28/2/2010

Arquitectura y Decoración: publicaciones de Martín Domínguez en La Habana (1937-1938)

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por Pablo Rabasco

Martín Domínguez (derecha), en el techo del edificio FOCSA de La Habana, 1956

El 29 de junio de 1937, el arquitecto español Martín Domínguez dirigía una carta a Gustavo Moreno y Lastres, en aquel momento Presidente del Colegio Nacional de Arquitectos de La Habana, donde se le invitaba vivamente a colaborar en una nueva sección sobre Arquitectura, dirigida por él mismo y que pasaría a publicarse de forma regular en el suplemento dominical del Diario de la Marina, uno de los cinco diarios que salían a la calle en la capital cubana por aquel entonces. Desde esta fecha, y hasta el 9 de enero de 1938, el arquitecto donostiarra dirigiría una sección en dicho diario, con llegada al gran público, gran despliegue de medios y que llevaría por título Arquitectura y Decoración, tal y como lo hiciera, más humildemente, una década antes en Madrid con las diversas reflexiones que junto a Carlos Arniches hiciera desde el madrileño diario El Sol, en la sección por ellos dirigida y titulada Arquitectura y Vida. Cuando empezó la Guerra Civil, Martín Domínguez tenía 39 años y se encontraba en el mejor momento de su carrera profesional. Por aquel entonces estaba concentrado junto a su compañero de estudio Carlos Arniches en la realización de las obras del Hipódromo de la Zarzuela, obras que continuaron tras empezar la Guerra y que tan sólo cesaron cuando por falta de materiales fue imposible su desarrollo técnico. Pero rápidamente, esta aparente normalidad ante un conflicto no del todo calibrado se tornó dramática, respondiendo ante ella de manera diferente en cada caso. Carlos Arniches se quedó en España. Durante la Guerra estuvo destinado todo el conflicto en el frente republicano de Somosierra, realizando labores de carácter estrictamente técnico. La razón que lleva a Martín Domínguez a abandonar España no ha quedado del todo clarificada.

Rabasco, Pablo. “Arquitectura y decoración: publicaciones de Martín Domínguez en La Habana (1937-1938)", en IV Congreso Internacional de Arquitectura Contemporánea en España, Miradas cruzadas, intercambios entre Latinoamérica y España en la Arquitectura española del siglo XX, Ed T6, Escuela Técnica de Arquitectura de la Universidad de Navarra, 2008,. isbn 978-84-92409-00-6. Superior de la Universidad de Navarra. Pamplona, 2006.

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Ame, el descanso de los sueños, por Pilar Barrionuevo

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Desde el pasado 19 de febrero y hasta el 6 de marzo se puede contemplar en la Diputación de Córdoba la exposición titulada Ame, el descanso de los sueños, original de la fotógrafa cordobesa Pilar Barrionuevo, cuyo tema es la Atrofia Muscular Espinal (AME), una enfermedad muscular de origen genético, que se manifiesta por una pérdida progresiva de la fuerza muscular. A pesar de que se conoce el gen causante y que se han hecho importantes avances en el diagnóstico y conocimiento de la enfermedad, la AME todavía no tiene un tratamiento curativo. Ame, el descanso de los sueños, se conforma como una exposición fotográfica donde se muestra la cotidianidad de una niña con Atrofia Muscular Espinal, un trabajo que ha sido desarrollado durante los dos últimos años con el objetivo de sensibilizar y divulgar el conocimiento de la AME en la sociedad.

Pilar Barrionuevo se interesó por la fotografía tras haber realizado sus estudios en Ingeniería Técnica Industrial; actualmente compagina su trabajo de freelance con la fotografía publicitaria. Ha expuesto en la Escuela de Arte de Toledo, Filmoteca de Andalucía, Casa de la Música de Cuba y el Festival Sevilla Foto09, entre otros.

Ame, el descanso de los sueños
Pilar Barrionuevo
Diputación de Córdoba

Plaza de Colón, 15
Del 19 de febrero al 6 de Marzo


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100.000 visitas

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Ars Operandi superó en estos días pasados las 100.000 visitas desde su creación, hace 21 meses. En este tiempo los colaboradores fijos de Ars Operandi han aumentado, quedando actualmente la relación siguiente, por orden de incorporación: José Álvarez, Magdalena Madueño, Fanelo Aguayo, Marina Mellado, Tete Álvarez, Óscar Fernández, Pablo Rabasco, Rosa Colmenarejo, Manuel Sánchez, José Manuel Recio, Rosana Herrero y Álvaro Tarik. A esta relación hemos de unir las numerosas firmas invitadas que han colaborado en esta publicación, todas ellas avaladas por la profesionalidad de sus titulares, una extensa relación añadida que los lectores pueden disfrutar de forma continuada. En Ars Operandi se han publicado hasta ahora 723 entradas, de las cuales 173 son reseñas de exposiciones, en una cantidad apreciable realizadas en Córdoba, donde la actividad expositiva, con todos lo matices que se quiera, es de importancia. Asimismo se han reseñado exposiciones y otras actividades culturales en lugares diversos de las que ha sido cronista Ars Operandi. En el apartado Ars Operandi Videos se han realizado y montado 28 videos hasta el momento, que documentan muchas de las exposiciones llevadas a cabo en Córdoba desde los 90 hasta la actualidad. Noticias, artículos, música, libros o artes performativas y teatrales son algunas de las etiquetas bajo las que los componentes de Ars Operandi ofrecemos información y opinión a nuestros lectores. A todos los que se asoman a esta ventana, nuestro agradecimiento más sincero.
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25/2/2010

Fotografía contemporánea a escena con las dos exposiciones del IV Premio Internacional Pilar Citoler

Manuel Sonseca, de la serie Lisboa Revisitada
Redacción / Ars Operandi

La sala Puertanueva desde hoy las dos exposiciones que conforman la edición del IV Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler. Se trata de las exposiciones que mostrarán las obras finalistas de el IV Premio (2009), incluida la obra ganadora del flamante Premio Citoler, Juan del Junco, y por otro lado la monográfica de Manuel Sonseca, fotógrafo ganador del III Premio Citoler (2008), titulada En Blanco y Negro. Asimismo, en el acto de inauguración se presentará, a más del catálogo de finalistas, el III volumen de la colección El ojo que ve, dedicada a los ganadores del Premio Citoler, la cual ha publicado hasta el momento sendos títulos dedicados a los anteriores premiados, Begoña Zubero (2006) y Félix Curto (2009).

El Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler reflexiona en torno a una de las actividades más actuales en el ámbito de la creación, el mundo de la fotografía artística. El Premio, que cada año se presenta en la prestigiosa feria Paris Photo, tiene uno de sus fundamentos en la tarea de la coleccionista que da nombre al mismo y que, cada año, nos acompaña en nuestra ciudad como Presidenta del Jurado, Pilar Citoler. El Premio recae en un artista y su trayectoria, no solamente en la fortuna de la fotografía presentada, como ocurre en la mayoría de los certámenes; este carácter de reconocimiento total, junto a la dotación económica y las publicaciones hace que el Premio Citoler se haya colocado entre los premiso de fotografía más relevantes de Europa, y para cuyo concurso de unen los trabajos del Ayuntamiento de Córdoba, la Fundación CajaSur, la Fundación Rafael Botí, la Universidad de Córdoba y la colaboración de Rabanales 21.

