31/1/2010

Artistas españoles del exilio. Memoria, ideología y vida


Antonio Rodríguez Luna, Paisaje de Varetz, 1939-40

 A. L. Pérez Villén / Ars Operandi

Hablar de exilio en España es hablar de las consecuencias de la guerra civil para los republicanos, hablar del éxodo de militantes comunistas, socialistas y anarquistas, personas nimbadas por el compromiso político con la causa republicana, familias cuya concepción de la vida no podía prosperar en una dictadura como la que se avecinaba. Y hablar de exilio es hablar de México y de Argentina, también de París y en menor medida de otros países americanos y europeos. Y esta realidad (artística) es la que se recoge en la exposición que motiva estas líneas. Una muestra que se ha centrado en medio centenar de artistas españoles, eludiendo los menos significativos y consolidados, que reúne casi 200 obras procedentes de 70 colecciones diferentes (públicas y privadas) y que se distribuye entre la Sala Museística CajaSur (América) y el Palacio de la Merced (Europa). La exposición, que ha sido comisariada por Jaime Brihuega y que está organizada por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, Universidad de Zaragoza y de Córdoba, Ayuntamiento de Córdoba, Fundación Cajasur, Fundación Rafael Botí y Junta de Andalucía, se organiza en torno a dos fechas límite: 1939 y 1960. La primera que señala el inicio del exilio y la segunda que marca la inflexión de la renovación del arte español.

Pero hablar de exilio también es hablar de renuncia, de reclusión interior, de no salir de España aún sintiéndose fuera, de salvar el pellejo pero no la vida, porque la vida permanece secuestrada por la realidad circundante. Este suerte de exilio, el exilio interior, no está presente en la exposición, que se remite a lo que todo el mundo entiende por exilio, a los transterrados; es decir, a los queen palabras del filósofo José Gaos, también exiliadoabandonan España sin dejarla del todo, transportando en su interior las vivencias y las huellas de una realidad a la que se aferran en el país de recepción. Pues bien, México será el país americano que mayor número de exiliados españoles acogerá, seguido de Argentina, Venezuela, Santo Domingo, Chile, Puerto Rico... El motivo es bien sencillo: su presidente, Lázaro Cárdenas, es el artífice de una política de acogida que se corresponde con su compromiso con el gobierno republicano español, al exigir la intervención de la comunidad internacional en el conflicto en que se ve envuelto el gobierno democrático de la II República. De hecho en México se crea la Casa de España con el propósito de dar acogida a los intelectuales y artistas españoles que abandonan el país al finalizar la contienda civil. Allí llegará a mediados de 1939, entre otros, el cordobés Antonio Rodríguez Luna, de quien se muestran dibujos de su etapa mexicana y algún óleo (Mujeres Vela, 1940) en el que aún es patente su filiación por entonces surrealista, una figuración que recuerda iconográficamente a Dalí y que más tarde abandonará para recuperar el expresionismo de sus dibujos de guerra.

En México también permanece exiliado Ramón Gaya, mucho más comedido en su figuración, así como Aurelio Arteta, enfrascado en la regeneración de los ideales locales (vascos) en el ámbito de la reformulación de los lenguajes de las vanguardias históricas y Enric Climent, representado con una Figura con casa al fondo (1929) que aúna la reciedumbre del ancestro terrenal, propugnado por artistas que mucho más tarde decantarán la Escuela de Vallecas, y los ecos de la pintura metafísica de De Chirico. En el país azteca hallamos también a Arturo Souto, Antonio Ballester y Manuela Ballester, José Bardasano, José García Narezo, Elvira Gascón, Salvador Bartolozzi, Fernández Balbuena, Miguel Prieto... Mención especial requiere la surrealista Remedios Varo, en cuya pintura se atisba la simiente de lo que muchos años después podría inocular el manierismo representativo y compositivo de la nueva figuración madrileña (los primeros Pérez Villalta, Chema Cobo, Alcolea...). Otro hito es José Moreno Villa, que tanto había hecho por la emulsión de la vanguardia en el acervo estético de las invariantes castizas del arte español, y del que se muestran, entre otras piezas, un generoso óleo en el que de nuevo el simbolismo de la premonición funesta cobra todo su significado para un exiliado (Nocturno, 1950-1952). También hay que mencionar los fotomontajes devenidos carteles del catalán Josep Renau, con esa estética grandilocuente y contrastada que pretende a toda costa focalizar la atención del público.

La siguiente localización del exilio que nos propone la exposición es la del Cono Sur americano, siendo Buenos Aires el principal foco de atención. En dicho contexto vendrían a desarrollar su trabajo artistas como Luis Seoaneel influjo de Picasso y su vuelta al ordeny Rafael Alberti, de quien se muestran sus célebres dibujos con textos (poéticos), además de Manuel Colmeiro, Ramón Martín Durbán, José Vela Zanetti, Joan Junyer, Luis Quintanilla, Josep Gausachs, Cristóbal Ruiz... Hemos de detenernos en los casos de Manuel Ángeles Ortiz, Maruja Mallo y Eugenio Granell. El primero porque de él se muestran dos facetas de su obra muy poco conocidas: un registro expresionista figurativo (Fugitivos, 1937) y una colección de esculturas a caballo entre los 30 y los 40 que se instala en esa estética a la que ya nos hemos referido en el caso de Moreno Villa y que ahora volvemos a calibrar en el seno de lo que se denominaba arte nuevo como una suerte de surrealismo ancestral. Una estética presente también en los delicados dibujos de Maruja Mallo y sobre todo en los lienzos de Eugenio Granellpalpable en Instrumentos totémicos, 1948tornada ya definitivamente hacia el surrealismo, estilo del que el gallego fue uno de los principales paladines españoles.

Óscar Domínguez, Teléfono y revólver, 1944

En otro contexto diferenteexpositivo y estéticose mueve el exilio en Europa. Los artistas que permanecieron recluidos en el viejo continente parecen tener más a mano las referencias ineludibles de las primeras vanguardias. No en balde el término Escuela de París viene a designar un conjunto de registros estilísticos que se enmarcan bajo el paraguas de aquellas, por lo general desempeñados por artistas españoles en general y exiliados y antifranquistas en particular. La nómina es muy extensa, si bien como decíamos la exposición se centra en los más consolidados. Allí están Antonio Clavé, uno de los protagonistas del cajón de sastre que en España se fraguó en torno a lo que vino a denominarse como Nueva Figuración. Mucho más académico, Timoteo Pérez Rubio, así como evocador y sofisticado. Como no, los dibujos absolutamente limpios y de precisos contornos, sensuales e incluso morbosos del retorno al orden de Gregorio Prieto, además de Joan Rebull, Feliú Elías, Leandre Cristófol, García Condoy, García Lamolla, Ucelay, Baltasar Lobo, Julián Castedo... Hay que señalar la presencia de Alberto, transterrado a la URSS y de quien, entre otras obras, se exhiben unos excepcionales Toros ibéricos (1957); la comparecencia coyuntural de la obra previa a El Paso de Manuel Viola; el registro plenamente surrealista de Estebán Francésinapelable en Composición surrealista, c. 1934antes de su estadía primero mexicana y más tarde estadounidense y de su célebre etapa abstracta; y el surrealismo pleno y exacerbado del canario Óscar Domínguez, presente con obras inolvidables como La apisonadora y la rosa (1937), Teléfono y revólver (1944) y El pintor y la modelo (1945), en el que la sombra picassiana se proyecta sin reparo alguno.

