.

.

31 de dic. de 2009

El IAPH muestra la huella ecológica histórica en el Parque de las Ciencias de Granada

El IAPH en la exposición La historia bajo tus pies. Foto: IAPH

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH) dirige en el Parque de las Ciencias de Granada la exposición La historia bajo tus pies, junto al grupo de investigación Paleobiología, Bioestratinomía y Tafonomía (RNM353) de la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla, donde se muestra la actualidad de la ciencia y la tecnología a partir de la evolución de nuestra huella ecológica histórica.

La historia bajo tus pies muestra las herramientas, procesos y resultados de una de las líneas de investigación patrimonial del IAPH: la huella ecológica histórica o “paleohuella”. Se trata del análisis y estudio, a través de elementos orgánicos hallados en excavaciones arqueológicas, del impacto que han producido los humanos en la naturaleza a lo largo del tiempo. La investigación permite también reconstruir los recursos naturales de otros tiempos y su uso en las sociedades.

Para ello, la exposición recrea el trabajo del Laboratorio de Paleobiología del IAPH, desde el rescate de material en un yacimiento arqueológico hasta el análisis de los resultados, presentándose diferentes técnicas de preparación y restauración de restos animales y nuevas metodologías de estudio de ADN antiguo. La muestra se completa con dos estudios, uno realizado en playas andaluzas en colaboración con el Museo Municipal de Paleontología de Estepona y otro de los vertebrados terrestres del Parque Natural Sierra Norte de Sevilla, en colaboración con la Consejería de Medio Ambiente.

Esta actividad se enmarca en el programa Ventana de la Ciencia, de la Consejería de Innovación, Ciencia y Empresa de la Junta de Andalucía y el Parque de las Ciencias, que pretende mostrar a la sociedad trabajos reales de investigación e innovación así como la actividad desarrollada en el sistema de I + D + i de Andalucía.

La exposición estará abierta al público desde el 18 de diciembre hasta el 17 de enero en el horario habitual del Parque de las Ciencias (de martes a sábado de 10 a 19 horas; domingos y festivos de 10 a 15 horas; lunes, 25 de diciembre y 1 de enero, cerrrado).

Felicitación de Fernando M. Romero


Fernando M. Romero nos envía una felicitación para todos los lectores de Ars Operandi.

30 de dic. de 2009

Recortes en el CDAN

Miguel Ángel Moreno, Dispositivos para territorios de consumo, 2006
Colección CDAN
En tiempos de crisis, sabido es que la cultura es uno de los campos que primero ve reducido su presupuesto. Es el caso del Centro de Arte y Naturaleza (CDAN) con sede en Huesca, cuyos patronos son el Gobierno de Aragón, la Diputación de Huesca, el Ayuntamiento de Huesca y Bodegas Enate. El presupuesto aprobado para 2010 se ha reducido a 850.000 euros, desde los 1,8 y 1,7 millones de euros con que se dotó al CDAN en 2007 y 2008 respectivamente. Es una reducción a la mitad del presupuesto. La ampliación del museo, una ampliación de 1800 m2, cuyo proyecto está encargado a Rafael Moneo, no se ha tratado en las reuniones de los patronos. Sí se han cerrado las exposiciones de este año, las cuales serán Revolviendo en la Basura, sobre residuos y reciclajes en el arte actual; Mensurable, que tratará sobre cómo se miden los fenómenos naturales a través de imágenes y cine y su evolución con documentos científicos y piezas de arte; zonas inhóspitas de la tierra fotografiadas por el británico Thomas Joshua Cooper, y por último, la del fotógrafo oscense Albert Gusi.

28 de dic. de 2009

Fallece el escultor Jacinto Higueras


Jacinto Higueras, escultor, ha fallecido el pasado día 25 en Madrid a la edad de 96 años. El Museo de Jaén le dedicó en 1966 su primera retrospectiva y el pasado mes de junio la Real Academia de Bellas Artes de Granada le concedió la Medalla a las Bellas Artes Juan Cristóbal. Nacido el 7 de enero de 1914 en Santisteban del Puerto, provincia de Jaén, Jacinto Higueras colaboró estrechamente con García Lorca en la compañía de teatro La Barraca, siendo miembro fundador en 1932 hasta su disolución en 1936. Era el último miembro vivo de La Barraca. Durante los años treinta se movió siempre en torno a la figuración: desde el retrato a la experimentación cubista. La Guerra Civil cambió el curso de su carrera, realizando numerosos ejemplos de escultura religiosa y monumentos públicos donde demostró su excepcional técnica, que alternó con un grán interés por la investigación de nuevos materiales. En la pasada exposición Mateo Inurria y el arte de su tiempo (2007), pudimos contemplar en Córdoba algunos ejemplos de su obra. S. T. T. L.
m

Felicitación de Hisae Yanase


Nuestros queridos amigos Hisae Yanase y Antonio I. González nos envían su felicitación para el Año Nuevo, Año del Tigre según la tradición japonesa, con el deseo de compartirla con todos los lectores de Ars Operandi.

27 de dic. de 2009

Felicitación de Miguel Segura


Nuestro estimado amigo el artista vallisoletano Miguel Segura nos envía su postal navideña, Los tres árboles, con la que felicita a todos los lectores de Ars Operandi.

26 de dic. de 2009

Ars Videos: Epílogo sin confirmar. Rafael Agredano.



Video que documenta la exposición Epílogo sin confirmar del artista Rafael Agredano (Córdoba, 1955) celebrada en la Sala Puertanueva en mayo de 2005 y comisariada por Oscar Fernández y Jesús Alcaide. Se trata de una muestra retrospectiva que repasa la trayectoria de Agredano y que abarca desde sus primeras pinturas de finales de los ochenta hasta sus incursiones más recientes en la fotografía digital. En este sentido, para sus comisarios, se trata de una exposición "de tránsito, que trata de recuperar para los cordobeses la memoria de Agredano y que está configurada en series, lo que da a la muestra la apariencia de una cita de muchos autores, tal es la variedad técnica y temática de un artista que muestra en ella la originalidad de sus visiones y la necesidad de expresar, a través de la materia, un mundo interior frecuentemente difuso"

Rafael Agredano fue miembro fundador, a principios de los años ochenta, de la revista Figura que en aquel momento resultó indispensable para la apertura del panorama español de las artes plásticas. Figura (primavera 1983 – octubre 1988), surgió en principio como una revista de alumnos de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, cuyo inicial carácter local fue eliminado por el consejo de redacción que se hizo cargo de la revista, y cuyo factótum fue Guillermo Paneque. Rafael Agredano fue invitado a formar parte del consejo y aportó para el número 0 el texto referencial de la revista Figura y por extensión de la posmodernidad sevillana, Titanlux y moralidad, de donde se entresaca una de las citas más repetidas para referirse a este periodo, escrita como declaración de intenciones: “Quien quiera pintar como De Kooning que lo haga y el que quiera pintarle claveles a la morena de mi copla que se los pinte, pero por favor, no molesten con estúpidas ironías a los que están en su sitio, es decir, pintando como exigen los tiempos que corren y de acuerdo con su generación. Y otro favor: no seáis tan aburridos, tan serios, tan intrascendentemente trascendentes, tan moralistas, tan soberbios. La pintura tiene menos importancia de la que se le da (…) un cuadro, al fin y al cabo, sólo es un objeto decorativo que sirve para ponerse sobre un sofá y ser olvidado con el tiempo”.

