.

.

30/9/2009

Miquel Solís en Studio 52

Miquel Solís, Hotel Pennsylvania NY, mixta sobre tabla

El próximo viernes 2 de octubre, en la galería Studio 52 - Juan Bernier, tendrá lugar la inauguración de la exposición titulada Miradas cotidianas, original del artista gerundense Miquel Solís. Nacido en 1957, comenzó sus estudios en la Escuela Massana de Barcelona, para postriormente ampliarlos en Almería y las Islas Canarias. En la actualidad reside y trabaja en Malgrat de Mar, donde dirige el estudio-galería L'Estudi d'Art. Ha expuesto en numerosas ciudades españolas, así como en galerías de Suiza y Estados Unidos. Tras Córdoba, sus próximas exposiciones serán en la galería Ausart, en Vic, y la Jadite Gallery de Nueva York.

Miquel Solís declara trabajar su pintura indagando con la tecnología, experimentando con las técnicas y fusionando tendencias. Su deseo es "provocar atención, admiración, sensación, motivación..." Para ello se vale de una figuración de corte realista en cuyas últimas obras añade planos en tintas planas ocupando gran parte de la composición. Sus vistas urbanas, en particular sus recientes trabajos sobre Nueva York, están rodeados de un aura cinematográfica y publicitaria que provoca una rápida asimilación de su iconografía. La muestra se podrá visitar hasta el 22 de octubre.

Miquel Solís
Miradas cotidianas
Galería Studio 52-Juan Bernier

Ronda de los Tejares, 15 14008 Córdoba

Laborables de 18 a 21 horas

Domingos y festivos cerrado

k


29/9/2009

Presentación de Córdoba, Europa

Fotografía de Rafael Luna

El miércoles 30 de septiembre de 2009, a las 19:00 horas, en el Alcázar de los Reyes Cristianos, se presentará el libro titulado Córdoba, Europa. Dimensión europea de Córdoba. Coeditado por la Universidad de Córdoba y la Oficina de la Capitalidad Cultural del Ayuntamiento de Córdoba, es obra de los autores: Pedro Ruiz Perez (coordinador), Francisco J. Alvarez Amo, Elena Cano Turrión, Ana C. Cuadro García e Ignacio García Aguilar.

Presentación del libro
Córdoba, Europa. Dimensión europea de Córdoba

Miércoles 30 de septiembre de 2009, 19:00 horas

Alcázar de los Reyes Cristianos
Córdoba

Jornada Empleo y Patrimonio en el IAPH

.

 Foto: IAPH

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH) de la Consejería de Cultura, analizará en octubre la relación entre el trabajo y la cultura, en un curso impartido en italiano por el profesor Pietro Valentino del Departamento de Economía Pública de la Universidad de Roma (Italia).

El curso, gratuito y para el que sólo hay que inscribirse enviando un correo a la dirección comunicacion2.iaph@juntadeandalucia.es, se celebrará el 6 de octubre a partir de las 9 horas, en el Salón de Actos del IAPH, en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla.

Durante las jornadas se revisarán conceptos como mercado de trabajo y cultura, formación y bienes culturales, actividades y profesiones en la cultura, a partir del estudio de casos italianos e internacionales.

Jornada Empleo y Patrimonio
6 octubre 2009, desde las 9:00 horas

Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico
Monasterio de la Cartuja
Avda. Descubrimientos, s/n.
41092 Sevilla
Tel.: 955 03 71 78 - 671 59 27 52
correo-e: comunicacion2.iaph@juntadeandalucia.es

28/9/2009

A.D. Resurrección abre la temporada en Arte21

Fotografía de Antonio D. Resurrección

Redacción / Ars Operandi

La galería Arte21 inaugura su temporada 2008-2009 con la exposición del artista gaditano Antonio D. Resurrección. Cómo es de luminosa una luz reúne una selección de videos y fotografías digitales realizados en los dos últimos años.

Antonio D. Resurrección centra su trabajo en proyectos conceptuales narrativos reunidos en series, en las que se aúnan pintura, fotografía, dibujo, escultura, vídeo o instalaciones que permiten al espectador acercarse de una forma certera al discurso planteado. Desde su primera individual en la galería Cavecanem (Tormenta de arena, 1994), ha realizado una veintena de exposiciones en diferentes salas españolas y extranjeras. Resurrección es también el artífice de una celebrada serie de exposiciones en las que invita a diferentes creadores a formar parte de su proyecto artístico. Pulsaciones en Cavecanem en el 99, La Sombra arrojada en Arco´01 o Transatlántica en Sevilla y Buenos Aires son ejemplos de este modo de hacer mancomunado. Estas "manifestaciones grupales expresivas" son extensión natural del discurso estrictamente individual del autor, en "un afán por liberar la tan sobredimensionada como anacrónica presencia del artista maestro de ceremonias exclusivo. Se trata de la asunción de un nuevo rol, más allá del simple comisariado, en el que el colectivo interactivo proporciona las claves planteadas en la argumentación propuesta. De esta manera, los artistas podrían valorarse como piezas activas (que, a su vez, producen piezas) coordinadas por el artista que dirige dicha obra coral".

M_s _str_ll_s q__ _n _l f_rm_m_nt_, 2009

Otro de sus intereses artísticos pasa por e-vista FIN, una revista experimental digital de arte contemporáneo de la que es director, en la que invita a artistas a elegir una obra propia y escribir sobre la misma en la forma, sentido y extensión que deseen. Con ello pretende que "el ámbito del arte vaya abandonando ese tópico (herencia modernista), en parte dotado de un rentable escapismo, de que el arte es inexplicable, o de que sólo la objetiva re-lectura de las obras provenga de agentes externos al autor". En un intento de potenciar cierta didáctica de lo contemporáneo Fin se plantea como un "espacio de acción, una obra social en la que la participación colectiva de los artistas nos conduce a esa difícil tarea de resistencia y construcción de un nuevo marco teórico-práctico"

ADR es el responsable del diseño, maquetación o la fotografía de portadas de discos de grupos tan significativos como Domique A., Manta Ray, Sr. Chinarro o Astrud. Creador también de La espuma de los días, un blog de cabecera en el que mezcla textos y fotografías propios con referencias al cine de autor, a la literatura contemporánea junto a una erudita selección de la mejor música del momento.


F__G_C_M_N_C_NM_G_, loop de video.2009

Para su cita cordobesa ADR ha realizado una selección de piezas exclusivas de series anteriores como Emergencia y su secuela El resplandor, además de nuevas producciones como M_s _str_ll_s q__ _n _l f_rm_m_nt_, Trasvase, o Un cierto leve parpadeo (anamnesis), que, en palabras del artista "continúan la línea discursiva de la serie principal, redundando, a niveles formales, en su vocación multidisciplinar, tanto a niveles técnicos como conceptuales".

Antonio D. Resurrección
Cómo es de luminosa una luz
Galería Arte21
C/ Manuel María de Arjona, Córdoba
Inauguración: jueves 1 de octubre, 20:30 horas



La Tertulia de perplejos se reúne de nuevo en la Casa de Sefarad


El próximo miércoles, 30 de septiembre, a las 20:30 horas, tendrá lugar en la Casa de Sefarad una nueva charla de la “Tertulia de perplejos”, que integran los profesores Antonio Manuel Rodríguez Ramos y Anna Freixas, los periodistas Aristóteles Moreno, Marta Jiménez y Elena Lázaro, y el director del Archivo del Parlamento de Andalucía y bibliotecario de la Casa de Sefarad, Sebastián de la Obra. En esta primera sesión del curso, programada una semana después del primer aniversario de los perplejos, se han elegido como asuntos el transfuguismo político y la regulación de la prostitución.

Tertulia de perplejos
Radio Córdoba. 93.5 (FM) 1575 (AM)
Fecha: miércoles, 30 de septiembre
Hora: 20:30 horas
Lugar: Casa de Sefarad. Calle Judíos, Córdoba
Puedes acceder a las grabaciones de las tertulias
aquí

Ciudad Tándem presenta:


Ciudad Tándem, en colaboración con el Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Córdoba, presenta, el próximo 2 de octubre a partir de las 20:00 horas, Los placeres y los días, un ciclo para establecer relaciones creativas entre los placeres cotidianos, en este caso leer y comer. El acto constará de una conversación en torno al libro de la arquitecta Ester Higueras El reto de la ciudad habitable y sostenible en la que participarán la también arquitecta Cristina Bendala, asimismo agricultora y cocinera e Higinia Romero, médica. El ciclo se desarrollará en la nueva sede del COAATCo, Avda. del Brillante, 16
m

27/9/2009

Un uso público para el Mercado del Alcázar

TRIBUNA ABIERTA
por Gerardo Pedrós
Activista ecologista y profesor universitario


Foto: GMU

Está en período de información pública la aprobación inicial de la innovación de ordenación pormenorizada del P.G.O.U. "Mercado del Alcázar", publicado en el BOP de 9 de septiembre del 2009, contemplándose un mes para realizar alegaciones. Según consta en el documento de planeamiento, el Plan del Casco Histórico contempla dos mercados en el Casco Histórico de Córdoba, el de la Plaza de la Corredera y el del Mercado del Alcázar.

