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31 de mar. de 2010

Las portadas de la arquitectura civil cordobesa

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El próximo martes 6 de abril, dentro del ciclo cultural de la Fundación Bodegas Campos, tendrá lugar la conferencia titulada Los estilos en las portadas de la arquitectura civil cordobesa, que impartirá el arquitecto y académico Arturo Ramírez Laguna. El conferenciante es un buen conocedor de la arquitectura de esta ciudad, tanto por sus estudios como por haber restaurado numerosos edificios –civiles y religiosos– de la provincia cordobesa. Su conferencia es un avance de uno de los trabajos de investigación que actualmente lleva a cabo, dedicado a las portadas de los caserones cordobeses, desgraciadamente, lo único que queda en muchos casos de estas casas, víctimas continuadas de la inmisericorde piqueta. En la conferencia se tratará el desarrollo de los estilos y sus hibridaciones, mostrándose fotografías propias y dibujos de las mejores construcciones de la ciudad.


Conferencia

Los estilos en las portadas de la arquitectura civil cordobesa
Arturo Ramírez Laguna

Martes 6 de abril, 20:30 horas
Fundación Bodegas Campos

Ermita de la Candelaria, c/ Candelaria 2 (frente a Bodegas Campos) - 14002 Córdoba

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29 de mar. de 2010

El IAPH restaurará la Piedad de las Angustias de Juan de Mesa

.Estado actual del rostro de la talla de la Virgen
Fotografía: IAPH/José Manuel Santos

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico y la Hermandad de la Virgen de las Angustias de Córdoba han suscrito un contrato para la restauración de la Piedad de la Hermandad de las Angustias de Córdoba. El grupo escultórico, uno de los más importantes de la imaginería barroca andaluza, está compuesto por imágenes de la Virgen de las Angustias y del Cristo Yacente, última obra del escultor e imaginero Juan de Mesa y Velasco, fechada en 1627.

El proyecto de conservación, de gran extensión y complejidad, incluye los trabajos que se desarrollarán durante un año a partir del mes de abril de 2010 y se enmarcan dentro del Programa de Servicios para la Intervención incluidos en el Catálogo de Servicios del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico.

La intervención de carácter integral tiene como objetivos la eliminación de los daños que presentan las imágenes, la formulación y aplicación de los medios y modos que eviten de nuevo la aparición de los deterioros existentes, y la aplicación de los tratamientos de restauración que, teniendo en cuenta el carácter devocional de ambas imágenes, son necesarios para su lectura estética.

En cuanto al soporte de la imagen de la Virgen de las Angustias, el proceso de conservación se iniciaría con una desinsectación, a la que seguirán el diseño y construcción de nuevos brazos y antebrazos, consolidación de fisuras y de madera degradada por la acción de insectos xilófagos y eliminación de varillas roscadas y de la reconstrucción anterior con masilla, que sería sustituida por madera. En cuanto a la policromía, las fases previstas son fijación de levantamientos, limpieza de depósitos de hollín y suciedad superficial, remoción de barnices y eliminación de repintes alterados, eliminación de repolicromías, estucado de lagunas con materiales afines a los originales, reintegración cromática de las lagunas estucadas con técnica reversible (acuarelas y/o pigmentos al barniz) y protección final.

Como es habitual en el IAPH, la intervención corre a cargo de un equipo multidisciplinar de profesionales del IAPH, especialistas en conservación-restauración y en fotografía, química e investigación histórica aplicadas a la conservación patrimonial.
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28 de mar. de 2010

Comenzando la primavera

por José María García Parody


El sol, la rosa y el niño / flores de un día nacieron. / Los de cada día son / soles, flores, niños nuevos.
Mañana no seré yo: / otro será el verdadero. / Y no seré más allá / de quien quiera su recuerdo.
Flor de un día es lo más grande / al pie de lo más pequeño. / Flor de la luz el relámpago, / y flor del instante el tiempo.
Entre las flores te fuiste. Entre las flores me quedo.


Hoy hace año que Miguel Hernández murió en la prisión de Alicante.


Pintada, no vacía: / pintada está mi casa / del color de las grandes / pasiones y desgracias.
Regresará del llanto / adonde fue llevada / con su desierta mesa, / con su ruinosa cama.
Florecerán los besos / sobre las almohadas. / y en torno de los cuerpos / elevará la sábana / su intensa enredadera / nocturna, perfumada.
El odio se amortigua / detrás de la ventana.
Será la garra suave.
Dejadme la esperanza.
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Juan Serrano: pinturas, esculturas, diseños

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Obra de Juan Serrano

El próximo jueves 9 de abril, en el Casino de la Exposición (Sevilla), tendrá lugar la inauguración de la nueva exposición de Juan Serrano, miembro fundador de Equipo 57. Conformada a modo de revisión de la obra del artista, la exposición mostrará la producción realizada entre los años 1985 hasta 2005 en su mayor parte, aunque también se mostrarán bocetos más recientes que no han sido llevados a su material definitivo. Pintura realizada en técnicas diversas, así como esculturas en distintos formatos, junto con una selección de diseños de mobiliario articulan la exposición, que se completa con una amplia variedad de bocetos, maquetas y esquemas que muestran el proceso creativo de uno de los artistas referentes de la vanguardia artística cordobesa.

Juan Serrano Muñoz (Córdoba, 1929), arquitecto, es miembro fundador de Equipo 57, colectivo de artistas formado en París en mayo de 1957 al que pertenecen los cordobeses Juan Cuenca, José Duarte y Juan Serrano junto a Ángel Duarte y Agustín Ibarrola, una nómina que se amplía en diferentes momentos de la existencia del grupo con los nombres de Jorge Oteiza, Thorkild Hansen, Néstor Basterrechea, Francisco Aguilera Amate y Luis Aguilera Bernier. Equipo 57, uno de los grandes grupos de la vanguardia artística española del siglo XX, ha visto reunida su obra en diversas exposiciones retrospectivas, como la dedicada a ellos en el Palacio de Congresos de Córdoba en 1994 o la que conmemoró el 50 aniversario de la fundación del grupo en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y posteriormente en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo durante el año 2008.

Juan Serrano
Pinturas, esculturas, diseños
Casino de la Exposición

Glorieta de San Diego, s/n, 41013 Sevilla

Inauguración 9 de abril, 20:00 horas

Hasta el 23 de mayo


Nota: Se prevé el fletado de un autocar que trasladará a las personas que deseen asistir a la inauguración mediante esta cómoda alternativa. Los interesados pueden confirmar su asistencia y reservar plaza llamando a los teléfonos 696 371 820 y/o 616 400 433
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26 de mar. de 2010

Los sonidos del bambú

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El próximo lunes 29, dentro del ciclo Cosmopoética, tendrá lugar en la Sala Orive la conferencia - concierto de shakuhachi (flauta tradicional de bambú japonesa) a cargo de Antonio Olías titulada La música antigua y moderna del Japón. Antonio Olías es un referete en España de las músicas de Austral-Asia y Eslovaquia. Profesor, intérprete, compositor e improvisador de shakuhachi, canto mongol khoomei, vientos eslovacos (fujara, píšťalka, koncovka) y didgeridoo de Australia. Su curiosidad, inquietud y motivación le han llevado a explorar diferentes lenguajes y disciplinas musicales que se pueden apreciar en numerosas grabaciones. Sobre el shakuhachi se ha escrito: "Sublime flauta de gran expresividad, sutileza y dinamismo, invita al intérprete y al oyente a una atmósfera de contemplación. Su calidez nos permite descubrir profundidades y sentimientos que sólo el sonido del bambú llega a acariciar".