24 de dic. de 2009

Felicitación de María Ortega Estepa


María Ortega nos remite sus mejores deseos, que participamos con ella y con todos nuestros lectores, para quienes nos indica el envío. ¡Gracias!
m

Felicitación de Miguel Gómez Losada


También nuestro apreciado amigo Miguel Gómez Losada se une a la felicitación compartida para todos nuestros lectores, deseos que le retornamos con todo nuestro afecto y cordialidad.
,

Felicitación de Miguel Ángel Moreno


Nuestro querido amigo Miguel Ángel Moreno, con quien nos congratulamos por su exitosa actuación en la consecución de Burro Grande para El Carpio, nos envía sus felicitación, que es para todos los lectores de Ars Operandi.
m

Sobre El patio de mi casa



Magdalena Atria en el patio de San Basilio 50. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

La pasada intervención El patio de mi casa, realizada en nuestra ciudad entre los meses de octubre y noviembre ha deparado, en lineas generales, comentarios muy favorables desde todos los ámbitos, tanto en la opinión del público como de la crítica especializada. Desde Ars Operandi hemos realizado una encuesta, con el título ¿Qué intervención de El patio de mi casa te ha gustado más?, sin ningún ánimo competitivo, y que sólo refleja las opiniones de aquellos lectores que han votado, sin que necesariamente compartamos la opinión mayoritaria. Estos son los resultados:

El mayor número de votos, de un total de 61, ha sido para la pieza de Magdalena Atria, The ink mirror, con 16 votos (26% del total). La intervención en plastilina que la artista chilena realizó en el patio de San Basilio 50 recibió, en líneas generales, una muy favorable acogida. La unión entre una estética psicodélica y la tradicional azulejería andaluza conectó con los asistentes, que hicieron notar en sus comentarios la perfecta integración conseguida entre la pieza y el entorno.

En segundo lugar, con un voto menos y el 24% del total queda 2016 caracoles, de Fernando Baena. La intervención en la calle Pastora del artista de Fernán Núñez ha sido una de las más favorablemente comentadas. 9 votos (14%), han ido para la intervención de Cristina Lucas, Alicia de Córdoba. Su instalación en la Casa de las Campanas ha hecho las delicias de los visitantes, transportados a un escenario fantásticamente irreal.

7 votos, un 11% han ido para el brasileño Rubens Mano. Su instalación en el entorno de los museos Romero de Torres y Bellas Artes no ha pasado desapercibida, pese a su aparente falta de espectacularidad. 3 votos, un 4%, es lo que los lectores han otorgado a la instalación de Federico Guzmán, Jardín de plantas medicinales y sagradas, sin duda una de las intervenciones que han sido más celebradas; incluso muchos de los asistentes preguntaban por la posibilidad de dejar de forma permanente la instalación en el patio de la Casa de los Guzmanes, hoy Archivo Municipal.

2 votos, un 3%, han logrado Mounira Al Sohl por su intervención en la calle Martín de Roa; Priscilla Monge por Flow, en la calle La Palma, un muy elocuente alegato contra la violencia; Glenda León y el sugestivo Jardín íntimo realizado en el patio de Isabel II, y Mona Hatoun por su Hanging gardens del Palacio de Viana, una pieza que sin duda habría ganado más de encontrarse la cancela del Patio de las Columnas abierta y no cerrada, como incomprensiblemente se encontraba.

Un voto para cada uno (1%), han ido para Cai Guo-Quiang y su Moving gardens, quizá de mayor movilidad si no hubiesen estado las tortugas en época de hibernación; para Jorge Perianes y su intervención en el Palacio de Orive y para Mariana Castillo y sus setos podados en el Arqueológico, de desigual acogida.

Público en el patio de la calle Pastora. Foto: Ars Operandi

La pieza de Carlos Garaicoa, Principios básicos para la destrucción - la ciudad de azúcar habitada por hormigas instalada en la Facultad de Filosofía y Letras - no ha alcanzado ningún voto, constándonos como nos consta que ha sido una de las intervenciones que más comentarios ha suscitado, los cuales iban desde el rechazo más absoluto por la utilización de animales vivos (caso que se ha dado en tres intervenciones sin que las otras dos hayan sido objeto de censura), hasta la celebración de la pieza como una acertada metáfora de la civilización humana, entregada a la destrucción en un mundo repleto de recursos.

No han conseguido ningún voto, asimismo, los videos presentados por Nina Yuen, Kan Xuan y Nedko Solakov. Yuen no ha logrado interesar a la mayoría del público, que veía en la pieza una obra ajena al concepto de integración instalación-entorno. Laughing girl de Kan Xuan podría haber alcanzado otras expectativas de haberse realizado, grabado y reproducido la performance en el patio de Maese Luis, donde el video estuvo expuesto. La integración y comprensión habría sido otra. La obra de Nedko Solakov con Fernando Tejero como protagonista, pese a su cercanía argumental, tampoco ha logrado voto alguno, cuestión que, repetimos, es irrelevante respecto a la calidad de las obras expuestas y del indudable éxito que El patio de mi casa ha supuesto para crítica y público en una de las más acertadas demostraciones de arte público realizadas en nuestra ciudad.
m

22 de dic. de 2009

Felicitación de Santi Cerezo


El artista montillano Santi Cerezo nos envía una felicitación que hace extensiva a todos nuestros lectores: desde el otro lado... una inteligente visión de tan sugerente creador, perspicaz siempre.

21 de dic. de 2009

El Burro Grande de Fernando Sánchez Castillo

José Álvarez / Ars Operandi

Fernando Sánchez Castillo ha dedicado parte fundamental de su obra artística a indagar en la memoria crítica de nuestra historia a través de aquellos elementos de uso común que han devenido en iconos. La utilización de éstos, de los que el artista transforma sus significados políticos para retomarlos como meros componentes culturales del imaginario colectivo, funciona como un certero análisis de nuestra actitud ante su presencia, toda vez que la nueva representación que hace de ellos está desprovista de su mensaje original. Para Sánchez Castillo, el arte es representación, justamente, según sus palabras “representar, volver a presentar problemas que no se hallan resueltos”. Los elementos con los que el artista trabaja, como imagen de lo público, van desde lo mítico, lo sustentador de ideologías o de sistemas hasta lo más anecdótico, pero no por ello menos importante ni representativo de unos rasgos culturales comunes.

Burro Grande aparece con la intención de crear una obra de arte inspirada en un cartel publicitario, el toro diseñado en 1958 por el portuense Manolo Prieto como símbolo de las famosas bodegas, un icono que traspasó los límites de lo comercial para convertirse en un elemento patrimonial inserto en el paisaje cotidiano a modo de land art avant la lettre. Como parte de ese imaginario colectivo, el toro fue modificando su significado hasta ser presentado como símbolo del españolismo de veta brava, reproducido hasta la saciedad en pegatinas, camisetas y banderas, justamente por su capacidad aglutinadora desprovista de significado político. Precisamente en Cataluña, la respuesta a esta reutilización de los símbolos ha sido el derribo sistemático del único toro de Osborne existente y la creación de una otredad en el ruc català.

Cuando Sánchez Castillo crea su Burro Grande analiza de forma irónica esta polémica, yendo, naturalmente, mucho más allá cuando nos muestra sus múltiples lecturas: “Frente al caballo aristocrático y militar, los valores del burro son los del pueblo, está asociado al campo, a las clases populares, encarna el día a día; frente al toro atávico el burro es cotidiano, representa la templanza frente a lo irracional… Y con tantos toros en la carretera había que equilibrar la balanza”.