No queremos terminar este recorrido sin detenernos en el caso del cordobés Ángel López-Obrero, residente en Barcelona desde los primeros años 30, de manera que cuando finaliza la contienda civil decide abandonar el país, pasa unos meses en campos de concentración franceses (Argeles-sur-Mer) y más tarde estadías en París, Perpignam y Toulouse. Resuelve volver a España y es detenido en la frontera, juzgado y condenado en consejo de guerra a 20 años de prisión, de los que cumple condena en Figueras y después en la Modelo de Barcelona. Sus palabras son lo suficientemente elocuentes para entender el calvario por el que pasó : “Terminada la Guerra Civil marché a Francia, exiliado y cuando Petain claudicó tuve que regresar a España. Y entonces fue cuando me formaron el consejo de guerra, que me condenó. Yo empecé a cumplir condena primero en la prisión de Figueras y después en la cárcel Modelo de Barcelona (...) Sobre 1944 o 1945 salí de la cárcel en libertad vigilada, es decir, que no me podía mover; no podía tener pasaporte ni ejercer mis derechos civiles ni podía ser profesor de dibujo en centros oficiales ni podía trasladarme de domicilio. Y en esa situación me arriesgué a venir a Córdoba, con la terrible angustia de que alguien me delatara y la policía me devolviera no a Barcelona, sino a la Modelo, otra vez. Por fortuna no ocurrió así. Pero en esa situación tuve que vivir hasta el año 1966, en que al cumplirse veinte años de libertad vigilada me levantaron los antecedentes penales” (Fco. Solano Márquez; Caja Provincial de Ahorros, Córdoba, 1994). Pues bien, de López-Obrero se exhiben unos exquisitos dibujos de aquellos años de penuria y desesperación. Dibujosen especial el titulado Peras y sandía, 1940en los que se aprecia la llamada del retorno al ideal clásico desde la perspectiva de la reinvención de la realidad a través del prisma de la tradición formal italiana y los aires renovadores de la nueva objetividad alemana.

Y puestos a recordar, habría que hacerlo con dos artistas cordobeses que aún sin estar presentes en la exposición vivieron el exilio. El primero de ellos, Francisco Zueras, oscense de nacimiento y cordobés de adopción, pasó una temporada en los campos de concentración franceses y aunque pudo volver pronto a España tuvo que hacerlo abandonando sus ideales asociados al republicanismo, a los que sólo pudo volver cuando el régimen franquista daba inequívocos signos de relajación. Pintor, académico, historiador y crítico de arte, su nombre permanece asociado al arte cordobés de la segunda mitad de la pasada centuria. Otro tipo de exilioel exilio interiortuvo que vivir Horacio Ferrer, que apoyó la causa republicana con dibujos y grabados que aparecían en publicaciones y revistas de su ejército. Por si no fuese suficiente sus tristemente célebres Aviones negros (“Madrid, 1937”) participaron con rotundo éxito en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937, organizado por el gobierno de la República. Al finalizar la guerra civil Horacio Ferrer tuvo que vivir de espaldas a sus ideales, sus principios. Se mantuvo como decorador, artista muralista, artista de temática religiosa, paisajista, pintor de bodegones... hasta fallecer en 1978.

Terminando con la reseña de la exposición debemos dar cuenta de la existencia de otros dispositivos anexos a la exhibición de obras de arte. Nos referimos a tres instalaciones simbólicasmuy queridas por otra parte por el comisario de la muestra, Jaime Brihuegaque remiten a la contienda bélica, los campos de concentración y el tránsito oceánico, así como un documental sobre el exilio español realizado ex profeso por Joan Dolç y sendos collages antológicos, uno musical y otro cinematográfico, compuestos de fragmentos de obras de autores españoles de la época. Y por supuesto el catálogoque esperamos con ansiedaddadas las enormes expectativas que la colaboración de especialistas en el exilio, levantan en el ánimo de cualquier historiador. Una exposición, un proyecto expositivo, de gran calado y que no debemos dejar pasar la ocasión de visitar y disfrutar.

Después de la alambrada.
El arte español en el exilio, 1939-1960

Sala Museística Cajasur y Palacio de la Merced, Córdoba
Hasta el 14 de febrero
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30/1/2010

Escultura romana restaurada protagoniza La Pieza del Mes en el Museo Arqueológico

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Fotografía: MAECO

El próximo 31 de enero, último domingo de mes, a las 13:00 horas, tendrá lugar la Presentación de La Pieza del Mes en el Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba. En el presente año, el ciclo La Pieza del Mes estará dedicada a una selección de las más de trescientas piezas que se han restaurado con motivo de su próxima exposición en el edificio de ampliación del Museo.

La pieza que protagonizará la presentación del mes de enero será una escultura femenina de época romana, una de las piezas que formarán parte de la exposición que albergará el nuevo edificio de ampliación del Museo. El encargado de presentar esta pieza y el proceso de restauración llevado a cabo será Ángel Gaztelumendi Zapirain, Jefe del equipo de trabajo de la empresa encargada del proceso de restauración.

La Pieza del Mes
Escultura femenina de época romana
Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba, Patio II
Domingo 31 de enero, 13:00 horas
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29/1/2010

Left Hand Rotation se presenta en Córdoba

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Espacio a-rojo retoma sus actividades con la presentación hoy 26 de enero del proyecto Left Hand Rotation: Madrid cerrado por vacaciones. Left Hand Rotation es un colectivo artístico creado en 2004 que desarrolla proyectos experimentales en múltiples formatos y soportes: video, sonido, animación, instalaciones, arte delictivo, intervenciones urbanas, etc. El propósito de Left Hand Rotation es "provocar un aluvión incesante de contradicciones irresolubles, cuya finalidad es la búsqueda de la contradicción paradójica". Como colectivo, gusta de trabajar con aquellos medios y formatos en la frontera entre el arte y todos los demás canales, adoptando la forma de lo que han dado en denominar “arte cuestionable (que no cuestionador)".


Espacio a-rojo presenta:
Left Hand Rotation: Madrid cerrado por vacaciones
Teatro Cómico Principal, c/Ambrosio de Morales, 15, Córdoba
Inauguración: viernes, 29 de enero 20:00 h
Hasta el 21 de febrero
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28/1/2010

Dieciséis artistas muestran su visión de Góngora

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La Galería Carmen del Campo, en colaboración con la Escuela de Arte Mateo Inurria y la Universidad de Córdoba, presenta hoy la exposición que abre el año para la galería, titulada Imagen de Góngora. El proyecto expositivo aúna literatura y arte y rinde homenaje a la figura del poeta cordobés Luis de Góngora y Argote.

En Imágenes de Góngora se podrá contemplar las distintas maneras de interpretar la cabeza de Góngora a través de veinticuatro obras de diferentes artistas, que incluyen las esculturas de Juan Zafra, el triple retrato de Javier Bassecourt basado en los originales de Velázquez de Boston, el Prado y del Museo Lázaro Galdiano, el diálogo poesía y pintura presente en las obras de Antonio Bujalance y Ángeles Alcántara, un acercamiento a sus poemas en el Sueño de Polifemo de Paco Luque, la sensibilidad a través de la naturaleza en las obras de Miguel Gómez Losada o en las de Desiderio Delgado, así como la figura del poeta y su relación con las palabras en las obras de Rita Rutkowski y Rafael Martorell. la relación de artistas se completa con Rafael Cerdá, Mª Teresa García-Courtoy, Mª Teresa García-López, Carlos Luca de Tena, Juan Luque, Trinidad Murillo y Pepe Puntas.