La superficie actual de la parcela - propiedad del pueblo de Córdoba - es de 12.56,66 metros cuadrados, estando ocupados por el mercado y la cafetería una superficie de 614,23 metros cuadrados. Según aparece en el documento de planeamiento, el suelo donde hoy se alza el mercado se cedería durante un periodo de 75 años al Instituto de Estudios Sociales Avanzados de Andalucía (IESA - CSIC).

Tras la cesión, habrá de derribarse el edificio del mercado, cuya tipología a dos aguas es cada vez más infrecuente en Córdoba, y se procedería a erigir un edificio de oficinas de 2 plantas y superficie de 1686,55 metros cuadrados donde el IESA establecería su sede. El documento no contempla ningún uso público para este terreno situado en un enclave privilegiado, en plena zona Patrimonio de la Humanidad.

De ceder este suelo al IESA se consumaría una privatización parcial de un espacio público con grandes posibilidades dada su ubicación. Aunque el IESA sea una institución pública, sería un edificio de acceso muy restringido. Esta zona, dada su privilegiada situación, podría servir para albergar un museo de la ciudad, un centro de interpretación del Alcázar o cualquier tipo de los imprescindibles equipamientos culturales de los que está tan necesitada la ciudad. Si el Ayuntamiento carece en estos momentos de crisis económica de presupuesto para realizar una intervención destinada a dar al solar un uso abierto a la ciudadanía, puede aplazarla para más adelante, en tiempo de bonanza económica, y con vistas al 2016. Hipotecar el uso de este solar situado en una zona privilegiada cediéndola al IESA durante 75 años puede ser una decisión con escasa visión de futuro.

Es por tanto necesario que se modifique este proyecto de innovación y se redacte con una visión que dote a este espacio público de unas características aptas para el disfrute de la ciudadanía, destinándose en su totalidad a equipamientos netamente públicos, de uso cívico o cultural.
m

La discriminación necesaria

por Rosa Colmenarejo

María Moliner recoge dos acepciones para el verbo discriminar (del lat. «discrimināre»)

1. Apreciar dos cosas como distintas (no la misma) o como desiguales. Diferenciar, discernir, distinguir.

2. Específicamente, dar trato de inferioridad en una colectividad a ciertos miembros de ella, por motivos raciales, religiosos, políticos, etc. Discriminación, *racismo, sexismo. Gueto.

Respecto a la polémica tendenciosa, que no debate, suscitada por el anuncio de que la orden ministerial que desarrolla la Ley del Cine primará a la hora de dar subvenciones a las películas dirigidas por mujeres he detectado, una vez más, lo necesaria que es la filosofía en la vida cotidiana. Leo a Rubert de Ventós y su práctico “Por qué filosofía” (1990). En él se nos advierte de lo engañoso que puede llegar a ser el lenguaje, como sistema, cuando se pretende construir un pensamiento personal, independiente, propio: Ocurre a menudo que las cosas se hacen borrosas cuánto más nos acercamos a ellas, como si padeciésemos una especie de hipermetropía teórica. Es entonces cuando la complejidad sistémica del problema a tratar se nos hace realmente visible y nos desconcierta. Frente a ello el filósofo ubica aquello que nos importa poco, bien porque no nos afecta, bien porque afecta a quienes despreciamos, bien porque se nos escapa, es entonces cuando tenemos casi siempre la sensación de que ya sabemos de qué va y pronto lo despachamos con el primer tópico que nos viene a mano.

Afectadas por esto del no verlo claro parecen algunas de las declaraciones recogidas y vertidas por el periodista Pere Ríos en El País del sábado 26 de septiembre de 2009: La discriminación es positiva si está bien motivada. Selecciona el periodista las siguientes entradillas: Primar subvenciones a cineastas mujeres puede amenazar el Principio de igualdad. Todas las políticas para ayudar a minorías o colectivos deben estar justificadas. En Estados Unidos siempre se acompañan de estudios. Vayamos por partes, la discriminación positiva es un instrumento reconocido por la Ley de Igualdad, paupérrimamente aplicada aún, para alcanzar la paridad. Una ley que no se crea para un colectivo sino para las mujeres, quienes representamos más de la mitad de la población mundial. Nuestra invisibilidad social y política es documentada, analizada, estudiada y combatida desde los años sesenta por múltiples institutos de estudios feministas asociados a universidades públicas e instituciones, observatorios, asociaciones… A pesar de la doble página el periodista no parece haberse llegado a interesar suficientemente por el tema, tanto como para dejar atrás sus prejuicios y plantear el asunto desde el punto de vista claramente informativo. Una información necesaria y precisa para invitar de forma honesta a participar en el foro de opinión anunciado a pie de página ¿Está de acuerdo con la discriminación positiva?

En dicho artículo Enoch Albertí, catedrático de Derecho Constitucional, habla de la necesidad de estudiar la situación de desigualdad de los colectivos afectados antes de aplicar esas ayudas “discriminatorias”, aludiendo a Estados Unidos como pionero en la aplicación de estas medidas para terminar diciendo que estas políticas han sido siempre cuestionadas y actualmente están perdiendo mucha fuerza pues la igualdad social es cada día más evidente (sic). La discriminación positiva es necesario regularla con precisión, sin duda. Con la misma extrema precisión con la que se regula la concesión de las subvenciones públicas.

Que es necesaria porque está plenamente justificada no admite discusión, es un hecho, la desigualdad, mucho más evidente que la igualdad social aludida por Albertí. Hemos de dar credibilidad a sus palabras porque habla de igualdad social evidente en Estados Unidos, porque es catedrático de derecho constitucional o porque es un hombre con poder para poder afirmar semejantes boutades sin sonrojarse.


La desigualdad se muestra en este mismo artículo. Victoria Camps, también catedrática, en este caso de Ética, considera que la discriminación positiva es necesaria porque todavía hay pocas mujeres en los lugares donde se debería visualizar la igualdad de sexos. Sin embargo el resaltado de sus declaraciones que elige el periodista para ilustrar el artículo es precisamente la duda, el matiz, la referencia a la complejidad del problema que, como buena filósofa, muestra Camps: Victoria Camps afirma que deben primar los méritos sobre el sexo, extracta el periodista; mientras ella dice que le parecería más apropiado hablar de que se primarán los proyectos cinematográficos de mujeres en igualdad de méritos a los de los hombres más que en igualdad de condiciones. Victoria Camps concluye que a pesar de lo difícil que es la concreción en estos términos no se debe perder de vista que el tema es que a los hombres casi siempre se les supone o se les atribuye el mérito profesional por su condición de hombres y las mujeres lo tienen que demostrar.

No hablamos de cualquier profesión, la trascendencia de las múltiples miradas distintas que aportan las mujeres directoras, guionistas, fotógrafas es fundamental para fomentar el respeto a la integridad, la dignidad, la sabiduría de las mujeres socialmente, en el ámbito público y en el ámbito privado. Mujeres que no son siempre ellas solas ante el mundo, sino las mujeres en relación con la realidad en la que viven, padres, madres, parejas, criaturas, hábitat, medio. Por eso su cine enriquece a la sociedad que puede llegar a verlo, porque muestra muchas realidades distintas, puntos de vista poliédricos que nos hacen dudar de todo, que nos alejan de las certezas del mundo unidireccional al que tienden la mayoría de los directores hombres, egocéntrico y lleno de tópicos e imágenes recreadas de lo que ellos entienden que es o debe ser una mujer. Es precisamente esta visión la que ha lastrado la presencia de las mujeres en el ámbito de lo público y no, como aún pretenden muchos, una elección personal.