El Burro Grande es la primera pieza de carácter permanente que se vincula a las Jornadas de Intervención Artística Scarpia que se vienen celebrando durante dos semanas cada verano, desde hace ocho años, en El Carpio. La llegada del Burro Grande consolida la relación de este pueblo con el arte contemporáneo y el paisaje, ya que supone el inicio de una colección de arte público y el afianzamiento de El Carpio en el panorama artístico nacional.

Felicitación de Paco Lara-Barranco


Paco Lara-Barranco, artista de quien tuvimos ocasión de ver obra expuesta en la pasada Bienal de Fotografía, nos envía una felicitación para ser compartida con nuestros lectores.
m

20 de dic. de 2009

Ars Videos: Cnida, de Hisae Yanase




Nueva entrega de Ars Operandi Videos, esta vez con una exposición clausurada recientemente. Se trata de Cnida, una muestra de los últimos trabajos de Hisae Yanase que se pudo contemplar en la Galería Arte21. Para leer mas sobre la exposición aquí y aquí.

Felicitación de Nicole Muchnik


La pintora y fotógrafa Nicole Muchnik nos envía este collage de sabor romántico con Pushkin de protagonista como felicitación navideña para ser compartida con nuestros lectores.

Felicitación de Tete Álvarez


Tete Álvarez nos envía esta intervención sobre una postal de Viktor Paul Mohn titulada "Die Verkündigung der hirten". Una anunciación a los pastores que Tete Álvarez actualiza mediante la inclusión de un lienzo del muro que separa a Israel de los territorios ocupados de Cisjordania

Felicitación de Antonio Aranda


El diseñador malagueño Antonio Aranda nos envía una felicitación para ser compartida con todos nuestros lectores, lo que hacemos con sumo agrado.

Felicitación de Mª Luisa Torres


María Luisa Torres, pintora y profesora, nos envía esta fotografía tomada en Sahara y que titula Sagrada Familia 2010, para felicitar con ella a todos nuestros lectores.

Felicitación de Rocío Alarcón


La diseñadora e interiorista Rocío Alarcón nos envía una felicitación para compartir con todos nuestros lectores.

Felicitación de Goval


Nos llegan felicitaciones navideñas para ser compartidas con nuestros lectores. Comenzamos con Goval y su ya famosa tarjeta navideña, titulada este año "La pandemia", y que dice al reverso: "La verdadera pandemia es aquella por la que millones de niños y niñas no tienen ni una mísera cuchara de comida para llevarse a la boca, coexistiendo con una sociedad como la nuestra, marcada por la abundancia, el derroche y la opulencia".

Puede verse la colección completa de tarjetas aquí.

19 de dic. de 2009

Actos en los Museos, mañana


José Garnelo, Estudio para La muerte de Lucano, 1877

Redacción / Ars Operandi 

Mañana domingo, dentro del ciclo La obra del mes, que se lleva a cabo en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, tendrá lugar la disertación sobre la obra Estudio para La muerte de Lucano, original de José Garnelo y Alda (1866 - 1944), a cargo de nuestro editor, José Álvarez. La muerte de Lucano obtuvo una Segunda Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1887, y supuso el primer éxito de importancia en la extensa carrera del pintor montillano. El boceto que conserva el Museo proviene de la colección de Ángel Avilés, donada al Bellas Artes en 1922.

Por otro lado, en el Museo Arqueológico, La pieza del mes correrá a cargo de la directora del Museo, Mª Dolores Baena Alcántara, quien hará la presentación del Plano de la Cordoba Romana, inédito, que Samuel de los Santos (director del Museo Arqueológico entre los años 20 y finales de los 50 del s. XX) elaboró entre 1950-1955, con las teorías sobre urbanismo romano que se derivan de todos los hallazgos e intervenciones realizadas por el Museo durante el cambio urbanístico de posguerra.

La obra del mes
Museo de Bellas Artes de Córdoba

Plaza del Potro, 1

Domingo 20 de diciembre, 13:00 h


La pieza del mes

Museo Arqueológico de Córdoba
Plaza de Jerónimo Páez, 7
Domingo 20 de diciembre, 13:00 h

m

18 de dic. de 2009

Juan del Junco gana el Citoler

Obra ganadora: S/T (La Corchuela), 2008, Lightjet print, 125 x 154 cm.
De la serie El naturalista y lo habitado: trazas, huellas y el artificio del artista

Redacción / Ars Operandi

El artista jerezano Juan del Junco es el flamante ganador de la IV edición del Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler, según el fallo que se ha hecho público a las 13:30 de esta misma tarde. El jurado, presidido por la coleccionista Pilar Citoler, ha estado compuesto por el artista Txomin Badiola, la galerista Soledad Lorenzo, el crítico y comisario de exposiciones Mariano Navarro, la jefa del Departamento de Audiovisuales del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el artista Antonio Tabernero, el comisario de exposiciones Alfonso de la Torre y el fotógrafo Manuel Sonseca como ganador de la edición de 2008. Las tres ediciones anteriores fueron ganadas por Begoña Zubero, Felix Curto y el citado Manuel Sonseca.

Juan del Junco (1972) es miembro fundador de The Richard Chanin Foundation, colectivo artístico formado en Sevilla a finales de los noventa. Trabajos suyos recientes han podido verse en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (El sueño del ornitólogo), el festival Photoespaña o las galerías Alfredo Viñas o Magda Belloti con las que trabaja habitualmente.

El premio está convocado por la Universidad de Córdoba junto al Ayuntamiento de Córdoba, Cajasur y la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y cuenta con una dotación de 15.000 euros. Además el autor ganador realizará una exposición individual en la Sala Puertanueva y se editará una monografía de su obra dentro de la colección "El ojo que ves". La obra premiada pasará a formar parte de la colección artística de la Fundación Provincial de Artes Plásticas de Rafael Botí.
m

Después de la alambrada. El arte español en el exilio 1939-1960


Redacción / Ars Operandi

Una nueva exposición viene a sumarse a la excelente oferta expositiva que ofrece en estos momentos la ciudad de Córdoba. Mañana sábado se inaugurará Después de la alambrada. El arte español en el exilio 1939-1960, una muestra que analiza por primera vez en profundidad los distintos exilios geográficos, sociológicos, ideológicos y estéticos que desgarraron e impregnaron el arte español del siglo XX. La exposición, producida también por el Ayuntamiento de Córdoba, la Fundación CajaSur, la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, la Junta de Andalucía, la Universidad de Córdoba, el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) y la Universidad de Valencia, reúne casi doscientas piezas de medio centenar de artistas que evidencian la importancia de la cultura artística del exilio y su aportación fecunda a las nuevas tierras de acogida. La muestra, comisariada por Jaime Brihuega, también ahonda en las claves temáticas y formales del imaginario artístico del exilio, así como en los elementos que asociaron o disociaron el arte producido antes y después de la contienda fratricida.

Alberto, Autorretrato con el arquitecto Luis Lacasa, 1944

El espacio cronológico que plantea la exposición tiene como límites simétricos los años 1939 y 1960, dos hitos claros en el proceso evolutivo del arte español. La primera fecha marca el final de la guerra civil y el comienzo del exilio mientras que la segunda señala el inicio de modernización que comenzó a manifestar el arte en la España gobernada por Franco. Sobre este segmento histórico se despliega una reflexión estética e ideológica acerca del arte del exilio español en su conjunto, abordando la naturaleza de las transformaciones experimentadas por los lenguajes visuales que los artistas transterrados llevaban como equipaje al abandonar España y ahondando en la tensión que se produjo entre la persistencia (o desvanecimiento) de la memoria del origen y su metamorfosis a partir de la irrupción del nuevo paisaje histórico, cultural y estético que supusieron los nuevos contextos.