Imagen de Góngora
Galería Carmen del Campo

C/ Conde de Robledo, 5

14008 Córdoba

Del 28 de enero al 27 de febrero de 2010

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26/1/2010

Ars et labora se presenta en Córdoba

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Ars et labora, el proyecto de observación, investigación y pensamiento sobre arte y cultura contemporánea que dirigen Juan Ramón Barbancho y Rubén Barroso, será presentado en Córdoba el próximo día 28 de enero en la Filmoteca de Andalucía. La presentación constará de dos partes; la primera de ellas, a cargo de Barbancho y Barroso, presentará los objetivos, líneas de trabajo y desarrollo de la primera fase del proyecto (octubre 2009 - junio 2010). La segunda parte consistirá en una mesa de debate con el título ¿Qué ocurre aquí? Alrededor del medio laboral y la articulación de propuestas colaborativas en el arte y la cultura contemporánea andaluza.

Los asuntos a debatir en la mesa redonda serán:
  • - Gestión, producción, visibilidad y modos de hacer en el arte contemporáneo andaluz: fórmulas de estructuración de un tejido artístico andaluz, desestructuración territorial, otras vías.
  • - Desestructuración y nexos comunes: ¿existe la necesidad de crear vínculos y colaboraciones en el arte andaluz? Otras posibilidades, otros sistemas de colaboración.
  • - Relaciones entre la administración y las entidades artísticas y los gestores y productores de la cultura.
  • - Comunicación y propuestas colaborativas: cauces, creación, activación y/o reactivación de estructuras comunicativas y propuestas de colaboración entre agentes, artistas, eventos, ciudadanos...en el arte contemporáneo andaluz.
  • - Establecimiento de redes: comunicación y colaboración entre proyectos e iniciativas desarrollados en paralelo o de similar factura en el estado español.
  • - Relaciones laborales: cambios en los esquemas de producción y gestión, caducidad y renovación de los sistemas laborales artísticos.
  • - Acerca de la construcción de un Mapa objetivo de la realidad artística andaluza: ¿qué ocurre en Andalucía?
En la mesa de debate intervendrán: Óscar Fernández, comisario; Antonio Jesús Alcaide, comisario; Octavio Salazar, Director General de Cultura de la Universidad de Córdoba; Carlota Álvarez-Basso, Gerente de la Fundación de Córdoba Ciudad Cultural; Tete Álvarez, artista, y Pablo García Casado, Responsable de la Filmoteca de Andalucía.

Ars et labora
Jueves 28 de enero, 18:00 horas

Filmoteca de Andalucía

C/ Medina y Corella, Córdoba


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Antonio Tapia en Studio 52


La galería cordobesa Studio 52 - Juan Bernier acoge desde el próximo viernes 29 de enero la exposición del pintor murciano Antonio Tapia titulada Realidades. En la muestra, el artista mostrará una selección de obras de carácter figurativo, en las que las representaciones se disponen sobre soportes agrietados. Tapia, artista miembro del grupo CROM4, presenta en Studio 52 un abanico de imágenes que incluye rincones cordobeses, aviones, teléfonos o coches, tratadas con el particular resquebrajamiento que ejecuta en muchas de sus obras. La exposición estará abierta hasta el 16 de febrero.

Antonio Tapia
Realidades
Galería Studio 52 - Juan Bernier
Ronda de los Tejares, 15
14008 Córdoba
Horas de visita:
Laborables de 19 a 21 h
Domingos y festivos: cerrado
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Iniciarte adquiere obras de Fernando Baena, Verónica Ruth Frías y Tete Álvarez

Confines IV, obra de Tete Álvarez

La Consejería de Cultura ha incorporado a su colección Iniciarte , inserta en el programa de apoyo y difusión del arte contemporáneo, las creaciones de tres artistas cordobeses. Se trata de las obras Cinco retratos de nadie, serie fotográfica de Fernando Baena, Confines I y Confines IV fotografías de Tete Álvarez además de un video de la artista Verónica Ruth Frías.

En total la comisión asesora ha propuesto 22 nuevas obras que corresponden a 19 artistas andaluces que serán adquiridas por Cultura para incrementar los fondos de su colección de arte emergente. Para ello se han invertido 74.116 euros en compras directas a los artistas o adquisiciones a través de diez galerías.


Cinco retratos de nadie, obra de Fernando Baena

Iniciarte también ha adquirido para su colección obras en soporte fotográfico de Felipe Ortega, Óscar Carrasco Ragel, Juan del Junco, Noelia García Bandera, Alonso Gil y Libia Castro & Ólaffur Ólaffson; además de vídeos de Nuria Carrasco, el colectivo Zemos 98, Julie Rivera, Juan Carlos Robles y Daniel Silvo. Igualmente, se ha adquirido una pintura de Ruth Morán, una serie de dibujos de Victoria Gil y una escultura de Gloria Martín. Una instalación de Jacobo Castellano y los collages de Jesús Palomino completan los nuevos fondos.

El programa Iniciarte, Iniciativa de Apoyo a la Creación y Difusión del Arte Contemporáneo, fue puesto en marcha en 2006 con con el objetivo de incentivar la producción artística y de consolidar el tejido profesional del sector a través tanto del apoyo al trabajo de los creadores como de los galeristas.
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25/1/2010

Ars Operandi Videos: Galería Viana. 1992-1994

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Ars Operandi Videos vuelve de nuevo la mirada atrás. Y lo hace hasta 1992, año en que comienza su actividad expositiva la Galería Viana. Ya en 1990 Antonio Povedano recibe el encargo de Alfonso Castilla, director entonces de la Caja Provincial de Ahorros, de dirigir la galería La Caja, situada en la planta sótano del edificio de De La-Hoz, sede entonces de la entidad cordobesa. Dos años más tarde la Obra Cultural pone en marcha un nuevo espacio en unas salas anexas al Patio de la Cancela del Palacio de los Marqueses de Viana.

Si la Galería La Caja dedicó su programación sobre todo a revisar la vanguardia española de finales de los 50 (Grupo El Paso y coetáneos), la Galería Viana optó por tomar el pulso a la creación contemporánea del momento. Así, artistas como Rafael Quintero o Tete Álvarez pudieron realizar allí sus primeras exposiciones individuales. Rafael Cabrera, Ibañez, Ana de la Hoz, Moreno, María Belén Morales, Arne Sørensen, Jacinto Lara, Rafael Navarro y Bengt Lindström completaron una programación que también dio cabida a la exposición Vanguardia española en Córdoba, una selección de artistas españoles próximos al Informalismo, el Expresionismo y la Nueva Figuración.

Ars Operandi aumenta de esta manera su archivo documental con tres exposiciones realizadas en la Galería Viana en 1992 y 1993. Se trata de Soma VII (Rapsodia ultramar) uno de los primeros trabajos de Rafael Quintero (Aguilar de la Frontera, Córdoba, 1961) que combina pintura, escultura y fotografía en una muestra repleta de citas barrocas y referencias cinematográficas. Una pintura que según escribe A. L. Pérez Villén en el texto del catálogo "siempre ha tratado del individuo, del sexo, la muerte y la religión como procesos iniciáticos... Sin embargo, no todo es un pulso existencial con el aroma apocalíptico que parecen desprender estas obras... también hay momentos para el lirismo e incluso para el trasvase de lo onírico a lo empírico, atravesando el espacio yermo que va desde lo orgánico a lo vegetal y lo animal".



El segundo video documenta la exposición de María Belén Morales (Santa Cruz de Tenerife, 1928) que en junio de 1993 llevó a las salas y los patios de Viana una selección de collages, esculturas en hierro lacado y múltiples. Son obras que según afirma Fernando Martín en el texto del catálogo habían sido realizadas ex-profeso para la ocasión "habiendose trasladado la artista a Córdoba para tal fin y constituyendo por tanto una auténtica primicia. Son esculturas, continúa Martín, que poseen "como denominador común una clara tendencia a la expansión, partiendo de un punto de apoyo de dimensiones reducidas y desafiando así en su desarrollo ascendente las leyes del equilibrio... Obras todas que ofrecen una pluralidad de puntos de vista, posibilitando diferentes lecturas".