En el mismo artículo se recogen declaraciones de Justo Sáez, presidente de la Confederación de Madres y Padres Separados, que muestran la profunda ignorancia con la que se aborda el tema: Las mujeres que se beneficien de las ayudas del cine ya tienen formación y no pasan penurias. Creo que no lo necesitan. ¿Qué igualdad es esa? ¿Por qué no se preocupa nadie de las mujeres que realizan trabajos domésticos ni se aborda en serio el tema de la prostitución dos empleos de muy baja cualificación que sí necesitan de discriminación positiva? (la negrita es mía). Los miedos que se traslucen ante tanta declaración escandalizada, remiten de nuevo a las palabras del filósofo o, también, a las de Bertrand Russell: El método de afirmar o postular lo que necesitamos tiene muchas ventajas; las mismas que tiene el robo en relación con el trabajo honrado. Es, por ejemplo, el trabajo de la Asociación de mujeres Cineastas y de los Medios Audiovisuales (CIMA) ¡No se pierdan su punto de vista!


Para comprender mejor:

http://www.elpais.com/articulo/sociedad/discriminacion/positiva/bien/motivada/elpepisoc/20090926elpepisoc_1/Tes/
http://www.cimamujerescineastas.es/asociacion.html
http://puntodevistablogcima.blogspot.com/
www.dracmagic.com

Fotografías: CIMA

26/9/2009

Manuel Amaro en Carmen del Campo


La Galería Carmen del Campo ha inaugurado la muestra individual de Manuel Amaro, titulada Sueño de trenes, título homónimo al poema de Neruda. Formada por 37 obras, la temática de la muestra es el paisaje, paisaje ferroviario, y "paisajes solitarios y poéticos", según palabras del propio autor.

Manuel Amaro (Montilla, 1981) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Alonso Cano de Granada, entre sus premios y méritos podemos destacar el Primer Premio Nacional del XV Certamen de Pintura Cajasur-Casa de Galicia “Maestro Mateo” (Córdoba, 2007), la selección en los Premios Alonso Cano, en la categoría de pintura, de la Universidad de Granada (Granada, 2007), Concurso Galería Rprsntacion (Granada, 2005) o el ser finalista en el IV Concurso de Pintura Garnelo Ciudad de Montilla (Montilla, 2003). Como ganador del Maestro Mateo expuso en la Sala Reyes Católicos (Córdoba, 2007). Amaro ha realizado asimismo diversas exposiciones en Montilla, Granada o Motril.

Manuel Amaro
Sueño de trenes

Galería Carmen del Campo

Conde de Robledo 5, Córdoba

Del 23 de septiembre al 23 de octubre de 2009

Comienza Aptitudes en La Rambla


Obra de Juan del Junco para el encuentro Aptitudes de La Rambla
Redacción / Ars Operandi

El viernes 25 de septiembre ha comenzado en La Rambla (Córdoba), la segunda edición de Aptitudes Encuentro de Cultura Contemporánea Alfonso Ariza , organizado por el Ayuntamiento de La Rambla en colaboración con la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Se trata del proyecto heredero de la anterior Beca de Escultura Alfonso Ariza que dirigiera la artista Carmen Osuna a lo largo de diez ediciones. En 2007 el encuentro cambia de formato y pasa a ser comisariado por Óscar Fernández , que en 2008 cede el testigo al artista rambleño Juan López, encargado de organizar Aptitudes en las dos últimas ediciones. Con la llegada de Juan López López se amplía el abanico de actividades, dando cabida a la música en directo, el teatro urbano, los ciclos formativos y las intervenciones artísticas en el entorno urbano de la mano de reconocidos artistas visuales. Bajo estas premisas el encuentro pretende en esta edición "mantener vivo el legado artístico y el espíritu innovador de Alfonso Ariza a la par que generar hábitos de consumo de cultura basados en principios de contemporaneidad, innovación y calidad".


La propuesta plástica de esta edición cuenta con la presencia de dos afamados artistas andaluces bajo un epígrafe común Nada es lo que parece. Por un lado el jerezano Juan del Junco presenta una intervención fotográfica que toma como punto de partida temas como la alfarería, el carácter rural, la geografía popular y como no la ornitología. Con estos ingredientes propone una mirada extraña sobre los hechos y lugares más cotidianos. Mediante el emplazamiento de vallas publicitarias en lugares de la periferia rambleña (no-lugares) del Junco construye situaciones tan paradójicas como la que retrata a personas del pueblo encaramadas a los árboles en una actitud que simula el comportamiento de las aves. Juan del Junco es miembro fundador de The Richard Chanin Foundation, colectivo artístico formado en Sevilla a finales de los noventa. Trabajos recientes han podido verse en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (El sueño del ornitólogo), el festival Photoespaña o las galerías Alfredo Viñas o Magda Belloti con las que trabaja habitualmente.
Por su parte el artista lucentino Manolo Bautista presenta una propuesta que aúna, como en él es habitual, imágenes de sintesis junto con tomas fotográficas reales dando lugar a un nuevo estamento representativo lleno de jocosos y llamativos planteamientos narrativos. Bautista, que actualmente disfruta de una beca de estancia en la Kunstlenrhaus Bethanien de Berlin, fué seleccionado por Peter Weibel para participar en la última edición de la Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla y trabaja habitualmente con la galería Rafael Ortíz de Sevilla.
La programación se completa con talleres como el impartido por el diseñador Manuel Fresno en torno a la creación digital o el que transforma y reutiliza objetos cotidianos bajo el título de Consumocuidado. La música en femenino será también protagonista en Aptitudes09 de la mano de la rapera Lula García y de la compositora Lidia Damunt.

24/9/2009

Festival Música Sur de Motril. Entrevista con Juan Carlos Garvayo

por María Santacecilia


La actividad de Juan Carlos Garvayo es variada y frenética, pero su centro como músico lo encuentra sentándose regularmente al piano, sintiendo bajo sus dedos el tacto sensual de las teclas. Su infancia discurrió sin las prisas de los niños de hoy en Motril, junto al mar, en un ambiente casi rural regado por una luz prodigiosa. Afirma que la cultura mediterránea ha dejado más poso en él que los valiosos consejos de algunos maestros. Es un intérprete vocacional, no cabe duda, y su presencia en el escenario desprende excelencia como artista y honestidad. Solista, director, componente del Trío Arbós, dirige en su ciudad natal un festival de resonancias marítimas, Música Sur, centrado en el repertorio camerístico, que celebra en este 2009 a su segunda edición.

María Santacecilia: En el programa de presentación de la edición 2009 de Música Sur, que se celebrará del 26 al 30 de septiembre, redacta usted un hermoso escrito en el que comenta cómo el pasado año los intérpretes se reconciliaron de alguna manera con su profesión, ¿cuál es ese lado ingrato de su trabajo?

Juan Carlos Garvayo: Los músicos nos quejamos de vicio. Para ser una profesión de tipo mayoritariamente vocacional que además no produce ningún bien necesario para la subsistencia básica del ser humano, nos quejamos a menudo de idioteces incomprensibles. Lo que de verdad es ingrato es levantarse a las cinco de la mañana para trabajar en la construcción o en el campo. Yo me refería a reconciliarnos con nuestra profesión buscando el origen de lo que en su día nos llevó a ser intérpretes. La pasada edición Música Sur nos regaló preciosos momentos en los que pudimos apreciar esas razones en estado puro: público y músicos -colegas, amigos- vibrando en torno a Schubert, Debussy o Beethoven. Ahí se recupera la ilusión, a pesar de la tensión constante que implica salir a un escenario, de los viajes pesados e interminables, y de la mezquindad insufrible del mundillo musical.

MS: Esos valiosos instantes se los ofrece a su ciudad natal. ¿Soñó cuando era niño con llegar a desempeñar distintas actividades -solista, músico de cámara, director, gestor- y volver a Motril como artista reconocido?

JCG: Yo nunca tuve sueños de gloria. Todas las facetas que usted enumera, en realidad para mí son parte de lo mismo: el oficio de músico. Ahora bien, haga lo que haga, necesito sentarme regularmente al piano, sentir la orografía del teclado bajo mis dedos.

MS: Me ha sorprendido no encontrar en la programación ni un solo estreno ni en la pasada edición ni en ésta. Teniendo en cuenta el evidente compromiso que demuestra con el repertorio contemporáneo: como director ha estrenado la ópera La noche y la palabra de José Manuel López López, y el Trío Arbós cuenta con una impresionante lista de encargos y primeras audiciones, ¿cómo se plantea la relación del Festival con la música de hoy?