Óscar Domínguez, Teléfono y revólver, 1944

La muestra reúne casi doscientas piezas que han sido cedidas para la ocasión por más de 70 colecciones públicas y privadas de dentro y fuera de nuestras fronteras. La restricción en el número de artistas representados obedece a la intención de huir de la minuciosidad erudita por lo que se ha seleccionado al medio centenar de nombres historiográficamente más consolidados. De ellos, se exponen no sólo algunas de las obras que realizaron durante su exilio sino también algunas de las piezas que crearon durante el periodo republicano con el objetivo de dotar al espectador de una mirada activa que le haga reflexionar sobre la mutación de los paradigmas argumentales y estéticos del arte español de los años treinta o, por el contrario, sobre el espejismo de su continuidad.

Las obras se han agrupado en torno a los dos grandes territorios geográficos sobre los que se diseminó nuestro exilio artístico: el exilio en el continente americano y el exilio en el continente europeo.

Antonio Rodríguez Luna, Paisaje de Varetz, 1939-40

La Sala Museística CajaSur acoge las dos primeras partes de la muestra dedicadas a los artistas mexicanos, del Cono Sur americano y de otros destinos del exilio transoceánico. México fue uno de los escenarios más intensos. Con el aparatoso despliegue del muralismo y con la orientación de cuño indigenista de muchas de sus propuestas culturales, México ofrecía un clima artístico densamente pertrechado en lo ideológico. Eran señas de identidad muy visibles que, asociadas a una infraestructura cultural y artística tupida y solvente, convertían al país azteca en un escenario apto para agitadas confrontaciones de ideas y de formas. Pero también se trataba de un país permeable para ser fecundado por el voluminoso equipaje de sabiduría y creatividad que aportaba el exilio español en el campo del pensamiento, la literatura, la música, la arquitectura, el diseño gráfico y por supuesto, las artes plásticas. Este desembarco de intelectuales y creadores españoles dio lugar, a su vez, a una importante trama de plataformas culturales asociadas al exilio en un auténtico encuentro entre culturas.

Entre los artistas más importantes de este destino del exilio cuyas obras están presentes en la exposición cabe mencionar a Aurelio Arteta, Antonio Ballester, Manuela Ballester, José Bardasano, Salvador Bartolozzi, Enrique Climent, Roberto Fernández Balbuena, José García Narezo, Elvira Gascón, Ramón Gaya, José Moreno Villa, Josep Renau, Antonio Rodríguez Luna, Miguel Prieto, Arturo Souto y Remedios Varo.

José Moreno Villa, Curitas y piedras, 1939

El exilio en el Cono Sur americano es el segundo destino que congregó a más artistas dentro del exilio de ultramar, sobre todo Buenos Aires, que componía un espacio cultural dotado de mucho peso específico, donde los transterrados, sobre todo los de origen gallego, estaban dispuestos a convertirse en términos activos de diálogos fecundos. Este apartado de la exposición reúne obras de Rafael Alberti, Manuel Ángeles Ortiz, Manuel Colmeiro (que en 1948 se trasladó a París), Maruja Mallo (que también estuvo en Chile) y Luis Seoane.

Este primer apartado se cierra con un recuerdo a los otros destinos del exilio transoceánico. El resto de los destinos de encuentro de América Central y del Sur, como Cuba, República Dominicana, Venezuela, Puerto Rico o Guatemala, supusieron escenarios de menor intensidad, tanto por sus variadas situaciones políticas y actitudes frente al exilio republicano, como por la menor solvencia de sus respectivas tramas culturales. Y, en todo caso, por el menor numero de artistas transterrados, que no llegaban a componer "colectivos de exilio", como ocurría en México o Argentina. En cambio, Nueva York se mostraba ante los ojos de los artistas exiliados como un nuevo y deslumbrante epicentro de la creación artística mundial.

Este apartado reúne obras de Eugenio Granell (residió en Santo Domingo, Guatemala, Puerto Rico y USA), Cristóbal Ruiz (vivió en Puerto Rico, además de pasar por París y Nueva York), Ramón Martín Durbán (residió en Venezuela); Josep Gausachs y Vela Zanetti (vivieron en Santo Domingo y el segundo también en Nueva York). En Estados Unidos, por su parte, fijaron su residencia principal Luis Quintanilla (en 1957 se trasladó a París) y Joan Junyer (primero había estado en Santo Domingo).

El Palacio de la Merced acoge el segundo apartado de la exposición dedicado al exilio en el continente europeo. A pesar de la ocupación nazi y de comenzar a perder luego el liderazgo como centro mundial del arte contemporáneo, París siguió representando una meca para los artistas del exilio español. Por supuesto, para los que ya habían experimentado previamente la esplendorosa vida cultural de la Ciudad de la Luz pero, renovadamente, para los que la abordaban por primera vez. A ello hay que añadir que, después de la liberación, París se convertiría en un verdadero santuario del antifranquismo.

Ramón Gaya, Retrato de Tomás Segovia, 1949

Pero el caso de Francia y, fundamentalmente el de París, requiere un tratamiento especial, pues muchos artistas que no viajaron a España después de la guerra estaban ya instalados de antemano en la capital francesa y prácticamente no tenían protagonismo directo en la vida artística de la España republicana (Picasso, Julio González, Bores, Viñes, De la Serna, Dalí). En estos casos, e independientemente de sus ideas y comportamientos políticos, no puede hablarse estrictamente de artistas transterrados. En cambio, sí hemos de considerar de alguna manera exiliados políticos a aquellos que, residiendo más o menos habitualmente en París, pero teniendo importantes vínculos con la vida cultural española, decidieron desconectarse de ella y no pisar territorio español hasta pasado largo tiempo. Por eso, sumando el transterramiento propiamente dicho y el "de facto", los artistas exiliados en Francia componen un plantel considerable: Esteban Francés, Timoteo Pérez Rubio (irá también a Suiza y a Brasil), Manuel Viola, Joan Rebull, Antonio Clavé, Baltasar Lobo, Honorio García Condoy, Feliú Elías, Óscar Domínguez, Ángel López Obrero, Antoni García Lamolla, Leandre Cristòfol (también en Marruecos), entre otros, que están presentes en este capítulo de la exposición.

Londres, por su parte, supuso una residencia fugaz para José María Ucelay y Gregorio Prieto, mientras que la Unión Soviética representó una circunstancia intensísima en la vida de Alberto Sánchezproporcionándole elementos para un diálogo entrañable entre la memoria de España y la asimilación de la nueva realidad geográfica y culturaly de Julián Castedo.

Manuela Ballester, Retrato de Rosa Ballester, 1933

La exposición se completa con la creación de tres instalaciones audiovisuales simbólicas sobre la guerra, los campos de concentración y la travesía del océano, así como con la proyección de un cortometraje cinematográfico sobre el exilio español realizado ex profeso por el cineasta Joan Dolç para la presente muestra, así como dos collages antológicos (un audio musical y un vídeo cinematográfico) realizados respectivamente con obras compuestas por nuestros músicos y cineastas en el exilio.

Después de la alambrada. El arte español en el exilio 1939-1960
Del 19 de diciembre de 2009 al 14 de febrero de 2010.