Manuel Sonseca, nacido en Madrid en 1952, presentará en la exposición En Blanco y Negro una selección de sus vistas urbanas de diferentes ciudades, como Buenos Aires, Madrid, Coimbra o Roma, una personal visión que le ha llevado a ser calificado por Bernard Plossu como "poeta libre". Para Manuel Sonseca, la utilización la fotografía analógica significa para él que “el fotógrafo decide qué imágenes tomar y cuáles no”. Con lo digital, para el fotógrafo, “la mayoría de las personas borra inmediatamente aquello que en ese momento no les sirve”, por lo que no se puede “revisitar el archivo al cabo de los años para recuperar alguna fotografía que quedó en el olvido, cosa bastante frecuente”.

Juan del Junco, S/T (La Corchuela), 2008
Por otro lado, en la exposición dedicada a los finalistas del IV Premio Citoler, se expondrá la obra ganadora, titulada S/T (La Corchuela), del fotógrafo jerezano Juan del Junco (1972). La fotografía ganadora forma parte de un proyecto que Juan del Junco realizó en 2008 bajo el título Del naturalista a lo habitado: trazas, huellas y el artificio del artista. El interés de Juan del Junco por la observación y la ornitología arranca desde su infancia, al ver a su padre entregarse a estas tareas de observación de la naturaleza, un legado que hace que en su obra se muestre el deseo de acercar arte y ciencia.

Por último los finalistas del IV Premio Citoler estarán representados por sus obras: Juan Baraja, con S/T (de la serie Catedrales), donde explora con sus fotografías nuevas visiones de los espacios arquitectónicos; Lidia Benavides, quien en The Weightnessless Solaris Library trabajó un documental sobre arquitectura y arte de edificios de Madrid, en concreto, la ampliación de Jean Nouvel para el Reina Sofía; América Méndez, quien nos presenta con Las Bodas de Casanova un claro interés por la escenificación y sus amplias posibilidades plásticas; Linarejos Moreno, con Hades (o) Lacrimarios II, un trabajo sobre la desaparición de ciertos espacios, en concreto sobre una antigua fábrica; el cordobés Manuel Muñoz, siempre interesado por la memoria y el paso del tiempo, quien ha sido finalista con la obra titulada Engineers; Rosa Muñoz, quien revisa la idea de tiempo, las mutaciones que se producen en el espacio que habitamos y sus repercusiones en nuestro ánimo en la obra titulada Paisajes del futuro; Eduardo Nave, presente con una obra de su serie A la hora y en el lugar, en la que el artista ha fotografiado lugares que han estado marcados por la muerte, en concreto por atentados terroristas; Felipe Talo, seleccionado por Wild at heart, de su serie sobre ciudades chinas, y at last but not least, Laura Torrado, que presenta una de sus particulares Vanitas, género barroco por excelencia, una reflexión sobre la muerte, lo efímero y la fugacidad de la belleza.

Ambas exposiciones están comisariadas por Alfonso de la Torre, conservador de la Colección Circa XX - Pilar Citoler, y podrán ser contempladas por el público desde hoy hasta el 21 de marzo.

IV Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler
Manuel Sonseca. En Blanco y Negro
Finalistas del IV Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler
Sala Puertanueva, Ronda de Andújar s/n (facultad de Dercho), Córdoba
Del 25 de febrero al 21 de marzo de 2010
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24/2/2010

Vera Muñoz muestra sus puentes y azoteas en una nueva exposición

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Mañana jueves 25 de febrero, en la Galería José Pedraza de Montilla, tendrá lugar la inauguración de la exposición titulada Horizontal, donde se podrán contemplar diversas obras de Francisco Vera Muñoz, correspondientes a sus series Puentes y Azoteas.

Vera Muñoz (Córdoba, 1978) cultiva el género del paisaje, un tipo de pintura tradicional, que realiza con un lenguaje personal. La ausencia de personas, de coches, en sus composiciones, dota a sus cuadros de una cierta irrealidad. El paisaje urbano es el principal eje temático de su pintura. Ganador de numerosos premios de pintura, entre ellos el Maestro Mateo 2008, la Exposición Internacional de Valdepeñas o el Premio Fundación Mainel de Valencia, sus obras han sido expuestas en numerosas exposiciones individuales y colectivas.

Francisco Vera Muñoz
Horizontal
Galería José Pedraza
La Andaluza, 1, 14550 Montilla (Córdoba)
del 25 de febrero al 26 de marzo de 2010

23/2/2010

Obras de Pedro Bueno recuerdan a su amigo Pepe Jiménez

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Pepe Jiménez, a la izquierda, y Pedro Bueno, a la derecha, en fotografías del primero

La Galería Studio 52 - Juan Bernier inaugura mañana miércoles 24 de febrero la exposición titulada 100 años de Pedro Bueno en el recuerdo a Pepe Jiménez, en la que una selección de obras del pintor de Villa del Río recordarán a José Jiménez Poyato en el IX Aniversario de su fallecimiento.

Pepe Jiménez, nacido en Priego de Córdoba en 1928, se dedicó a la fotografía artística y documental desde su juventud, trabajando en el ámbito del patrimonio artístico con el arquitecto Féliz Hernández, con Bries Braunn, director del Instituto Arqueológico Alemán y con Juan Bernier, con quien trabajó en la realización del Catálogo Artístico y Monumental de la provincia de Córdoba. Unido desde sus inicios al Grupo Cántico y a la vanguardia artística cordobesa de los 50 y 60, la galería que instaló en su propio establecimiento fotográfico - cuya primera sede fue proyectada por Rafael de La-Hoz - sirvió de escaparate a la práctica totalidad de los artistas cordobeses de la época.

La exposición, formada con fondos - óleos y dibujos - de la familia Jiménez, conmemora asimismo el centenario del nacimiento del pintor Pedro Bueno (1910 - 1993), pintor emblemático de la plástica cordobesa del siglo XX y Premio Nacional de Bellas Artes, de quien trataremos en el futuro con motivo de los distintos actos que en conmemoración de su Centenario se hallan preparando diversas instituciones.

100 años de Pedro Bueno en el recuerdo a Pepe Jiménez
Galería Studio 52 - Juan Bernier
Inauguración miércoles 24 de febrero, 20:30 h
Ronda de los Tejares, 15 - 14008 Córdoba
Hasta el 10 de marzo

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22/2/2010

Semana del Video Iberoamericano en La Nave Spacial

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A palos, obra en video de Verónica Ruth Frías

La Nave Spacial, espacio independiente para la creación contemporánea, presenta en su sede de Sevilla la II Semana de Video Iberoamericano que se celebrará desde mañana y hasta el 27 de febrero. Comisariada por el crítico de arte y comisario de exposiciones Juan Ramón Barbancho, la muestra reúne las obras en vídeo de 28 artistas de 12 nacionalidades que conforman cinco programas que se proyectarán a lo largo de toda la semana. Uno de estos programas dará cabida a una selección del proyecto Circo de La Habana, comisariada por Ada Azor, con obras de Glenda León, Ernesto Oroza o Lázaro Saavedra entre otros.

En la II Semana de Video Iberoamericano participan también tres artistas cordobeses con piezas producidas entre 2008 y 2009. Se trata de Verónica Ruth Frías de la que se proyectará A palos, Ángel García Roldan que mostrará Nàrke y Tete Álvarez que presenta la versión en vídeo monocanal de En un momento.


