.

.

29 de abr. de 2010

Zitman en Córdoba

.
El próximo jueves 6 de mayo, en la Sala Orive, tendrá lugar la inauguración de la exposición Zitman en España, donde podrá contemplarse la trayectoria del artista Cornelis Zitman a través de más de sesenta piezas, la mayoría en bronce, procedentes de diversas colecciones internacionales como el Museo Beelden aan Zee de Scheveningen (Holanda) o el Museo Maillol de París, así como otras privadas de Estados Unidos y Europa.

Cornelis Zitman nació en Leiden (Países Bajos) en 1926. En 1947 huyó a Venezuela para evitar ser llamado a filas. Durante su estancia de tres años en la isla de Granada, Zitman comenzó a crear esculturas inspirándose en la población nativa. A su vuelta a Holanda, se formó en las técnicas de fundición con el escultor Pieter Starreveld (1911 - 1989).

En 1964 volvió a América, donde se estableció en un antiguo molino de caña de azúcar ubicado cerca de Caracas llamado “El trapiche”. La primera exposición de Zitman se celebró en 1968 en el Museo de Bellas Artes de Caracas. Tras esta primera muestra recibió la visita de Dina Vierny, fundadora del Museo Maillol, visita que desembocó en la adquisición de muchas de sus obras y marcó el comienzo de su carrera internacional, ya que organizó exhibiciones de Zitman por todo el mundo.

La exposición Zitman en España, procedente de Granada, donde ha cosechado gran éxito de público, podrá verse en la Sala Orive hasta el 26 de julio.



Zitman en España
Inauguración 6 de mayo, 20:00 h

Sala Orive

Jardines de Orive, Córdoba

Hasta el 26 de julio
Horario:
De L a V de 10 a 14 h y de 17 a 21 h
S de 10 a 14 h

.

27 de abr. de 2010

Más actividades sobre Miguel Hernández

.


Desde el pasado viernes 16 de abril se puede contemplar en la Sala Mateo Inurria, de la Escuela de Arte Mateo Inurria de Córdoba, una exposición de libros de artista y libros ilustrados, bajo el título La vida desatenta, planteada a modo de homenaje a la figura y la obra de Miguel Hernández, una muestra enmarcada dentro de las actividades del Primer Encuentro Internacional en Red sobre Libro de Artista, Libro Ilustrado y la Edición de Arte, que está organizando la red librodeartista.info, en colaboración con la Escuela de Arte de Córdoba. La muestra, de la que ya dimos cuenta en Ars Operandi en anterior entrada, permanecerá en esta ciudad hasta el próximo 7 de mayo y, seguidamente, la Escuela de Arte de Granada acogerá esta itinerante exposición, que continuará su recorrido por la Universidad Miguel Hernández de Altea, la Universidad Tecnológica de Pereira (Colombia), Guadalajara (México), y la ciudad de Buenos Aires.

Como parte de la muestra, el pasado fin de semana se llevó a cabo la acción del artista y poeta Antonio Gómez, No soy de un pueblo de bueyes, de la que derivará el libro Hambre de libertad, performance de la que ofrecemos unas imágenes cortesía de librodeartista.info.

Por otro lado, el próximo 29 de abril la Biblioteca Central y espacio a_rojo estrenan la propuesta artística 1009: tres dimensiones en Miguel Hernández, un espectáculo multidisciplinar basado en el poema Vientos del pueblo del poeta de Orihuela, a partir de las 21:00 horas, en la Biblioteca Central. Asimismo, espacio a_rojo organiza para el mismo día Ucontemporánea: encuentro universitario en torno al arte contemporáneo, a realizarse en el claustro de la Facultad de Derecho a partir de las 13:00 horas, una propuesta para la Universidad que aúna arte-instalación, música, audiovisuales, y otras actividades.
.

26 de abr. de 2010

Chillida: Reflexión-Materia en Sala Vimcorsa

.
A partir del próximo jueves, la Sala Vimcorsa mostrará al público cordobés la exposición titulada Chillida. Reflexión - Materia, en la que se mostrará una selección de obras del artista vasco Eduardo Chillida (1924-2002), realizadas en diferentes disciplinas, y procedentes del museo Chillida-Leku, un espacio monográfico ubicado en Hernani (Guipúzcoa), surgido como fruto del esfuerzo del matrimonio Chillida Belzunce, dedicado al estudio, la conservación y difusión del trabajo de este artista universal.

Chillida. Reflexión - Materia se compone de una selección de esculturas de hierro, acero, alabastro, y tierra - sus denominadas Lurra - así como dibujos, collages y gravitaciones (relieves de papeles suspendidos de hilos).

La muestra incide particularmente en la importancia que el escultor ha otorgado a la materia desde que en 1951 descubriese las posibilidades del hierro en la oscuridad de una forja del País Vasco y el comienzo de un nuevo universo creativo. En palabras del escritor frances Jacques Dupin “Eduardo Chillida nació en 1951, en una forja de Hernani, de su encuentro con el vacío”.

Chillida. Reflexión - Materia
Inauguración jueves 29 de abril, 20:30 horas

Sala Vimcorsa

c/Ángel de Saavedra 9, Córdoba
.

Stephen Hawking, la ciencia a través del arte

.
desde Nueva York: Fanelo Aguayo

El profesor Hawking en su primera experiencia con la falta de gravedad, en abril de 2007. Foto: AP

Buena parte de los seres humanos conoce a Stephen Hawking: no podría ser menos tratándose del hombre que algunos consideran el ser viviente más inteligente del planeta. Sus libros y apariciones públicas lo han convertido en el científico moderno más popular después de Albert Einstein. Es Miembro Honorario de la Royal Society of Arts, miembro vitalicio del Pontifical Academy of Sciences, y en 2009 obtuvo la Presidential Medal of Freedom, la más alta condecoración concedida a un civil en los Estados Unidos.

Los campos de investigación de Hawking son la Cosmología Teórica y la Gravedad Cuántica, especialmente dentro del contexto de los Agujeros Negros -¡Purita dinamita!- Pero uno de sus mayores logros ha sido sin duda la popularización de la ciencia a través de la literatura y el arte, o sea, a través de sus publicaciones y de su trabajo activo dentro del show business, por decirlo de una manera muy directa.

Hawking ha aparecido en numerosos programas de televisión que van desde el documental Alien Planet, producido por Discovery Channel, a intervenciones en el show de Conan O´Brien. Ha hecho cameos en series de ficción como Red Dwarf y Star Trek: The Next Generation. Ha aparecido en varios episodios de The Simpsons, Futurama y Family Guy. Su voz sintetizada por el Mac que siempre le acompaña ha sido utilizada por bandas como Pink Floyd, en su tema Keep Talking, o Turbonegro, en Intro: The Party Zone. En el 2008 Hawking fue protagonista de una serie documental producida por Discovery Channel titulada Stephen Hawking: Master of the Universe que aún sigue creando adeptos. Ahora estos dos grandes de la ciencia y el show business científico lo han vuelto hacer.