Antonio Olías
Conferencia-Concierto de shakuhachi
La música antigua y moderna del Japón
Lunes, 29 de marzo a las 20:30 h.
Cosmopoética - Festival Internacional de Poesía de Córdoba
Sala Orive
Plaza de Orive, 2. Córdoba

María Ortega planta su icono 2016

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Fotografía de Francisco Cuéllar

La obra seleccionada de la artista María Ortega Estepa en el concurso Iconos para 2016 titulada Jardín colectivo, ha quedado instalada en la ribera del Guadalquivir, en el entorno de la Torre de la Calahorra. La obra es una intervención en el espacio urbano y natural a modo de letrero - jardín que mediante 450 plantas rodeadas de piedra blanca forma la palabra Córdoba 2016. La artista señala que la intervención se concibe como "un diálogo entre elementos como el agua, las plantas y monumentos emblemáticos de la capital. Un lugar abierto para respirar y sentir la magia de la ciudad". Para la colocación de las plantas, María Ortega contó con la colaboración del alumnado del Colegio Jerónimo Luis de Cabrera.
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24 de mar. de 2010

Candil califal de bronce en la Pieza del mes

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Entre los fondos de piezas andalusíes custodiadas por el Museo Arqueológico de Córdoba destacan los objetos de bronce, principalmente los candiles y, sobre todo, los elaborados en época califal. Es el caso del candil objeto de la presentación de la pieza del mes de este mes de marzo. La pieza responde a una tipología muy bien conocida, pero su extraordinaria conservación lo hace realmente único, aparte de presentar rasgos inusuales en otros ejemplares, como el vástago de portacandiles soldado en su base.

Su procedencia es desconocida, pero pertenece a la serie de candiles de bronce que debieron salir de los talleres oficiales del estado califal.

La presentación correrá a cargo de Juan Zozaya Stabel-Hansen, arqueólogo investigador de dilatada trayectoria y una de las figuras clave en el desarrollo de la arqueología medieval islámica en España. En su exposición, apoyándose con recursos audiovisuales, explicará la técnica de fabricación, el uso y la simbología de este raro tipo de piezas.

Pieza del mes

Candil califal de bronce
Por Juan Zozaya Stabel-Hansen

Domingo 28 de marzo,
13:00 horas
Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba
Sala del Alcaide

Plaza de Jerónimo Páez, Córdoba

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23 de mar. de 2010

La ciudad de Córdoba en su primer plano: un dibujo esquemático de 1752

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Otro de los dibujos procedentes del legado Vázquez Venegas

Antonio Jesús García Ortega y Antonio Gámiz Gordo han publicado en el último número de Archivo Español de Arte el artículo titulado La ciudad de Córdoba en su primer plano: un dibujo esquemático de 1752. La investigación trata sobre un dibujo anónimo del Archivo de la Catedral de Córdoba, hasta ahora publicado con escasa calidad gráfica, mal datado y apenas sin estudiar. El dibujo forma parte de la colección documental Vázquez Venegas, cuyo análisis permite desvelar sus fines y fecharlo en 1752. Los investigadores presentan el dibujo como el primer plano conocido de la ciudad de Córdoba, un valioso testimonio para conocer su conjunto urbano y sus arquitecturas, y cuya comparación con otros dibujos de ciudades entre el siglo XII y principios del XIX permite comprender su esquemática construcción gráfica dentro de un amplio contexto temporal. Junto a las iglesias parroquiales de la ciudad y algunos de sus conventos, aparece la muralla y sus puertas, ofreciendo datos de interés sobre elementos transformados o perdidos de su paisaje.

Antonio Jesús García Ortega y Antonio Gámiz Gordo
La ciudad de Córdoba en su primer plano: un dibujo esquemático de 1752
Archivo Español de Arte, Vol 83, Nº 329 (2010), págs. 23-40
La ilustración que acompaña esta entrada no es el dibujo estudiado. (N. del E.)

Si eres joven y tienes algo que decir

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El próximo jueves 25 de marzo está prevista la celebración del Encuentro Joven 2016, una reunión promovida por la Fundación Córdoba 2016 en la que su gerente, Carlota Álvarez-Basso convoca a jóvenes o colectivos y asociaciones de jóvenes con al propósito de conocer ideas, propuestas y proyectos para enriquecer así el proyecto Córdoba 2016. El encuentro está convocado de 19 a 21 horas en la Casa de la Juventud, sita en Campo Madre de Dios.

Encuentro Joven 2016
Jueves 25 de marzo, de 19 a 21 h
Casa de la Juventud
Campo Madre de Dios s/n, Córdoba

22 de mar. de 2010

Manuel Garcés comienza su nuevo proyecto en Iniciarte

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Manuel Garcés Blancart comienza el 23 de marzo su nuevo trabajo expositivo, dentro del Proyecto Iniciarte. El trabajo, titulado Ciudad Lineal, que se llevará a cabo en la Filmoteca de Andalucía, en Córdoba, se trata de una obra en proceso consistente en pintar durante tres meses una ciudad que crecerá cada día, sobre un mural de 976 x 240 cm.

El proceso se documentará en el blog Ciudad Lineal creado a tal efecto, aunque es deseo del artista que todo aquel que lo desee pueda visitar la obra durante el tiempo de su ejecución, las próximas 12 semanas.

Manuel Garcés (Córdoba, 1972) se formó en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla, ámbito de la enseñanza al que sigue vinculado en su calidad de profesor. Es autor de numerosas exposiciones colectivas y de forma continuada efectúa muestras individuales, de las que hemos dado cuenta en Ars Operandi en su momento, como Tráfico Centro
(Montilla 2009) o Circulando (Córdoba 2008). Garcés, quien compagina la pintura de caballete con la ilustración, ha sido premiado o finalista en diferentes concursos y becas, siendo asimismo su obra parte de diversas colecciones públicas.

Manuel Garcés
Ciudad Lineal

Proyecto Iniciarte
Filmoteca de Andalucía
Medina y Corella 5, Córdoba
Desde el 23 de marzo

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19 de mar. de 2010

"Chicas malas" de Juan López en la Filmoteca

La intervención que el artista Juan López López (La Rambla, Córdoba 1980) ha diseñado para el espacio3 de la Filmoteca de Andalucía bajo el título Chicas malas quiere profundizar sobre la cuestión de género más allá del sexo dado y los comportamientos asignados según éste. Se trata de un proyecto de instalación que consta de dos trabajos audiovisuales y una gran pintura mural. El primero de los vídeos presenta un retrato colectivo de la mujer aymara boliviana como un ejemplo de superación frente al sometimiento histórico y global del varón, una apuesta por la eliminación de los postulados sexistas que pretenden hacer ver que lo masculino y lo femenino no son dos esferas opuestas y diferenciadas. Con este ensayo documental el autor quiere sacar del oscurantismo a aquellas mujeres que en ausencia de teorías de género y con su esfuerzo diario tratan de alcanzar la igualdad y la independencia del varón. Como ejemplos: Hilaria (locutora de radio), Lourdes (mecánica), Bertha (concejala), Blanca (albañil), Roxana (presentadora de televisión) y Carmen y Marta (luchadoras profesionales).

En el segundo vídeo se desarrolla una entrevista con Hilaria Condori, locutora de radio, madre y mujer aymara boliviana (etnia del presidente Evo Morales) que nos presenta su visión personal sobre la situación de la mujer en su país. Este documento es una visión crítica que desvela ciertos temas -hasta no hace mucho intocables- como la violencia de género y el machismo imperante en una sociedad castigada por la pobreza. Los testimonios de esta cholita, término con el que se designa a las mujeres que visten pollera o falda con enaguas, sombrero bombín y manoletinas, son el relato cotidiano de numerosas mujeres en Bolivia.