Nàrke, obra en vídeo de Ángel García Roldan

El proyecto La Nave Spacial es un espacio multidisciplinar que da cabida a todas las manifestaciones de la cultura contemporánea desde las artes visuales, hasta las artes escénicas, pasando por la literatura o el cine. Creado a finales de 2008 y ubicado un corral de oficios de la plaza del Pelícano, La Nave propone una forma otra de propiciar el acercamiento al arte contemporáneo. Exposiciones, conferencias, talleres, presentaciones y un contacto directo con los artistas son los ingredientes de un proyecto que pretende sobre todo "crear grupos de discusión y acciones en la ciudad, creando relaciones, no únicamente entre el mismo grupo de artistas sino con un público, una comunidad y un determinado contexto sociocultural".
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Grandes nombres de la música del siglo XX, en el Conservatorio

.Wilhelm Furtwängler

Mañana martes 23 de febrero, el Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco inicia el Ciclo Grandes Documentales, durante el que se proyectarán todos los martes hasta el 13 de abril diversas grabaciones en las que intervienen algunos de los más relevantes nombres de la música en el siglo XX. El próximo martes se proyectará The art of conducting. Legendary conductors of a golden era (director: Peter R. Smith), continuación del éxitoso The art of conducting – Great Conductors of the past, documental en el que se presentan seis directores de orquesta que figuran entre los grandes nombres del s. XX: Sergiu Celebidache, Wilhelm Furtwängler, Erich Kleiber, Eugeny Mravinsky, Charles Munch y Willem Mengelberg. El documental se complementa con comentarios de personalidades musicales que conocieron de primera mano a dichos directores. El siguiente martes, 2 de marzo, será el turno de Ludwig van. Ein Berich von Mauricio Kagel (director: Mauricio Kagel). En esta ocasión se presenta un extraordinario documento audiovisual de Mauricio Kagel sobre la mercantilización de la figura de Beethoven. Encargado por la WDR en 1970 con motivo del segundo centenario del nacimiento del genio de Bonn, Ludwig van está a medio camino entre el documental y el videoarte. Una obra transgresora que mueve a la reflexión valiéndose de un montaje único compuesto de imágenes en blanco y negro y unos arreglos del Fidelio puramente kagelianos.

El martes 9 de marzo se podrá visionar Arvo Pärt. 24 preludes for a fugue (director: Dorian Supin). 24 preludios para una fuga es el primer documental autorizado sobre el compositor estonio Arvo Pärt. Un retrato confeccionado a partir de momentos precisos a los largo de tres prolíficos años en la vida del compositor. Este trabajo abre una puerta al personalísimo mundo interior de uno de los compositores más intensamente espirituales de nuestro tiempo.


El 16 de marzo es el turno de Attrazione d´amore (director: Frank Scheffer). Attrazione d´Amore refleja la relación única desarrollada entre el director Riccardo Chailly y la famosa Royal Concertgebouw Orchestra. Yuxtaponiendo interpretaciones de Mahler, Mozart, Debussy, Stravinsky, Varesse, Puccini... Frank Scheffer dibuja un fascinante retrato del amor mutuo entre un director y una orquesta basado en la mágica atracción de la música. El filme también incluye entrevistas a Luciano Berio y Riccardo Chailly.

Cierra el ciclo el 13 de abril Voyage to Cythera (director: Frank Scheffer). En 1968 Luciano Berio, compositor y pionero de la música electroacústica creó Sinfonia, una memorable pieza orquestal con referencias a compositores como Stravinsky, Boulez, Schömberg, Stockhausen, y sobre todo, Mahler. Así como Sinfonia usa la imagen de un río para conectar entre sí los diversos elementos, Voyage to Cythera navega entre diversos elementos musicales, interpretaciones, documentos, entrevistas y demás. Este documental ha sido nominado en el Dutch Academy Awards 1999 y ha obtenido el Certificate of Merit Winner, San Francisco International Film Festival 2000.

Memoria de Miguel Hernández en su I Centenario

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Imagen de Pere Sousa para el libro ensamblado Hambre de libertad

A lo largo de este año se celebrará el primer centenario del nacimiento de Miguel Hernández (1910-1942). Por ello, la Asociación Nueva Poesía de Córdoba ha organizado un recital - homenaje en honor al poeta español en el Salón de Actos del Centro Cívico de Lepanto, (Ronda del Marrubial s/n) el próximo 25 de febrero a las 19 horas, y que correrá a cargo de Miguel Moreno Sánchez y José Villanueva Fernández.

A pesar de su corta vida, Hernández ha dejado una extensa producción literaria, impregnada por el influjo del juego barroco de Góngora y los gongoristas (Alberti, Diego), Quevedo, Garcilaso y Calderón; y también de los surrealistas. Participó de la Generación del 36, de su corriente social inspirada en los movimientos obreros y revolucionarios, línea en la que Miguel Hernández fue militante activo. En 1933 publica Perito en lunas, y ya en 1936, su celebrado El rayo que no cesa.

En plena Guerra Civil publica Viento del Pueblo. Poesía en la guerra (1937). Sigue escribiendo textos que se publicarán ya de forma póstuma. Recién concluida la guerra se había terminado de imprimir en Valencia El hombre acecha. Aún sin encuadernar, una comisión depuradora franquista, presidida por el filólogo Joaquín de Entrambasaguas, ordenó la destrucción completa de la edición. Sin embargo, dos ejemplares que se salvaron permitieron reeditar el libro en 1981. Miguel Hernández fue condenado a muerte por los tribunales franquistas, aunque la pena capital le fue conmutada por treinta años de cércel, de los que sólo cumplió tres, falleciendo enfermo en presidio en 1942.

Por otra parte, la red librodeartista.info ha programado con motivo del Centenario una serie de actividades que incluyen la realización de un Libro de Artista, ProyectoMH, el libro-acción Caminar por caminar cansa, la acción No soy de un pueblo de bueyes, los libros ensamblados Hambre de libertad y En homenaje a la figura de Miguel Hernández, así como una exposición en la Escuela de Arte Mateo Inurria de Córdoba.

La red librodeartista.info es una red social creada con los objetivos de fomentar el coleccionismo del Libro de Artista como soporte creativo, así como relacionar por medio de la Red a los autores, editores, galeristas, libreros, investigadores, coleccionistas y demás interesados. Se puede descargar el PDF con el proyecto Miguel Hernández aquí.



21/2/2010

El Carnaval de Trinidad: el pueblo y la calle

desde Antigua y Barbuda: Rosana Herrero


Acabo de volver del Carnaval de Trinidad, sin lugar a dudas una de las manifestaciones festivas más significativas y ricas de todo el Caribe. En sus dos siglos de existencia ha evolucionado notablemente, pasando de ser en su origen un evento elegante y exclusivo de las clases europeas terratenientes – minoría privilegiada propietaria de las plantaciones de azúcar y cacao, así como de los esclavos – a convertirse en un festival nacional en el que participa toda la sociedad trinitense, en su rica amalgama étnica y multicultural, en desfiles (como el matutino J’Ouvert con el que se inicia oficialmente el Carnaval trinidense el lunes a las cuatro de la mañana), fiestas (Fêtes), parrandas (Parang), competiciones musicales (Kaiso, Panorama, Soca, Calypso, Chutney) de baile (Limbo) y de disfraces (Mas Bands, Mas King & Queen).

Steel Band

En su tercer viaje a Nuevo Mundo, en 1498, Cristóbal Colón llegó por primera vez a Trinidad, tomando posesión de la isla en nombre de los Reyes Católicos de España. La isla decepcionó al almirante, pues no contaba con los recursos inagotables del soñado El Dorado, el onírico lugar que traía de cabeza a los conquistadores españoles en aquella época. De manera que Trinidad vivió su larga etapa como colonia española – casi tres siglos – sumergida en el sopor del olvido imperial.

Finalmente, las Cédulas de Población de 1776 y 1783 dictadas por el rey Carlos III posibilitaron el asentamiento en la isla de hacendados europeos procedentes de las Indias Occidentales vecinas, en especial colonos franceses de Martinica, Guadalupe y Santo Domingo, quienes trajeron consigo sus tradiciones culturales, su lengua, sus atuendos, comidas y costumbres.