Comisario: Jaime Brihuega

17 de dic. de 2009

Colectiva de Navidad en Arte21

La galería Arte21 inaugura hoy la exposición titulada Colectiva de Navidad, en la que expondrán diversos artistas habituales de la casa y algún invitado, en una relación que incluye a Tete Álvarez, Marcel Bohumil, Cristina Cañamero, Juanjo Caro, Javier Flores, Nieves Galiot, Antonio I. González, Jacinto Lara, Rafael Navarro, Francisco Salido e Hisae Yanase, de entre los cuales se expondrán las obras que reproducimos a continuación.

Tete Álvarez, La espera IV, inyección de tinta sobre papel algodón

Marcel Bohumil, Aulario polivalente, grafito sobre papel

Cristina Cañamero, Sensualidad, mixta sobre tabla
Javier Flores, Revelación 3, fotografía (rayograma)

Antonio I. González, Deconstrucción nº 5, cerámica

Francisco Salido, Apropiación. A Paco. Grabado. 1978. José Piñeira, mixta sobre tabla

Hisae Yanase, Cnida, mixta sobre tabla

Colectiva de Navidad
Galería Arte21
C/ Manuel Mª de Arjona 4, Córdoba
Del 17 de diciembre al 16 de enero

16 de dic. de 2009

¡Grande Hazaña! Con muertos


After Goya, de Rogelio López Cuenca
Redacción / Ars Operandi

La Sala Puertanueva acoge desde hoy la exposición titulada ¡Grande hazaña! Con muertos. Enfrentamiento y violencias en el arte contemporáneo, una muestra colectiva con la violencia como protagonista en la que participan treinta y un artistas internacionales. Comisariada por Mariano Navarro, ¡Grande Hazaña! Con muertos quiere ser, en palabras del comisario, "una exposición militante, no sólo por su asunción del pacifismo, sino por el convencimiento de que la voluntad política y la profundización democrática pueden acabar con las guerras".

Durante el año 2008 se han conmemorado los acontecimientos de la invasión de España por las tropas francesas y la sublevación en determinadas ciudades y pueblos contra esos actos, reacciones que dieron origen a la Guerra de la Independencia (1808-1814). En 2009 se conmemora el setenta aniversario del fin de la Guerra Civil, que supuso la victoria de las fuerzas sublevadas contra la República Española. Extremando las coincidencias, cabe añadir el sexto aniversario del inicio de la guerra de Irak y quizás el inicio de la retirada norteamericana y sus aliados del territorio invadido. De un modo u otro, han sido o son tres conflictos que han generado, cada cual en su propio tiempo y de acuerdo a sus circunstancias, una nueva conciencia civil de lo que suponen la violencia y su exacerbación en las guerras.

Derivando de las imágenes presentes en el arte de nuestra cultura, y tomando el título de uno de los grabados de la serie Los desastres de la guerra, de Goya (Grande hazaña! Con muertos!) la exposición se concibe como una muestra que refleja cómo se aborda en el arte contemporáneo el enfrentamiento humano y la violencia de las guerras, una visión de arte comprometido que indaga sobre la incomprensibilidad de algunos comportamientos humanos y que se acerca al dolor de las víctimas.

El grabado de la serie Los desastres de la guerra que ha dado nombre a la exposición muestra uno de los numerosos ejemplos de crueldad de los que Goya fue testigo

La exposición está articulada en tres bloques principales: la violencia como motivo temático de la producción artística; la guerra en sus frentes históricos más determinantes, sobre todo, en aquellos conflictos abiertos en el presente que muestran mayor incidencia internacional y, por último, el caso español, que conmemora en 2009 el LXX aniversario del fin de la Guerra Civil.

Un grupo de piezas actúa como preámbulo al tema concreto de la exposición, la guerra. Éstas abordan de manera más general la violencia como uno de los componentes esenciales que integran la naturaleza e influyen en la conducta del ser humano. En este apartado se agrupan piezas que abordan la violencia desde distintas perspectivas, que en algunos casos resultan definibles por el contexto que las rodea. Así la violencia de género es tratada por Victoria Civera, Julião Sarmento y Javier Peñafiel; la violencia en el seno familiar por Greta Alfaro y Juan Antonio Hernández-Díez; la incomprensión y la distancia con el otro desconocido por Juan López; la equiparación e igualdad de los detenidos por Jonathan Hernández; la experiencia brutal de la prisión por Shoja Azari; la violencia latente, fría y contenida, por Per Barclay; el terrorismo, por Carlos Garaicoa; el asesinato político por Yasumasa Morimura, y la caída y destrucción de los ídolos por sus adversarios por Diango Hernández.

Si Victoria Civera (Puerto de Sagunto, Valencia, 1955), muestra en Hacia adentro una obra en la que late una sorda violencia, Javier Peñafiel (Zaragoza, 1964), la hace visible en el video Maltrato, de elocuente metáfora visual. Por su parte, la obra de Julião Sarmento (Lisboa, 1948) I love you too much (with crate) [Te quiero demasiado (con caja)], desconcierta al espectador por su aparente placidez, rota brutalmente por la capucha que evoca imágenes terribles como las fotografías de Abu Ghraib.

El título del video de Greta Alfaro (Pamplona, 1977) es In ictu oculi, obra que, como la homónima de Valdés Leal, propone una reflexión acerca de los comportamientos sociales, el poder y sus relaciones, con la muerte como fondo. Una violencia incontrolada que también aparece en el video Megadawn vs Chikiflay, de Juan López (Alto Maliaño, Cantabria, 1979), donde lo que pudiera ser una reflexión sobre el lenguaje y sobre las diferencias lingüísticas y de comunicación entre continentes, revela, crudamente y de manera naturalista, sus componentes de violencia, de risa violenta, de violenta agresividad hacia el otro. Violencia solapada en el baile sincopado de My fucking jeans, de José Antonio Hernández-Díez (Caracas, 1964), quien al evocar el mundo juvenil y sus exigencias, permite percibir la violencia soterrada de tantos hogares.

Yasumasa Morimura adopta las personalidades de los presentes en el asesinato de Lee Harvey Oswald

Las seis serigrafías de Jonathan Hernández (Ciudad de México, 1972) que componen You are under arrest, presentan como protagonista al detenido, quien, esposado o agredido, invierte su condición de delincuente y se asemeja a la víctima de una agresión, evidenciando la paradójica contradicción entre unas exigencias de vigilancia y seguridad exacerbadas por el miedo o su instrumentalización ante el terrorismo, y su puesta en práctica sobre miles de ciudadanos ajenos por completo a él. Shoja Azari (Shiraz, Irán, 1958), exiliado en los Estados Unidos desde 1983, procede del mundo del cine, medio en el que rodó un largometraje del que proceden los episodios o videos individuales que componen Windows. Por su parte, las fotografías baleadas de Carlos Garaicoa (La Habana, 1967) pertenecen a la serie Noticias recientes (España), y exhiben el rastro de la violencia en su propia superficie. El arma utilizada, una 9 mm Parabellum, tiene aciagas connotaciones en nuestro país, por ser la preferida de los terroristas de ETA. Los edificios fotografiados son todos emblemáticos de la ciudad y de su evolución social.