Anoche se retransmitió en ese mismo canal norteamericano el primer episodio de la novísima serie documental Into the Universe, with Stephen Hawking (Dentro del Universo, con Stephen Hawking). Se trata de un fascinante relato poderosamente construido a través de soberbias imágenes generadas por ordenador (CGI) y una suculenta narración a la que Hawking contribuye con su prestada voz sintética y con esa presencia aparentemente impasible e ineludiblemente sobrecogedora que todos conocemos.

El hilo conductor de la historia es la visión teórica que Hawking tiene del universo, diluída y convertida en conocimiento discernible por todos los públicos gracias al formato y a los métodos de una obra audiovisual. La ciencia hecha accessible a través de un espectáculo de calidad, en otras palabras, a través de una obra de arte.

Echemos también un vistazo al contenido en sí. En este primer episodio, Hawking afirma estar convencido de la existencia de vida fuera de la tierra:

¨Para mi mente matemática, los números por sí solos convierten la idea de vida en otro planeta en algo perfectamente racional. El verdadero reto es averiguar cómo son esos seres¨.

El científico británico también advierte de que si, como él sospecha, los extraterrestres existen, debemos evitar a toda costa entrar en contacto con ellos. Así lo explica:

¨Si estos seres nos visitan, el resultado podría ser similar a lo ocurrido en América con la llegada de Colón, lo cual no benefició mucho a los indios (…) Podrían existir civilizaciones avanzadas que han perdido su hábitat y cuyos miembros (…) han llegado a convertirse en nómadas que buscan conquistar y colonizar cualquier planeta que esté a su alcance¨.

¿Les suena a algo? Exacto, a La Guerra de los Mundos, a Star Wars, a tantas y tantas otras historias de ciencia ficción que han poblado y siguen poblando nuestra imaginación. Y aquí llega Stephen Hawking para decirnos en un documental, en una creación artístico-científica, que existe la posibilidad matemática de que, una vez más, la realidad puede superar con creces a la ficción.

¨¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿A dónde vamos? ¿Estamos solos en la galaxia o acompañados?¨: cuatro preguntas que la ciencia, el cine, el arte en general - de Gauguin hasta Siniestro Total - jamás han dejado de preguntarse. Como cantaba Doris Day en The Man Who Knew Too Much, de Hitchcock: ¨¡(lo) que será, será!¨.
.

25 de abr. de 2010

El universo de Cántico




José Álvarez / Ars Operandi

Hasta el próximo 16 de mayo se podrá contemplar en el Palacio de la Merced de Córdoba la muestra titulada Cántico 2010, la primera exposición antológica dedicada al grupo y a la revista Cántico de Córdoba, hoy considerada como uno de los hitos fundamentales de la literatura del siglo XX. Comisariada por Rafael Inglada, y organizada por el Ministerio de Cultura, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, Junta de Andalucía y Fundación Rafael Botí con la colaboración del Ayuntamiento de Córdoba, la muestra presenta al público una exhaustiva selección de publicaciones, manuscritos, fotografías, documentos inéditos y recuerdos personales que hacen esta exposición indispensable para conocer el mundo de Cántico.

De la revista Cántico surgió el nombre con el que se designó al Grupo Cántico, una diversidad de autores surgidos en la década de los 40, fundamentalmente poetas: Pablo García Baena (1923), Ricardo Molina (1917-1968), Julio Aumente (1921-2006), Juan Bernier (1911-1989), Vicente Núñez (1926-2002) y Mario López (1918-2003), junto a los pintores Miguel del Moral (1917-1998) y Ginés Liébana (1921). La revista Cántico tuvo dos épocas; una primera que transcurre entre 1947 y 1949, y una segunda entre 1954 y 1957. La revista Cántico nunca se planteó como una revista provinciana de poesía, por más que la época de la posguerra española no fuese el medio más propicio para descollar en el panorama cultural del momento, aún más si tenemos en cuenta las diversas personalidades que formaban el grupo, muchas de ellas en abierta contradicción con los valores nacionalcatolicistas impuestos por la dictadura franquista. Cántico tenía un deseo de universalidad absolutamente al margen de las publicaciones poéticas de la época, prestando atención, además de a las manifestaciones poéticas peninsulares, a lo más granado del panorama internacional, con traducciones de W. H. Auden, Czesław Miłosz, André Gide, Louis Aragon, Pier Paolo Pasolini, T. S. Eliot o Eugenio Montale, entre otros muchos. La gran calidad de Cántico estriba, además de en todas y cada una de sus variadas personalidades, en que el grupo se erige como nexo de unión entre la poesía posterior de los Novísimos y la Generación del 27, tal y como el Postismo respecto a las Vanguardias.

La exposición se encuentra dividida en tres grandes espacios: en primer lugar, la galería principal nos muestra todo lo relacionado con los miembros del Grupo Cántico, una selección integral que da paso a una galería en la que se puede disfrutar, mediante grandes paneles audiovisuales, de las voces grabadas de Juan Bernier, Ricardo Molina, Mario López, Pablo García Baena, Julio Aumente y Vicente Núñez, además de un audiovisual dedicado a Ginés Liébana. Por último, y a continuación, la Sala Arpillera muestra En torno a Cántico, una selección de aquellos artistas que gravitaron en torno al grupo, con el que, a más de una estrecha amistad, estaban unidos por unas mismas inquietudes. En este apartado se pueden contemplar publicaciones y obras de Rafael Álvarez Ortega, Manuel Aumente, Pedro Bueno, Bernabé Fernández-Canivell, Gabriel García-Gill, Rafael Medina, Jacobo Meléndez, José de Miguel y Rocío Moragas.

Cántico 2010 no sólo se centra en la exposición del abundante material poético, tanto publicado como manuscrito, y que reúne la práctica totalidad de las publicaciones de cada uno de los miembros del grupo, la colección completa de Cántico y diversos estudios alusivos, así como raros ejemplares de revistas como Postismo, Espadaña, La cerbatana, Ardor y otras, sino que muestra gran cantidad de pinturas y esculturas creadas por o en torno al Grupo Cántico.

En primer lugar encontramos una recreación del lema de Cántico, "Celeste Córdoba Enjuta", mediante la conjunción de las palabras escritas y un extraordinario capitel romano de orden corintio, del periodo julio-claudio (s. I), cortado al comienzo de la secunda folia, procedente del Museo Arqueológico de Córdoba. Una recreación a modo de bienvenida de la que pasamos a otra importante pieza, una imagen de San Juan de la Cruz original de José Risueño (Granada, 1665-1732), talla en madera policromada procedente del cordobés convento carmelita de San José, en el que el imaginero y pintor granadino muestra al santo poeta autor de Cántico espiritual, obra que puso el grupo en escena en 1942.

Pablo García Baena por Julio Aumente

Entre manuscritos, libros y fotografías se suceden las obras de los pintores de Cántico: de Miguel del Moral se pueden contemplar, entre otras obras, Teólogos, Premio Acisclo Palomino en 1954; los óleos Copero y Alejandro, ambos sin fechar; Retrato de Pablo García Baena (1944) y otros diversos retratos y dibujos, entre los que se encuentra el ángel que apareció en la primera portada de Cántico (1947).