Por último podemos acceder a visionar Pausa y Tono, primera exposición individual del artista Tete Álvarez (Cádiz, 1964). Álvarez reflexiona aquí sobre la incomunicación en una sociedad marcada por la omnipresencia de los medios de comunicación de masas. Una exposición que introduce los nuevos lenguajes procedentes de los media para utilizarlos como una herramienta más en el desarrollo de las prácticas artísticas.

Una obra que según afirma A. L. Pérez Villén en el texto del catálogo "no se cierra en una sola lectura, precisamente su potencial radica en la multiplicidad de lecturas e interpretaciones de las que puede ser susceptible. Por más que la experiencia del espectador pueda resultar dirigida no es deseo de su autor el erigirse en profeta social. La sugerencia, la pauta abierta a la reflexión sobre la comunicación y la invitación al pensamiento son el objeto de esta instalación que participa de la estética de la recepción como denomina José Luis Brea a aquellas intervenciones creativas para las que es indispensable el concurso del receptor. Sin embargo. el espectador de Pausa y Tono no encuentra más que una proposición interrumpida, una estrategia de suspensión del discurso que debe recomponer a su medida. Construir su propio código idiomático, sus claves interpretativas, establecer las pautas de su comunicabilidad como alternativa a los sistemas imperantes que rigen los procesos comunicativos de los mass-media, esas parecen ser las sugerencias de Pausa y Tono".





Córdoba en la Exposición Iberoamericana

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Cartel Oficial de la Exposición Iberoamericana, por Gustavo Bacarisas

Sevilla acoge desde mañana un ciclo de conferencias con la Exposición Iberoamericana como telón de fondo, con motivo de cumplirse su LXXX Aniversario. La EIA se conformó como un acontecimiento de gran importancia para la historia de la ciudad, por lo que el ciclo tratará de profundizar en sus más diversos aspectos, girando en torno a varias cuestiones, como el papel de la prensa en torno a la EIA, la evolución del género del cartel en tiempos de la misma, las actividades desarrolladas en el marco del Certamen mientras éste permanece abierto (entre el 9 de mayo de 1929 y el 21 de junio de 1930), las corrientes arquitectónicas presentes en la EIA y su impacto en el urbanismo de Sevilla, entre otras.

En este ciclo, el profesor Manuel García Parody, Catedrático de Geografía e Historia y Profesor de la UNED en Córdoba, abordará la figura del Comisario Regio de la EIA, el cordobés José Cruz Conde, así como el papel de Córdoba en las Exposiciones de Sevilla de 1929 y 1992. La conferencia, titulada "Córdoba en las dos Exposiciones de Sevilla del siglo XX", tendrá lugar el próximo jueves 28 de enero. Todas las conferencias se celebrarán en el Cuarto de la Montería del Real Alcázar a las 19.00 h.,con entrada libre por el Apeadero (Patio de Banderas).

21/1/2010

Dau al set en Sala Vimcorsa. La suerte de la vanguardia en los 40




A. L. Pérez Villén / Ars Operandi 

Lo habitual cuando se trata de historiar el cambio de signo en el arte español posterior a la guerra civil es referirse a las experiencias colectivas de finales de los 50, léase El Paso, Equipo 57, las delegaciones culturales que normalizan la situación artística fuera de España (Bienal de Venecia, São Paulo, etc...), las expectativas de los nuevos lenguajes en el medio artístico (galerías, críticos, coleccionismo incipiente)... Sin embargo, con ser cierto, también lo es que justo una década antes existen algunos síntomas que en la periferia del sistema del arte españolMadrid y sus instancias oficiales, otra cosa son las galerías catalanasapuntan una leve inflexión. Plano de situación: finales de los 40 y lejos de Madrid, concretamente en Zaragoza, Barcelona y Santander. En la primera de las capitales surge en 1948 el Grupo Pórtico, constituido por Santiago Lagunas, Eloy Laguardia y Fermín Aguayo. Sin cohesión ideológica alguna, sí que poseen una clara coherencia estéticatanto Torres Garcia, Miró Y Paul Klee, como la propia recreación del paisaje localque se adentra en la visión abstracta de la realidad. El mismo año en Barcelona se da a conocer la revista Dau al set, una publicación que asume los postulados del surrealismo y la abstracción, en la que intervienen los poetas Joan Brossa, Juan Eduardo Cirlot, el filósofo Arnau Puig y los pintores Modest Cuixart, Antoni Tapies, Joan Ponç y Joan Josep Tharrats. En Santillana del Mar (Santander) el artista alemán Mathias Goeritz funda, también el mismo año, la Escuela de Altamira, organiza reuniones y cursos de arte contemporáneo a los que acuden críticos de arte, artistas interesados en las corrientes renovadoras del arte contemporáneo y por supuesto los integrantes de Dau al Set y Pórtico.

De manera que además de 1957cuando surgen El Paso y Equipo 57el año de 1948 contiene también elementos suficientes para figurar en la historia del arte contemporáneo español. Aunque no es ninguna novedad, conviene recordarlo porque como decía lo habitual es centrarse en las obviedades, olvidando los antecedentes. Tampoco debemos olvidar la situación, no se puede afirmar que exista una relación de continuidad entre unas y otras experiencias pues el ambiente artístico era absolutamente raquítico y testimonial y carecía, en especial en los años 40, del tímido empuje que las instancias oficiales comienzan a otorgarle una década después debido a los beneficios que su exhibición le acarrean al régimen franquista. No hay solución de continuidad pero sí que se puede hablar de precedentes y en este sentido tanto el Grupo Pórtico, la Escuela de Altamira como la revista Dau al set, constituyen meritorios precursores de lo que acontecerá una vez sobrepasado el ecuador del siglo. Viene todo a colación de la excelente exposición que Ibercaja trae a Córdobaa la Sala Vimcorsasobre la revista y los colaboradores de Dau al set. Una muestra itinerante, comisariada por Concepción Gómez, que transita por EspañaValladolid, Zaragoza, Barcelona, Cuenca, Madrid, Orense, Santander, Murciadesde hace meses y que además de los 54 números digitalizados de la revista contiene dibujos, algunos ejemplares de la revista y óleos de los que se embarcaron en la edición de Dau al set.

Revista Dau al set

El título alude ya al carácter rupturista de la revista, la séptima cara del dado, un lugar nimbado primero por el dadaísmo, por las secuelas del surrealismo y por una figuración de carácter mágico que será su principal seña de identidad. No debemos olvidar quiénes son sus colaboradores. Entre ellos figura el poeta y crítico de arte más influyente de aquellos años, Juan Eduardo Cirlota quien debemos los primeros textos apostando por el surrealismo y más tarde por el arte otro, el informalismo, y autor de libros de referencia sobre ellos y sus autores de cabeceraamén del filósofo Arnau Puig. Por supuesto el siempre deslumbrante y sorprendente Joan Brossaresponsable de la mejor poesía visual española e instigador de innumerables empresas de renovación del tejido artístico en Cataluñauno de los padres de la pintura matérica europea y sin duda su mejor valedor, Antoni Tapies, patrono por excelencia de la abstracción española; además de Joan Ponç, Joan Josep Tharrats y Modest Cuixart, representantes, como decíamos, de un realismo fantástico emparentado con el surrealismo y el informalismo, la extrañeza de la experiencia de lo cotidiano (existencialismo), el mundo de los sueños, la magia (Brossa era un experto y contumaz mago) y el teatro del absurdo.