En 1797 Trinidad fue conquistada por los británicos, pasando así a formar parte de la corona británica.

En esta época, en el periodo comprendido entre Navidades y Cuaresma, la plantocracia caribeña concentraba todo su calendario festivo del año organizando bailes de máscaras, fêtes champêtres, o picnics al aire libre, y fiestas privadas a puerta cerrada. Era entonces cuando los esclavos gozaban de un poco más de libertad que de costumbre y podían disfrutar de más comida y tiempo libre para la recreación musical y performativa vernácula, la cual no estaba exenta de burla y subversión (por ejemplo las danzas bamboula y kalinda de los esclavos de Trinidad). Pronto la autoridad militar británica se percató en sus colonias de las Indias Occidentales del peligro que entrañaba la temporada de holganza de los hacendados, durante la que cerraban hasta las cortes civiles, y que era aprovechada por los esclavos para urdir no pocas conspiraciones y rebeliones. Así pues hacia 1800 en las colonias caribeñas británicas se declaró la Ley Marcial durante todo el periodo vacacional comprendido entre Navidad y Carnaval. Los hombres blancos debían en este momento alistarse en las milicias como medida de seguridad en caso de posibles levantamientos por parte de los esclavos. Para ello se celebraban elaborados ritos de iniciación militar que se acoplaban perfectamente a los jolgorios carnavalescos.


Durante el periodo pre-emancipatorio la plantocracia solía imitar la vestimenta y las costumbres de sus esclavos durante las celebraciones carnavalescas. Uno de sus disfraces favoritos era el de Negue/Negre Jadin, o esclavo del campo, así como el de mulata.

El traje de Negue/Negre Jadin consistía en un pantalón ajustado de satén color caqui hasta la rodilla y una camisa brillante con un parapeto en forma de corazón colgado del cuello, decorado con espejitos y diamantes de imitación, y ribeteado con plumas de cisne. El disfrazado llevaba su rostro, tal y como era costumbre en la época, cubierto con una máscara.

Disfraz de fantasía

Tras la emancipación de 1838, las puertas del Carnaval se abrieron también a la población africana de la isla. Los antiguos esclavos adoptaron entonces el personaje del Negue o Negre Jadin como retrato satírico del intento de la plantocracia por imitarlos. Fue también entonces el florecimiento del personaje caricaturesco de Dame Lorraine o Lorine, con el que los ex-esclavos se mofaban del prototipo de la sofisticada mujer de la plantocracia francesa, cuyos atributos físicos se marcaban de forma exagerada en el disfraz (pecho y caderas especialmente). Se trata de un personaje aun vigente en el Carnaval actual de Trinidad. Suele llevar abanico, pamela, y va muy recargada de bisutería.

Dame Lorraine

Los franceses y británicos despreciaban las ceremonias carnavalescas de los esclavos, tildándolas de vulgares, inmorales, obscenas y violentas. De ahí el término que escogieron para describir dichas prácticas festivas: el Carnaval Jamette (del término francés “diametre”, por debajo del diámetro o umbral de la respectabilidad, es decir el submundo).

El periodo comprendido entre 1860 a 1896 fue el momento de mayor represión legislativa y policial contra toda manifestación cultural africana en Trinidad. Fue entonces cuando se prohibieron los tambores africanos en las calles de Port-of-Spain, medida represiva a la que paradójicamente habrá que agradecer el surgimiento posterior del Tamboo-Bamboo y más tarde del famoso Steel Pan o tambor metálico de Trinidad, instrumento que tiene especial presencia durante el Carnaval, en las bandas de acero rodantes de los desfiles del lunes y martes de Carnaval, así como en Panorama, la competición nacional de bandas de acero.

Sin embargo, la ceremonia africana más castigada por la autoridad británica en Trinidad fue el Cannes Brûlées o Canboulay (en español “caña quemada”), que se tornó ocasionalmente en auténticos disturbios callejeros entre policía y participantes, como ocurrió en 1881 en Port-of-Spain. Cannes Brûlées es una escenificación liberadora de gran riqueza y complejidad performativas con la que la comunidad africana recordaba su historia de resistencia y subversión contra la condición esclava de sus antepasados. En la medianoche del domingo de Carnaval, en Duke Street, y desde hace dos años en Picadilly Greens, Port-of-Spain, se celebra aun todavía el Cannes Brûleés, en el que se recuerdan las quemas de caña del pasado, provocadas en las plantaciones por los esclavos, los cuales, en represalia, eran obligados a latigazos a apagar las llamas con sus propios cuerpos, así como a cosechar la caña a marchas forzadas, antes de que el fuego la consumiera. En las conmemoraciones carnavalescas del Cannes Brûleés se representa además una escena coreográfica tradicional de danza-lucha en corros rivales integrados por hombres y mujeres enmascarados que portan palos (“bois”) y antorchas llameantes, denominada “Kalenda” o “stick-fighting”. En las tiendas adyacentes se congregan las comparsas o seguidores de cada facción, liderados por un chantwell (masc.) o chanteuse (fem.) que incita a los contrincantes con su cante kaiso (kaiso-songs), interpretaciones musicales originarias del África occidental y antecedente del calypso, todo ello al ritmo trepidante de cuernos, caracolas, matracas, tambores de piel (originariamente) y de acero (después). El Cannes Brûleés es también el contexto tradicional del impresionante baile del Limbo dance, ejecutado bajo un palo, a veces en llamas, sin tocarlo, ni derribarlo.

Stick-fighting

Hasta 1838, año de abolición de la esclavitud en las colonias británicas, el Carnaval era de disfrute prácticamente exclusivo de la élite blanca. Los negros y mestizos tenían prohibido participar en todo tipo de celebración pública en la calle. Lo cual no quiere decir que no aprovecharan el descanso de la plantación para festejar sus propias festividades africanas de la tradición Ibo y Yoruba en sus dependencias privadas. Dichas ceremonias coincidían en el calendario con la Navidad y Carnaval cristianos (diciembre-enero), tenían como objetivo la celebración de la cosecha, e incluían mascaradas, efigies animales totémicas (1), disfraces, danzas rituales que representaban a los espíritus y los dioses, los ancestros y las fuerzas cardinales del mal/terror (2), el valor y la erudición (3), la agilidad acrobática (4) y la fertilidad (5).

En mi reciente visita a los Carnavales de Port-of-Spain, capital de Trinidad y Tobago, pude reconocer muchas de estas ancestrales mascaradas, que paso a continuación a describir e ilustrar:

(1). Como ejemplo de efigie animal totémica, encontré este Burrokeet (del español “borriquito”) centáurico, colorida armazón de bambú (o de alambre en la actualidad), cuyo origen se encuentra tanto en la tradición india y venezolana. El jinete lleva un sombrero grande de cogollo, un largo vestido de satén cuya falda cubre el cuerpo del burro. El baile que ejecuta el jinete imita el movimiento corcoveante del burro. El Burrokeet tiene su propio acompañamiento musical, la danza conocida como burriquite o burriquita, originaria de Venezuela.