Una de las últimas series del japonés Yasumasa Morimura (Osaka, Japón, 1951) es Requiem for the XX Century en la que el artista reconstruye e interpreta algunos de los acontecimientos que marcaron indeleblemente el siglo pasado. A réquiem: Oswald. 1963.11.24 - 2006.4.1, reproduce la fotografía de Mary Moorman del instante del disparo de Jack Ruby a Oswald, en 1963, Morimura, que asume la figura de todos los implicados, Oswald, Ruby, los policías y periodistas que lo rodean, cifra en ese asesinato y no en el de Kennedy el instante justo de la infamia. Asimismo, el artista cubano Diango Hernández (Santo Espíritu, Cuba, 1970), que reside y trabaja en Alemania, ha hecho de su autobiografíao quizás mejor de sus años de estadía en Cuba, del análisis de la proyección imaginaria de los medios de comunicación y propaganda, y de la historia misma del mundo contemporáneo, los útiles de su trabajo.

Otras tres piezas, éstas de Marina Abramovic, el colombiano Carlos Salazar Arenas e Ignasi Aballí, plantean lo que podríamos denominar los juegos de la guerra y sus consecuencias. La pandilla de niños uniformados que arrastran a Marina Abramovic (Belgrado, Yugoslavia, 1946) nos recuerda que Unicef calcula que unos 300.000 niños ejercen de soldados en estos momentos; el tríptico de Salazar Arenas (Bogotá, Colombia, 1976) representa un fusilamiento, quizás de un enemigo, quizás de un miembro del mismo bando considerado traidor; por último, el listado terrible, frío y desprovisto de otros datos informativos adjuntos, de Ignasi Aballí (Barcelona, 1958), enumera las cifras más terribles, las de los muertos.

La II Guerra Mundial es recordada en obras de la pareja de fotógrafos Bleda y Rosa y del norteamericano Robert Longo (Nueva York, USA, 1953). En cierto sentido, si los primeros afrontan el tema de la memoria, el segundo, Longo, hace lo mismo con el documento que difundía la verdad del horror – reproduce tomas fotográficas de explosiones nucleares –, y atestiguaba la supremacía militar de una nación sobre todas las demás. El Monumento conmemorativo de la Resistencia Alemana (Gedenkstätte Deutscher Widerstand), cuyo muro principal con la inscripción conmemorativa han fotografiado Bleda y Rosa (Maria Bleda, Castellón, 1969; José Mª Rosa Albacete, 1970), se levanta en el lugar exacto de la que fue sede del mando supremo de la Wehrmacht en el que fueron fusilados el coronel Claus Schenk Graf von Stauffenberg y otros tres conjurados en la noche del 20 de julio de 1944, después de haber fracasado su atentado contra Adolf Hitler ese mismo día.

Ordenados cronológicamente, los siguientes capítulos de la exposición se ocupan de la confrontación palestino-israelí, que perdura desde 1948; de la guerra anticolonialista de Angola, de 1975 a 2002, la más larga de las que ha soportado África en su historia; de la última guerra en territorio europeo, la perversa Guerra de los Balcanes, de 1992 a 1995, y, por último, la Guerra de Irak comenzada en 2003.

Las obras ponen el acento en las terribles circunstancias vitales que soportan los ciudadanos palestinos sitiados en la franja de Gaza, documentadas en el video del palestino Emily Jacir (Bagdad, 1970), rodado de manera clandestina en el paso fronterizo de Surda, del que se exponen varios frames, y se universaliza en la dolorosa y explosiva tristeza de la Plañidera del escultor Francisco Leiro (Cambados, Pontevedra, 1957).

El largo video de Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956) dedicado a Angola, con el leitmotiv de la canción popular Máxima, interpretada seis veces por voces distintas, recorre en sus sucesivos cantos la historia pasada, colonialista, de guerra, de sueños perdidos, de desaparecidos, etc., y presente, explotaciones petroleras, epidemia de SIDA, etc., del castigado país africano

Juliao Sarmento

Del mismo modo que Simeón Saiz Ruiz (Cuenca, 1956) reproduce en Seis niños murieron ayer en Sarajevo, el martirio de la ciudad a manos de los francotiradores que, junto a la artillería, sitiaban la capital bosnia, Ambra Polidori (México, 1954) muestra su testimonio mediante la fotografía en la que una mujer extiende sus brazos cual crucificado y éstos se prolongan en los huesos amontonados en un osario. Paisajes de devastación como los que Enrique Jezik (Córdoba, Argentina, 1961) titula ajustadamente Paisajes, fotografías montadas que hacen de la visión del lugar, primero objetivo, luego impacto y blanco alcanzado, y finalmente, devastación y ruina.

Muchos de los artistas que han planteado el tema de Irak en su trabajo lo han hecho desde la perspectiva de la mentira, la escenificación y el simulacro, métodos utilizados en la justificación de la guerra contra Irak. Así ocurre en el caso de Neil Hamon (Jersey, 1975), quien fotografía a personas que “juegan” a la guerra. Los uniformes, el armamento, el avituallamiento, etc., son tan reales como ficticia es la guerra que reconstruyen sus alienados protagonistas. Más irónica es la perspectiva que asume el norteamericano Eric Baudelaire (Salt-Lake-City, USA, 1973), quien en The Dreadful Details (Los detalles terribles) recompone no sabemos bien si un ataque terrorista o de un escuadrón o una compañía norteamericana a unas casas iraquíes, dejando un reguero de cadáveres tendidos en la calle. La instantánea fue realizada en un plató de rodaje en Los Ángeles y sólo algunos detalles, más o menos terribles, permiten al espectador descubrir que asiste a una representación y no a un acontecimiento real.

Dado que es fácil comprobar cómo cuando algo se sitúa en la esfera artística, por ese mero hecho parece desprenderse de sus componentes políticos o, al menos, anestesiarlos por su pertenencia a un lenguaje más elevado que el de la intervención política, Rogelio López Cuenca (Nerja, Málaga, 1959) apuesta convencido de que lo político y lo estético pertenecen al mismo mundo. En el video After Goya se funden o se independizan lentísimamente dos imágenes brutales: una imagen del cuadro Los fusilamientos del 3 de mayo en Madrid, de Francisco de Goya y la fotografía de unos soldados norteamericanos vigilando a un grupo de prisioneros iraquíes maniatados y con los ojos vendados. Otras obras de la serie reúnen a los espectadores de la escultura gigante de un niño del alemán Ron Mueck y a los soldados que vigilan el cuerpo muerto de Che Guevara o los cuerpos desnudos de un happening se equiparan al desnudo al que son sometidos los palestinos en los cruces de frontera israelíes.

Cierra este apartado la sarcástica Peace Tower (Torre de la Paz) del franco-peruano Jota Castro (Yurimaguas, Cuba, 1965), una propuesta que se resume en una idea simple pero brillantemente efectiva. Son unos cuantos barriles de petróleo decorados con la bandera norteamericana puestos unos encima de otras hasta hacer su Torre de la Paz, un monumento a las intenciones ocultas.

El banquete de los buitres filmado por Greta Alfaro

La exposición deja un lugar específico para el recuerdo de la espantosa Guerra Civil española y su sombra en algunos artistas españoles contemporáneos: Javier Arce, Fernando Sánchez Castillo, Eugenio Ampudia y Javier Ayarza.

Javier Arce (Santander, 1973) la emprende contra el símbolo mayor que constituye el Guernica de Picasso y del que ha realizado al menos dos versiones en papel arrugado, como si hubiese recogido la pintura de un basurero o con más precisión como si no le importase demasiado, como si fuese algo ya tan conocido que puede llevarse arrugado en un cajón y tan pronto se despliegue sin necesidad de verlo en su integridad cubrirá los efectos que debe causar.

Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970), que ha dedicado parte fundamental de su obra a la memoria crítica del franquismo, y por ampliación a los conceptos y mitos sustentadores del fascismo y los totalitarismos o a la respuesta civil que merecieron, reproduce al tamaño reducido de una maqueta, pero confiriéndole la categoría de escultura monumental o gran instalación pública, la protección de la estatua de Felipe IV de Madrid, dispuesta por las autoridades de la República para defenderla de los ataques aéreos de la aviación nacional.

Un dispositivo tan sencillo como el de invertir el pase de las imágenes hace que el video de Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958) La verdad es una excusa integre a la vez el documento filmado de los miles de españoles que tuvieron que marchar al exilio francés por el paso de Le Perthus y el deseo cumplido de que regresasen a España. En su simplicidad alcanza una intensidad emocional que se vincula directamente al recuerdo de los crueles acontecimientos vividos por parte de la población española, pero extiende su compasión también a los millones de exiliados y desplazados del mundo.

Una de las fotografías baleadas de Carlos Garaicoa

La muestra concluye, por así decir, con una fotografía de Javier Ayarza (Palencia, 1961), perteneciente a la serie La estrategia del avestruztítulo que avisa ya de su carácter admonitorioque documenta lugares en los que se han localizado fosas comunes o enterramientos clandestinos hechos durante la Guerra Civil y su inmediata posguerra. El tiempo y la ignorancia culpable han hecho que se construya sobre ellos o que, como es el caso, en el lugar se levante un campo de juegos infantiles, cuya apacible e inocente apariencia hace aún más hiriente la realidad que subyace bajo tierra. El artista nos proporciona las coordenadas geográficas para su localización42’ 01’ 05 N 4’ 32’ 25 Oy una leyenda que reza: “Gran fosa común con cerca de 500 cuerpos de paseados, sacados fusilados y muertos en prisión. Desde el 19 de julio de 1936 hasta el último fusilamiento en 1945”.

¡Grande Hazaña! Con muertos
Enfrentamiento y violencias en el arte contemporáneo
Inauguración 16 de diciembre, 20:30 horas
Hasta el 24 de enero de 2010

Sala Puertanueva
Ronda de Andújar, s/n, (Facultad de Derecho), Córdoba
Comisario: Mariano Navarro

15 de dic. de 2009

Nueva cabecera: Pilar Roca


Hoy presentamos la nueva cabecera con la que finalizaremos el año 2009, obra de la diseñadora gráfica e ilustradora Pilar Roca. Nacida en Almería y residente durante varios años en Italia, Pilar Roca se licenció por la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría, en las especialidades de Grabado y Diseño y en la de Pintura. Pilar ha realizado numerosas exposiciones, teniendo asimismo una amplísima experiencia en la ilustración de publicaciones. Agradecemos cordialmente a Pilar Roca su colaboración así como a todos los demás artistas que han tenido la amabilidad de interesarse por este proyecto, que hace con esta la trigésimo segunda cabecera.
m

14 de dic. de 2009

Honorario de artista

TRIBUNA ABIERTA

Unos visitantes observan un lienzo pintado por Matisse. Foto: Efe

Miguel Gómez Losada / para Ars Operandi

A continuación del texto oportuno de TeteArs et laboraescribo este artículo para Ars Operandi recordando una cosa muy lógica y justa: si los artistas visuales, plásticos de cualquier índole, fotógrafos etc, nutren con su trabajo muchos de los afluentes de la cultura, y la cultura da cuerpo, identidad y riqueza a las ciudades, a éstos hay que pagarles cuando se les convoque desde la administración pública para una exposición colectiva (el acuerdo comercial pactado con galerías de arte o empresas privadas es otra cosa distinta), porque el bien que hacen a la comunidad es tangible.

Esto está claro cuando se convoca a un cantaor, a un actor de teatro, a un músico, artistas escénicos de diversa índole etc... y no sé qué sucede con los artistas plásticos, que se les convoca y no se les paga; eso sí, catálogos, cenas, y esperanza de currículum mejorado hay de sobra. Si a un cantaor no se le paga con DVDs del espectáculo una vez concluido y para el que se le convocó (idem para actores, tenores, bailarines etc...) no sé con qué desfachatez los gestores y comisarios nos convocan para colectivas queriéndonos satisfacer con catálogos pero sin pagarnos dinero. La diferencia entre un solista de guitarra y un pintor es que el primero trabaja a tiempo real con el público, y el segundo en su taller por razones meramente constructivas, llevando más tarde su trabajo al espacio de exhibición. La aportación artística y cultural en los dos casos es igualmente compartida con el espectador. Los artistas que trabajan gratis deberían meditar este asunto, ya que tienen parte de la responsabilidad, pero más la tienen los que trabajan organizando eventos para la comunidad directamente, que como gestores públicos les exijo compromiso con su ciudad y una mentalidad colectiva madura; me refiero a las personas que organizan desde el ayuntamiento, diputación, organismos públicos varios etc. Nadie parece decir nada, todo el mundo calla; los gestores culturales no dicen nada del tema, “vaya que cobre yo menos o me quede sin evento si hay que repartir entre los artistas” cosa muy fea e incívica si se pensase así; y “vaya que dejen de llamarme si hablo” suele pensar temeroso y cuco el artista; y creo que es más necesario expresarse sin miedo para hacer valer lo que es justo que el silencio consentido e interesado.

Creo urgente equiparar al artista plástico con los artistas de otras disciplinas si queremos ser una ciudad cultural sana, después del 2016 por ejemplo. Todo el mundo cobra cuando se hace una exposición organizada por instituciones públicas: el político, el comisario o curator, el montador, el estudio de diseño que hace el catálogo, el de la fotomecánica, el de la imprenta, las agencias de transporte, el periodista que difunde. Todos menos los artistas, que sin ellos no cobraría nadie alrededor de esa exposición. El argumento de este artículo es pedir justicia. Por favor, ya está bien. Ya está bien de vampirizar, exprimir y aprovecharse de la necesidad de comunicar y exponer que tiene el artista plástico. Cuando se convoque a un artista plástico hay que pagarle un honorario por su participación como autor; ni en catálogos, cócteles, o promesas de venta. Hay que pagarle en dinero, que es lo que piden en el supermercado cuando toca reponer la nevera, porque si no comemos no podremos trabajar. Tomar en serio el arte pasa por tomar en serio a los artistas (y a los jóvenes más, porque los comisarios saben bien de la necesidad imperiosa que tienen de que les convoquen, y saben mejor que nadie que son dados a trabajar gratis si hace falta).

Cuando se me propuso comisariar El Patio del Colegio de Arquitectos, y El Jardín de la Casa para Vimcorsa, hubo un acuerdo tácito con Rafael Obrero (primero como Decano del Colegio de Arquitectos y luego como Gerente de Vimcorsa) para establecer un honorario de artista; y con el dinero presupuestado para ese fin pagué a todos los artistas, más o menos rápido según los tiempos administrativos, pero todos fueron pagados con dinero por ser convocados como autores. Me encantaría que esta dinámica no se perdiese. Hago un llamamiento a los que organizan, que en Córdoba no son muchos, para que traten a los artistas como al resto de los trabajadores de la cultura.