Ginés Liébana, por su parte, concurre con una gran cantidad de dibujos y acuarelas, que muestran a la práctica totalidad de miembros de Cántico retratados (son de señalar los óleos dedicados a Pablo García Baena y a Vicente Núñez), así como diversos ángeles que han servido para diferentes publicaciones, incluido el catálogo de la presente muestra. Una enorme pintura, Pueblo imaginado (Campiña) (1959), refleja el personal mundo del autor nacido en Torredonjimeno. Esta primera parte de la exposición se completa con un excelente Retrato de Pablo García Baena, de Julio Aumente, las obras Calle al campo y Casa de pueblo, de Mario López, Homenaje a Cántico, bronce de Aurelio Teno, Cabeza de Góngora, de Mateo Inurria, y, como colofón a este primer recorrido, Ángeles y Fuensanta, el evocador lienzo que Julio Romero de Torres pintara en 1909.

Una segunda serie de obras se encuentran repartidas en el espacio En torno a Cántico, donde volvemos a encontrar a Miguel del Moral, esta vez con La piedra escrita (1950), retrato de la poeta cordobesa Rocío Moragas, mujer de extraordinaria belleza y talento, que fue llamada la Grace Kelly española. A su lado, el Retrato de Saturnino Liso y El adolescente y la naturaleza, lienzos de Rafael Medina (1927-1994), ambos realizados en la década de los 50.

Del gran orfebre Manuel Aumente Baena (+ 1987) se muestran varios ejemplos de su arte; de la orfebrería, un marco realizado en plata cincelada que alberga una miniatura de Manolete pintada sobre marfil, alarde de perfección técnica; en escultura, un busto de García Baena en bronce, de exquisito modelado, y un Autorretrato al óleo realizado en 1948. Rafael Álvarez Ortega (1927), participa con dos magníficos dibujos a la plumilla, Arcángel y La hermosura, que sirvieron para ilustrar su libro de poemas Al claro día (1956).

Por último, del pintor Pedro Bueno (1910-1993) se muestran su más conocido Autorretrato (s/f), y un pequeño óleo fechado en 1970 titulado Violetas en un vaso, que se muestra junto al poema homónimo de Mario López, un excelente cierre para una exposición indispensable, de la que se ha editado un completo catálogo. En él se recuperan tres textos inéditos de Ricardo Molina (entre ellos el auto sacramental El hijo pródigo), así como otros tres textos con los primeros poemas de Pablo García Baena, entre ellos Escuadra y Por el mar de mi llanto, ilustrados con dibujos de Ginés Liébana.

Cántico 2010
Palacio de la Merced:
Plaza de Colón, Córdoba:
Hasta el 16 de mayo
Comisario: Rafael Inglada

23 de abr. de 2010

Ars Operandi Videos: Equipo 57 en la Sala Vimcorsa

.


El presente video documenta la exposición Equipo 57. Esculturas, llevada a cabo en la Sala Vimcorsa, en Córdoba en marzo de 2003. La muestra reunió en Córdoba a los componentes grupo con la excepción de Ángel Duarte. La exposición se diseñó como una antológica de la producción escultórica del colectivo, y se conformó como un nuevo paso en el proceso de revisión y puesta en valor de la obra del equipo, justamente un año después de la celebración de las muestras Andalucía y la modernidad, realizada en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y Duarte 1993-2001, en el palacio de la Merced de Córdoba.

En declaraciones realizadas durante la inauguración de la exposición, Agustín Ibarrola lamentó que la faceta escultórica de Equipo 57 no hubiese obtenido el mismo reconocimiento de la crítica que la pictórica, manifestando que “Equipo 57 ha sido visto como un equipo de pintores, pero eso no es cierto; tocamos muchas actividades, ya que hay que tener en cuenta que el arte se distinguía, en torno a 1960, por las interdisciplinas”.

Juan Cuenca, por su parte, manifestó a los medios que la obra de Equipo 57 buscaba “una manifestación experimental de los conceptos de la vanguardia”, algo que se traducía en “una relación espacial activa entre la masa y el espacio, en el caso de la escultura”. La exposición, con carácter itinerante, se pudo contemplar asimismo en el Museo de Cádiz, el Museo de Bellas Artes de Huelva y la Sala Pescadería Vieja de Jerez.

.

Concierto en solitario del Coro Ibn Rushd en el Conservatorio

.
El próximo sábado, a las 20:00 horas, la XXXV Semana Musical de Primavera organizada por el Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco, de Córdoba, acogerá el primer concierto en solitario del Coro Ibn Rushd. Constituido a principios del pasado curso 2008-2009 por miembros de los diferentes sectores de la comunidad universitaria, el Coro Ibn Rushd de la Universidad de Córdoba da cabida a profesores y alumnos del conservatorio así como a amigos atraídos por la práctica del canto colectivo.

Actualmente integrado por treinta y cinco coralistas, cuenta en su haber varias actuaciones conjuntas con otras agrupaciones vocales llevadas a cabo en el Salón de Actos de la Facultad de Filosofía y Letras, la Iglesia de Santa Victoria, el Real Círculo de la Amistad y la Iglesia de la Magdalena. En el concierto previsto para el sábado se podrán escuchar muestras de un variado y atractivo repertorio que va desde la polifonía sacra del Renacimiento (Victoria, Morales, Tallis), obras barrocas (Hanacpachaq) o del siglo XX hasta el folklore tanto español como de otras culturas.

Coro Ibn Rushd
Sábado 24 abril, 20:00 horas

Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco

c/ Ángel de Saavedra, Córdoba


.

Córdoba insólita en la Feria del Libro

.
Mañana sábado 24 de abril, en la Feria del Libro, tendrá lugar la firma de libros que el escritor Francisco Solano Márquez hará de su última obra publicada, Córdoba insólita, un fenómeno editorial convertido en la obra más vendida en Córdoba en la presente temporada que va ya por su 2ª edición.

Córdoba insólita, editada por la cordobesa editorial El Páramo, es una selección de textos en clave divulgativa sobre algunos de los aspectos más insólitos de nuestra insólita ciudad. En el libro se tratan hechos históricos, religiosos, artísticos, folklóricos y curiosos, en una miscelánea de temas tratados de una forma desenfadada e irónica, siempre desde una perspectiva rigurosa y documentada.

Francisco Solano Márquez (Montilla, 1944), es escritor y periodista, autor de numerosos títulos, como Pueblos cordobeses de la A a la Z (1976), Guía Secreta de Córdoba (1976), La provincia de Córdoba en el bolsillo (1978), Visita al Palacio de Viana (1980), Memorias de Córdoba (1986), Nuestras tabernas (1987), en colaboración, y Córdoba de ayer a hoy (1988), entre otros muchos trabajos.

Firma de ejemplares
Córdoba insólita

Francisco Solano Márquez

Sábado 24 de abril, 13:00 horas

Feria del Libro, caseta editorial El Páramo

Bulevar del Gran Capitán, Córdoba
.