Burrokeet

Y siguiendo con las cuatro patas, se encuentra también la mascarada masculina de la Cow Band o peña vacuna. En su origen la Cow Band solía verse desfilando el martes de Carnaval. Solía ser interpretada por un pequeño grupo de empleados de los mataderos, que corrían desbocados entre la multitud como ganado en estampida, al ritmo de banjos, cuatros venezolanos, guitarras españolas, mandolinas, violines, chac-chacs o maracas. El disfraz consistía en sacos de arroz cubiertos de hojas de plátano, y una cabeza de vaca hecha de cartón piedra. Este año pude ver una de estas Cow Bands. Aquí está:

Cow Band

(2). Todos los personajes que encarnan las fuerzas del mal y del terror en el Carnaval de Trinidad desfilan por las calles pidiendo dinero de forma amenazante. Algunos de ellos, como el Jab Molassie, incluso amenazan con manchar de brea, grasa, aceite o pintura a los viandantes con su propio cuerpo y sus abrazos si no les dan propina. El Jab Molassie (del francés “diable” o diablo y del patois “mélasse” o melaza) es una de las diversas variaciones del demonio que se pueden encontrar aun hoy día en el Carnaval trinidense. Lleva mallas ajustadas hasta la rodilla, argollas en el cuello, máscara y cuernos. Suele portar una horca, cadenas y candados y va acompañado de un séquito de diablillos que van tocando latas de galletas y silbatos a la consigna de “Pay the Devil!” (¡paga al diablo!).

Jab Molassie galáctico junto a Rosana Herrero

El Jab Jab, por su parte, es la versión mona del Jab Molassie. Es por ello que esta mascarada también se conoce como Pretty Devil Mas. El disfraz, de colores alternos por delante y por detrás, recuerda al de los bufones de las cortes medievales: calzones y camisa de satén con cascabelitos colgando de la cintura. En la cabeza suele llevar una capucha salpicada de cuernos de tela rellenos. En el pecho el Jab Jab porta un corazón de tela decorado con plumas de cisne, espejitos y diamantes de imitación. Calza medias y alpargatas. En la mano lleva un látigo de cáñamo trenzado que chasquea al mínimo fastidio.

Jab Jab

El Bookman, también conocido como Ruler o Gownman también forma parte de las mascarada diabólicas. Va vestido bien con túnica de satén o terciopelo de ricos encajes, o bien con capa larga engalanada con escenas bíblicas, blusa con chorreras, calzones cortos hasta la rodilla estilo Tudor y una cabeza diabólica descomunal. Lleva en la mano un enorme libro sobre el que va apuntando los nombres de posibles almas para el diablo. Suele ir acompañado de una orquesta de saxofones, trompetas y tambores y su delicada danza tiene algo de vals. No es de extrañar, pues con otro tipo de movimiento brusco se le podría caer el cabezón.

Bookman

Un último tipo de mascarada maquiavélica que encontré fue el Bat o murciélago, que va embutido en un mono ajustado negro o marrón, lleva una cabeza de murciélago de cartón piedra, zapatos y guantes de cuero con garras metálicas, y alas de bambú, caña o alambre cubierta con la misma tela del disfraz. Sus movimientos imitan obviamente el aleteo convulso del murciélago que suele dar lugar a una rítmica coreografía o danza del murciélago (bat dance).

(3). Hay dos tipos de personajes charlatanes muy característicos del Carnaval de Trinidad, que hacen gala de sus notables recursos discursivos como parte central de su puesta en escena.

Uno de ellos Midnight Robber, o el ladrón de medianoche. Va vestido de negro y se distingue por su “Robber Talk”, o perorata de ladrón, en la que alardea de sus proezas, valentía, abolengo e invencibilidad. Se cree que su estilo retórico está emparentado con la tradición oral del África occidental de los “griots” o narradores tribales, al tiempo que se burla del habla y vocabulario de los dueños de las plantaciones. Por otra parte, su atuendo ofrece también ecos de los cowboys del medio-oeste americano (camisa negra de satén y pantalones bombachos). Lleva una larga capa pintada con calaveras y huesos, o con su sobrenombre, generalmente macabro, así como un enorme sombrero orlado de ala ancha. Suele ir armado con espada o pistola y porta una hucha de madera en forma de ataúd, así como un silbato sobre el cuello que utiliza para marcar la transición entre perorata y perorata.

Midnight Robber

El otro personaje locuaz del Carnaval de Trinidad es el Pierrot Grenade, derivado del antiguo Pierrot, un sabio enmascarado de rica vestimenta especializado en deletrear complicadas palabras polisilábicas y citar pasajes de Sheakespeare. Va armado con fusta y lidera una peña de hinchas femeninas que retan en su nombre a otras peñas de pierrots. Su descendiente, el Pierrot Grenade, es una sátira del respetable Pierrot. El Pierrot Grenade es igual de egocéntrico y empollón, pero a diferencia del Pierrot, el Pierrot Grenade va vestido de harapos de estopa de colores de los que cuelgan latas y cajitas con cantos dentro que suenan a su paso. Su máscara tiene cierto efecto de anonimidad y le permite hacer comentarios mordaces sobre miembros “respetables” de la comunidad.

Pierrot Grenade

(4). Una de las siluetas más esbeltas e idiosincrásicas del Carnaval afro-trinidense es la de Moko Jumbie, cuya destreza acrobática sobre elevados zancos guarda relación con su habilidad de prever el mal antes que el resto de los mortales. En cuanto al origen etimológico del nombre, “jumbie” o “zombie” en África es el espíritu. “Moko” es el adivino en lengua Congo. En Trinidad, Moko Jumbie pasó a ser el protector del pueblo. En el pasado los Moko Jumbies solían danzar al son de los tambores, las flautas y los triángulos, al tiempo que recogían propinas de la gente por los balcones de las casas. Se trata de un personaje muy apreciado aun en el Carnaval actual de Trinidad, especialmente entre los jóvenes acróbatas que ahora bailan al son de ritmos trinidenses contemporáneos, como soca (fusión del calypso caribeño tradicional y percusión a menudo electrónica) y chutney (ritmo característico de la populosa comunidad indo-caribeña de Trinidad, mezcla de música bolliwoodiense y soca).

Moko Jumbie

(5). La Baby Doll, o muñequita, va vestida con vestido de volantes y gorro de bebé, lleva una muñeca que simboliza un hijo ilegítimo, y va acusando por ahí a los viandantes y espectadores masculinos de ser el padre de la criatura, al tiempo que les exige dinero para la leche del bebé. Resulta un personaje muy divertido, especialmente cuando es interpretado por hombres, quienes suelen aderezarlo con voz de pito y cierto aire histérico.

Baby Doll

Con los años se fueron incorporando al repertorio afro-trinidense máscaras, disfraces y personajes que representaban la creciente influencia de la sociedad civil europea y americana, a menudo en clave subversiva y burlona. Así pues encontramos parejas de policías y ladrones, pieles rojas, payasos, marineros, minstrels (cómicos musicales que parodiaban la negritud de los esclavos norteamericanos), acompañados todos ellos de números musicales y danzas característicos de cada uno de ellos.

Payasos

En la actualidad, en el Carnaval de Trinidad predominan las peñas de bikinis de fantasía y plumas, de mínima cobertura corporal, de influencia brasileña y diseños orientales, así como el baile del “wining”, coreografía de movimientos pélvicos y sinuosos que enlaza espontáneamente a parejas, tríos, incluso a múltiples acoplamientos o sandwiches ocasionales al ritmo de los más puros y palpitantes ritmos trinidenses, soca, rapso o chutney.

Toda una experiencia.
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Bikinis & beads
Fotografías de Rosana Herrero



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19/2/2010

Imágenes que se mueven en Arco10


La Traca Final de Karmelo Bermejo en el stand de la galería Maisterravalbuena

Tete Álvarez / Ars Operandi

Una obra en video titulada La Traca Final del malagueño Karmelo Bermejo (1979) ha sido galardonada con el Premio ARCO Comunidad de Madrid 2010 con el que la Comunidad reconoce la mejor obra de artistas menores de 40 años presentada a la Feria. El título completo de la obra ganadora es La Traca Final / The Grand Finale. Crédito bancario utilizado para lanzar fuegos artificiales en la clausura de Art Basel Miami Beach 2009 y corresponde a una acción que se llevó a cabo en Art Basel Miami Beach que consistió en una instalación con fuegos artificiales dispuestos de tal manera que formaran la palabra “Recession”. La acción se llevó a cabo a la finalización de la feria y funcionó como celebración e inicio de la fiesta de clausura de Art Basel. Una magnífica metáfora que resume una feria marcada por las consecuencias de la crisis económica y que lejos de experimentos ha decido apostar sobre seguro. Así las cosas el número de obras presentadas en la feria en soporte video es notablemente inferior al de pasadas ediciones.