Los fundadores de Dau al Set

La exposición reúne alrededor de unas cuarenta piezas, entre dibujos y pinturas, así como pliegos sueltos y originales de números de la revista, que apareció de forma irregular entre 1948 y 1951su mejor momentopara languidecer hasta 1954. La tirada era de un centenar de ejemplares con una media de entre 8 y 10 páginas, descosidas para no figurar como publicación y burlar la censura. Se especula con que fue Brossa quien creó el nombre de la revistanada extraño debido a su célebre inventiva y su apego a los juegos de azarsiendo Joan Ponç el director de la misma y Joan Josep Tharrats el editor e impresor. Sea como fuere, lo cierto es que constituyó una experiencia de libertad artística en un momento histórico no muy propenso a permitir este tipo de licencias. Deteniéndonos entre los dibujos y rastreando en las pinturas se pueden establecer algunas conexiones de interés. La primera se refiere a posibles ascendencias y aquí no hay duda en señalar hacia autores catalanes de referencia como Dalí y Miró, a los que añadiremos Paul Klee a quien la revista dedica un número especial coincidiendo con el décimo aniversario de su muerte. En cuanto a posibles resonancias, la más palmaria es la que conduce desde el surrealismo hasta la abstracción –hermanándolas como descendientes de un mismo espíritu, tal y como sucede en otras latitudes- en la obra de Tapies, precursor de lo que después será el informalismo. Y en un ámbito más cercano señalar la debilidad de nuestro primer Pepe Espaliúel que se da a conocer en 1987 en la galería La Máquina Españolapor la figuración mágica de Dau al set en general y la de Joan Ponç en particular.
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19/1/2010

Ars Operandi Videos: ¡Grande Hazaña! Con muertos




Ars Operandi Videos aumenta su catálogo de videos que documentan exposiciones celebradas en Córdoba con una muestra que hasta el 22 de enero aún se puede visitar en la Sala Puertanueva de nuestra ciudad. Se trata de ¡Grande Hazaña! Con muertos. Enfrentamiento y violencias en el arte contemporáneo, exposición comisariada por Mariano Navarro de la que hemos ofrecido cumplida información en nuestras páginas. La muestra reune obras de treinta y un artistas internacionales entre los que se encuentran nombres como los de Yasumasa Morimura, Marina Abramovic, Alfredo Jaar o Robert Longo entre otros. Derivando de las imágenes presentes en el arte de nuestra cultura, y tomando el título de uno de los grabados de la serie Los desastres de la guerra, de Goya, la exposición se concibe como una muestra que refleja cómo se aborda en el arte contemporáneo el enfrentamiento humano y la violencia de las guerras, una visión de arte comprometido que indaga sobre la incomprensibilidad de algunos comportamientos humanos y que se acerca al dolor de las víctimas.

El video cuenta con una aportación muy singular. Se trata de la banda sonora, una remezcla del mítico tema de The Doors This is the end, realizada expresamente por Javier Ramos con la colaboración de José Carlos Nievas a los que expresamos desde aquí nuestro mayor agradecimiento.

También y bajo el título El signo de los tiempos. Arte y violencia en Puertanueva, Ars Operandi ha publicado recientemente un texto crítico de la exposición realizado por Angel Luis Pérez Villén a quien asimismo agradecemos su desinteresada colaboración.

La restauración de San Pablo de Écija en el IAPH revela nuevos datos de su autoría

San Pablo (Écija), imagen final del proceso de restauración. Foto: IAPH/Eugenio Fernández


El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH), entidad de la Consejería de Cultura, ha dado por finalizada la restauración de la imagen de San Pablo, patrón de Écija (Sevilla). La escultura, de madera tallada y policromada, se encuentra ubicada en la Iglesia de Santa Bárbara.

Aunque la obra está fechada en 1575 y es de estilo manierista, presenta un aspecto cromático barroco, debido a una repolicromía que sufrió en 1770. La restauración del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico se ha centrado en respetar esta redecoración del siglo XVIII y, con ese objetivo, ha eliminado las intervenciones posteriores, del siglo XIX y XX, que ocultaban la anterior capa pictórica. Así ha ocurrido con el barniz rojizo en la vuelta del manto que presentaba la talla en su estado inicial, retirado para permitir la aparición de la corladura o barniz dieciochesco.

Durante seis meses, en el taller de escultura del IAPH en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla, la pieza ha sido sometida a un exhaustivo proceso de conservación, en el que han sido principales las fases de limpieza y reintegración. Se ha llevado a cabo además la restauración de la peana del patrón, del siglo XIX.

Junto a la actuación de conservación, y como es habitual en el IAPH, se ha realizado un estudio de tipo histórico-artístico de la talla, que ha dado como resultado una variación en la atribución tradicional de la imagen. La hasta ahora autoría de Salvador Gómez Navaja, escultor local, queda sustituida por la de Juan Bautista Vázquez, el Viejo, y su discípulo Gaspar del Águila.

La reinterpretación de algunos documentos de contratación y pago han orientado las nuevas hipótesis, avaladas por la calidad de las zonas originales de la talla y no retocadas a lo largo de su historia (fundamentalmente, manos, pies y cabelleras de cabeza y barba). En efecto, las manos y pies corresponden con una talla virtuosa de gran realismo en la que se señalan tendones y venas, mientras que la cabellera presenta clara influencia del manierismo italiano.

Definitivamente, San Pablo de Écija está muy en sintonía con otras obras realizadas por Juan Bautista Vázquez en su etapa sevillana, como la imagen titular del retablo mayor de la Iglesia de San Mateo de Lucena.
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18/1/2010

Trampas del lenguaje

por Javier Flores


“Por bien que se diga lo que se ha visto,
lo visto no reside jamás en lo que se dice.”
Michel Foucault. Les mots el les choses


El lenguaje es por naturaleza dualista. Surge de la separación existente entre la cosa real y el símbolo que la designa. Las cosas y las palabras se mezclan en el espacio común que es lo escrito, donde el signo encierra dos ideas: una lo que representa, otra la cosa representada. La naturaleza del lenguaje consiste en excitar la primera a través de la segunda. Pero este sistema de operaciones no es perfecto, ya que lo simbolizado a través del lenguaje es algo que se interpone entre el ser humano y la realidad que intenta comprender. Más que dominar el lenguaje somos dominados y condicionados por éste, en su comportamiento, estructura y múltiples trampas.

No cabe duda de que somos esclavos de nuestras palabras, y quizá por ello dueños de nuestros silencios. La mayoría de las veces, las palabras nos conducen insospechadamente, sin apenas darnos cuenta, sin entrever las interesadas falacias que quieran insertar en nosotros su engañosa simiente. Estas trampas del lenguaje funcionan como ortopedias de la razón, eliminando la posibilidad de pensar por uno mismo. Así, términos como “daños colaterales” sustituyen a “víctimas civiles”, “ayuda humanitaria” a “ocupación militar”, “desplazados” a “exiliados”, “valla de seguridad” a “muro de la vergüenza”,… y una lista infinita de palabras- trampa (la mayoría mucho más sutiles) que esconden una realidad desviando los significados hacia acomodaticios terrenos. La política encuentra en el lenguaje un magnífico aliado: ya que transformar la realidad es difícil, costoso e improcedente para muchos, al menos designémosla de otro modo, lo que resulta gratuito.

Y es que las palabras atesoran una infinita capacidad de confusión. Seducen muy bien, recorren nuestros oídos y nuestros ojos pintando gozosos paisajes, otorgando cualidades, diluyendo brumas, tachando los sufrimientos, emborronando el olvido…

Las palabras saben muy bien vivir por nosotros.