JCG: No le negaré que mi relación con el repertorio actual es muy estrecha, pero no se trata en absoluto de “compromiso”. Musicalmente yo no me he comprometido con nada ni con nadie. Yo amo la música, y esto incluye tanto la del pasado como a la del presente. El abanico de posibilidades de disfrute para un intérprete en el ámbito de la creación contemporánea es impresionante por su extensión y por su inagotable variedad de estilos. Además contamos con el privilegio de poder trabajar directamente con los compositores, y la posibilidad de impulsar la creación de nuevas obras… Sin embargo, el grado de conocimiento y de experiencia que requiere el enfrentarse a cierto repertorio hace que enseguida te encasillen como “especialista”. A mí esto me parece aberrante y me resisto a formar parte de ello. Yo necesito fagocitar toneladas de música diaria para ser medianamente feliz. Quizás la razón de que en el festival no haya estrenos sea que, como ya los hago en muchos otros ámbitos, no necesito hacerlo aquí. Aunque también se debe a nuestro exiguo presupuesto. De haber sido más holgado, sí lo hubiera pensado para este año.

MS: Lo que nos conduce a la cuestión económica. La sombra de la crisis ya planeaba cuando Música Sur nació en 2008. Está dedicado al repertorio camerístico precisamente en España donde, salvo excepciones, no hay una tradición sólida ni de intérpretes ni de público afín al género. Menos aún el de Motril, que ni siquiera cuenta con una actividad concertística intensa. A priori parece una iniciativa suicida, ¿qué respuesta hubo la pasada edición?


JCG: Habría que matizar todas esas circunstancias adversas. El hecho de que en Motril no exista una temporada concertística regular no ha supuesto ningún problema. Desde la primera cita, un público curioso, sensible, y entusiasta como pocos, acudió en masa llenando día tras día el Teatro Calderón. La explicación es fácil: si cubres la necesidad inherente de arte del ser humano (cualquiera que sea su procedencia o formación) con algunos de los ejemplos más bellos del arte musical -el repertorio camerístico está plagado de ellos-, la respuesta será indefectiblemente de agradecimiento y entusiasmo. Por otra parte, aunque la idea de crear un festival de estas características flotaba en mi cabeza desde hace bastante tiempo, Música Sur nació expresamente en 2008 en el marco de los actos de celebración del centenario del Puerto de Motril y la financiación entonces estuvo cubierta enteramente por la Autoridad Portuaria, que además encargó una obra para coro al compositor Jesús Torres para clausurar los actos de conmemoración. La falta de esa “tradición sólida”, ha sido más bien un acicate. Es verdad que en España quienes nos hemos dedicado a la música de cámara no hemos tenido cerca modelos a seguir y por ello hemos tenido que fijarnos en otros países, pero esta situación también nos plantea a la vez el hermoso reto de superar esta carencia aportando todo lo posible para la construcción de una nueva tradición de la que nosotros también formemos parte. Este festival es un grano de arena más en esa dirección.

MS: ¿Y no podría contribuir a ello darle un aire de Academia internacional donde solistas y grupos especializados intercambien experiencias con músicos más jóvenes? Lo digo porque habitualmente los estudiantes de piano lo hacen pensando en ser solistas, pocos de ellos se imaginan haciendo carrera como miembros de un ensemble, y quizá un encuentro en su propio país con intérpretes de alto nivel tanto españoles como internacionales, pudiera suponer para ellos un estímulo importante.

Juan Carlos Garvayo. Foto Xavi Miró

JCG: No descarto la posibilidad de que se llegue a realizar algún día, aunque ahora queda un poco lejos de nuestras posibilidades. Creo la situación de los jóvenes pianistas españoles que usted describe donde realmente hay que solventarla es en los conservatorios. Actualmente, en la mayoría de los casos, esta asignatura la imparten profesores con escasa o nula formación y/o experiencia camerística que no son capaces de transmitir ni los conocimientos ni el entusiasmo necesario para que sus alumnos investiguen este campo. Al mismo tiempo, los propios profesores de piano tampoco suelen fomentar la práctica de la música de cámara, considerándola como algo menor ni siquiera digno de ser tenido en cuenta. Es una situación lamentable, ya que no sólo privan a sus alumnos de una de las formas más maravillosas de experimentar el arte musical, sino que también reducen tremendamente sus salidas laborales futuras.

MS: Los que nos movemos en el ámbito de la música culta -compositores, intérpretes, musicólogos, promotores, periodistas- nos sentimos invisibles para la sociedad, y más aún si se trata de contemporánea. El espacio que le dedican los medios generalistas es cada vez más escaso, y algunos sectores parece que quieran eliminar toda manifestación artística que no interese a un grupo mínimo de personas o que tenga que ser “mantenida” por el estado. En el ámbito de las orquestas se llevan a cabo iniciativas sociales (Venezuela) o ecológicas (Esa-Pekka Salonen y su Festival del Mar Báltico). Esto nos transmite la idea de que la música por sí misma no basta, y debemos mezclarla con asuntos de “mayorías” para justificar su presencia. ¿Con qué argumentos contamos los que nos dedicamos a este mundillo para defender este espacio?


JCG: A mí, como simple músico que soy, lo único que se me ocurre es sentarme al piano y tocar lo mejor posible cada vez que salgo a un escenario. ¿Qué más puedo hacer? Si en alguno de mis conciertos alguien se siente conmovido con lo que escucha, me daré por más que satisfecho. Es evidente que, tal y como está estructurada nuestra sociedad de consumo, la música culta está condenada a ser una manifestación artística de minorías. Habría que cambiar los cimientos para que algo que requiere tiempo, paciencia, esfuerzo, tranquilidad, meditación, excelencia, llamara la atención de una mayoría cada vez más habituada al producto barato de desecho, a la telebasura, a la zafiedad. Si le digo la verdad, desconfío bastante de todas esas tácticas de marketing que pretenden asociarla a algo ajeno para justificar su existencia. La capacidad de convencimiento de la música clásica por sí sola es tan poderosa, tan arrebatadora, que debería bastar. La única obligación que tenemos los que nos dedicamos a ello es presentarla en las mejores condiciones posibles. Tengo la sensación de que lo demás es perder el tiempo.

MS: Esa presencia minoritaria y el hecho de que reciba ayuda pública da argumentos a quienes consideran que se trata de un fenómeno artificial, de invernadero. No sé qué opinión le merece esto. ¿Cree que el hecho de que reciba apoyo estatal desvirtúa en algún sentido la actividad musical?

JCG: Creo que lo que realmente sucede es que la comodidad que implica recibir una generosa ayuda pública produce en algunos casos un efecto de relajación, una cierta laxitud a la hora de crear o de ofrecer un producto al público con el suficiente interés. No creo que sea lógico ni sano hablar de música en términos estrictamente de mercado, pero sí es verdad que para “hacer” música al más alto nivel posible y para elaborar programaciones interesantes y atractivas es necesario mantenerse en un estado de tensión creadora que desaparece o simplemente no existe cuando la cobertura financiera está garantizada cualquiera que sea el resultado. También puede ocurrir el caso contrario, es decir, que la financiación proveniente de empresas privadas condicione los contenidos hacia productos o subproductos musicales de escasa calidad pero de amplia difusión social. Supongo que la solución pasa por estimular la implicación de fundaciones privadas y empresas a través de una ley de mecenazgo adecuada que permita cubrir el desequilibrio existente, así como por crear propuestas adecuadas e imaginativas por parte de los programadores.


MS: En una entrevista reciente, el promotor Alfonso Aijón declaraba que el público español está demasiado acostumbrado a que los precios de los conciertos sean bajos gracias a las subvenciones públicas [leer entrevista]. Afirmaba que la gente encontraba normal pagar 400 euros por ver a Madonna, pero no la misma cantidad por ver algo de excepcional calidad en el ámbito de la música clásica, ni siquiera ópera. ¿Considera que las iniciativas musicales, tanto el Festival que dirige como sus otras actividades como intérprete, podrían ser viables de no tener apoyos públicos?