Studio visit de Joe Sola en Cinema Loop

Arco dedica este año con un espacio exclusivo para la proyección de videos y películas. Cinema Loop se ha independizado de Expanded Box, iniciando una colaboración con Loop, la feria anual de videoarte de Barcelona. Se trata de un programa seleccionado por Carolina Grau y Paul Young que en palabras de sus comisarios intenta "llevar al video más allá de sus consideraciones históricas, hacia un nuevo reino de posibilidades". Las 14 obras seleccionadas han sido producidas en su mayoría en el último año, y muchas son estrenos, como las nuevas piezas de Yael Bartana y Noe Sendas y una doble proyección con una animación sobre la historia de China de Qiu Anxiong. De 2005 es, sin embargo, una de las piezas más acertadas del programa, Studio visit, de Joe Sola, una obra que entronca directamente con las primeras acciones filmadas en video a finales de los sesenta cuando el cuerpo empieza a convertirse en objeto de arte. La obra documenta una serie de encuentros que tuvieron lugar en el estudio del artista con comisarios y galeristas para presentarles sus trabajos. En un momento dado la situación se convierte en desconcertante cuando el artista salta por la ventana de un primer piso rompiendo el cristal de la ventana.

The innocents , Bill Viola en Haunch of Venison

El programa general de la feria cuenta con atractivas obras en video, que muy diseminadas a lo largo de los dos pabellones, permiten tomar contacto con una serie de artistas que exploran una amplia variedad de registros formales que incluyen la animación, el collage, la narrativa y la abstracción. Las piezas estrellas de la feria viene de la mano, cómo no, de la prestigiosa galería Haunch of Venison. En un lugar privilegiado se proyecta The Innocents una doble pantalla de plasmas verticales del más clásico de los videoartistas internacionales, Bill Viola. En la misma galería Mat Collishaw presenta su visión del Inocencio X de Velázquez y Bacon, y en el E-box la multinacional de las galerías ha instalado 12 pantallas de lcd de Rafael Lozano Hammer con Make Out, una pieza basada en sistemas de rastreo computerizados. Lozano Hammer, quizá el peso más pesado del arte tecnológico, repite en Max Estrella con un procedimiento similar pero esta vez la imagen del espectador se abstrae hasta convertirse en multitud de fragmentos de una paleta de colores que han sido utilizados a lo largo de la historia de las computadoras y los videojuegos.

Deconstrucción de imagen de circuito cerrado de Rafael Lozano Hammer en Max Estrella

Sin salirnos de Max Estrella, una de las galerías españolas que más y mejor trabaja las obras audiovisuales, encontramos piezas de Ampudia y Stephen Dean. Y es que en las galerías nacionales empieza a ser habitual la existencia de programas de video como el que trae desde hace años Espaivisor de Valencia con obras Dani G. Andújar y Eulalia Valdosera entre otros, o como el que se puede contemplar en Juana de Aizpuru con obras de Colomer, Sánchez Castillo y Cristina Lucas. Chus García Fraile presenta en Siboney Running, un trepidante video sobre huidas en masa mientras que Maider López hace lo propio con High wheel, un magnífico trabajo de arte digital realizado en colaboración con el Ars Electronica Futurelab. Angels Barcelona trae también a la feria una nutrida colección de imágenes en movimiento realizadas por el canadiense Michael Snow y los españoles Pep Agut y Esther Ferrer. De la mano de la austríaca Grita Insam viene Domestic Nacionalism, un excelente montaje realizado por Mateo Maté a base de fragmentos de películas y comerciales. En la italiana Studio Trisorio, Eulalia Valdosera exhibe una instalación con espejos y libros proyectados que acusa sobremanera la alta luminosidad de los stands de la feria.

Still de South China Sea Pishkun, obra de Dinh Q. Le en Shoshan a Wayne Gallery
En el apartado internacional cabe destacar una inquietante pieza en Estrany de la Mota sobre la angustia de un cordero en sus horas finales antes de su sacrificio firmado por Douglas Gordon, una videoinstalación a modo de puzzle de Tony Ousler en Soledad Lorenzo o las pinturas animadas de Jacco Olivier. Acabamos este recorrido audiovisual por Arco10 en la galería Senda con una delicatessen de la mano de Eve Sussman & Rufus Corporatio. Se trata de Red Girls/Blue Girls una lograda actualización del mito del Rapto de las Sabinas dominado por una estética sesentera de piscinas, chicas y colores saturados.

18/2/2010

Álvarez Reyes, nuevo director del CAAC, presenta en Madrid la Colección Iniciarte

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Redacción / Ars Operandi

El Programa Iniciarte presenta hoy en Matadero Madrid La vida en ningún lugar, una selección de la Colección Iniciarte realizada por Juan Antonio Álvarez Reyes, quien ha sido nombrado esta semana nuevo director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC). Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, Álvarez Reyes ha sido comisario de la Sala Montcada de la Fundación La Caixa (Barcelona) y ha dirigido el Centro de Arte Contemporáneo de Párraga (Murcia) entre 2002 y 2004. Como crítico de arte, Juan Antonio Reyes es colaborador habitual del suplemento cultural de ABC y de la revista Artecontexto. Con anterioridad trabajó en Diario 16 (1995-1997) y dirigió El Periódico del Arte entre 1998 y 2002. En este periodo fue también corresponsal de las publicaciones The Art Newspaper, Le Journal des Arts e Il Giornalle dell'Arte. El nuevo director del CAAC ha sido comisario de numerosas exposiciones, entre las que cabe señalar Monocanal (2003), Sesiones Animadas (2005), Fantasmagoría (2007) o Geopolíticas de la animación (2007).

La vida en ningún lugar, parte del concepto de "no lugar" acuñado por Marc Augé. Por un lado el espacio donde se exhibe: "un borde efímero en construcción que permanece al modo de las periferias urbanas y de un gran descampado". Por otro la colección Iniciarte permite ya realizar selecciones bajo un prisma concreto, en este caso "Lo cercano y el afuera" seríancomo el título de un capítulo del libro de Augéesos "motivos comunes que agruparían toda una serie de obras que hablan del presente como un momento de transición social y de reelaboración espacial a partir de su crisis sistémica". Los artistas seleccionados son los cordobeses Tete Álvarez y Fernando Baena además de Nuria Carrasco, Libia Castro & Ólafur Ólaffson, Santiago Cirugeda, José Guerrero, Juande Jarillo, Juan del Junco, Cristina Lucas, Carlos Miranda, Julie Rivera, Juan Carlos Robles, Daniel Silvo, Jorge Yeregui y Zemos 98.

El programa Iniciarte, Iniciativa de Apoyo a la Creación y Difusión del Arte Contemporáneo, fue puesto en marcha en 2006 con con el objetivo de incentivar la producción artística y de consolidar el tejido profesional del sector a través tanto del apoyo al trabajo de los creadores como de los galeristas.

En Matadero Madrid es posible asimismo visitar la intervención de Miguel Ángel Moreno de la que ya dimos cuenta en su momento en Ars Operandi.