22 de abr. de 2010

Una colectiva inaugura Iniciativa Samohú

.

Pilar Barrionuevo, Antonio Blázquez, Nazaret Castro, Aleko Erginos, Jesús Escudero, Ángela Espejo, Claudia López, Sara Moyano, Jacobo Muñiz, Inmaculada Naranjo, Salud Ortega, Maribel Ramos, Susana Requena, Sixto Rodriguez, Jose Rojas, Alicia Ruiz, Mamen Trucios y Erik Venturelli son los participantes de la exposición colectiva que el próximo sábado 24 de abril se inaugurará como parte de las actividades inaugurales de la Iniciativa Samohú. Se trata de un proyecto diseñado por una pequeña empresa joven, que desarrolla su actividad en el Jardín Botánico de Córdoba y cuya finalidad es la promoción y difusión de la creación artística actual mediante el diseño y producción de exposiciones sobre gráficas y audiovisuales, así como la coordinación y adecuación del espacio disponible para la programación de actividades musicales y escénicas.

La inauguración contará con la actuación musical de Javier Montijano y Eduardo Viñolo.

Iniciativa Samohú
Inauguración sábado 24 de abril, 13:00 h
Jardín Botánico de Córdoba
Entrada libre
.

21 de abr. de 2010

Se presenta un estudio sobre Miguel de Verdiguier

.
Vista del Magnifico y Sumptuoso Triumpho de San Rafael, grabado de Bartolomé Vázquez, s. XVIII

El próximo martes 27 de abril, el Museo de Bellas Artes de Córdoba acogerá la presentación del libro titulado El escultor Juan Miguel Verdiguier, original del historiador del arte Antonio Gómez-Guillamón Maraver. El libro, que hace el número dos de la Colección Arte y Artistas de Editorial Séneca, es el resultado de un profundo estudio, Tesis Doctoral del autor, dirigida por la doctora Rosario Camacho, y defendida ante la Cátedra de Historia del Arte de la Universidad de Málaga.

Miguel Verdiguier (1706 - 1796), de origen marsellés, se estableció en Córdoba desde la segunda mitad del siglo XVIII, a instancias de su paisano el arquitecto e ingeniero Baltasar Dreveton, académico como el escultor, quien había visitado con anterioridad Córdoba llamado por el cabildo con el fin de evitar la caída de la torre campanario de la Mezquita-Catedral, la cual amenazaba ruina después del terremoto de Lisboa del año 1755. Verdiguier dejó en esta capital alguna de sus más notables obras, como el Triunfo de San Rafael existente junto a la Puerta del Puente (1765), así como el existente en la Plaza del Potro; el púlpito del crucero de la Catedral; la Santa Inés de la capilla catedralicia homónima y otras diversas, de las cuales se guardan bocetos y dibujos en el Museo de Bellas Artes y en la Real Academia. Asimismo trabajó en las catedrales de Jaén y Granada, donde dejó diversas esculturas.

Presentación de libro
El escultor Juan Miguel Verdiguier
Antonio Gómez-Guillamón Maraver

Martes 27 de abril, 19:00 h

Museo de Bellas Artes de Córdoba
Plaza del Potro
.

20 de abr. de 2010

Jugadas de museo

.

.

Un paseo por Scandia

.
El próximo jueves, 22 de abril, a las 21:00 horas, en la Galería Ignacio Barceló, sede de AFOCO (Antonio Maura, 49, 1º izqda), tendrá lugar la inauguración de la exposición titulada Un paseo por Scandia, a cargo del fotógrafo residente en Jerez de la Frontera Mariano Cano Carrasco. La selección de obras, de temática viajera, presentará diversos paisajes de Escandinavia. Presidente de la Agrupación Fotográfica Jerezana “San Dionisio”, de 1994 hasta 2004, Mariano Cano es autor de diversas muestras expuestas en varias ciudades españolas. Se podrá visitar la exposición hasta el día 31 de mayo.


Mariano Cano
Un paseo por Scandia
Galería Ignacio Barceló
Antonio Maura, 49, 1º izqda, Córdoba
Del 22 de abril al 31 de mayo

19 de abr. de 2010

Última adquisición del MoMA: la arroba

.
desde Nueva York: Fanelo Aguayo

No se trata de ninguna broma o inocentada de dudoso gusto, sino de un hecho. La última obra adquirida por el MoMA de Nueva York para formar parte de su colección permanente no es ni más ni menos que la famosa @ de nuestro teclado -arroba en español, at en inglés- . Este símbolo, usado a diario por millones de internautas al enviar e-mails, entrar en facebook o tweetear, ha llegado incluso a expandirse espontáneamente en el español escrito como norma para significar ambos sexos en nombres, adjetivos y participios –sin duda, todo un avance en la desmachización de nuestra lengua-.

Por supuesto, el lector –usted- se preguntará ¿y cómo es posible adquirir un símbolo? Bueno, así es como funciona:

La adquisición de @ requiere varios pasos. Está basada en la asunción de que ya no es necesaria la posesión física de un objeto para adquirirlo. Por lo tanto, deja manos libres a los conservadores para etiquetar el mundo y reconocer cosas que no se pueden poseer por sus grandes dimensiones (un puente, un edificio, un Airbus A380, etc) o porque están en el aire y pertenecen a todo el mundo y a nadie en particular –o sea, forman parte del llamado dominio público-. Eso es lo que le ocurre a @. El truco legal está en que una vez que ésta entidad, la arroba, ha sido considerada por el MoMA como objeto de arte que está a la altura de su colección, los mismos criterios de calidad, relevancia y excelencia aplicados a todas las obras del Museo pueden ser concedidos a @.

Paola Antonelli, Conservadora Jefa del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo explica que ¨como otro objeto de la colección permanente, lo mostraremos en nuestras galerías de una forma rotativa, en muestras temáticas o cronológicas¨.

O sea, se trata de una adquisición más conceptual que física. Pero lo más guapo de todo es que al ser @ una entidad de dominio público, el MoMA no tuvo que pagar un dólar por ella. Bueno, eso fue el antes: a partir de ahora la arroba sí tiene un precio, como la muerte. La pregunta del millón de eurazos es: ¨¿Intentará la SGAE tomar cartas en el asunto?¨.
,

Exposición Córdoba Contemporánea en La Cinoja

.
El centro de arte La Cinoja mostrará a partir del sábado 24 de abril la exposición titulada Córdoba Contemporánea, una colaboración entre la galería Arte21 y La Cinoja en la que mostrarán sus obras los cordobeses Hisae Yanase, Nieves Galiot, Jacinto Lara, Paco Salido, Juanjo Caro, José Luis Muñoz, Hashim Cabrera, Javier Flores, José Mª García Parody, Rafael Navarro y Antonio González junto a Pilar Molinos, Cristina Cañamero y Marcel Bohumil.