Además de la proyección documental y la entrevista, Juan López López ha adaptado la sala con una gran pintura mural con la bandera aymara o wiphala, símbolo de la identificación nacional y cultural de los Andes Amazónicos, emblema colectivista compuesto por los siete colores del arco iris. Pero esta gran bandera se presenta manchada por un gran impacto de pintura rosa como metáfora del poder femenino (si es que existe como tal), color que simboliza las pequeñas historias de superación que revela el documental y a esas pocas mujeres que con su valentía han desafiado los postulados de una sociedad machista y violenta, a la par que evidencia la dedicación de otras muchas que con su lucha diaria sostienen la economía de un país donde la exclusión es el principal motivo de la pobreza imperante.

El objetivo de esta video-instalación es el de mostrar un nuevo y radical retrato del estereotipo que siempre se ha hecho de la mujer (aymara): el que se la mostraba como devota religiosa, sumisa y sacrificada en exclusiva para el prójimo. Porque en el documental aparece la mujer aymara sentada o parada por siglos como si fuera una montaña, esperando el inalterable devenir del día a día: su niño cargado en la espalda forma parte de ella misma, como si el niño fuera símbolo de la existencia y la madre la resignación hecha mujer. Pero también se descubre a una mujer activa, trabajadora inagotable, creativa, comunicadora y hasta capacitada para modificar costumbres de género con éxito y clamor: las cholitas cachascanistas o mujeres indígenas que participan del espectáculo violento de la lucha libre. Un nuevo poder rosa.


Chicas malas
Dirección, guión, cámara y montaje: Juan López López
Producción: Beca Artes Nobles
Filmoteca de Andalucía
Medina y Corella, 5. 14003 Córdoba
Hasta el 9 de abril
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17 de mar. de 2010

El asunto Guernica


El Guernica en su primera ubicación, el Pabellón de la República Española
en la Exposición Internacional de París de 1937

José Álvarez / Ars Operandi

Tras la polémica aparecida sobre la petición y el posible traslado del Guernica al proyecto del ampliación del Museo del Prado, que muestra el deseo de incorporar el emblemático lienzo del pintor malagueño a su colección permanente, el Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía reunido ha declarado de forma unánime su rechazo a tal suposición por medio del siguiente comunicado:

"El Guernica de Pablo Picasso es una obra propiedad del Estado español, adscrita a la Colección Permanente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, organismo autónomo dependiente del Ministerio de Cultura como su obra más valiosa y emblemática. Su delicadísimo estado de conservación y su gran formato impide todo tipo de traslado fuera del Museo, razón por la cual esta obra nunca ha sido prestada a institución alguna. Y esa situación no ha cambiado. Pero, sobre todo, el Guernica es la obra central en la colección del Museo Reina Sofía.

En el Guernica y el Pabellón de la República se dan cita claves fundamentales de la historia del arte que asumimos como distintivas del Reina Sofía, no sólo en el momento actual sino desde los inicios de la historia del Museo. La década de los años 30, que culmina con el Guernica, es desde los orígenes del Museo y en todos sus anteriores proyectos museográficos, el núcleo central de la colección, concentrando durante los 20 años de vida del Reina Sofía los mayores esfuerzos de adquisición. El Guernica marca el punto de vista que arroja perspectiva a toda esta época al testimoniar el cierre traumático de la experiencia moderna en España.

En el discurso museográfico del MNCARS el Guernica no se concibe como una obra aislada sino como integrante del Pabellón de 1937. La extracción del Guernica del contexto del Pabellón y de la propia colección no sólo significaría una traición a su especificidad histórica, sino también el desmembramiento de un conjunto de significado excepcional dentro de la historia de la cultura universal contemporánea.

La obra de Picasso en sus distintas etapas sirve de principio articulador de nuestro discurso, desde los inicios del siglo XX hasta su muerte en 1973. El énfasis en la figura vertebral de Picasso tiene que ver directamente con el significado histórico y político del Guernica. De hecho, la colección del Museo Reina Sofía se caracteriza por incidir específicamente en el compromiso social y político del autor, lo que la hace única entre las de los grandes museos internacionales.

La división entre las colecciones del Reina Sofía y del Museo del Prado, fijada en el Real Decreto 410/1995, del 17 de marzo, establece un diálogo entre el pasado, el presente y el futuro de nuestro país marcando como punto de inflexión la recuperación de las libertades democráticas. La quiebra de este equilibrio y de este diálogo no sólo afectaría a la definición misma del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y al papel de la cultura contemporánea en la sociedad española, sino que implicaría dejar en suspenso el punto de inflexión que supuso la restauración de la democracia en nuestra historia reciente".

Asimismo, la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, ha declarado que "está fuera de discusión que el Guernica pertenece al Museo Reina Sofía y que tiene sentido completamente en esta colección. Creemos en la capacidad de los museos de ser motor de transformación económica y factores de transformación social, como está demostrando este Museo con su incremento constante de visitantes".

La llegada a España del Guernica, en la prensa de la época

Lo cierto es que el problema de la ubicación de la más emblemática obra de arte española del siglo XX no es un asunto nuevo y que ha estado unido a la azarosa vida del cuadro sobre todo desde el fin de la dictadura franquista. En 1980, el entonces ministro de Cultura Clavero Arévalo, tras manifestar su confianza el que el cuadro fuese entregado a España en ese mismo año pues estaba fuera de toda duda que en ese momento se cumplían todas las condiciones políticas para su regreso, fue menos claro al pronunciarse sobre la futura ubicación del cuadro, manifestando que no existía aún una decisión del gobierno al respecto, pero que pensaba que "todos los picassos del Estado deberían estar unidos", una noticia que se relacionaba con la reciente compra por esas fechas de distintas obras de Picasso que engrosaron las colecciones estatales. Poco tiempo después fue nombrado nuevo ministro del ramo Ricardo de la Cierva. Sobre la ubicación de la obra hizo unas declaraciones que hoy verdaderamente sorprenden: "el lugar donde se instale el cuadro será decidido probablemente por el Parlamento, ya que la candidatura del Museo de Picasso, de Barcelona, es muy importante, la de Málaga no se puede despreciar y la de Guernica es enormemente digna de respeto". Naturalmente, la reacción de los herederos de Picasso no se hizo esperar, y fue expuesta por medio de una carta de la viuda de Picasso, Jacqueline, al entonces presidente Suárez en la que señalaba expresamente que "en tanto que mujer del artista, yo siempre le oí expresar a este respecto el deseo de que el cuadro y los dibujos que le acompañan, una vez en España, permanezcan en Madrid, en el conjunto del Museo del Prado, del que, en un determinado momento, él fue nombrado conservador, título que apreciaba particularmente". En este sentido, no hay duda de que los deseos del pintor eran claros: su obra debía de ser expuesta en las salas del Prado. Así lo reconocían también desde el MoMA, quienes, conscientes de que la estancia del cuadro en sus salas no era definitiva, manifestaron que el cuadro, tras su vuelta a España, debería instalarse en el Museo del Prado. El entonces director, Mr. Rubin, declaró que "Picasso manifestó en diversas ocasiones que el cuadro debería ser trasladado directamente a Madrid desde el Museo de Arte Moderno de Nueva York sin ser expuesto en otros sitios y sin que el Prado lo ceda para otras exposiciones".

El Guernica tras su llegada a España, en el Casón del Buen Retiro

Finalmente, la obra llegó a España en septiembre de 1981, siendo alojada en el Casón del Buen Retiro (muchos recordamos las chocantes imágenes del Guernica tras un cristal antibalas y custodiado por la Guardia Civil). En 1992 se trasladó al recién inaugurado Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que unía los fondos del hasta entonces Centro de Arte Reina Sofía con los del Museo Español de Arte Contemporáneo.