JCG: Ante todo, tengo que aclarar que más del noventa por ciento de la financiación de nuestro festival procede de empresas privadas. Las aportaciones de las instituciones públicas son meramente testimoniales. Ésta es para mí la situación ideal de mecenazgo, ya que pienso que el estado debería sobre todo dedicarse a otras cuestiones más acuciantes, y de paso mantendríamos la cultura alejada de las veleidades de la política. Ahora bien, sin un mecenazgo adecuado, la mayor parte de la producción cultural y artística europea simplemente no existiría. Es evidente que la música clásica necesita de apoyo financiero para sobrevivir; el problema es que en España son muy pocas las empresas privadas o fundaciones que se interesan por sustentarla, en parte debido a la inexistencia de una ley de mecenazgo bien desarrollada. Por tanto, son a menudo los apoyos públicos los que vienen a rellenar de manera a veces precaria esa carencia. En Música Sur 2009 las entradas son gratuitas por razones circunstanciales, situación que probablemente será modificada en un futuro. Estoy de acuerdo con Aijón en que se debe crear en el público español una conciencia del valor real del concierto al que quieren asistir libremente, sin que otros conciudadanos tengan que pagar con sus impuestos los gustos de otros. No se trata tampoco de erradicar la presencia estatal de la cultura, pero sí de equilibrarla y de delimitar su papel.


Publicado originalmente en Mundoclasico.com

23/9/2009

El vuelo de Hypnos 2009. Galería fotográfica


Como informábamos en una entrada anterior, la edición 2009 de El vuelo de Hypnos, diálogos entre patrimonio histórico y arte contemporáneo - ahora parte del programa Perfiféricos - ha contado con la participación del artista residente en Cáceres César David Montero, quien ha preparado para la ocasión la muestra titulada Lares y hogares.

Realizadas en metales diversos - hierro, acero corten, acero inoxidable - y otros materiales, las esculturas de César David Montero se erigen en el paisaje de la villa romana como una metáfora de la existencia, de la pertenencia a la tierra, del apego a ella y de las raíces simbólicas que el habitante proyecta hacia su tierra. Sus curvas, cuando envuelven las pequeñas casas - el hogar de cada uno, mínimo frente a un todo terrestre - son la proyección de los destinos, del avatar de todo ser, el desarrollo vital simbolizado por una pieza forjada a base de fuego y esfuerzo. Sus ensamblajes aluden asimismo al sitio partiendo de piezas que se identifican con él y en él.
m

21/9/2009

MP&MP. Conversando en la azotea

Los Rosado en la azotea. Foto: Ars Operandi

Los hermanos MP&MP Rosado (San Fernando, Cadiz, 1971) han abierto esta noche , dentro de la programación de Eutopía09, el ciclo Conversaciones en la azotea que reúne en la Casa Adarve a artistas plásticos, cineastas y escritores para mantener una serie de coloquios con el público acerca de sus obras e intereses artísticos.

Miguel Pablo y Manuel Pedro Rosado Garcés son dos hermanos que irrumpieron con fuerza en la panorama nacional e internacional con una obra que reflexiona, desde su condición de gemelos, sobre temas relacionado con la identidad y la memoria.

Representados por el galerista Pepe Cobo sus trabajos son ya habituales en bienales (Sidney, Sevilla) y ferias internacionales (Frieze, Tokio, Armory Show). Escultura, dibujo, fotografía componen una obra plagada de referencias literarias (Wilde, Sontag) y una notable carga romántica y melancólica.

Vista de la exposición de MP&Mp Rosado en Museo Arqueológico de Cádiz. Foto: Claudio del Campo

La pareja de artistas dió un repaso a su carrera artística deteniéndose especialmente en la explicación de sus últimos trabajos como el llevado a cabo en el Múseo Arqueológico de Cádiz. Como quien mueve las brasas y aspira a todo pulmón… es una instalación que reúne fragmentos, restos abatidos, suspendidos, manipulados o restos arqueológicos originales y simulados. Todos ellos conectados mediante raíces, filigranas, tuberías, redes o las líneas e hilos argumentales como las que aparecen en sus dibujos. Se trataba, en palabras de su comisario Francisco del Río, "de vincular desde la idea de la desaparición, es decir, edificar donde empieza la desmemoria"

Adelantaron también un esbozo de sus próximos trabajos entre los que destaca la exposición que llevarán a cabo en la antigua cámara frigorífica del Matadero de Madrid. Inspirados en La Poética del Espacio de Gaston Bachelard, MP y MP proponen un "gabinete de curiosidades" a base de conchas encontradas y piezas simuladas que toman como referencia visual el caparazón de los moluscos para reflexionar sobre el valor esencial del hábitat humano, el valor ontológico del refugio.

Conversaciones en la azotea continúa mañana con la presencia del cineasta y escritor David Trueba y el poeta Eduardo García y cerrará el ciclo el miercoles 23 el grupo La Canalla que ofrecerá una actuación de su fusión de jazz y copla.
m

Desdibujados abre la temporada en Puertanueva


Dennis Oppenheim. 2 Stage Transfer Drawing (Advancing to Future State). 1971. Vídeo. Color. 2’48’’. Electronic Arts Intermix (EAI)

Redacción / Ars Operandi

La Sala Puertanueva comienza la temporada 2009-2010 con la inauguración de la exposición Desdibujados. Comisariada por Jesús Alcaide, la muestra cuenta con obras de los artistas Dennis Oppenheim (EE. UU.), Jorge Satorre (México), Pauline Fondevila (Francia), Rui Calçada Bastos (Portugal), Juan Carlos Bracho (Cádiz), Azucena Vieites (Bilbao), Ignacio Uriarte (Barcelona), Javier Arce (Madrid), Pepe Espaliú (Córdoba, Tete Álvarez (Córdoba), Miguel Moreno (Córdoba), Antonio Blázquez (Córdoba) y Jesús Pedraza (Córdoba.

La exposición cuenta con 35 piezas, que aúnan técnicas como escultura, video, serigrafía, obra sobre papel, animación, fotografía e instalación. Jesús Alcaide, citando a Rafael G. Bianchi, se pregunta si la celebrada presencia del dibujo en el mundo del arte contemporáneo no tendrá algo de sospechoso. Para el comisario "sin duda alguna, ante la avalancha de los nuevos medios en los últimos años, han sido muchos los artistas que se han vuelto a resguardar en las trincheras del dibujo frente a la fría estética de la tecnología punta".

Pero frente a lo que podía parecer un rechazo, sostiene, "debemos entender esto como un proceso de combinación y de crítica, de expansión y de reflexión, de al fin y al cabo otorgarle al dibujo un estatuto más elevado que el de simple boceto,valorando el proceso reflexivo en torno a él y convirtiéndolo en el eje y motorde un proyecto mayor que no se queda en el simple valor plástico y formal. Desde los noventa a la actualidad han sido muchas las exposiciones que hanintentado cartografiar este nuevo espacio, dibujar el mapa de una nuevaiconografía de nuestro tiempo desde los dibujos germinales de Rosa Queralten el MNCARS a proyectos El dibujo por delante en el CGAC, por no pensar en exposiciones individuales como la de Raymond Pettibon en el MACBA".

Tete Álvarez. Retrato de artista trabajando. 2008. Proyección de vídeo sobre carboncillo y papel

Para ello, las obras seleccionadas plantean el proyecto de "(des)limitar las interferencias y confluencias del dibujo con otras disciplinas y plantear una visión colectiva de este espacio desdibujado y desenfocado, indisciplinado a la manera de Mitchell en el que caben el arte de oficina de Ignacio Uriarte, la apropiación feminista de Azucena Vieites, el work in progress de Juan Carlos Bracho, los dibujos germinales de Pepe Espaliú, el palimpsesto intertextual de Pauline Fondevila, la relectura conceptual de Jorge Satorre o Rui Calçada Bastos, las transferencias energéticas de Dennis Oppenheim, las leves instrucciones para la vida cotidiana de Jesús Pedraza, los “estrujados” papeles de Javier Arce o la crítica institucional y al mercado del arte de Tete Álvarez por citar algunos de los trece artistas que participan en la exposición".


Desdibujados
Sala Puertanueva

Ronda de Andujar, s/n, Córdoba
Inauguración: 23 de septiembre de 2009 a las 21:00h

Hasta el 25 de octubre

Comisario: Jesús Alcaide


20/9/2009

Nueva colaboradora: Rosana Herrero

N. del E.

Es un placer y un honor para todos los componentes de Ars Operandi, y muy particularmente para mí, editor de este pequeño proyecto, presentar a la nueva colaboradora de Ars Operandi, Rosana Herrero, quien se encargará desde ahora de una sección dedicada a las artes performativas y teatrales, de las que es una reconocida especialista.