Situada en Fregenal de la Sierra (Badajoz), La Cinoja es un proyecto de la artista Pilar Molinos, quien en todos estos años ha divulgado y promocionado el arte en sus distintas modalidades y tendencias, mostrando exposiciones de pintura, escultura, fotografía, cerámica, grabado, montajes e instalaciones, jornadas y presentaciones de libros, siendo La Cinoja actualmente un importante referente en la vida cultural extremeña. La Cinoja está incluida por el Gobierno de Extremadura en la Guía de Museos de la Provincia de Badajoz desde el 2005.

Córdoba Contemporánea
La Cinoja
Marqués de Riocabado, 2
Fregenal de la Sierra (Badajoz)
Del 24 de abril al 15 de junio


.

Modernidad e hibridación en el arte cordobés actual

Antonio González, Deconstrucción, terra refrectaria, engobes y humo

Óscar Fernández / Ars Operandi


Cultura es para la sociología “un complejo que comprende conocimiento, creencias, arte, moral, leyes, usos y otras capacidades y usanzas adquiridas por el hombre en cuanto que es miembro de una sociedad” (1). Mientras, la categoría de lo subcultural corresponde a una especie de acotación o subdivisión de lo anterior obedeciendo a criterios geográficos, de clase, etcétera, que no abarcaría la gran extensión territorial y de población de los grandes sistemas culturales.

Como en otras muchas facetas del conocimiento, esta distinción metodológica, pero también jerarquizante, fue asumida con relativa unanimidad en el campo de los estudios artísticos durante la primera mitad del pasado siglo XX. Ocurrió en aquellas décadas que esta idea de gran sistema cultural se erigió en un pilar básico sobre el que construir la utopía internacionalista propugnada desde las estéticas de vanguardia. De modo que, entonces, el progreso, también en las artes, se fundamentaría sobre los grandes relatos universales y sólo la cultura “elevada”, la gran culturajusto la que sobrevolaba cualquier localismo o subdivisión, se arrogaría la potestad de marcar los derroteros del arte de su tiempo.

No quiere ello decir que la cultura popular y su posterior transformación en la moderna cultura de masas, como tampoco otras subculturas generacionales posteriores: hippy, punk, techno, cyberpunk, manga…, hayan estado ausentes del discurso estético moderno. Afirmar esto sería falsear una modernidad que es mucho más compleja y permeable a lo subcultural de lo que las historias oficiales del modernismo han descrito. El problema no radica en la simpleza de que lo moderno se haya alimentado sólo de la alta cultura tradicional o su desarrollo burgués; o que lo popular haya sido erradicado de la modernidad. El asunto es que “casi todas las discusiones en torno del modernismo, la vanguardia e incluso el posmodernismo, privilegian sin embargo la primera [alta cultura] a expensas de la segunda [subculturas]”(2).

Ocurrió, no obstante, en un lapso de tiempo relativamente breve que arrancaría en torno a los años cincuenta del siglo pasado, que la irrupción abrumadora de la cultura de masas en el arte forzó un vuelco acusado de esta dinámica. Este fenómeno se puede definir como la involución de lo artístico en los procesos de producción, reproducción y difusión de las técnicas y discursos imperantes en la sociedad de consumo: reproductibilidad técnica, simultaneidad de la recepción, empleo de lenguajes, técnicas y soportes procedentes de lo comercial, etc. Y no tardaron en emerger voces que vislumbraron tras esta nueva coyuntura un lugar para la utopía: Marshall McLuhan o Lawrence Alloway serán los nombres más citados. Fue Alloway, por ejemplo, quien organizó en 1956 This is Tomorrow, la exposición que lanzó a escena a los artistas pop británicos. Allí se propuso una especie de “revolución capitalista” que sacaría a la sociedad europea del síndrome post-bélico que sufría y derrocaría la tradicional organización estamental de la sociedad heredada de la época victoriana afectando fundamentalmente a la experiencia cotidiana y a los modos de vida.

Si en 1956 hoy era mañana, ¿qué tiempo corresponde a nuestro 2010? En otras palabras, ¿vivimos la resaca de la fiesta de la modernidad o, por el contrario, aún no la hemos realizado plenamente? Y lo que es más pertinente a este texto, ¿cómo se inscribe el arte actual realizado en Córdoba en este debate? Para responder estas espinosas cuestiones tal vez debamos retrotraernos, de nuevo, a la propia pregunta por la modernidad, como han hecho la última Documenta de Kassel o la Trienal de la Tate Modern. Desde allí se ha resucitado un debate en torno a la modernidad al que, desde aquí, quisiéramos unirnos con vistas a describir su posible aplicación a un marco mucho más local y periférico como el del arte en Córdoba. Las posiciones de este affaire son diversas pero coinciden en una cuestión fundamental: los principios heredados de la modernidad sobreviven en un tiempo que ya no es el suyo como formas tan atractivas como, en ocasiones, desactivadas.

Juan José Caro, Proyecciones, acuarela sobre papel

Este diagnóstico tiene una primera consecuencia y es que, a pesar de que los lenguajes del arte actual perpetúan cierta gramática que se gestó en las décadas radicales de la vanguardia, no podemos mantener los modelos de entonces para explicarlos. Es decir, aunque las formas de comunicar no hayan traspasado los límites de lo moderno, las actitudes y el contexto donde estas surgen ya no le pertenecen. Son el resultado de otro momento en que precisamente la facilidad para mirar al pasado sin complejos y para hibridar unos referentes con otros marcan el tono general.

De este modo, no es posible comprender la obra de José María García Parody o de Francisco Salido, si no es trazando un puente entre sus fuentes de inspiraciónque arrancan, entre otras, en la abstracción constructivista, en la color field painting y en la tradición de la poesía visualy el aire desprejuiciado con que estos artistas ejercen su interpretación de dichas fuentes. La gran división que se trazaba en el siglo XX entre la referencia culta y la popular aparece desmontada en la obra de Salido y de Parody, de manera que éstos se permiten articular sus ideas desde una perspectiva nueva. Parody, por ejemplo, mezclar la ilustración, la poesía experimental y la pintura moderna en una fórmula compleja y, a la vez, elemental. Su obra esta llena de juegos literarios que ponen en juego una sucesión de lecturas superpuestas e irónicas.

También Francisco Salido trabaja superponiendo capas y sentidos, aunque su objetivo final es bien distinto. En su pintura la coexistencia de lenguajes, que se organiza principalmente en torno a la abstracción geométrica y la palabra pintada, no desemboca en el guiño conceptual. Sus conquistas se deciden, más bien, en la propia pintura. De hecho, Salido maneja el color y organiza con rigor la arquitectura del cuadro en busca de efectos más visuales que tienen que ver con el contraste entre la calidez del pigmento y la dureza del material. También el encuentro de la profundidad y la carga emocional de los textos que maneja con la seducción formal de la propia pintura constituye un camino a explorar por él.

El concepto de hibridación, que a partir de ensayos como el de Néstor García Canclini se han convertido en clave para el diagnóstico de nuestro tiempo ultra-moderno, aparece también en la obra de muchos artistas de esta exposición. El concepto procede de un campo de análisis mucho más amplio que el de las artes visuales, pero se muestra especialmente útil a estas por cuanto que es capaz de abarcarlas en todos sus sentidos. Y es que aparece tanto en la definición del estatuto del artista de nuestro tiempo, cuanto en el conjunto de asuntos de los que el creador se ocupa, e incluso en el modo en que éste entiende la formalización de su trabajo. Tomemos, por ejemplo, las piezas de Javier Flores o de José Luís Muñoz, a pesar de las evidentes diferencias que muestran entre sí, como episodios de este proceso de hibridación en arte.