Naturalmente, en vida de Picasso el MNCARS no existía. Sin embargo, desde la creación del Reina, el objetivo era servir de continuación cronológica de las colecciones del Prado, para lo que se estableció como momento de división de ambos núcleos artísticos justamente el año de nacimiento de Pablo Picasso, 1881, si bien con posterioridad se ha relajado la rigidez en la delimitación de la fecha. No podemos suponer de ninguna manera cuál sería la opinión de Picasso de haber estado constituido con anterioridad el MNCARS justamente porque era imposible la creación de tal museo sin la aportación de las obras de tantos compañeros artistas de Picasso ignorados hasta pocos años antes: los pintores del exilio. El Reina no se concibe sin las obras de Alberto, de Renau, de González y de tantos otros que vieron sus vidas truncadas y sus obras ignoradas en su patria por el simple hecho de ser fieles al legítimo gobierno de la República Española. Como bien señala el comunicado del MNCARS, la década de los 30 es el núcleo central de su colección. Es el punto de inflexión del arte contemporáneo español, que se inserta en el panorama artístico mundial y es el momento de la ruptura entre una trayectoria de integración de España en la normalidad cultural vanguardista europea y la regresión posbélica, y es el Guernica la obra de arte que representa, que personificapermítaseme la expresióntan apasionante momento. La ubicación actual dota al Guernica de un contexto histórico claro, de una integración consecuente con el resto de las obras del periodo, y que, junto al innegable carácter único del cuadro, lo considera como un momento cumbre de un discurso que se desarrolla en la totalidad del MNCARS. Su salida del actual emplazamiento devolvería el carácter de "hecho excepcional" la ubicación del lienzo en otras paredes en las que no estuviesen las demás obras de sus compañeros, tal y como es de interpretar su larga estancia en el MoMA. Es por tanto que la España del siglo XXI puede integrar el Guernica perfectamente en su momento histórico, en las salas del MNCARS, no obstante su excepcionalidad.
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Un San Patricio verde caribeño: la celebración del 17 de marzo en la isla de Montserrat

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desde Antigua y Barbuda: Rosana Herrero


San Patricio caribeño

La isla caribeña de Montserrat es también conocida como la Isla Esmeralda del Caribe, no solo por el exuberante color verde de su paisaje tropical, sino también por sus vínculos históricos y culturales con Irlanda. Los primeros habitantes de la isla fueron los pueblos indígenas Arawak y Carib. Estos últimos llamaron a la isla Alliouagana (‘tierra de la mata pringosa’), tal vez por la abundancia de aloe autóctono. Es a Cristóbal Colón, sin embargo, a quien debe su nombre actual, pues a su paso por la isla en 1493 la bautizó en recuerdo de los montes catalanes, el monasterio y la patrona epónimos. Los primeros asentamientos europeos se remontan a 1632, cuando de la vecina isla de Nevis llegó un contingente de refugiados católicos irlandeses, cuyo credo no era bienvenido en otras colonias británicas del Caribe, de mayoría protestante. Así mismo y simultáneamente, a Montserrat llegó también mano de obra irlandesa voluntaria con contrato de aprendizaje (indentured servants), en su mayoría procedente del Condado de Cork, y en menor medida de Clare, Donegal, Galway, Tipperary, Waterford, Westmeath y Wexford, germen de la futura plantocracia azucarera de la isla. Montserrat fue además el vertedero penal de muchos prisioneros políticos y militares irlandeses, por orden de Cromwell tras su victoria en Drogheda en 1649. Allí Cromwell desterró también a todo aquel irlandés que representara una carga para las arcas públicas, ya fueran huérfanos, viudas o vagabundos. Un censo de 1678 muestra que más de la mitad de la población de la isla eran irlandeses (unos 1900), y el resto de origen inglés, escocés y africano. No resulta pues sorprendente, que el elemento irlandés haya ejercido la influencia más notable en el desarrollo cultural de Montserrat, aun visible hoy en día.

Montserrat: Isla Esmeralda del Caribe

El elemento irlandés está presente, por ejemplo, en el sello en forma de trébol verde que se estampa en el pasaporte del visitante y aparece grabado en la fachada de la Casa del Gobierno (Government House), así como en el escudo nacional, en cuyo blasón se representa a Erin (personificación feminina de Irlanda) portando una cruz y un arpa. El legado irlandés está también muy presente en los topónimos montserratinos (Sweeney’s Well, Harris Village, Potato Hill, Cork, Kinsale), en los nombres de las familias propietarias de antiguos ingenios o haciendas azucareras (Farrel, Riley, Dyer, Molyneux, Lee), así como en los apellidos de los lugareños comunes (Allen, Daley, Roche, Carty, Kirwan, Skerret, Lynch, O’Garro, Cabey, Brade, Murraine, etc.). El plato nacional de la isla recibe el nombre de agua de cabra (goat water) y está directamente emparentado con el cocido irlandés (Irish stew). La popular danza folclórica isleña del Bam-chick-a-lay, también se cree que tiene su origen en el zapateado irlandés (Irish step dance). El inglés que se habla en la isla está teñido de acento irlandés (Irish brogue), y durante la semana de fiestas de San Patricio la gente sigue vistiendo de riguroso verde, tal y como marca la tradición. Montserrat es el único país del mundo, además de Irlanda, donde el día de San Patricio (17 de marzo) es fiesta nacional. Durante toda una semana el calendario isleño se viste de fiesta para celebrar la riqueza cultural autóctona afro-irlandesa, así como para conmemorar una famosa insurrección de esclavos africanos contra la plantocracia azucarera irlandesa de la isla que tuvo lugar un 17 de marzo de 1768, y que fue fraguada aprovechando las distracciones festivas de los patronos. Sin embargo, alguien dio el chivatazo, y la rebelión terminó con el ahorcamiento público de nueve esclavos promotores de la misma. Aun hoy en día continúa el debate sobre quién pudo haber sido el traidor. La esclavitud no se aboliría en Montserrat hasta 1834 y el cruento episodio sirvió para desacreditar el mito existente sobre la benevolencia y solidaridad de los patronos irlandeses, sabedores y sufridores en carne propia de la opresión británica.

Miss Goosey

Entre las actividades festivas de la semana de San Patricio en Montserrat, destacan la tradicional cena de San Patricio en el Centro Cultural de la isla, recientemente inaugurado por Sir George Martin (productor de los Beatles y mecenas de los emblemáticos estudios musicales AIR Studios Montserrat devastados tras el paso del Huracán Hugo en 1989), quien para la financiación de la construcción del edificio organizó un selecto recital en el Royal Albert Hall de Londres en el que actuaron grandes artistas que habían grabado en Montserrat sus álbumes, entre otros Paul McCartney, Mark Knopfler, Elton John, Sting, Eric Clapton y Midge Ure, y sacó a la luz una edición limitada de quinientas litografías de la partitura de Yesterday; misa católica; desayuno criollo; conferencia plenaria y exposición sobre el legado irlandés en la isla; el maratón de la libertad (Freedom Run) desde Cudjoe Head hasta Salem Park; ruta de pubs que arranca desde el Wide Awake Bar de Garry Moore; competición de calypso; festival de cometas; recreación ambiental de la época de la esclavitud dentro del recinto ferial de Festival Village, con muestras de la tradición gastronómica (bacalao salado, boniato), musical (fusión de ritmos, pasos de baile e instrumentos como el banjo, la armónica, el triángulo, el 'shak shak', y los tambores metálicos o ‘steelpan’), lúdica (peonzas, el juego del ‘Zig Zag Zaggett’ – parecido a las canicas pero con semillas de anacardo), oral (cuentos, leyendas del repertorio sincrético de la isla) y performativa (coloridas mascaradas de disfraces tradicionales que se caracterizan por sus estampados de llamativas rayas o flores, lazos de colores, campanillas, espejitos, látigo en mano, máscara, bombachos y toca alta en forma de mitra obispal a juego, así como por personajes muy queridos como los zancudos Miss Goosey y Moco Jumbie, y John Bull).