Rosana Herrero es Doctor Europeus en Teatro Irlandés por la Universidad de Salamanca (2007), Master en Literatura y Teatro Anglo-Irlandeses en University College Dublin y Master en Edición en el Instituto Universitario de Postgrado de Madrid. Licenciada en Filología Inglesa y Alemana por la Universidad de Salamanca, ha sido lectora de español en Estados Unidos, Alemania y actualmente en Antigua y Barbuda. Ha sido profesora colaboradora del Instituto Cervantes de Bremen. Autora del libro The Doing of Telling on the Irish Stage: A Study of Language Performativity in Modern and Contemporary Irish Theatre (Frankfurt: Peter Lang, 2008). Su área de investigación se centra en estos momentos en el teatro postcolonial anglófono (Irlanda, India, Caribe). Es además traductora literaria y acaba de poner en marcha una pequeña aventura editorial de lecturas infantiles panhispánicas en formato bilingüe.

Desde aquí le damos la bienvenida en la seguridad de que llenará un importante espacio dentro de Ars Operandi, y ofrecemos a nuestros lectores su primera colaboración en la siguiente entrada.
,

Pina Bausch. La expresión de la vida hecha danza

por Rosana Herrero

Walter Vogel, Pina, Berlín, 2001

Estrenamos sección de artes performativas recordando a dos visionarios universales del escenario transgresor y comprometido que apenas se fueron esta primavera-verano: la coreógrafa alemana Pina Bausch y el fundador brasileño del Teatro del Oprimido Augusto Boal.

Pina Bausch no solo ha sido la Grande Dame de la danza moderna, sino también la pionera del género escénico denominado danza-teatro (Tanztheater), nacido del coraje perseverante de la Bausch quien en los años 70 se atrevió a romper las férreas fronteras entre la disciplina tradicional del ballet y las vanguardias modernas del teatro y la danza. Su osadía le llevó incluso a introducir en escena retazos de vida cotidiana e íntima de sus propios bailarines, dentro de un concepto personal de la danza muy alejado del solipsismo académico. En este sentido es muy reveladora su frase “No me interesa tanto cómo se mueve la gente, sino lo que les mueve”. El lenguaje corporal de las coreografías de la Bausch destila experiencia individual y componente crítico. El cuerpo del bailarín pasa de ser objeto de creación, tal y como sucede típicamente en el ballet y danza clásica, a convertirse en sujeto performativo, no necesariamente perfecto, que cuenta su historia a partir de sus propias experiencias.

Sus escenografías son obras artísticas totalizadoras que integran danza, música, palabra, pantomima, drama, canciones, números circenses, gimnasia, composiciones visuales inolvidables y escenarios monumentales.

En su cosmos escénico está latente la huella del teatro de la alienación de Bertolt Brecht (Verfremdungstheater), las partituras de Kurt Weill, los cabarets políticos de la República de Weimar, los musicales americanos, así como la historia de la danza expresionista alemana, en particular la filosofía coreográfica de Rudolf von Laban, Kurt Jooss y Mary Wigman.


Su obra visionaria como bailarina, coreógrafa y creadora del Tanztheater de Wuppertal hace tiempo que ha adquirido dimensiones de influencia universales, hasta el punto de que hoy en día es imposible concebir la ópera, el teatro o la danza sin atribuirle previamente a Pina Bausch parte importante de sus respectivas coordenadas actuales. Incluso las artes plásticas y el cine se han rendido a sus pies. Así en 1982 fue la princesa ciega Lherimia en el film E la nave va de Federico Fellini, y en 2001 interpretó una escena de su emblemática pieza Café Müller para la película Hable con ella de Pedro Almodóvar. En ella evocaba el pavor de niña ante el horror de la guerra, escondiéndose bajo las sillas de la taberna de su padre. Dirigió además el film Die Klage der Kaiserin (1987-90) y tenía en marcha un proyecto cinematográfico sobre su trabajo coreográfico con su amigo Wim Wenders.

En España la casa de Pina Bausch fue el Festival de Otoño de Madrid, al que acudía asiduamente desde 1986, cuando presentara Café Müller. En 1998 volvió, esta vez al Teatro Real, con Nelken, pieza que fue recibida entre abucheos por parte del sector operístico más tradicional. Por el contrario, ese mismo año Bausch presentó Iphigenie auf Tauris en el Real Coliseo de Carlos, y la buena acogida fue unámime. Otras producciones de Bausch en España han sido: Nefés, Teatro de la Zarzuela (2006); Vollmond, Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial (2008); Das Frühlingsopfer y Café Müller, Liceo de Barcelona (2008). En la próxima edición del Festival de Otoño, la compañía de Bausch interpretará una versión póstuma de Kontakthof.

Datos biográficos y trayectoria profesional

Una mujer de belleza obsesiva, exhausta, elusiva, a veces furiosa y otras magnética. La reina alemana de la danza derretía a su público con unos penetrantes ojos azules. Se ha descrito su rostro como “un Picasso temprano”, largo, pálido, cincelado. Entre sus delgados dedos nunca faltaba un cigarrillo encendido.

Philippine (llamada Pina) Bausch nació en 1940 en la localidad alemana de Solingen (Nordrhein-Westfalia), donde creció dentro del universo comprendido entre la modesta fonda que regentaban sus padres y las clases de ballet. A los 14 años empezó sus estudios de danza en la Escuela Folkwang de Essen de la mano del influyente coreógrafo expresionista Kurt Jooss. Tras graduarse, en 1960 Bausch consiguió una beca en la Juilliard School de Nueva York, donde impartían clases coreógrafos de la talla de Anthony Tudor, José Limón, Louis Horst, Alfredo Corvino, Margaret Craske y La Meri, entre otros. En los dos años que estuvo en Nueva York trabajó también en las compañías de danza de Paul Sanasardo y Donya Feuer, así como en el New American Ballet, la Metropolitan Opera’s Ballet Company, y con Paul Taylor. En 1962 Bausch regresó a Alemania, convirtiéndose primero en la solista y más tarde directora del recién formado Folkwang Ballet de Jooss. En 1972 recibió el encargo de dirigir el Wuppertal Opera Ballet, que al poco tiempo se llamaría Wuppertaler Tanztheater y posteriormente Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Los comienzos en Wuppertal no fueron fáciles. El público no entendía su lenguaje coreográfico y un sector de la compañía llegó a escindirse tras rebelarse por la presencia secundaria de la danza en las coreografías de Bausch.

Pina Bausch. Fotografía Adolfo Vásquez Rocca

Desde sus inicios como coreógrafa Bausch contribuyó a revitalizar la danza moderna alemana cuyas raíces se remontan a la llamada danza de expresión (Ausdrucktanz])en auge en los años 1920, inspirada en los movimientos de la cotidianeidad para expresar experiencias personales. Con la llegada del Nazismo y de la Segunda Guerra Mundial, muchos de sus creadores, como Kurt Jooss, tuvieron que abandonar Alemania y la danza moderna quedó relegada al olvido. Finalizada la guerra, la danza clásica estaba en pleno apogeo. En 1949 Jooss volvió a Alemania para retomar su Escuela de Danza Folkwang, donde se graduaría Bausch, y que sería prácticamente el único lugar donde un bailarín podía en aquel tiempo recibir una formación que no fuera de ballet. No fue hasta finales de los años 60 y los 70 que la danza moderna alemana empezó a recuperar terreno, y ello debido en parte al movimiento estudiantil de la Alemania occidental que se oponía al formalismo del ballet alemán, así como a la danza post-moderna americana y a la americanización generalizada de su país. Algunos bailarines volvieron al expresionismo de los años 20, comenzando a explorar nuevos territorios, combinando elementos de diferentes ámbitos artísticos. A finales de los años 70 comenzó a usarse el término danza-teatro (Tanztheater) para distinguir la obra de estos coreógrafos, entre los que destaca Pina Bausch.

Método Bausch

Desde sus primeras grandes piezas de 1978-79 (Café Müller, Kontakthof, Arien), Bausch basó su proceso de creación en una particular técnica de exhaustivas sesiones preliminares de preguntas a las que sometía a sus bailarines durante los ensayos, acerca de sus experiencias personales, de sus recuerdos, fantasías, deseos, rutinas, frustraciones, manías, etc. Uno de sus bailarines, el australiano Michael Whaites, ha comentado que se trataba de preguntas difíciles de responder, por ejemplo:

- Copia el tic de otra persona
- Haz algo de lo que te avergüences
- Escribe tu nombre mediante movimiento
- ¿Qué harías con un cadáver?
- Mueve la parte favorita de tu cuerpo
- ¿Cómo te comportas cuando has perdido algo?

A continuación Bausch pedía a sus bailarines que dieran forma dramática, visual, o gestual a sus respuestas. Las historias, imágenes, gestos y movimientos resultantes constituían así el núcleo celular de la pieza en ciernes.