El primero realiza un trabajo ambicioso, lleno de referencias filosóficas y dotado de una gravedad poco habitual. Estas intenciones se condensan a través de una obra heterogénea que combina lo efímero y lo duradero, la performance y la escultura, la dureza material y la investigación intelectual. El segundo, por su parte, se expresa habitualmente a través de un medio único, el dibujo y la pintura, y es en la creación de sus temas donde muestra un amplio abanico de referencias que van de la novela ilustrada a la pintura italiana pasando por el universo mitológico. Uno y otro, sin embargo, se caracterizan por obtener un resultado inédito a partir de la multitud de recursos de que se sirven. Desde luego, esta no es una idea nueva, pues nunca la historia del arte se ha nutrido de un sólo asunto ni ha logradoa pesar de las muchas tentativas en este sentidoconfigurar un discurso unitario y clausurado.

Lo que queremos decir es que este trabajo es híbrido en tanto que no es imitativo ni reproduce referencias ajenas. La condición de lo híbrido insiste precisamente en esta cuestión: su entidad es otra, es como un producto C que brota de la mezcla de A + B. Sin perder la consistencia de los influjos que la alimentan, de hecho en la obra de Muñoz estos son de lo más evidente, la producción artística de uno y otro sobrevuela el puro homenaje para generar un imaginario nuevo y rabiosamente personal.


Si de imaginarios personales se trata, sin duda hemos de referirnos ahora al trabajo de Nieves Galiot, Cristina Cañamero o Pilar Molinos. Las tres artistas interpretan con gran atino la que es una de las grandes lecciones del arte de hoy: la reintroducción de lo subjetivo en el trabajo del artista constituye uno de sus más revolucionarios frentes de acción. Desde luego, por subjetivo no se entiende aquí lo visceral, el yo trascendente ni el genio interior. Nada de eso. Lo subjetivo es lo particular, el hablar desde lo próximo y sobre lo que está más cerca. Lo que prima aquí es justamente la escala de lo micro como respuesta oportuna al exceso de relatos totalizadores y hegemónicos que oscurecen la riqueza de esos infinitos universos personales.


Galiot utiliza esta escala con un talento aplastante. Sabe manejarla como nadie, apropiándose de la sutileza y la aparente inocencia de sus repertorios para hablar de temas de mucho mayor calado. De modo que su relato de lo cercano se convierte en el mayor de los amplificadores para hacer oír una serie de problemáticas en torno a la relaciones humanas y a cuestiones de género. Cañamero, por su parte, desarrolla un trabajo mucho más pictórico que se basa también en modelos cercanos para construir un imaginario lleno de fantasía. Éste recuerda al mundo de los relatos infantiles, pero aparece impregnado de cierta oscuridad y de un aire de misterio. Lo que la convierte en una artista más inquietante, y menos amable. Es decir, más interesante.

El fascinante trabajo del joven artista Marcel Bohumil pulsa también alguna de estas cuestiones. Sobre todo las referidas a cuestiones de escala, de aire desafectado y de apariencia de familiaridad. Sin embargo, no se deja penetrar tanto de lo subjetivo. Abre así un campo, de nuevo mestizo, donde es la resolución formal de la propia obra y las cuestiones de estilo la que se hace híbrida. Este campo ha sido trabajado con profundidad también por Jacinto Lara, Hisae Yanase, Juanjo Caro o Antonio González. Y aparece igualmente en Rafael Navarro, aunque ha de reconocerse que en este último caso lo que se persigue, en cierto sentido, es la negación de esa condición fragmentaria de que hablamos.

Tratemos de explicar esto último con algo más de detenimiento: mientras la obra de Yanase o Lara se deja seducir, hasta sus últimas consecuencias, por la naturaleza heteróclita y múltiple del saber, de la experiencia del ser y de la cultura, la obra de Rafael Navarro rechaza esta ausencia aparente de centro y se empeña en lograr una pintura intensiva, concentrada en sí misma y no en lo que la rodea. Sin concesiones, la abstracción expresionista de Navarro aparece aquí como representante de aquellos que, como Jürgen Habermas, pretenden retomar el impulso de una modernidad, la del siglo XX, que entienden aún está preñada de posibilidades. Frente a la “otra” lógica y los esquemas alternativos que Yanase, Lara o González traen de Oriente o de Latinoamérica, Navarro pugna por mantener el paso fuerte de la modernidad que triunfó en Europa y Estados Unidos durante la década de 1950.

Ahora que ya abandonamos aquella época de guerra fría, y por más que Huntington vuelva a hablarcon bastante irresponsabilidad, por ciertode choque de civilizaciones, parece oportuno replantear estas cuestiones como único modo de entender la modernidad un tanto histérica que nos toca vivir. Para ello quisiéramos apuntar aquí tan sólo una conclusión: sin negar la naturaleza conflictiva de los cruces de culturas de ella no se sustraen los más finos analistas de estos fenómenos como Todorov, Appadurai o Bhabha, hemos de rechazar toda interpretación que identifique este conflicto como un valor negativo en sí mismo. Para demostrar esto, resulta realmente apropiada la pintura de Hashim Cabrera, ya que en ella aparecen representadas esa dualidad, esa condición insoluble de la coexistencia de diferentes, sin que ello represente un acabarse de los mismos. Y es que, precisamente, lo que da vida a su obra es el modo en que cada uno de los elementos que toma se ponen a circular en un espacio común sin renunciar a su propia naturaleza. De esta manera la tradición islámica y la pintura hard edge norteamericana habitan y dan sentido a la misma pintura, sin ceder un ápice de su naturaleza y sus significados.

1. TYLOR, E. B.: Primitive Culture, 1871. Citado en GINER, S: Sociología, Barcelona, Península, 1977, p. 75.
2. HUYSSEN, A.: Después de la Gran División, Buenos Aires, Adriana Hidalgo, 2002, p. 9.

.

Nominados para los 5 mejores blogs de Andalucía

vota mejor blog de andalucia

.

La web Tertulia Andaluza ha nominado a Ars Operandi para participar en la votación de los mejores blogs de Andalucía junto a otros 59 repartidos por toda la región. Se puede leer la relación de páginas seleccionadas en este enlace, donde es asimismo posible votar para elegir una selección final llamada Top 5 Blogs in Andalusia. Tertulia Andaluza es una web bilingüe destinada a un público mayoritariamente extranjero que desea conocer aspectos de Andalucía que vayan más allá de los estereotipos, con gran interés por la cultura en general, viajes, eventos, etc. Desde Ars Operandi agradecemos la deferencia de Tertulia Andaluza así como a todos nuestros hipotéticos votantes.

.