Mascarada tradicional

Al igual que Irlanda, Montserrat ha sufrido muchas penurias durante su historia, en especial durante su historia más reciente. En 1989 fue devastada por el Huracán Hugo y en 1995 el volcán Soufriere Hills entró sorprendentemente en erupción tras toda una vida adormilado, provocando el desahucio de gran parte del sur de la isla, incluida su capital, Plymouth (la Pompeya de los tiempos modernos), y la villa de festejos (Festival Village), ubicada hasta entonces en la parroquia de St. Patrick’s. Su población se ha visto en consecuencia drásticamente diezmada, pasando de 13000 habitantes antes de 1989 a 3000 tras la erupción de Soufriere Hills en 1995. En la actualidad los 6000 pertinaces residentes que la habitan han continuado fieles a la cita del 17 de marzo en otro recinto festivo habilitado en las inmediaciones de Little Bay (noroeste de Montserrat), donde también se concentra el proyecto de nuevo núcleo urbano para la isla.

Fotografías de Rosana Herrero.
Este artículo ha sido publicado en la
Revista de Estudios Irlandeses de la Asociación Española de Estudios Irlandeses (AEDEI).

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16 de mar. de 2010

Artistas cordobeses en la I Muestra de Videocreación Contemporánea de La Habana

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Los artistas cordobeses Ángel García Roldán, Fernando Baena y Verónica Ruth Frías estarán presentes en el evento artístico internacional I Muestra de Videocreación Contemporánea: Cuba - España - Suiza, que se celebrará en La Habana (Cuba) el próximo 26 de marzo.

La muestra, organizada por el Proyecto Circo. Performance & Audiovisuales, cumplirá este año su 7ª edición, cuya coordinación y curaduría ha estado a cargo de Ada Azor. Este proyecto recibe desde su primera edición la colaboración de la Consejería Cultural de la Embajada de España. En la sección Videocreación Española Contemporánea participan artistas, además de los cordobeses, de Madrid, Sevilla, Almería, Cantabria, Asturias, Islas Canarias y Castilla y León. Esta muestra recibe la colaboración del MECA Mediterraneo Centro de Arte, el Festival de Fotografía y Video Fonocarte, la Galería La Nave Espacial, Comissión Curatorial Group, Vera Icono Producciones y Acción! MAD. Otro de los comisarios participantes en el evento es el cordobés Juan Ramón Barbancho, coordinador de la galería La Nave Espacial (Sevilla).

Ángel García Roldán, quien se ha encargado asimismo de la coordinación en Hispanoamérica, participará con las obras Dogma (2007) y The Preacher (2006), mientras que Fernando Baena lo hará con la pieza titulada Rumba para Charlot (2007). Verónica Ruth Frías, por su parte, presentará la obra Pájaros en la cabeza (2008), realizada junto al artista gaditano Cyro García, con quien elabora en estos momentos el proyecto Tonto el que lo lea.

Los demás artistas participantes en la muestra son Lara + Coto, Beatriz Caravaggio, Pedro Deniz, Lena Peñate & Juan José Valencia, Enrique Cárdenes, Raquel Ponce, Nacho Ramírez, Javier Camarasa, Paco Guillen, Gregorio Viera, Silvia Moreno & Carmen La Griega, Ana Navarrete & Carmen Navarrete, PSJM, Marta de Gonzalo & Publio Pérez, Anna Gimein, Analía Beltrán, Paula Noya, Fabiana de Barros & Michel Favré (comisariados por Ada Azor), Alex Francés, Fátima Torconal, Eduardo Sourrouille, Felipe Ortega-Regalado, Francis Naranjo, Avelino Sala (comisariados por Juan Ramón Barbancho), Maria Cañas, 100BISCOLECTIVO, Sandra Cartellone, Manolo Olmo, Rodrigo Valero, (comisariados por Fernando Barrionuevo, Director Mediterráneo Centro Artístico, Almería), Marijosé Tobal, Luis Bezeta, Majo G. Polanco, Equipo ACAI, Maichak Tamanaco (comisariados por Marta Mantecón, Coordinadora Festival Foconorte, Cantabria), Esther Ferrer, Isabel León, Eva Pérez, José Maria Calleja, Ángela García, Antonio Gómez, Carlos Felices, Maria Marticorena, (comisariados por Acción!MAD09/, Madrid), Chus García Fraile, Santiago Morilla, Pelayo Varela, Domingo Sánchez, Orson San Pedro, Maité Centol, Rubén Santiago, Avelino Sala (comisariados por Commission Curatorial Group, Gijón) y Peter Aerschmann, Philipp Gasser, Frantiček Klossner, Adela Picón, Michael Spahr, Quynh Dong, Katrin Wirz, Dominik Stauch, Jacqueline Baum, Mo Diener, Sibylla Walpen,Collectif_Fact y URNAMO (comisariados por Adela Picón, artista-multimedia residente en Suiza).
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Un dibujo en el viento de López Andrada

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El próximo jueves 18, en el Salón de Mosaicos del Alcázar de los Reyes Cristianos, tendrá lugar la presentación del nuevo libro de Alejandro López Andrada, titulado Un dibujo en el viento. Publicado por la editorial cordobesa El Páramo, en el acto de presentación de la nueva obra intervendrán el alcalde de Córdoba, Andrés Ocaña, el escritor José Manuel Caballero Bonald y los hermanos Manuel y Ricardo González Mestre, editores del libro, quienes presentarán asimismo a la audiencia al autor.


Alejandro López Andrada

Un dibujo en el viento

Presentación jueves 18, 19:30 h

Salón de Mosaicos del Alcázar de los Reyes Cristianos, Córdoba

Editorial El Páramo

15 de mar. de 2010

The 25th Annual Rock and Roll Hall of Fame Induction Ceremony

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desde Nueva York: Fanelo Aguayo

La famosa pirámide del Rock and Roll Hall of Fame y Museo, en Cleveland, Ohio

Hoy tiene lugar en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York la vigesimoquinta ceremonia anual de entrada en el Rock and Roll Hall of Fame, el museo creado en los años ochenta en Cleveland, Ohio, dedicado, según sus fundadores, a ¨recoger, preservar e interpretar el impacto del Rock en nuestro mundo¨. Durante este tiempo, su labor de reconocimiento no se ha limitado a músicos sino que ha contado también con un segundo apartado –el Ahmet Ertegun Award- dedicado a compositores, productores, disc jockeys, promotores de conciertos y otros profesionales que de un modo directo han ejercido gran influencia en la historia del género.

Una de las grandes contribuciones del museo fue la creación de una lista llamada, ¨500 Songs that Shaped Rock and Roll¨ -¨Las 500 Canciones que han dado forma al Rock and Roll¨-. La lista fue confeccionada por el curador del museo James Henke quien, según la institución, ¨compiló la lista con la ayuda no sólo de su equipo curatorial sino también contando con la opinión de numerosos críticos de rock y expertos musicales¨. La lista ha formado parte de la exhibición permanente del museo desde su creación, y contiene temas de diferentes estilos –no estrictamente R´n´R- abarcando cronológicamente a obras creadas desde los años 20 hasta los 90. The Beatles, con 7 canciones en la lista, es la banda más representada. Elvis y los Stones tienen 6 cada uno. The Beach Boys y Bob Dylan, por su parte, poseen 5.