Constantes, temas, feminismo de Bausch

El estilo escénico de Bausch se caracteriza por la ausencia de argumento o evolución convencional de la trama y de los personajes. Son también características las escenas de masas, así como las acciones y tramas paralelas, simultáneas. Sus piezas están construidas a partir de pequeños episodios en los que el diálogo y la acción suelen girar en torno a situaciones, atrezzo y vestimenta surreales. Así por ejemplo, en Viktor una bailarina aporrea un bistec para luego embutirlo con el pie dentro de su zapatilla de baile y echar a bailar. En Bandoneon un hombre con su traje de hacer de negocios se convierte en un soñador vestido de tutú (interpretado por el gran bailarín de Bausch, Dominique Mercy). La repetición es además un recurso estructural para Bausch que le permite analizar comportamientos humanos desde la distancia que aportan perspectivas diferentes.

Bausch apuntaba directamente al subconsciente de su público que así lo reconocía estupefacto y convulso. Todas y cada una de las piezas de Bausch tienen que ver con el amor, el cuerpo, la alienación, la violencia, la soledad a pesar de la proximidad del otro, la búsqueda de la identidad individual y de la plenitud, el deseo y la frustración. El crítico alemán Manuel Brug resume la filosofía de Bausch como “la interpretación del alma y la guerra de sexos”.

Bausch mostraba el bailarín como ser humano no como cuerpo de perfección motriz. El ejemplo más consecuente de este principio fue la pieza Kontakthof (1978), interpretada por jubilados, con la que viajó por toda Europa durante cinco años. Los bailarines habían sido anteriormente artistas, secretarias, dibujantes, y comprendían entre 58 y 77 años de edad. El año pasado Bausch recreó esta pieza con un reparto de escolares adolescentes de escuelas de Wuppertal.

Los bailarines de Bausch solían interpelar al público con preguntas interactivas e íntimas. En Kontakthof, por ejemplo, una bailarina le pedía a un espector una moneda para montarse en el caballito del escenario. En Wiesenland (2000) los bailarines lanzaban preguntas indiscretas entre el público, si estaban enamorados, cuántos hijos tenían, si querían a la persona que tenían al lado o si por el contrario les apetecía ir al camerino con el bailarín.

Su marido, el escenógrafo y diseñador Rolf Borzik, fue quien primero fue capaz de dar forma y volumen al universo indómito de la Bausch, con escenarios que alcanzaron ecos legendarios, que provocaban apasionadas y minuciosas reseñas en periódicos y revistas. Para reflejar la vida interior de los bailarines Bausch recurría a formas y materias naturales como agua, tierra, flores, hojas que eran parte integrante de la composición escenográfica de muchas de sus producciones. Así encontramos el escenario de Bausch repleto de hojas secas (Blaubart), hierba verde (1980), agua (Arien), inmundicia y lodo (Frühlingsopfer y Auf dem Gebirge hat man ein Geschrei gehört), miles de claveles de color rosa de plástico (Nelken), una montaña cubierta de 40000 flores rojas de seda (Fensterputzer), gigantescos leños de secuoya (Nur Du). Entre el atrezzo insólito característico de Bausch destaca un hipopótamo (Arien), una enorme ballena azul (Nur Du), dos perros de policía (Nelken), ovejas (Viktor), y ratones (Bandoneon).

Pina Bausch en Cafe Müller. Fotografía de Adolfo Vásquez Rocca

La inspiración de Bausch no solamente emanaba del fuero interno de ella y de sus bailarines. Desde 1986 puso en marcha una serie de coreografías in-situ creadas con toda la compañía en residencia por diferentes ciudades del mundo, con el fin de empaparse de la atmósfera, las historias y las ideas del lugar. Así surgieron Viktor (Roma, 1986), Palermo (Palermo, 1989), Tanzabend II (Madrid, 1993), Ein Trauerspiel (Viena, 1994), Nur Du (Los Angeles, 1996), Fensterputzer (Hong Kong, 1997), Masurca Fogo (Lisboa, 1998), Wieseland (Budapest, 2000), Água (Río de Janeiro, 2001), Nefés (Estambul, 2003), Ten Chi (Japón, 2004), Der Rough Cut (Corea del Sur, 2005), Bamboo Blues (India, 2007), Neues Stück (Santiago de Chile, 2009).

Críticas

No faltó quien aborreciera las producciones de Pina Bausch, aunque seguramente tampoco habrá podido olvidarlas, ni quien se levantara de la butaca antes de que finalizara la pieza o cancelara indignado su sagrado abono anual en los primeros años del Wupperthaler Opera Ballet de Bausch. No todo el público estaba preparado para entender la aparente carencia de coherencia formal y argumental propuesta por Bausch, que incluso resultaba cuestionable desde el punto de vista moral tradicional. Además de acusarla de contaminar la danza con otros elementos foráneos, críticos como Arlene Croce del New Yorker han tachado a Bausch de “pornografía del dolor” por la exhibición desaforada de confesiones brutales, por las revelaciones vergonzosas de miserias, odios y deseos humanos, y por coreografías rabiosas que entrañaban peligro físico para los propios bailarines. Los críticos americanos han expresado su incomodidad además con el frecuente despliegue de violencia, especialmente contra la mujer, en las coreografías de Bausch, que en su opinión resultan sensacionalistas. Así por ejemplo el título de su pieza Fürchtet Euch nicht!No temáis evoca la letra de una canción interpretada por un hombre de voz suave que viola a toda mujer que se cruza en su camino. Por el contrario, los críticos y bailarines alemanes han defendido a Bausch señalando que la violencia es una realidad de nuestras sociedades, presente en las películas, en la televisión, ¿por qué no en la danza? Bausch ha rechazado a menudo la etiqueta de feminista que se le ha atribuido, negando además toda agenda social o política en su obra, si bien ha dejado claro que los retratos de violencia y masoquismo de género en sus piezas son vías de reflexión y exploración del sufrimiento y la rabia que tales fenómenos engendran.

Acerca de los bailarines de Bausch, se ha comentado en ocasiones que no parecen bailarines, debido a su disparidad de formas y tamaños corporales y edades. Sin embargo se trata de bailarines profesionales que reciben clases de baile diarias. Por cierto, una de sus bailarinas de las primeras décadas era española, Narazeth Panadero. Eso sí, la compañía de Pina Bausch no tiene estrellas ni solistas.
m

19/9/2009

El IAPH restaura un tapiz de la Fundación Medina Sidonia

.


El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH) ha recibido el sexto tapiz de Montalto, para su restauración en el taller de tejidos. Con esta intervención, programada por la Dirección General de Bienes Culturales de la Consejería de Cultura, el IAPH finaliza el trabajo iniciado en 2003 en la serie de seis tapices con el escudo central de la Casa Ducal de Montalto, pertenecientes a la Fundación Casa de Medina Sidonia y ubicados en el palacio ducal de Sanlúcar de Barrameda (Cádiz).

La colección, de estilo barroco y datada en el segundo tercio del siglo XVII, está atribuida al taller del tejedor Frank Van den Hecke por su técnica y estilo de tejer, basado generalmente en cartones pintados por Rubens. F. Van den Hecke (FVH), maestro tejedor de Bruselas, fue decano del gremio de tejedores y tapicero de la Corte.

A diferencia de los cinco tapices anteriores, intervenidos en las dependencias del Palacio de Medina Sidonia, el sexto tapiz se restaura en la sede del IAPH en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla debido al deficiente estado de conservación que presenta, principalmente como consecuencia directa del sistema de exposición o colgadura, basado en un sistema antiguo de anillas que no puede hacer frente al gran peso y dimensión del tapiz (más de 4 m x 3 m).

Para garantizar la conservación de la obra en el futuro, la intervención del IAPH mejorará este sistema con bandas de velcro, incorporando previamente al tejido un nuevo forro que sirva de refuerzo y protección de la pieza.

El tratamiento del sexto tapiz de Montalto seguirá previsiblemente las fases de intervención llevadas a cabo en los cinco tapices ya restaurados por el IAPH: limpieza por microaspiración, eliminación de zurcidos de otras restauraciones anteriores, corrección de deformaciones y pliegues mediante vapor frío puntual y fijación de hilos sueltos empleando la técnica de costura con hilos de fibra natural.

La finalización de la restauración está prevista para abril del próximo año.