18 de abr. de 2010

Libros de artista en la Sala Mateo Inurria homenajean a Miguel Hernández

.

Imagen de Pere Sousa para el libro ensamblado Hambre de libertad

Desde el pasado viernes 16 de abril se puede visitar en la Sala Mateo Inurria, de la Escuela de Arte de Córdoba, una exposición de libros de artista y libros ilustrados, bajo el título La vida desatenta, planteada a modo de homenaje a la figura y la obra de Miguel Hernández. Se trata de una muestra enmarcada dentro de las actividades del Primer Encuentro Internacional en Red sobre Libro de Artista, Libro Ilustrado y la Edición de Arte, que está organizando la red librodeartista.info, en colaboración con la Escuela de Arte de Córdoba. La muestra permanecerá en esta ciudad hasta el próximo 7 de mayo y, seguidamente, la Escuela de Arte de Granada acogerá esta itinerante exposición, que continuará su recorrido por la Universidad Miguel Hernández de Altea, la Universidad Tecnológica de Pereira (Colombia), Guadalajara (México), y la ciudad de Buenos Aires. En Córdoba esta actividad ha sido organizada por la red librodeartista.info y la Escuela de Arte, con la colaboración de la Asociación de Artes Gráficas (ASAGRA).

Esta muestra es el resultado de la convocatoria por invitación directa, realizada a 60 autores elegidos por criterios de generación, procedencia geográfica o género de libro que trabajan, para la realización de un libro de artista cada uno; resultando una de las muestras más representativas de la creación iberoamericana actual en este género. En ella participan los artistas cordobeses Jacinto Lara y Miguel Gómez Losada.



La vida desatenta
Sala Mateo Inurria

Escuela de Arte Mateo Inurria

Plaza de la Trinidad 1, Córdoba
.

16 de abr. de 2010

López Obrero en la Obra del mes

.

El ciclo La obra del mes, que viene desarrollándose en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, tendrá como protagonistas este próximo domingo 18 de abril a Ángel López Obrero y a Francisco Solano Márquez, quien disertará sobre la obra Retrato de Mercedes, un óleo sobre lienzo realizado por el pintor en 1945.

Ángel López Obrero (Córdoba, 1910 - 1992) tras cursar sus primeros estudios artísticos en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba, marchó a Madrid a la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando y posteriormente al taller de Vázquez Díaz para completar su formación. López Obrero fue uno de los pioneros vanguardistas de la pintura de los años 30, formando parte de los Salones Independientes, grupo renovador que se manifestó públicamente en una primera exposición colectiva que se celebró a finales de 1929.

Participa en la Guerra Civil como soldado leal a la República, siendo internado en un campo de concentración francés al finalizar la guerra. Al regresar a España y pasar por la cárcel se instala en Barcelona, integrándose totalmente en la renovada vanguardia y pasando a ser co-fundador y destacado animador de los Salones de Octubre. Sus inquietudes le llevan a la creación en Barcelona de la Escuela de Artes Plásticas y el Taller Escuela, dirigidos a la formación de artistas noveles. En 1952 decide trasladarse de nuevo a Córdoba, donde fue uno de los motores decisivos del movimiento artístico de la ciudad.

Francisco Solano Márquez (Montilla, 1944), es escritor y periodista, autor de numerosos títulos, como Pueblos cordobeses de la A a la Z (1976), Guía Secreta de Córdoba (1976), La provincia de Córdoba en el bolsillo (1978), Visita al Palacio de Viana (1980), Memorias de Córdoba (1986), Nuestras tabernas (1987), en colaboración, y Córdoba de ayer a hoy (1988), entre otros muchos. Su más reciente obra, Córdoba insólita (2009), editada por la cordobesa Editorial El Páramo se ha convertido en el libro más vendido en estos momentos en nuestra ciudad, habiéndose realizado una 2ª edición recientemente.

Obra del mes
Retrato de Mercedes
, por Ángel López Obrero

Presenta Francisco Solano Márquez

Domingo 18 de abril, 13:00 horas

Museo de Bellas Artes de Córdoba

Plaza del Potro
.

El Burro Grande por fin en El Carpio

.

La escultura Burro Grande, de Fernando Sánchez Castillo, se inaugurará esta tarde en El Carpio a las 19:00 horas, tras el retraso en el montaje producido por las continuas lluvias del pasado invierno. La localización exacta de la obra es conocida como La huerta del monte, teniendo acceso desde la Vía de Servicio de la Autovía, N-IV, un terreno cedido durante treinta años renovables por el Ducado de Alba, sus propietarios. El consistorio de El Carpio se ha hecho cargo tanto de los gastos del montaje y traslado como de la adecuación del terreno y de su acondicionamiento para situarlo como un lugar de carácter visitable y turístico.

La obra esta realizada en los talleres de Fundición Capa (Arganda, Madrid). Los materiales utilizados son hierro y acero inoxidable, con un peso de mas de 2.000 kg. Mide unos 17 m de altura por 9,5 de ancho, por lo que necesitará un contrapeso de 16 toneladas.

Leer más sobre esta noticia.

Texto de la inauguración, por José Álvarez.
.

15 de abr. de 2010

El jardín de la inocencia

.


Miguel Gómez Losada

A partir del viernes 16 de abril se podrá contemplar en los Jardines de Orive la intervención pictórica El jardín de la inocencia, en la que intervienen los artistas Patricio Cabrera, Felipe Ortega-Regalado, Miguel Gómez Losada y María José Gallardo, los cuales participan con una serie de obras de inspiración vegetal. El jardín de la inocencia es un proyecto colectivo para hacer intervenciones pictóricas con esta temática, la vegetal, en el espacio público, incluido en el ciclo Cosmopoética. El proyecto incluye versos en la pared de diversos poetas acerca de la inocencia, el paisaje salvaje o el mundo vegetal, una nómina que incluye a Rafael Antúnez, Eduardo Chivite, Juan Antonio Bernier, Alejandra Vanessa, Elena Medel, Pablo García Casado, Nacho Montoto, Joaquín Pérez Azaústre y José Luis Rey, versos que han sido caligrafiados en la pared por Nazaret Castro y Almudena Castillejo.
.

14 de abr. de 2010

Manuel Jurado Aragón. Retrospectiva

.

La Fundación Antonio Gala acoge desde hoy la exposición titulada Manuel Jurado Aragón. Retrospectiva, dedicada al pintor fallecido en 2007. Comisariada por José Álvarez, la muestra exhibe una selección de obras de Manolo Jurado (Córdoba 1961 - 2007), realizadas con diversas técnicas. La obra de Jurado se movió tanto por la figuración como por la abstracción, con un mayor predominio de esta última opción. Los lienzos colgados en las paredes del antiguo convento del Corpus Christi muestran la evolución del pintor desde sus experimentos informalistas hasta su última predilección por la abstracción geométrica. Texturas diversas y colorido violento conviven en la selección ofrecida junto a las escasas referencias a la figuración, en las que se atisba un cierto carácter autobiográfico.