Un saludo amable para todo el mundo, en especial a los que cuando negocian el presupuesto con el político, piden que se incluya una partida en concepto “honorario de artista”, porque esto dignifica nuestra labor. Gracias a la gente de buena voluntad y a los que practican bellas maneras para y con el arte. Por una Córdoba mejorada, culturalmente avanzada y ejemplar. Felices fiestas.
m

13 de dic. de 2009

Ars Operandi Videos: El Resto. Superfluos y utópicos



Video que documenta la exposición El resto. Superfluos y utópicos celebrada en la Sala Puertanueva de Córdoba en noviembre de 2009. Comisariada por Ángel Luis Pérez Villén, El resto. Superfluos y utópicos es una exposición colectiva internacional que se inscribe en otras precedentes realizadas en Córdoba y exhibidas asimismo en la Sala Puertanueva, que tienen entre otros el objetivo de contrastar el trabajo de los autores locales en el ámbito de la creación artística contemporánea. Los artistas convocados en la exposición son esta ocasión Lara Almárcegui, Fernando Baena, Florentino Díaz, Javier Flores, Priscilla Monge, Leonel Moura, Jesús Palomino y Baltazar Torres.

La cita reúne a dos cordobeses, dos españoles y una española, dos portugueses y una costarricense, los cuales desarrollan un tipo de obra que se centra en las series como elemento procesal y metodológico. Para Pérez Villén, "El resto. Superfluos y utópicos representa un amplio registro de posibilidades entre lo que podría considerarse como superfluo en materia artística (el formalismo, la estética, el estilo, la belleza endogámica, etc.) y aspectos o cualidades de las que se le quiere privar al arte o de las que manifiestamente carece (denuncia, ética, compromiso, utopía, crítica, etc.). No obstante, entre una y otra opción resta una panoplia de proposiciones intermedias, algunas de las cuales se recogen en la exposición".

12 de dic. de 2009

Ars et Labora


El pintor camino del trabajo. Arles, julio 1888. Obra de Matías Sánchez.

Tete Álvarez / Ars Operandi

Las transformaciones acaecidas en la economía del arte en los últimos años han producido cambios irreversibles en la naturaleza de ésta. Desde finales de los años sesenta las prácticas artísticas muestran una progresiva tendencia hacia la desmaterialización del objeto artístico y por ende una transformación en el rol del artista que pasa de ser productor material a productor inmaterial. Esto hace que lo que era una actividad centrada en exclusiva en la venta del objeto se haya convertido en otra, basada en la circulación y distribución, más parecida a la practicada por disciplinas artísticas como la música y el cine y en las que resulta un hecho natural la retribución por la exhibición o reproducción de la obra.

Esta visión marca la nueva perspectiva desde la que se ha de afrontar cualquier intento de redefinir las prácticas artísticas. En este sentido resultan muy enriquecedoras aportaciones como las manifestadas por la Societe Anonyme, un grupo de artistas y teóricos que mantiene que en las sociedades del siglo XXI, el artista no percibirá sus ingresos de la plusvalía que genera la mercantilización de su obra, sino que cobrará en función de los derechos asociados a la circulación pública de su trabajo. Sostienen que la nueva economía del arte no entenderá más al artista como productor de mercancías destinadas a los circuitos del lujo en las economías de la opulencia, sino como un generador de contenidos específicos destinados a su difusión social.

Para constatar lo paradójico de esta situación basta comprobar cómo el artista, primer eslabón de la cadena, es el único de los que componen el proceso de una exposición que no percibe retribución alguna en capital económico. El artista está pagado, como bien dice Juan Antonio Álvarez Reyes, en “capital simbólico”.

“Pensar políticamente sobre el trabajo del arte, trabajar políticamente sobre el trabajo artístico” son los fundamentos sobre los que se construye Ars et Labora, una propuesta de observación, investigación y pensamiento sobre los trabajos en el arte de la que muy pronto tendremos noticias en nuestra ciudad.

Artículo publicado en La Calle de Córdoba, num. 445


Manolo Bautista en Berlín

Manolo Bautista, Gemstones series, 2009

Manolo Bautista, quien a través de Iniciarte se encuentra desarrollando el Programa Internacional de Residencia en la Künstlerhaus Bethanien en Berlín, ha finalizado recientemente una de sus exposiciones en la capital alemana. Simulator es el nombre de la muestra que se ha exhibido durante los pasados meses de octubre y noviembre en la galería Studio 2, con protagonismo de las múltiples superficies que proporcionan las gemas talladas.

El trabajo artístico de Manolo Bautista (Lucena, 1974) se nutre de las posibilidades tecnológicas casi ilimitada de imágenes digitales y animación, asistido por el diseño por ordenador de objetos tridimensionales. El uso intensivo de la intervención digital es el punto focal de un Bautista multi-modo con una perspectiva de trabajo que crea una estética original. Las obras de Bautista llevan al espectador a escenarios extraños y fuera de la realidad, lugares donde la extrañeza narrativa está tan presente como el humor sutil y la ironía, y donde incluso la subordinación real que existe en las travesuras de lo virtual parece no tener límites. Recientemente, Manolo Bautista ha trabajado como enfoque principal la interacción entre los espacios arquitectónicos y sus usos mediante una compleja simulación y proyecciones de vídeo.
m

11 de dic. de 2009

Concierto del Coro Ibn Rushd


El próximo miércoles 16 de diciembre, en la capilla del Colegio Santa Victoria, tendrá lugar el primer concierto de la temporada del Coro Ibn Rushd de la Universidad de Córdoba, remozado este año con nuevos componentes y un más extenso repertorio que incluye piezas del renacimiento español. Como agrupación invitada actuarán Contrapunto Ensemble.
m

Artículo de Moreno Cuadro en Archivo Español de Arte


El historiador de arte cordobés Fernando Moreno Cuadro publica en el último número de Archivo Español de Arte - CSIC (nº 327) el artículo titulado "En torno a las fuentes iconográficas de Tiepolo para la "visión teresiana" del Museo de Bellas Artes de Budapest. El estudio aborda la compleja cuestión de la génesis iconográfica centrándose en la pintura de María exhortando a santa Teresa para que nombrara a san José protector de la Orden de Giovanni Battista Tiepolo del Szépmüvészeti Múzeum de Budapest. En el mismo, además de poner de manifiesto las exigencias del comitente y la libertad en la forma de materializarlas por el artista, se identifican los textos que generan la interesante representación teresiana sirviendo de base a notables fuentes grabadas y se constata la utilización de éstas como importante vehículo de difusión de iconografías en el ámbito carmelitano.
m

10 de dic. de 2009

Actividades en la Escuela de Arte Dionisio Ortiz Juárez


La Escuela de Arte Dionisio Ortiz Juárez de nuestra ciudad realiza hoy, con motivo de la festividad de San Eloy, patrón del gremio de orfebres, una jornada de difusión de las actividades de la Escuela, que incluye el fallo de los premios de diseño y realización de Joya en Plata con Resina o Cerámica, así como la realización de un homenaje al orfebre D. Ignacio Correa. Desde el profesorado de la Escuela se anima a todos los cordobeses a visitar sus instalaciones, especialmente a los alumnos que estén interesados en cursar alguno de sus Ciclos Formativos, cuyas posiblidades de proyección laboral son cada vez más avanzadas.

Asimismo, el próximo miércoles 16 de diciembre se celebrará el Mercadillo Solidario, que incluye la Subasta de Rakú y Arte, con piezas de los alumnos de la Escuela. El mercadillo se instalará en la Plaza de Valdelasgranas, mientras que la subasta se llevará a cabo en la sala de exposiciones de la Escuela. Los beneficios económicos obtenidos por la realización de los actos serán donados a la ONG Amigos del Pueblo Saharaui.

Escuela de Arte Dionisio Ortiz
Agustín Moreno, 45, 14002 Córdoba.
m