Los nominados para entrar este año en el soñado Rock and Roll Hall of Fame –los llaman reclutas- son los siguientes:

En el apartado de músicos e intérpretes: ABBA, Genesis, The Hollies, Jimmy Cliff y The Stooges. En el apartado de no-músicos: David Geffen, Barry Man y Cynthia Weil, Ellie Greenwich y Jeff Barry, Jesse Stone, Mart Shuman y, finalmente, Otis Blackwell.

A pesar del prestigio asociado a este premio, las críticas a su organización no han cesado nunca. Se le achaca por ejemplo, que el proceso de nominación está controlado por unos pocos individuos que no son músicos y que utilizan criterios subjetivos o basados en sus propios gustos musicales. Un antiguo miembro del comité de selección, por ejemplo, comentó en una ocasion: ¨Ví cómo ciertos artistas pioneros de los 50 y 60 fueron ignorados porque necesitaban nombres más grandes en la lista, lo que dio como resultado que las superestrellas de los 70 entraran antes que la gente que lo hicieron posible para ellos¨.

También se ha acusado al comité de ignorar supinamente géneros como el rock progresivo, los Top 40 de los 60, el funk de Nueva Orleans, y mucha otra música negra. Los Sex Pistols, nominados en el 2006, se negaron a acudir a la ceremonia arguyendo en una ya legendaria carta que el museo no era más que ¨una mancha de pis¨.

La carta original de los Sex Pistols
(pincha para agrandar).

Contemporarte, universitarios y artistas

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A partir del próximo jueves, 18 de marzo, se exhibirá en el Rectorado de la Universidad de Córdoba la muestra fotográfica Contemporarte, en la que se podrán contemplar obras realizadas por alumnos de las Universidades Públicas andaluzas. Contemporarte es un certamen organizado por la Universidad de Huelva dentro del Proyecto Atalaya, iniciado el pasado año 2009.

Este concurso nació con la vocación de promocionar e incentivar a los artistas que componen la comunidad universitaria andaluza, con el propósito de impulsar los valores estéticos y creativos de dicha comunidad en las diferentes disciplinas artísticas. Cada disciplina se tratará de forma individual, premiando en cada edición exclusivamente a una de ellas. Para la primera edición se ha elegido la modalidad fotografía, siendo obras de esta disciplina las que se podrán contemplar en la exposición.

Contemporarte
Exposición de fotografía
Inauguración jueves 18 de marzo

Rectorado de la Universidad de Córdoba

Av de Medina Azahara (antigua Facultad de Veterinaria)

Hasta el 16 de abril


13 de mar. de 2010

Artículo sobre Juan de Peñalosa en De arte

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Juan de Peñalosa, Visión de Santa Teresa, ca. 1622, Catedral de Astorga

La historiadora del arte cordobesa María Melero Leal ha publicado en la revista De arte: revista de historia del arte el artículo titulado El pintor Juan de Peñalosa y Sandoval: de Córdoba y Astorga, donde se ocupa de la figura del artista baenense activo entre los siglos XVI y XVII. Nacido en 1579, Juan de Peñalosa se formó bajo la tutela de Pablo de Céspedes. A la muerte de éste, en 1608, Peñalosa comienza a dejar testimonio de su arte por medio de diversos encargos, hasta que en 1616 marcha a Astorga bajo el patrocinio del obispo Alfonso Messía de Tovar, a quien llamaba "su pariente". En la catedral de dicha ciudad dejó numerosas obras, falleciendo allí en 1633.

El trabajo de María Melero es un estudio abreviado, pero global, de la vida y obra del pintor Juan de Peñalosa en el que se documentan aspectos de su biografía que hasta ahora eran desconocidos, puesto que mucho de lo publicado sobre el pintor está basado en fuentes no contrastadas. De este modo, se rectifican algunos datos, abriendo nuevas vías de investigación. También se revisa el catálogo de su producción artística añadiendo algunas obras que se extienden más allá del ejercicio de la pintura y que perfilan la biografía de un polifacético artista erudito del Renacimiento, entendido al modo italiano siguiendo las huellas de su maestro Pablo de Céspedes.

María Melero Leal
El pintor Juan de Peñalosa y Sandoval: de Córdoba y Astorga
De arte: revista de historia del arte

ISSN 1696-0319, Nº. 8, 2009 , pags. 67-86

12 de mar. de 2010

El IAPH restaura una obra clave para el patrimonio arqueológico andaluz


















Láminas de la obra de los hermanos Siret restaurada en el IAPH. Foto: IAPH/Eugenio Fernández

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH) de la Consejería de Cultura ha finalizado la restauración de la edición de los hermanos Siret Les Premiers ages du metal dans le sud-est de L´Espagne, perteneciente a los fondos bibliográficos del Museo de Almería. Los tratamientos de recuperación de esta obra fundamental para el conocimiento del patrimonio arqueológico andaluz se han llevado a cabo en el marco de su programa de intervención en bienes de las instituciones museísticas de Andalucía y con un coste total de 23.260 euros.

Editada en 1887, es el primer trabajo publicado por los hermanos belgas Henri y Louis Siret y el que mayor impacto causó en la ciencia arqueológica nacional e internacional de su tiempo, convirtiéndose inmediatamente en un trabajo de referencia para entender la secuencia prehistórica comprendida entre el Paleolítico y los inicios de la Edad del Metal. La edición se compone de 147 folios de los cuales 70 son láminas que muestran dibujos de las culturas del Neolítico, Calcolítico y del Bronce, basados en los hallazgos obtenidos en las excavaciones de yacimientos del sureste peninsular de España, principalmente en la franja costera de Almería y Murcia.

El deficiente estado de conservación de la obra a su llegada al IAPH estaba provocado por la baja calidad de sus materiales constitutivos, cuyo envejecimiento natural ocasionaba la mayor parte de sus alteraciones.

El desprendimiento completo del bloque de folios y la pérdida del lomo ha imposibilitado la recuperación de la estructura original del libro. Sin embargo, ha sido posible su reconstrucción, gracias al contacto del equipo técnico del IAPH con el Ateneo de Madrid y el Museo Nacional de Antropología, dos de los pocos centros de España que tienen ejemplares de la obra. Además de los tratamientos directos sobre la obra, la intervención incorpora un sistema de protección que evita su manipulación directa y la protege durante los traslados, depósitos y exposiciones.

Esta actuación del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico ha permitido la puesta al día de las investigaciones sobre la primera obra de los hermanos Siret, de escasa tirada y existencia en España, pero cuya importancia cultural sobrepasa el ámbito de la arqueología.

El proyecto se ha desarrollado gracias al trabajo interdisciplinar llevado a cabo por personal técnico del Centro de Intervención -historiadores del arte, fotógrafos y restauradores del taller de patrimonio documental y bibliográfico- y de los laboratorios del IAPH.

11 de mar. de 2010

Llega el personal Carrusel de la Vida de Ignacio Navarro

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El próximo viernes 12 de marzo tendrá lugar en la Galería Studio 52 - Juan Bernier la inauguración de la exposición del pintor Ignacio Navarro titulada El Carrusel de la Vida.

Ignacio Navarro (Córdoba, 1953), realizó estudios académicos de dibujo en las Escuelas de Artes y Oficios de Córdoba, Granada y Superior de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla en los años 1971, 1972 y 1973. En Córdoba fue asimismo alumno de Miguel del Moral. Con posterioridad realizó numerosos viajes que fue alternando con la práctica de la pintura, realizando diversas exposiciones, tras de lo que se dedicó a la cerámica, actividad que ejercita de forma profesional junto con la pintura.

La obra de Navarro es de una figuración expresionista falsamente ingenua donde retrata con verdad y crudeza aspectos seculares del carácter español en su versión iconográfica, que remite indefectiblemente a los autores de la veta brava española.