Javier Flores
Trampas del lenguaje
Galería Arte21
Inauguración jueves 21 de enero, 20:30 h
C/ Manuel María de Arjona 4, Córdoba
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El signo de los tiempos. Arte y violencia en Puertanueva


Juliao Sarmento, I love you (with crane), instalación

Ángel Luis Pérez Villén / Ars Operandi

La Sala Puertanueva cierra el año con una exposición colectiva muy recomendable para los tiempos que vivimos. Tiempos de confrontaciones constantes entre países, etnias, culturas, partidos, vecinos... Se dice que el amor alegra la vida y que el sexo es el motor que mueve el planeta. ¿Qué es entonces la violencia? Supongo que el pan de cada día, a tenor de los titulares de la prensa diaria. También es y ha sido motivo de reflexión y representación para el arte. La muestra que ha comisariado Mariano Navarro y que reúne trabajos de más de una treintena de artistas -nacionales e internacionales- trata de ello desde la perspectiva de la creación contemporánea, pero decíamos que la violencia ha estado siempre presente en las obras de arte. No hay más que recordar las escenas de caza y guerra de los asirios, las de los egipcios, los frisos que relatan las épicas contiendas de griegos y romanos, las detalladas atrocidades de las crónicas medievales que contienen los capiteles del románico y del gótico, las torturas inflingidas a quienes se niegan a comulgar con las bondades del orden burgués del renacimiento... En realidad podría plantearse una secuencia histórica de las creaciones artísticas desde la óptica de la violencia y quedarían representadas todas las épocas, estilos y escuelas. De hecho la exposición que motiva este comentario toma su título del que Goya utilizó para unos de sus célebres grabados sobre los Desastres de la guerra.

Por tanto no hay ninguna impertinencia en plantear una visión del arte de nuestros días a partir del enfrentamiento y la violencia. Todo lo contrario, en esta ocasión como en muchas otras, la creación artística actual cumple su función documental a la perfección, se hace eco y da testimonio de la reiterada obstinación y de la competencia de la humanidad para arremeter contra sí misma. Y sin embargo, habida cuenta de la cotidianidad del fenómeno que sirve de motivo para tramar el sentido de lo expuesto, no siempre son bien recibidas las propuestas. Por lo general se acepta la realidad insoslayable que los media nos ponen sobre la mesa a diario, pero cuando la versión proviene del campo artístico saltan las alarmas. Casos paradigmáticos como A sangre y fuego (1999), celebrada en el Espai d´Art de Castellón, que levantó ampollas en un sector de la comunidad artística o el de la censurada Poéticas de la violencia en la misma sala (2004), nos confirman que el medio artístico sigue siendo a partes iguales un espacio acotado por la impunidad, nimbado por la promisión del tributo y abocado a la futilidad del mensaje. Todo lo cual no impide que deje de considerarse, como decíamos más arriba, un documento inapreciable de la época. El arte como testimonio de una situación, en unos casos evidenciada mediante la denuncia, en otros simplemente expuesta mediante su sustancia estética.

El recorrido por la exposición de Mariano Navarro, al que hay que elogiarle el excelente montaje, en especial el de la parte alta de la sala, sacando partido a la visión cenital que le da acceso y al interminable y tedioso pasillo que la recorre, se abre con la manifestación más acuciante de la violencia : la perpetrada contra las mujeres. Lo hace a través de la obra de Victoria Civera y Juliao Sarmento; Excepcional la escultura de este último, mostrando una de sus habituales figuras a tamaño natural, con la salvedad de que ésta se halla cubierta por un saco, asemejándola a cualesquiera de las personas que sufren tortura. Otro tipo de violencia, ya sea familiar (Greta Alfaro), por motivos de etnia o cultura (Juan López) o la coercitiva que ejerce la cárcel (Shoja Azari), la de raíz política (Yasumasa Morimura, emulando a Oswald, el asesino confeso de Kennedy, en el momento de ser disparado por un sicario), la que obliga a los niños a actuar como soldados (imponente la fotografía de la performance de Marina Abramovic), la desnuda y palmaria realidad de las cifras de muertos (Ignasi Aballí) o la que trata el problema del terrorismo, son algunas de las opciones que nos brinda esta exposición, en la que echamos en falta, precisamente más manifestaciones de esta última. Tan sólo están las obras del cubano Carlos Garaicoa, de una potencia y contundencia letales, mostrándonos en la serie Noticias recientes (España), imágenes tiroteadas de edificios singulares de nuestro país, en clara referencia a la violencia etarra.

Yasumasa Morimura, Requiem for the XX Century, fotografía

A partir de aquí la exposición se centra en otros ejes temáticos que ruedan en torno a las guerras recientes : la II Guerra Mundial, la de Angola, la de los Balcanes, la del Golfo y la de Irak, la que pretende terminar con los palestinos y por último, volviendo al pasado, la guerra civil española. Respecto de la primera las piezas de Robert Longo (representando una explosión nuclear) y Bleda y Rosa (lugar y símbolo de la resistencia alemana). Absolutamente irónicas, la Torre de la paz de Jota Castro, rinde culto al petróleo como valor de cambio en las transacciones bélicas-pacíficas, así también la escena impostada -después de la batalla- de Eric Baudelaire. En otra onda, el vídeo de Rogelio López Cuenca, que difumina y co(n)funde las realidades de los fusilamientos de Goya con prisioneros iraquíes maniatados y con los ojos vendados; las pinturas de Simeón Sáiz Ruiz sobre las matanzas de Sarajevo o la crónica de la guerra en tiempo real, de Enrique Jezik. La impresionante Plañidera de Francisco Leiro se coloca en un contexto atemporal y sirve para cualquier conflicto. Encaramos el pasillo -en el que se nos advierte sobre la poética del anti-monumento- y sobre los restos del naufragio del marxismo-leninismo en las colonias nos extasiamos con el vídeo de Alfredo Jaar dedicado a Angola. La estética del archivo le sirve a Fernando Sánchez Castillo para recuperar la memoria sobre los avatares del arte en la guerra civil española; Javier Arce insiste en el poder taumatúrgico del arte al volver sobre el Guernica; Eugenio Ampudia, en La verdad es una excusa, formula un sueño elegíaco al hacer retroceder sobre sus pasos a quienes debían abandonar España camino del exilio. Por último, La estrategia del avestruz, de Javier Ayarza, desvela y documenta localizaciones de fosas comunes. Todo un repertorio a tener presente para poner en valor la memoria.

¡Grande hazaña! Con muertos.
Enfrentamiento y violencias en el arte contemporáneo
Sala Puertanueva
Ronda de Andújar (Facultad de Derecho), Córdoba
Hasta el 24 de enero

14/1/2010

Conferencia de José María Palencia: “Enrique Romero de Torres: pinturas, dibujos y carteles”

Enrique Romero de Torres

Dentro de la programación cultural que la Fundación Bodegas Campos lleva a cabo, el próximo día 19 de enero tendrá lugar la conferencia del historiador del arte, conservador del Museo de Bellas Artes y académico, José Mª Palencia Cerezo. Bajo el título Enrique Romero de Torres: pinturas, dibujos y carteles, la conferencia tendrá como protagonista la figura de Enrique Romero de Torres (Córdoba, 1872-1956), conocido fundamentalmente como historiador del arte y por su trayectoria de casi medio siglo al frente del Museo Provincial de Bellas Artes de Córdoba, en el que sucedió a su padre Rafael Romero Barros a partir de 1895. Se ignora sin embargo que también fue un buen pintor, senda por la que encaminó sus pasos hasta aproximadamente 1910, en que se dedicará fundamentalmente a escribir sobre arte y arqueología, permaneciendo siempre al lado de su hermano pequeño, del que sería el principal promotor.

Entrar en detalle en la labor de Enrique Romero de Torres como pintor y dibujante, será el cometido de esta intervención, que servirá también para presentar públicamente un Cartel de la Feria de Córdoba de 1908 realizado por el propio Enrique, y que ha sido recientemente adquirido por la Fundación Bodegas Campos de Córdoba.