17/2/2010

El archivo Romero de Torres a examen

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Prosigue el ciclo La obra del mes en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, iniciado el pasado 18 de octubre. La próxima cita será el domingo 21 de febrero, con la intervención de Alicia Córdoba Deorador, Directora del Archivo Histórico Provincial de Córdoba. En esta ocasión, la pieza elegida es El archivo documental de la colección Romero de Torres, a cuya colección pertenece la fotografía que acompaña este texto, un retrato de Rafael Romero Barros.

El nuevo ciclo de La obra del mes que presenta el Museo de Bellas Artes de Córdoba está recogiendo en esta ocasión una amplia variedad de obras y temas vinculados unas veces con el arte, otras con la biblioteconomía, la archivística, la arqueología, o también con los elementos arquitectónicos y el urbanismo. El objetivo se dirige como siempre a profundizar en el conocimiento de obras de la exposición permanente, de las ubicadas en almacén, o las adquiridas y restauradas recientemente. Para ello, el Museo está contando con la colaboración de distintos profesionales y conocedores de la materia, que ponen al alcance de todo el público sus conocimientos sobre las obras seleccionadas por ellos mismos, de entre los fondos del Museo.

Obra del mes
El archivo Romero de Torres
Domingo 21 de febrero, 13:00
Museo de Bellas Artes de Córdoba
Plaza del Potro, 1, 14001, Córdoba
Entrada libre

16/2/2010

Las cenizas del caníbal, por Juanjo Romero

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Las cenizas del caníbal es el título de la exposición que el próximo jueves 18 de febrero inaugurará el fotógrafo cordobés Juan José Romero (Rute, 1965) en la sala de exposiciones Tula Prints. Juanjo Romero es un fotógrafo de dilatada trayectoria profesional, siendo autor de numerosas exposiciones, como La ternura del alacrán, Vigilando las almas, Naufragios, Nuestra alegre juventud, El nombre de tu sombra o El que espera, entre otras. Su última exposición, Black Wings, se llevó a cabo en Madrid en el pasado mes de noviembre.

Juan José Romero
Las cenizas del caníbal

Inauguración jueves 18 de febrero, 20:00 horas

Galería Tula Prints

Puerta Osario nº1. Local

14001 Córdoba

Telf: 645 908 522

12/2/2010

Ars Operandi Videos: Javier Flores, Trampas del lenguaje

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Video que documenta la exposición Trampas del lenguaje realizada por Javier Flores en la galería Arte21 de Córdoba en enero de 2010. El artista menciano reune una serie de esculturas de hierro oxicortado y relieves que ahondan en la problemática del lenguaje como "algo que se interpone entre el ser humano y la realidad que intenta comprender". Para Javier Flores el lenguaje es por naturaleza dualista. "Surge de la separación existente entre la cosa real y el símbolo que la designa. Las cosas y las palabras se mezclan en el espacio común que es lo escrito, donde el signo encierra dos ideas: una lo que representa, otra la cosa representada. La naturaleza del lenguaje consiste en excitar la primera a través de la segunda. Pero este sistema de operaciones no es perfecto, ya que lo simbolizado a través del lenguaje es algo que se interpone entre el ser humano y la realidad que intenta comprender. Más que dominar el lenguaje somos dominados y condicionados por éste, en su comportamiento, estructura y múltiples trampas"
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11/2/2010

Las lágrimas de Eros

por Manuel Sánchez

Man Ray, Larmes, fotografía, 1930

Lágrimas de Eros (1961) es la reflexión final de Bataille sobre El Erotismo (1957), en el que daba vueltas a la relación eros-tánatos. Con el estudio final revelaba que en la petite mort del orgasmo experimentamos un avant-goût de la muerte definitiva. De una manera no tan teorizada, esto ya estaba presente en Wagner, Bernini, Miguel Ángel, los místicos españoles y la poesía lírica de la Grecia Arcaica. La aportación de Bataille supone fundamentar la identificación entre eros y tánatos en ambas experiencias cumbre.

Tanto en la muerte como en la consumación erótica regresamos, desde la discontinuidad de la vida individual a la continuidad originaria del Ser. Esta identificación sólo cobra sentido en lo sagrado, en el tabú de una prohibición: el sexo y la muerte. Pero en el erotismo, como dimensión de lo sagrado, la prohibición no existe sin la trasgresión y ahí radica el hecho artístico que nos propone esta exposición.

La prohibición excluye lo natural, los impulsos naturales para instaurar el dominio de lo cultural, una manera de ordenar el mundo. Pero desde este momento la prohibición desencadena el retorno de lo excluido, de lo que debía ser rechazado con horror. Los impulsos bestiales regresan en el sacrificio religioso, donde su violencia es moldeada como un material preciso y peligroso. El sacrificio es para Bataille el escenario último del erotismo. Siguiendo su libro la exposición se centra mucho en el mito, a veces demasiado, pareciendo que son variaciones del mismo tema superpuesto, pero que por la calidad de las obras o por la manera en la que los artistas las han tratado, no arriesgan ni aportan demasiado al tema.

Las temáticas van de la inocencia, la tentación, los suplicios de la pasión y la expiación hasta la muerte. Y como esto va de lágrimas, era imposible empezar sin las de Man Ray, fotógrafo queer antes del queer, llenas de una belleza hiriente.

Cézanne, Tentación de San Antonio, O/L, 1877

El primer objeto de análisis es Venus, cuya forma pura surge de una trasgresión: nacida del semen de Urano, castrado por su hijo Cronos. Como contrapunto bíblico se adentra en el mito de Adán y Eva y concretamente en Eva y la serpiente. La tentación domina igualmente en los capítulos siguientes: esfinges y sirenas. Criaturas ambiguas y tentadoras que tienen la encubierta amenaza de muerte. Con las tentaciones de San Antonio entra en escena el voyeur, con una duda entre la acción y la omisión. Estas pinturas fueron muy célebres en la época medieval y moderna porque permitía al pintor recrearse en cuerpos femeninos sin el miedo a ser censurado.

La misma excusa, pintar desnudos a colación de una escena religiosa, ocurre en el martirio de San Sebastián. Con esta sección también nos adentramos a la consumación erótica como acto de violencia ritual dentro del sacrificio religioso. Además en San Sebastián encontramos la primera mirada interesante de la exposición. Icono gay que ha llegado al siglo XX, se puede apreciar en las grandes pinturas clásicas del santo por Remi, Fabre o Bronzino donde no muestra ningún dolor, apenas sangre con anecdóticas flechas y sí un cuerpo vigoroso. Junto a las pinturas clásicas, fotografías contemporáneas que desacralizan y banalizan en la vida cotidiana el tema, como es el caso de La herida (2004) de Edouard Levé. Aquí un modelo escandalosamente guapo está entre la agonía y el éxtasis mientras Sta. Marta más que curarle parece limpiar su torso. La versión pagana y femenina del tema lo constituye Andrómeda, a punto de ser sacrificada a un monstruo marino.

John Currin, Honeymoon Nude, O/L, 1998

El siguiente capítulo es el beso como acto erótico. Aquí los amantes luchan por superar sus límites individuales para fundirse en un solo ser. Ello entraña una violencia abierta o latente, una pasión caníbal por devorar al otro o por vampirizarlo, como se ve en El beso (Bela Lugosi) (1963) de Andy Warhol o en el más subyugador El vampiro (1893) de Munch. La culminación amorosa en la pareja es un bondage o esclavitud ¿mutua?, y Magritte la representa encapuchando a Los amantes (1928). La versión contemporánea y trasgresora nos la da la fotografía de Golding: Rise y Monty besándose (1988). Extraños en el planteamiento general de la exposición son los vídeos de Bill Viola en los que parejas se enfrentan al agua. Amor a pesar de los elementos, obras que acompañaron a su producción del Tristán e Isolda de Wagner en la Bastilla de París y que, en este contexto, pierden toda su fuerza. Viola está a años luz de Bataille y su presencia en la exposición ha sido un error.