Ignacio Navarro
El Carrusel de la Vida
Inauguración viernes 12, 19:00 a 21:00 h
Galería Studio 52 - Juan Bernier
Ronda de los Tejares 15, Córdoba

9 de mar. de 2010

Atención aquí y ahora


Atención aquí y ahora (AAA) es un proyecto ideado por Enrique Martínez Jiménez y Rubén Iglesias Fernández, el cual ha sido seleccionado en el concurso 16 Iconos para Córdoba 2016 junto a otras 15 propuestas de creadores cordobeses.

AAA pretende la activación del espacio público facilitando la participación y la acción cultural de un ciudadano individual o de un grupo de ellos, para lo que AAA instalará a demanda ciudadana, en cualquier lugar y momento, un escenario mínimo formado por dos elementos sencillos y fácilmente reconocibles (la silla blanca y el círculo verde). Este escenario básico será el germen a partir del cual los usuarios podrán desarrollar apropiaciones de mayor complejidad según sus necesidades o gustos específicos. Para ello, un equipo de montadores instalará un kit AAA en aquellos espacios que sean demandados por su carencia de infraestructuras. La idea de AAA es conseguir una red de espacios públicos operativos para la ciudad de Córdoba, que pueda desarrollar un programa cultural de actividades itinerantes.

La primera actuación de AAA tendrá lugar en la exposición 16 iconos para Córdoba 2016, a celebrarse en la Casa Góngora del 8 al 30 de abril. A tal efecto, AAA demanda el concurso de todas aquellas personas que deseen exponer su trabajo, actividades, inquietudes, deseos y reivindicaciones al resto de la ciudad de Córdoba. Más información en el blog de Atención aquí y ahora.

8 de mar. de 2010

Visiones sobre la patata

.Buruclin Borrasca, American Potaito Corp., mixta sobre lienzo, 2008

El próximo miércoles 10 de marzo tendrá lugar en la Sala Arpillera del Palacio de la Merced la inauguración de la exposición Patata 21+1, en la que 21 artistas dejarán una visión personal con la patata como eje temático de las obras. La exposición, comisariada por Mónica Carabias, Marie G. Alquier y Luisa Rojo, comenzó su itinerancia en el pasado 2008, declarado por la ONU Año Internacional de la Patata. Para sus organizadores, la muestra es un homenaje a tan humilde tubérculo, al que Julio Llamazares, en el prólogo del catálogo, glosa de este modo:

"La patata, a la que tan poca importancia damos por más que nunca falte en todas las cocinas de la Tierra, ha sido fundamental para la evolución de un mundo que, sin ella, no sería como es ni tendría la población que tiene. Su falta provocó grandes hambrunas y su abundancia, en cambio, épocas de prosperidad. De ahí la importancia de su cultivo, que todos los organismos internacionales animan, y de ahí el interés de iniciativas como esta que pretenden devolver la dignidad a un alimento que, siendo humilde y barato, puede acabar con el hambre de continentes enteros, como ya hizo con Europa, a poco que se generalice".

Los artistas participantes, 21 +1 (el texto de Llamazares), muestran una amplia variedad de técnicas en la exposición, que van desde la instalación, la serigrafía o la pintura a la fotografía. La relación de nombres incluye a José Manuel Ballester, Biosca, Buruclin Borrasca, Alfonso Brezmes, Carma Casulá, Toni Catany, Caín, Javier Flores, Ofelia García, Manolo Laguillo, Manuel Muñoz, Javier Pagola, Pilar Pequeño, Carlos Pérez-Siquier, Juan Rodríguez, Luisa Rojo, Leo Sagastuy, Marta Soul, Antonio Tabernero, Manuel Vilariño, Luis Vioque + Julio Llamazares.

Patata 21+1
Inauguración miércoles 10 de marzo, 20:30 horas

Sala Arpillera - Palacio de la Merced

Plaza de Colón 15, Córdoba
Hasta el 11 de abril

6 de mar. de 2010

Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative

La solitude organisative, A/L, 2008
Álvaro Tarik / Ars Operandi

Entrar al edificio de CaixaForum Madrid a bucear en los últimos 25 años de experiencia artística de Miquel Barceló no es, desde luego, un acontecimiento que se nos vaya a presentar con frecuencia. Sobre todo porque, en esta ocasión, la selección de las obras ha contado con la implicación de su autor, quien incluso ha prestado telas de su propia colección, añadiendo valor emocional a la muestra.

En verdad, el conjunto de la obra de Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) conforma un autorretrato orgánico y complejo que permite asomarnos a su misteriosa personalidad: oscura, muchas veces; solitaria, casi siempre; vital y enérgica, hasta en la representación de los elementos más exánimes; brutal, en la manifestación de la materia como algo inevitablemente expuesto a la putrefacción, al paso del tiempo, en definitiva. Y, a veces, tras los irrefrenables trazos de las pinturas, acuarelas y dibujos de Barceló, tras las formas vivaces de sus piezas cerámicas y escultóricas, también se vislumbran el humor y la ternura.

Pero sería injusto entender La solitude organisative como un túnel que nos conduce al universo de su autor. El arte de Barceló tiene vida propia porque ha sido concebido con pasión y entrega, por lo que cada tela nos abre un mundo turbador en sí mismo, desligado incluso de la mano que lo creó. Y esto es lo que enaltece a los artistas que, amén del talento que albergan, deben su genialidad a la devoción con que trabajan: que se convierten en humildes subordinados de su obra.

Ex-voto à la chèvre, mixta, 1994

El extraño subtítulo de la exposición, La solitude organisative, está tomado del lienzo del pintor mallorquín que así se titula y en el que se muestra a un gorila de aspecto serio sentado en un rincón. La pintura está realizada sobre una de las telas que se utilizaron para cubrir el suelo de la Sala de los Derechos Humanos y de la Alianza de Civilizaciones del Palacio de las Naciones Unidas cuando Barceló llevaba a cabo las tareas de decoración de la cúpula. El cuadro podría interpretarse como una suerte de autorretrato que refleja también un proceso de “animalización” que, según el artista, ha venido experimentando hasta la fecha. “Un privilegio”, ya que, en sus propias palabras “no se trata de una pérdida de humanismo, sino de un extremo de humanismo”.

Pero es otra figura animal la que llama la atención del espectador nada más acercarse a la plaza que se extiende a la entrada del edificio CaixaForum: un elefante de bronce, de siete metros de altura, que se sostiene boca abajo sobre su trompa erecta. En una ciudad como Madrid, acostumbradamente conservadora en lo estético, el oso que la simboliza parece haber sido desplazado por este Gran Elefant dret juguetón y surrealista, que invita estridentemente a ver la exposición.

Gran Elefant dret

Dentro del edificio CaixaForum, la muestra retrospectiva se distribuye en diferentes espacios, de acuerdo a criterios ya cronológicos, ya conceptuales o incluso disciplinares. 180 ejemplos que revelan el universo genial de su creador, su heterodoxia, sus transformaciones.

Así, recorriendo las salas, encontramos trabajos tempranos, como L’amour fou (1984), aquellos que el artista pintaba a cuatro patas con el lienzo extendido sobre el suelo y en los que se reflejan sus sueños, ambiciones y obsesiones (los libros, por ejemplo). Son pinturas coloridas, protuberantes, ásperas y sinuosas, donde, cómo no, el mar es un elemento ineludible que señala a los orígenes del pintor.

L'amour fou, mixta, 1984

En otro espacio se exponen las ilustraciones, algunas de ellas inéditas, que Barceló realizó a finales de los noventa para La divina comedia. En las acuarelas, refleja el mallorquín con maestría las atmósferas lóbregas que el libro de Dante describe.