Conferencia de José Mª Palencia
Enrique Romero de Torres: pinturas, dibujos y carteles
Martes 19 de enero, 20:30 horas
Fundación Campos

Ermita de la Candelaria

C/ Candelaria, 2 (frente a Bodegas Campos)
14002 Córdoba

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El IAPH restaura el estandarte símbolo de Carmona

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La Consejera de Cultura, Rosa Torres, junto al Alcalde de Carmona, Antonio Cano, durante el acto de presentación de la restauración del estandarte. Foto: IAPH
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El Estandarte Real de Carmona tiene gran connotación simbólica e importantes valores artísticos del patrimonio histórico y sentimental de la ciudad. Ya en época de los Reyes Católicos, este pendón se situaba a la derecha del Pendón de Sevilla en numerosas salidas de la villa. El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico ha concluido la compleja restauración de la pieza, de la que sólo se conserva un 10% del original.

Con el objetivo de preservar estos restos para el futuro y facilitar la comprensión completa del estandarte, se ha llevado a cabo en los talleres del IAPH una restauración conservativa, de mínima intervención, basada en el respeto absoluto al original, sin falsearlo con el añadido de elementos nuevos, a excepción de los necesarios para devolverle su estabilidad.

Esta excepcional pieza de tejido cuenta con el lucero o estrella de ocho puntas en el centro, símbolo de la ciudad de Carmona, enmarcado por una cenefa con los clásicos leones y castillos propios del reino castellano. La obra está confeccionada con recortes de distintos tipos de telas y colores, fundamentalmente seda rojo carmesí, unidas por una costura solapada que se denomina “costura francesa”, muy resistente y que permite la visualización del anverso y reverso de la pieza.

En cuanto al proceso de conservación, el problema más importante que presentaba la obra a su llegada al IAPH, estaba relacionado con su integridad, con grandes pérdidas de materiales. Al estado de fragilidad de la pieza se suman las condiciones ambientales a las que se habían sometido los tejidos del estandarte, favoreciendo la aparición de roturas, descosidos, manchas y deformaciones producidas por el sistema de almacenaje, enrollado en un asta de bandera.

La intervención del IAPH permite la visión de los tejidos originales y de la intervención realizada, a partir de la protección de la superficie de la obra con crepelina, una tela semitransparente que ayuda también a la reintegración cromática del conjunto.

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico ha concluido la restauración del Pendón o Estandarte Real de Carmona, gracias al acuerdo adoptado entre la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y el Ayuntamiento de Carmona, propietario de la obra.
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13/1/2010

Nueva web sobre Antonio Povedano

La Red acoge desde ahora una interesante página web sobre el artista Antonio Povedano Bermúdez, en la que se puede acceder de una forma rápida y sencilla a varios apartados que nos mostrarán los principales hitos biográficos y artísticos de tan añorado maestro. Asimismo, existen apartados dedicados a las referencias bibliográficas, cronológicas, y una galería de obras. En la nueva web, a la que se puede acceder desde la dirección www.antoniopovedano.es, se escribe, a modo de bienvenida: "El reconocimiento de un gran artista plástico no debe medirse sólo por galardones, o por llamativas repercusiones mediáticas, sino especialmente por la seriedad y la hondura de su obra, por su repercusión en el mundo artístico de su época y por su influencia cultural en el entorno durante el decurso de su vida y mucho más allá de su fallecimiento". Desde Ars Operandi felicitamos esta interesante inciativa que de seguro se convertirá en un punto de referencia para aficionados y estudiosos de la figura de tan preclaro artista.


12/1/2010

Obra del mes en el Bellas Artes


El próximo domingo 17 de enero, como parte del ciclo La obra del mes, que lleva a cabo el Museo de Bellas Artes de Córdoba, tendrá lugar la intervención de la Prof. Dra. Mª Ángeles Jordano, de la Universidad de Córdoba, quien disertará sobre Los artesonados del Museo de Bellas Artes de Córdoba. La profesora Jordano es especialista en arte y arquitectura medieval, campo en el que ha publicado numerosos artículos y libros, de entre los que destacamos El mudéjar en Córdoba, Arquitectura medieval cristiana de Córdoba y Arquitectura medieval cristiana en Córdoba: desde la reconquista al inicio del renacimiento, entre otros. El acto tendrá lugar a las 13:00 horas.

La obra del mes
Los artesonados del Museo de Bellas Artes de Córdoba
Domingo 17 de enero, 13 horas
Sala IV del Museo de Bellas Artes de Córdoba

Plaza del Potro, 1

Entrada libre hasta completar aforo

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11/1/2010

Laicismo y memoria abren la primera ‘Tertulia de perplejos’ del año


Mañana martes, 12 de enero, a las 20.00 horas en la Casa de Sefarad tendrá lugar una nueva charla de la “Tertulia de perplejos”, que integran los profesores Antonio Manuel Rodríguez Ramos y Anna Freixas, los periodistas Aristóteles Moreno, Marta Jiménez y Elena Lázaro, y el director del Archivo del Parlamento de Andalucía y bibliotecario de la Casa de Sefarad, Sebastián de la Obra.

En esta ocasión, los perplejos centrarán su debate en analizar los objetivos de la nueva asociación ‘Córdoba laica’ y en conocer el caso denunciado por el colectivo Paralelo 36 sobre la destrucción de la Casa de Blas Infante y la creación de dos centros para la recuperación de la Memoria Histórica de Andalucía.

Tertulia de perplejos
Martes, 12 de enero, 20:00 horas

Casa de Sefarad. Calle Judíos

Más información en Tertulia de perplejos
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8/1/2010

Muerte de un miliciano de Capa: no era Cerro Muriano


La foto de guerra más famosa de la historia, y sin duda la más polémica, es Muerte de un miliciano, publicada hace 73 años en la revista francesa Vu, cuyo autor, Robert Capa, situó en las trincheras de Cerro Muriano. Según Richard Whelan, el biógrafo oficial de Capa, la foto fue tomada en el Cerro de la Coja, primera línea del frente, durante la hora de la siesta, franja horaria respetada como tregua por republicanos y nacionales, españoles todos al cabo. Capa habría propuesto a los milicianos que posaran en diversas actitudes, levantando los fusiles, apuntando con ellos y saltando trincheras. Según Whelan, los soldados nacionales, atentos a la extraña maniobra, realizaron varios disparos de fusil justamente cuando Capa enfocaba con su Leica a un miliciano que simulaba un asalto, siendo alcanzado y derribado por la bala de un francotirador.

El fotomontaje muestra la localización actual (arriba) de la zona donde Capa situó a los milicianos

Fernando Penco, arqueólogo, escritor e historiador que lleva años estudiando el reportaje de Capa, ha publicado en la página web Capa en Córdoba el resultado de sus investigaciones, las cuales sitúan el lugar correcto donde se tomó la secuencia de fotos en la Haza del Reloj, junto a Espejo, e invalida la teoría de que el muerto es Federico Borrell "Taíno", el anarquista de Alcoy que efectivamente murió en Cerro Muriano. La página muestra las fotografías comparativas tomadas en el lugar exacto donde Capa realizó su reportaje y otros datos alusivos a las fotografías.