Entrevista con Alfonso Aijón

por María Santacecilia


Alfonso Aijón.
Foto: Ibermúsica


En cualquier país europeo, Alfonso Aijón sería considerado un monumento vivo en el ámbito de la programación de música clásica. Pero, quizá, el fenómeno de Alfonso Aijón no hubiera podido producirse en otro país que no fuera el nuestro. La energía, la determinación y la personalidad, puestas al servicio de una aventura cultural son raras aquí, pero si surgen, son imparables. Y pese a su reconocimiento y los premios recibidos por este hombre ejemplar, Ibermúsica, su agencia, sigue obligada a levantar la piedra cada año, y van cuarenta de actividad. Feliz cumpleaños y "buena suerte".

María Santacecilia - La programación 2009-10 viene más cargada que nunca de españoles, tanto intérpretes, como compositores y directores, ¿a qué se debe ese sabor intensamente hispano?

Alfonso Aijón - Siempre hemos programado músicos españoles. Si se concentran más artistas de nuestro país en esta temporada es porque quería que nuestro 40 aniversario tuviera ese valor añadido.

MS - ¿Cuál es el criterio para escogerlos? Porque hay de todo, desde jóvenes promesas hasta profesionales asentados y reconocidos.

AA - Consagrados son los directores de las orquestas españolas que participan. Nuevos felices descubrimientos son el director Pablo González al igual que el violonchelista Adolfo Gutiérrez. Ambos merecen ser invitados a un ciclo tan acrisolado como el nuestro. Me pareció también que en nuestro aniversario, de alguna forma, debíamos contemplar la presencia de la mujer con un programa en el que Gloria Isabel Ramos dirige música de una compositora, Pilar Jurado, y en el que también está presente una solista que dio sus primeros pasos con nosotros, Rosa Torres Pardo. Los comentarios estarán escritos por una musicóloga, Teresa Cascudo.

AA - Cuando programaron esta temporada lo hicieron bajo algunas premisas de la entonces reciente dirección artística del Auditorio Nacional, ¿de qué manera condicionaron esas directrices la presente temporada y qué opinión le merecen?

AA - Creo que no existen tales directrices, pero estaría en contra si las hubiera. No sólo porque nos retrotraería hasta épocas felizmente superadas y olvidadas, sino también porque es precisamente el Ministerio de Cultura quien podría llevarlas a cabo mejor que la iniciativa privada. En cualquier caso, Ibermúsica siempre ha incluido tanto música contemporánea como española, y esta temporada es un ejemplo de ello. Cuando en su día Marset nos reunió a los promotores, sugirió algunos criterios de programación, pero no los impuso.

MS - Entonces, ¿cómo explica la polémica salida de Promoconcert del Auditorio?

AA - Conozco la historia de ese enfrentamiento, pero también me ha parecido escuchar que esa disposición no la hemos recibido, algo que al parecer sí debió de suceder con Promoconcert, según cartas de protesta que he leído en alguna revista musical. En cualquier caso, yo sugeriría que hicieran un ciclo en el Auditorio invitando, en la misma temporada, a seis o siete orquestas de nuestro país, obligándolas –a ellas sí, porque están subvencionadas– a interpretar música española con directores e intérpretes españoles jóvenes. Ésa sería la mejor plataforma para conocerlos y apreciarlos.

MS - Creo que un ciclo así se está haciendo en el Auditorio con orquestas jóvenes aunque, como todo, se verá seguramente afectado por la crisis, que no hace distingos, ¿también perjudica a Ibermúsica?

AA - Programo con tres años de anticipación, de hecho tenemos ya anunciada la temporada 2010-2011 con orquestas, obras, intérpretes y fechas. Por ello, si la crisis arrecia me afectará en el 2011-2012, pero cuento siempre con los miles de abonados que nos han seguido y apoyado con su confianza durante décadas y que han hecho posible que celebremos nuestro 40 aniversario.

MS - La programación 2009-10 será muy especial por esa celebración.

AA - La temporada viene, como siempre, marcada por orquestas prestigiosas. Muchas de ellas supieron de nuestro cuadragésimo aniversario y han querido participar en él, incluso cambiando giras previstas o postergando otros compromisos. También están los directores amigos que ayudaron a que Ibermúsica no desapareciera: Zubin Mehta, Daniel Barenboim, Jansons, Claudio Abbado…

MS - Las cifras redondas suelen servir para hacer balance y proyectar el futuro...

AA - Sólo aquellos aficionados que tienen más de 50 años pueden valorar lo que ha hecho Ibermúsica. Comenzamos en el Teatro María Guerrero y continuamos en el Teatro de la Zarzuela con el "Ciclo de Grandes Intérpretes", y fuimos capaces de llegar a 14 ediciones con esta denominación que adoptó años después la Universidad Autónoma y más recientemente la revista Scherzo. En ese periodo de los años 70 y parte de los 80 presentamos en España jóvenes que eran completamente desconocidos y que introdujimos en las sociedades filarmónicas y orquestas de nuestro país. Me refiero a Maria João Pires, Kristian Zimerman, Zoltan Kocsis, Andras Schiff, Gidon Kremer, Vladimir Spivakov, Christian Zacharias, Cho Liang Lin, Silvia Marcovici, Mihail Pletneev, Lisso Virsaladze, Grigori Sokolov, Natalia Gutman… Hoy todos ellos son nombres admirados y habituales en las programaciones españolas. En aquellos años abríamos un abono y venta libre en taquilla, y llenábamos sólo media sala con pérdidas enormes que cubría la familia. Llegó un momento en que la situación era insostenible y emprendí una huida hacia adelante que salió bien. El Teatro Real sólo estaba disponible para actos promovidos por el Ministerio de Educación y como sede de la Orquesta Nacional. A la llegada del Gobierno de UCD, se abrió a instituciones privadas que lo quisieran alquilar y fue en ese momento cuando Ibermúsica inició sus ciclos sinfónicos de abono. Tanto por calidad como por cantidad, aquello era una novedad, pero a pesar de ello nunca llenábamos, y cito como ejemplo la presentación en España de la Chicago Symphony con G. Solti en 1985. Entonces tres millones de pesetas se quedaron en taquilla sin vender. Además trajimos a España por primera vez a la Boston Symphony, Los Angeles Philharmonic, Nueva York Philharmonic, San Francisco Symphony, Dallas Symphony, Leningrad Philharmonic con Mravinski, London Symphony, London Philharmonic, Royal Philharmonic, The Academy of Saint Martin in the Fields, Virtuosos de Moscú, Staatskapelle Dresden, Staatsoper Berlin, Bolshoi Theater, Kirov Theater, etc…

Alfonso Aijón con el director Carlo Maria Giulini
Foto: Ibermúsica

MS - Impresionante. Y algunas de ellas no sólo vinieron a Madrid…

AA - Paseábamos casi todas estas orquestas por España cuando aún no había auditorios. Actuaban en espacios deportivos o en salas de cine y creamos a nuestro riesgo ciclos sinfónicos en Bilbao, en Liria, en Sevilla, en La Coruña... Fomentamos en provincias la necesidad de este tipo de conciertos que de alguna manera propiciaron la creación de auditorios y de orquestas locales que no existían. Puede parecer presuntuoso, pero la vida sinfónica del país se ha beneficiado de nuestro riesgo y esfuerzo. Con todo, las perjudicadas han sido las heroicas Sociedades Filarmónicas españolas, que durante decenios han mantenido la vida musical en sus ciudades y ahora se ven desplazadas por la creciente afición por las grandes formaciones y el hecho de que cada ciudad tenga su propia orquesta.

MS - Y el futuro, ¿cómo se plantea?

AA - Llevamos 40 años en primera línea. Sobrevivir y mantener la continuidad en un país como el nuestro, tan dado a la improvisación y al abandono de proyectos, nos ha dado la experiencia suficiente para afrontar problemas. Nosotros nunca hemos pedido subvención a ningún gobierno, desde los del franquismo hasta el actual socialista, lo que nos ha dado independencia y posibilitado vivir la realidad económica y política de cada momento. Eso sí, temo que la actual crisis afecte a la actividad musical en España, ya que las orquestas locales, los teatros de ópera y los conciertos en general se mantienen con la ayuda estatal, autonómica o municipal, con precios excesivamente políticos, y si vienen los recortes presupuestarios el aficionado no podrá hacer frente a precios reales porque no está acostumbrado a pagarlos, al contrario que los fans del rock o el pop. Sin ir más lejos, recuerdo los 400 euros que costaba la actuación veraniega de Madonna.

Publicado originalmente en Docenotas.
m