El arte procesual también ha ocupado un capítulo de estos 25 años de trabajo, como apreciamos en los cuadros realizados mediante técnicas de adición de elementos naturales (frutas, peces muertos) a las gruesas capas de pintura. Alimentos como elementos, telas arrugadas, relieves, representación de animales sacrificados, como en Ex voto à la chèvre (1994).

Frente al dramatismo que late en su universo, el artista opuso durante una época obras más diáfanas, como aquellas en las que se representan meras piedras en el desierto, pequeños detalles de luces y sombras inspirados por sus vivencias en el desierto del Sahara y en Mali.

Sin título, cerámica, 1996. Fotos: Web resources

Del estudio del autor también han salido para esta muestra bocetos, acuarelas, collages, pinturas sobre papel y otras técnicas y soportes diversos que conforman un catálogo singular de 25 años de evolución creativa, durante los que Barceló (a quien, por cierto, no le agrada el término retrospectiva) se ha ido consolidando como el artista español vivo de mayor rango universal.

Miquel Barceló
1983–2009. La solitude organisative

CaixaForum Madrid, Paseo del Prado, 36

Hasta el 13 de Junio de 2010

Poliposeídas en acto solidario por La Acequia

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La noche del pasado 23 de febrero los terrenos que utiliza para cultivar verduras sanas y ecológicas la Cooperativa Agroecológica La Acequia, un proyecto colectivo y autogestionado que aglutina desde hace más de tres años a unas 100 personas, sufrió los efectos de una devastadora inundación.

En apoyo de la reconstrucción del proyecto en unos momentos tan difíciles, Poliposeídas colabora actuando hoy sábado 6 de marzo en el bar La Morada, sobre las 21:00 h. Previamente, y a partir de las 20:00 horas se dejará el micro abierto para que tanto los integrantes de La Acequia como cualquiera que lo desee comparta reflexiones y opiniones, en el contexto de auténtica participación y convivencia que caracteriza a este colectivo. Habrá asimismo videos, la actuación de DJ Raúl Horticultix y la degustación de comida ecológica.

Poliposeídas
SOS La Acequia
Sábado 6 de marzo, 21:00 h
Bar la Morada, c/ Diario de Córdoba, Córdoba

4 de mar. de 2010

PULSE New York City 2010

desde Nueva York: Fanelo Aguayo
Hoy ha dado comienzo en Nueva York PULSE New York 2010, la feria exclusivamente dedicada al arte contemporáneo más importante en los Estados Unidos. En su quinta temporada, la feria reúne a más de sesenta galeristas de todo el mundo, además de 13 exposiciones individuales de artistas que están emergiendo con fuerza en el mercado internacional. España estará representada por las galerías Horrach Moya, de Palma de Mallorca –que ya ha participado en anteriores ediciones- e Isabel Hurley, de Málaga. Horrach Moya exhibirá obras de Adriana Duque, Susy Gómez y Jorge Mayet. Por su parte, Isabel Hurley mostrará trabajos de Alberto Borea, Santiago Picatoste y Elena Rendeiro.

La gran novedad de este año aquí en Nueva York –PULSE tuvo otra edición en Miami el pasado diciembre- es el traslado del evento a una nueva sede mucho más espaciosa, Downtown Manhattan, junto al río Hudson. Se trata de unos antiguos almacenes remodelados con enormes salas de altísimos techos que, según los organizadores, permiten a la feria continuar con su tradición de incorporar el espacio físico dentro de la presentación de un tipo de arte contemporáneo que obliga inexcusablemente a la reflexión.

Además de los stands de los galeristas, PULSE vuelve en esta ocasion a presentar series muy celebradas en anteriores ediciones como la de esculturas de grandes dimensiones e instalaciones creadas específicamente para el espacio físico que les ha sido asignado. Entre estas instalaciones destacan la del artista irano-americano, David Abir, consistente en la creación de un espacio de inmersión en luz y sonido; las paredes de anacrónicas pantallas de television de Julian Lwin (Reino Unido); una escultura hecha con luz y sonido por Agustina Woodgate (Argentina); o el Orange Tree de veinte pies de alto obra del cubano Alexandre Arrechea.

También ha regresado este año la exposición PULSE Play, lo que la organización denomina como un curated video lounge –algo así como ¨una sala de exhibición de videos con curador¨- comisariada por Deborah Cullen, directora de Programas Curatoriales de El Museo del Barrio, en el Spanish Harlem. Esta videomuestra está compuesta por obras de artistas de origen latino y caribeño que giran en torno al tema del desastre sísmico en Haití.

PULSE New York 2010 permanecerá abierta únicamente hasta el próximo domingo 7 de Marzo.
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La ciudad como escenario. El video




La Fundación Córdoba Ciudad Cultural ha publicado recientemente en su web el video que documenta las intervenciones realizadas en la muestra 4+4 La ciudad como escenario.

Comisariado por Carlota Álvarez Basso, el proyecto formó parte de la programación Córdoba en Clave 16 y consistió en una serie de actuaciones artísticas llevadas a cabo en los meses de julio y octubre en diferentes espacios urbanos y monumentales de nuestra ciudad. El título 4 elementos alude al agua, el aire, el fuego y la tierra, ejes centrales de las cuatro acciones artísticas llevadas a cabo por los artistas Darya Von Berner, Jeppe Hein, MUMA y Miquel Barceló.

La nube de Córdoba, de Darya Von Berner, consistió en la creación de una nube artificial a base de agua atomizada en la fachada sur de la Mezquita-Catedral. Jeppe Hein presentó la pieza titulada Habitaciones que aparecen, una instalación interactiva con el agua como protagonista. MUMA realizó la monumental obra Caminos de fuego, una alfombra de más de 20.000 velas. El ciclo se cerró con la intervención Paso Doble a cargo de Miquel Barceló junto al coreógrafo Josef Nadj.

El video de 20 minutos de duración ha sido realizado en alta definición por NurComunicación y ha contado con la dirección de Tete Álvarez. La banda sonora original ha corrido a cargo de Javier Ramos "Lampara"

3 de mar. de 2010

El esplendor del Cádiz ilustrado, a través de sus interiores robados

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Mañana jueves 4 de marzo, en el Palacio de la Merced de Córdoba, se inaugurará la exposición titulada Interiores robados, una colección de fotografías en la que sus autores, José Manuel Vera Borja y Juan Carlos González-Santiago recrean artísticamente el ambiente del Cádiz de los siglos XVIII y XIX.

Realizada con motivo de la celebración del Bicentenario de la Constitución Española de 1812, la exposición imagina la vida de cada día de una ciudad siempre luminosa, abierta al mundo por vocación, culta, libre y orgullosa. A través de ella, el visitante podrá recorrer espacios íntimos, públicos, sagrados... sacando a la luz del siglo XX los interiores, patios, claustros y jardines de Cádiz conservados como entonces. Interiores robados recrea el ambiente de la Tacita de Plata en sus años de máximo esplendor, subrayando ante todo la riqueza cultural de la ciudad gaditana.

Para sus autores, la muestra es "una concesión al imaginario colectivo de Cádiz, que ha crecido embelesada con un pasado que sólo atisba cuando pasea por sus calles y plazas, pero que pocos conocen de puertas adentro. Es, si se quiere, una furtiva lágrima, que se escapa frente a la prosperidad y belleza de un tiempo que fue más generoso con la ciudad, en el que sus habitantes pudieron soñar con ser protagonistas de la historia con mayúsculas. Más allá de la melancolía, es una llamada a los ciudadanos que reivindica para el presente y el futuro la memoria cultural de una ciudad esplendorosa".


Interiores robados
Fotografías de José Manuel Vera Borja y Juan Carlos González-Santiago
Inauguración 4 de marzo, 20:30 h
Palacio de la Merced

Plaza de Colón, 15
Hasta el 28 de marzo
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