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Elvis: 75 aniversario

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Andy Warhol, Triple Elvis, serigrafía, 1963

Hoy se cumplen 75 años del nacimiento de Elvis Presley, el fenómeno musical que propició el establecimiento del rock and roll como fenómeno social asociado a una subcultura juvenil con implantación mundial. Nacido en una humilde familia de Tupelo, Mississipi, el joven Elvis supo encarnar los valores de rebeldía de una juventud inmersa en el sueño capitalista de la American Way of Life, comenzando por derribar las barreras interraciales acuñando un nuevo género musical híbrido entre el country & western blanco y el rythm & blues negro; el rock-a-billy. Pronto absorbido por el establishment, la figura de Elvis se fue diluyendo en la corriente mainstream, pasando a ser un icono popular reivindicado por figuras del arte pop como Warhol, que veían en él un fenómeno de masas equiparable a un producto comercial.
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Se estrena la película en 3D La ciudad como escenario


Fotografía: © 2009 Fundación Córdoba Ciudad Cultural

El próximo día 15 de enero a las 13:00 horas, en la sala Josefina Molina de la Filmoteca de Andalucía, tendrá lugar el estreno del cortometraje en 3 Dimensiones: La ciudad como escenario: 4 culturas + 4 elementos = 4 intervenciones de arte público en espacios urbanos.

Comisariado por Carlota Álvarez Basso, el proyecto ha formado parte de las actuaciones en torno a Capitalidad 2016, consistiendo en una serie de actuaciones artísticas llevadas a cabo en los meses de julio y octubre. El título 4 elementos alude al agua, el aire, el fuego y la tierra, ejes centrales de las cuatro acciones artísticas, las cuales fueron las intervenciones de Darya Von Berner, Jeppe Hein, MUMA y Miquel Barceló.

La nube de Córdoba, de Darya Von Berner, consistió en la creación de una nube artificial a base de agua atomizada en la fachada sur de la Mezquita-Catedral. Jeppe Hein presentó la pieza titulada Habitaciones que aparecen, una instalación interactiva con el agua como protagonista. MUMA realizó la monumental obra Caminos de fuego, una alfombra de más de 20.000 velas. El ciclo se cerró con la intervención Paso Doble a cargo de Miquel Barceló junto al coreógrafo Josef Nadj.

La ciudad como escenario: 4 culturas + 4 elementos = 4 intervenciones de arte público en espacios urbanos
Estreno viernes 15 de enero, 13:00 horas
Sala Josefina Molina, Filmoteca de Andalucía, c/ Medina y Corella, 5, Córdoba
Horarios de proyección continua (cada 15 minutos):
Viernes 15/01 desde las 17:30 hasta las 21:30;

Sábado 16/01 desde las 11:30 hasta las 14:00 y desde las 17:30 hasta las 21:30.
Entrada libre hasta completar aforo.

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5/1/2010

Decir paisaje

por Rosa Colmenarejo



El valle de Bamiyán (Afganistán) fue declarado “paisaje cultural” por la Unesco en 2003, dos años después de que el régimen de los talibanes destruyera las estatuas colosales de Buda. Foto: UNESCO

La “Alianza de Paisajes Culturales Patrimonio Mundial” convocó en Granada durante los días 25 y 26 de noviembre de 2009 a las ciudades y paisajes culturales que forman parte de su asociación para celebrar públicamente su asamblea anual y a diversas personas expertas en los diferentes ámbitos posibles del “paisaje”. Como conclusión de dicha reunión se realizó la “Declaración de la Alhambra” en la que se establecen, constatan y reafirman de un lado la definición de “paisaje” establecido por el “Convenio Europeo del Paisaje” (CEP), firmado en Florencia en el año 2000, y se avanza en las consideraciones que dicho CEP ha generado en las políticas de paisaje de los países europeos que lo suscribieron, incorporando los principios y acuerdos establecidos en las anteriores conferencias de la “Alianza de Paisajes Culturales” celebradas en Aranjuez y Sintra.

Esta Alianza, que aspira a convertirse en una referencia en el ámbito internacional para el entendimiento, protección, conservación y gestión de los paisajes, tiene un marcado carácter mundial si bien su espíritu es claramente europeo. No sólo porque, de los 66 paisajes culturales reconocidos por la UNESCO, sólo forman parte de esta asociación 8 paisajes de Cuba, México, Argentina, Zimbawe, China e Israel junto a 13 paisajes europeos que se encuentran en Portugal, Yugoslavia, Austria, Hungría, España, Polonia, República Checa, Suiza e Italia; sino porque en su declaración de intenciones figuran, además del Convenio de Patrimonio Mundial de la Unesco de 1992 en el que se establecía la figura de “paisaje cultural”, las intenciones, metodología y recomendaciones del Convenio Europeo del Paisaje promovido por el Consejo de Europa.

Recordemos que, a la luz del CEP, España ha visto en la última década cómo se aprobaban tres leyes específicas de paisaje: Ley de la comunidad autónoma de Valencia 4/2004, de 30 de junio, de la Generalitat, de Ordenación del Territorio y Protección del Paisaje; Ley de la comunidad autónoma de Cataluña 8/2005, de 8 de junio, de Protección, Gestión y Ordenación del Paisaje y Ley de la comunidad autónoma de Galicia 7/2008, de 7 de julio, de Protección del Paisaje de Galicia.

De las tres leyes quizá la que más hace suyo el espíritu del CEP es la catalana, de ello nos ocuparemos en una comunicación que se hará pública en el “3er Congreso Internacional Paisaje e Infraestructuras” que se celebrará en Córdoba durante los días 15-17 de abril de 2010; y no sólo por su declaración de intenciones y artículos sino porque para garantizar su desarrollo y aplicación se ha puesto en marcha el Observatori del Paisatge, organismo responsable de la creación de los “catálogos de paisaje”, como instrumentos para la introducción de objetivos paisajísticos en el planeamiento territorial en Cataluña. En la creación de estos catálogos se aplica una novedosa metodología de la que es parte fundamental la participación ciudadana.

Volviendo a la reunión de expertos en paisajes culturales reunidos en Granada en noviembre, es importante resaltar este punto, la incidencia en la necesidad de la participación de la ciudadanía en la identificación y reconocimiento de los paisajes culturales aludida por la profesora de Geografía Humana en la Universitat de Girona Anna Ribas Palom, y por Antonio Serrano Rodríguez, catedrático de Urbanismo y Ordenación del territorio de la Universitat de Valéncia y presidente de la Asociación interprofesional de ordenación del territorio. El profesor Serrano aludió al “Convenio de Aarhus”, una convención de la Comisión Económica para Europa sobre el acceso a la información, la participación del público en la toma de decisiones y el acceso a la justicia en asuntos ambientales firmado en 1998, para exponer que no es preciso que la sociedad civil espere a que se presenten proyectos desde las administraciones públicas para “participar” sino que un buen nivel de información y conocimiento de los temas relacionados con el paisaje, el territorio y el entorno han de servir como revulsivo a una sociedad para llevar la iniciativa en estos temas. Lo más reseñable de esto, algo que tantos el movimiento ecologista como el feminista practican habitualmente, es que el “Convenio de Aarhus” insta a los países que han ratificado dicho acuerdo, España lo hizo en diciembre de 2004, a que escuchen y dialoguen con su ciudadanía activa. De este modo las soluciones acordadas generarán una corresponsabilidad imprescindible entre administración y ciudadanía.

Anna Ribas defendió la potencialidad de los paisajes para incrementar los valores sociales en la ordenación del territorio y a garantizar su funcionamiento democrático: la configuración de canales de participación ciudadana, tanto en la gestión como en la toma de decisiones, dará cohesión institucional y social a los paisajes y a las políticas asociadas.

Decir paisaje, pues, en Granada supuso hablar de preservación y revitalización de sus valores culturales y naturales, permitió afianzar la idea de paisaje como marco integrador de ciudad, patrimonio y territorio y establecer que el carácter transversal de todas las acciones que sobre él se realicen exige interacción y coordinación de las políticas urbanísticas, medioambientales, patrimoniales, turísticas, económicas y, esencialmente, de las políticas sociales de participación ciudadana de la población.
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