fotografías: © Roland Halbe Fotografie / 2006. Alojadas en Arqa.com

El gran patio central (4) articula esta planta superior, en la que están situadas las dependencias accesibles al público en su mayoría. A la izquierda de la entrada, una cafetería (5) provista de un patio (6) donde los visitantes podrán reponer fuerzas sin salir del Conjunto, y a su derecha, la Tienda (7).

El Auditorio (8), de 190 plazas sentadas además de las reservadas para discapacitados, será el lugar donde cada veinte minutos se haga un pase de realidad virtual recreando la ciudad califal en el momento de su máximo esplendor y que ayudará al visitante a responder a la pregunta ¿qué fue Madinat al-Zahra? Asimismo, el recinto servirá para la realización de conferencias, conciertos y otros actos, gracias a las posibilidades móviles de algunos de sus elementos.

La Exposición Permanente (9) es un amplio recinto donde se expondrán piezas originales que servirán de apoyo para responder otras preguntas, quién construyó el complejo, para qué servía, por qué su fundación, etc. Los paneles informativos no son ni abundantes ni exhaustivos en su información, ni restan protagonismo a las piezas expuestas, toda vez que la Sede está dotada de otros espacios para una mayor información si es requerida. Hay una notable presencia de tecnología que interactúa con el visitante, si bien no hemos tenido ocasión de ver su funcionamiento aún.

El Aula Didáctica (10) está indicada para los más pequeños, donde podrán realizar toda clase de actividades educativas diseñadas por el personal especializado, el cual trabaja en un amplio Programa Educativo destinado a todas las franjas de aprendizaje. En esta zona hay una salida (11), que permitirá el acceso caminando hasta la ciudad, una vez que se haya musealizado el recorrido a través del original camino de acceso a Madinat al-Zahra.

Una zona destinada a Administración (12) no es accesible al público, quien sí podrá recorrer el pasillo que muestra a un lado y a otro los diversos talleres especializados (13), de metales, atauriques, cerámicas, pintura mural y mármoles, dotados todos ellos de un almacén propio (14). Una vez que los materiales sean intervenidos se reintegrarán a sus lugares de origen.

La Biblioteca Manuel Ocaña (15) ofrece dos vertientes. Por un lado, la planta superior se configura como un centro de recursos para el aprendizaje y la investigación, destinada tanto a la comunidad educativa, que podrá preparar aquí sus módulos didácticos, como al visitante inquieto que desee una información intermedia entre la divulgación y la investigación profesional.

Para este último supuesto se ha habilitado una planta inferior donde se dotará de todos los recursos posibles al investigador, propios y mediante las redes de centros con los que se relaciona la Sede. El proyecto se ha adecuado a las necesidades del Conjunto, y no al contrario. Han sido los especialistas los que han determinado las necesidades y éstas han sido correspondidas. Es un planteamiento museográfico brillante, que esperamos ver reflejado en las demás infraestructuras expositivas y museísticas de necesaria construcción.

Antonio Vallejo Triano, director del Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra
Foto: Ars Operandi

Esta visita, planteada para el visitante, pone en valor un edificio que está llamado a ser el centro de los estudios islámicos en Europa. Situado en el corazón político del momento de mayor esplendor de al–Andalus, el Califato de Córdoba, sus enormes capacidades han de situarlo en la vanguardia de la investigación del periodo califal y, por extensión, a toda la historia de la España islámica, llenando así el incomprensible vacío institucional que hasta el momento se ha creado en Córdoba en torno a estos estudios y a sus especialistas.
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Gustavo Romano inaugura Hipertexto 3.0


Hoy sábado comienza Hipertexto. Imagen, sonido y acción, un programa paralelo a la Feria del Libro de Córdoba, que tiene como objeto visibilizar, difundir e investigar las transformaciones que se han producido en la narrativa y la literatura con la incorporación de los nuevos media en el panorama cultural contemporáneo. Y lo hace de la mano del artista argentino Gustavo Romano que presentará a las 21:00 horas la obra La tarde de un escritor, una pieza que se podrá ver todas las noches entre el 18 y el 25 de Abril como cierre de la Feria del Libro de Córdoba.

Gustavo Romano (Buenos Aires, 1958) es artista visual y ha desarrollado su obra a partir de diversos medios: acciones, instalaciones, vídeo, proyectos para Internet. Coordina el Medialab y el Espacio Virtual del Centro Cultural de España en Buenos Aires. Es uno de los directores de Fin del Mundo, espacio virtual en Internet que, desde 1996, reúne proyectos de Net Art.

El interés por la creación literaria a través de los nuevos soportes y dispositivos tecnológicos ha sido una constante en algunos de sus trabajos, como IP Poetry o La tarde de un escritor pieza que el autor ha traido a Córdoba.

La tarde de un escritor es una toma con rayos X de una mano escribiendo sobre una hoja de papel, en la que pueden verse los huesos y la pluma, pero no el texto que va escribiendo. El audio es el sonido amplificado de la fricción de la pluma sobre el papel, creando con ello un efecto enigmático sobre lo que esas palabras nos quieren o no comunicar.

Gustavo Romano ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, la Galería Ruth Benzacar, el ICI de Buenos Aires, el Centro Cultural Recoleta, el Centro Cultural España Córdoba, el Centro Cultural España en Montevideo, el Macdonald Stewart Art Centre, Ontario. Sus obras han sido exhibidas también en el New Museum of Contemporary Art, New York, Arco, Casa de América, Fundación Telefónica, Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, MEIAC, IFA Bonn, Stuttgart, Berlín; Massachusets College of Arts, Boston, Museo del Chopo, México e incluidas en la VII Bienal de La Habana, la I Bienal de Lima, la II Bienal del Mercosur, la I Bienal de Singapur. Con obras de Net-Art, ha participado en numerosos festivales de arte electrónico entre ellos Ars Electrónica, Transmediale, Encuentros Internacionales París/Berlín, FILE, Videobrasil. Ha recibido entre otros premios, la Beca Guggenheim, el Incentivo para nuevas producciones del concurso Vida 7.0, Fundación Telefónica de España, el Primer Premio en Buenos Aires Video XII -multimedia experimental. Su obra forma parte de varias colecciones, entre ellas, la del New Museum of Contemporary Art, la Fundación Arco, el MEIAC, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario y varias colecciones privadas.
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