Gustave Courbet, El sueño (detalle), O/L, 1866

Los siguientes capítulos se pudieron ver en la Sala de las Alhajas de la Fundación Caja Madrid. Afortunadamente en este espacio se puede entrar gratis, sin los 8 € que supone la parte del Thyssen ¿es esta realmente una colección alquilada por el Ministerio de Cultura? Quizá estas obras sean más interesantes, más atrevidas. Si en la primera parte se advertían los peligros mortales de Eros, en la segunda es la propia muerte la que se ve erotizada. La muerte en doble aspecto: suavizada y embellecida como hermana del sueño o presentada con rasgos terroríficos. Bajo la escusa del mítico Endimión se muestra un sueño eterno que desarma al cuerpo y lo convierte en un objeto pasivo del deseo, mirado sin cesar por Selene. Hay una interesante variación del tema en el vídeo de Taylor-Wood: David Beckham (2004) en el que el astro duerme ajeno a todo y sustituyendo la mirada de Selene por la nuestra, la sociedad consumista ansiosa de nuevos mitos. Más trágico y gay es el repertorio de pinturas sobre Apolo y su amante Jacinto, muerto accidentalmente por el primero. Otros yacentes más politizados e interesantes los encontramos en las fotografías performativas de Marina Abramović , que construye piedades como símbolo de la pasada guerra de Yugoslavia.

De esta misma artista, pero ya con el tema de la Magdalena penitente, crea: Balkan Erotic Epic: Banging the Skull (2005) entre la mortificación y la indulgencia sensual representa a la mujer balcánica en guerra. Siguiendo las historias bíblicas encontramos a los cazadores de cabezas: Salomé y el Bautista, Judit y Holofernes y David y Goliat. Una sucesión de pinturas con el mismo tema, que rellenan pero aportan poco a la exposición. Entre las Judit se echa de menos la pintada por Artemisia Gentileschi, sólo por el gusto de traer a una pintora del XVII y por la impronta personal (fue violada) que le da a esta temática.

Finalmente Cleopatra y Ofelia ofrecen algunas de las obras más interesantes de la exposición. En estas dos suicidas se confunde la agonía y el orgasmo, la aniquilación y el éxtasis. Cada una de ellas encuentra el final más adecuado a su carácter: Cleopatra la petrificación marmórea por la mordedura de una serpiente y Ofelia la disolución en el agua. A parte del repertorio simbolista directamente inspirado en ambas historias, lo más interesante está en la recreación que hacen muchos artistas. Así, volvemos a encontrarnos con Man Ray en Primacía de la materia sobre el pensamiento (1929) donde recrea la esencia de Ofelia. Aunque falta Ofelia muerta (1854) de Millais y La Jeune Martyre (1855) de Delaroche, se pudieron ver sendas versiones de la pintura de Millais en fotografía: Camino a casa (2000) de Tom Hunter y Sin título (Ofelia) (2001) de Crewdson. E incluso el hermoso “Ofelio” de Soliloquio I (1998) de Sam Taylor-Wood. Aquí se actualiza el personaje y se ubica en una especie de retablo, sacralizando la “imagen delirante” del deseo. La moda y la publicidad como nuevos dioses en la época de las postimágenes.

Estas representaciones continúan un proceso de perversión de las formas iniciado a finales del XIX. Una pena que la exposición no haya seguido más este camino, una visión otra o queer, no normativa y por lo tanto más acorde con Bataille.

Sam Taylor-Wood, Soliloquy I, fotografía, 1998


La exposición Las lágrimas de Eros ha estado programada en el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid del 20 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010.
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10/2/2010

Dibujos arquitectónicos del XVIII en Vimcorsa

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Vimcorsa presenta el jueves 11 de febrero la exposición titulada Dibujos de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII. Patrocinada por el Ministerio de Cultura-Biblioteca Nacional, Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, Vimcorsa, Fundación Córdoba 2016 y Fundación Banco Santander, la muestra será visitable hasta el 28 de marzo.

Dibujos de arquitectura y ornamentación del siglo XVIII
Inauguración jueves 11 de febrero, 20:30 horas

Sala de Exposiciones Vimcorsa

C/ Ángel de Saavedra 9, Córdoba

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Láser para la restauración del Retablo Mayor de Santa Ana de Triana

.San Joaquín abandona la casa, de Pedro de Campaña, 1557, Iglesia de Santa Ana (Sevilla)

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico, que aplica desde hace años en sus proyectos de conservación tecnología no destructiva -fotografía especializada, reflectografía, endoscopía y colorimetría- experimenta por primera vez in situ con un equipo portátil con el que poder investigar los bienes culturales sin extraer muestras ni dañar las obras. Junto a la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla y el Laboratorio Láser de ENEA, el IAPH trabaja estos días en el Retablo mediante la técnica no destructiva LIF (Fluorescencia Láser Inducida).

Los procesos de restauración en el Retablo Mayor de Santa Ana, iniciados en diciembre de 2008, se encuentran en la última fase de ejecución. En cuanto a la arquitectura retablística, intervenida in situ, la limpieza y fijación de dorados y policromía se ha completado hasta el 97%, restando sólo algunas zonas del sotobanco y banco. Respecto a los bienes muebles que componen el retablo, el nivel de ejecución en las tablas de pintura es del 88%, en las esculturas de las hornacinas laterales de un 85% y en las esculturas de la hornacina central (Santa Ana, Virgen y Niño) de un 70%. Todos estos bienes se están interviniendo en los talleres de pintura y escultura del IAPH, en su sede del Monasterio de La Cartuja de Sevilla. De esta última fase del proyecto destaca la realización y colocación fija de una plataforma de acero inoxidable en el hueco posterior entre el muro y el retablo, que ha posibilitado la eliminación del cableado de instalación eléctrica antigua y la colocación de una nueva instalación de luz y puntos de conexión. Esta plataforma permitirá en el futuro el acceso para tareas de conservación del retablo.

El coste total del proyecto de intervención es de 422.713 euros, de los que la Consejería de Cultura aporta 241.356 euros. El resto es sufragado por la Archidiócesis de Sevilla, el Ayuntamiento de Sevilla y la Fundación Cajasol, además de la colaboración de numerosos colectivos y personas de la ciudad.

Estos días se trabaja en el Retablo Mayor de Santa Ana para poner a punto la tecnología LIF, de gran ayuda en la restauración y conservación del patrimonio. Esta metodología es capaz de identificar la presencia de repintes, huellas de restauraciones, materiales extraños en superficie o ataques biológicos como microalgas y hongos. La ventaja radica en que se trata de una técnica de análisis químico no destructiva que no requiere extraer muestras para conocer las características de los bienes culturales.

El retablo mayor de Santa Ana, y más en concreto su pintura, constituyen una muestra excepcional del patrimonio histórico de Andalucía. Se fecha en los años centrales del siglo XVI , y en el trabajan artistas de talla internacional entre los que destaca el pintor flamenco Pedro de Campaña (1503-1580), autor de la magnífica colección de tablas que forman el programa iconográfico del retablo. Campaña, importante representante del manierismo europeo, poseyó una gran fuerza imaginativa y especial calidad para componer sus obras (de forma especial paisajes y fondos arquitectónicos). Su trabajo en Sevilla supuso una completa renovación de las artes plásticas en la ciudad. El proyecto implica una investigación formal, material e iconográfica así como la intervención integral del retablo para su conservación y puesta en valor. La duración del proceso de restauración es de dieciocho meses y concluirá a principios de octubre con la reinstalación de las tablas en el retablo.
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