Con motivo de la exposición se ha editado una carpeta con seis reproducciones de obras de Manolo Jurado, impresas en papel verjurado de alto gramaje de la marca Advocate. Cada carpeta y cada lámina se han numerado a mano, en una edición única de 100 ejemplares, en los que asimismo se incluyen textos de Juan Rivera y de José Álvarez. Paralelamente a esta exposición se celebra otro homenaje en la Sociedad de Plateros del Potro, donde participan gran cantidad de amigos de Manolo Jurado, quienes se unen al acto en su recuerdo aportando una de sus obras para exposición, una nómina de artistas que incluye, entre otros, a Braulio Valderas, Ricardo González-Mestre, Jacinto Lara, Juanjo Caro, Gabriele Friscia, José Antonio Modelo, Goval, Pepe Amate, José Gálvez, Pepe Puntas, Paco Gil o Rafael Navarro.

Manuel Jurado Aragón. Retrospectiva
Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores

Inauguración 14 de abril, 19:30 h

C/ Ambrosio de Morales 20, Córdoba

Hasta el 3 de mayo
.

12 de abr. de 2010

Cartier-Bresson: el Momento Decisivo en el MoMA

.
desde Nueva York: Fanelo Aguayo

Fotografía: Nannette Racette-Aguayo

¨Henri Cartier-Bresson (1908-2004) es una de las figuras más originales, fértiles, influyentes y amadas en la historia de la fotografía¨. Así comienza la introducción que el MoMA de Nueva York hace a la exposición que ayer, 11 de abril, se inauguró en sus salas, no dejando el menor resquicio de duda sobre el respeto que el museo y el mundo sienten por este artista. Gran representante junto a Robert Capa y David Seymour del moderno periodismo fotográfico -photojournalism-, con ellos fundó la agencia MAGNUM, que permitió por primera vez a los fotógrafos alcanzar una mayor audiencia a través de revistas como Life sin por ello perder el control sobre sus obras.

Nacido en Chanteloup-en-Brie, Seine-et-Marne, Francia, fue pintor antes que fotógrafo. En 1931, y tras haber leído El Corazón de las Tinieblas de Conrad, se marchó a la África Colonial Francesa en busca de aventura, donde sobrevivió cazando y vendiendo las piezas a los locales. De la cacería extrajo técnicas que más tarde aplicaría a su método de trabajo gráfico.

De regreso a Francia, en Marsella, donde se estableció para recuperarse de unas fiebres contraídas en el continente africano, comenzó a simpatizar con el movimiento surrealista. Fue entonces cuando cayó en sus manos una foto del fotoperiodista húngaro Martin Munkacsi. Se trataba de una instantánea de tres chicos africanos desnudos corriendo a orillas del Lago Tanganika. El propio Cartier-Bresson lo explicaba así:

¨Cuando ví la foto que Munkacsi tomó de los chicos negros corriendo no logré creer que tal cosa podía ser capturada por una cámara. Así que me dije a mí mismo: ¡Maldita sea!, cogí mi cámara y me fui a la calle… De repente había comprendido que era posible captar la eternidad en un solo instante¨.

Así nació el concepto de el Momento Decisivo, la eternidad contenida en una de sus mínimas fracciones y recogida por una cámara. Por supuesto, la pintura llevaba haciendo algo similar desde hacía siglos –mostrar el momento que en sí mismo contaba toda una historia- pero partía de la realidad de una forma indirecta. En otras palabras, la pintura recreaba ese momento total, lo dramatizaba, lo escenificaba, mientras que la fotografía simplemente lo captaba justamente cuando ocurría, siendo por lo tanto auténtico y puro. Así explicaba el propio artista el concepto de Momento Decisivo en una entrevista que concedió al Washington Post en 1957: ¨Hay una fracción creativa de segundo cuando estás tomando una foto. Tu ojo debe de ver la composición o una expresión que la vida misma te ofrece, y tú debes de saber por intuición cuando apretar el botón. Ese el el momento en el que el fotógrafo es creativo…¡Uy, el momento! Si lo pierdes se ha ido para siempre¨.

Henri Cartier-Bresson, Greenfield, Indiana. 1960. The Museum of Modern Art, New York. ©Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Poco después de aquella revelación llegada de la mano de Munkacsi, Cartier-Bresson adquiriría su afamada Leica con lentes de 50mm y se echaría a la carretera. El anonimato que proporcionaba esa pequeña cámara fue esencial para lograr evitar la conducta formal y artificial de las personas que se saben fotografiadas –llegó incluso a pintar de negro las partes niqueladas de la Leica para aumentar así el efecto camuflaje-. Con ella tomó sin descanso fotografías en Berlín, Bruselas, Varsovia, Praga, Budapest y Madrid.

La primera exposición de su obra tuvo lugar en la galería Julien Levy de Nueva York, en 1932, exposición que inmediatamente después pasaría a mostrarse en el Club Ateneo de Madrid. En 1934 conoció al polaco David Seymour, quien a su vez le presentaría a un fotógrafo húngaro llamado Endré Friedmann, que más tarde cambiaría su nombre por el de Robert Capa. Capa se convirtió de inmediato en el mentor del joven francés: ¨No dejes que te etiqueten como surrealista- le dijo en una ocasión-. Sé un fotoperiodista. Si no lo haces caerás en el manerismo. Mantén el surrealismo guardado en tu corazón, querido amigo. ¡No te quedes quieto! ¡Muévete!¨.

En 1935 Cartier-Bresson viajó a los Estados Unidos y recibió el encargo de hacer un reportaje de moda para la revista Harper´s Bazaar, convirtiéndose éstas en sus primeras fotos publicadas. Pero no sería hasta 1937 cuando aparecerían en prensa el primer trabajo puramente fotoperiodístico, con la cobertura de la coronación del rey George VI. Durante el período de 1936 a 1939 también trabajó en cine colaborando con el director francés Jean Renoir e incluso haciendo un film propagandístico junto a Herbert Kline para promover los servicios médicos republicanos durante la Guerra Civil Española.

Cartier-Bresson alcanzó la fama internacional con sus reportajes sobre el funeral de Gandhi (1948) y los momentos finales de la guerra civil en China (1949), donde llegó a cubrir los últimos seis meses del Kuomintang y los primeros seis meses del establecimiento de la República Popular maoísta. Fue también el primer periodista occidental con total libertad de movimientos en la Unión Soviética tras la muerte de Stalin.

En 1952 publicó su gran obra Images à la sauvette -titulada El Momento Decisivo en la edición norteamericana-, con portada de Matisse, y que contiene 126 de sus más legendarias fotos.

Henri Cartier-Bresson, Lunchwagon, Uvalde, Texas, 1960. The Museum of Modern Art, New York. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photo

Durante más de veinticinco años, Henri Cartier-Bresson fue ¨el más agudo observador del teatro global de los asuntos humanos¨. Esta retrospectiva que ofrece el MoMA, titulada Henri Cartier-Bresson: The Modern Century, es la primera en los Estados Unidos en tres décadas y contiene 300 de sus más famosas fotografías organizadas principalmente por temas. Abierta hasta el 28 junio, viajará luego a The Art Institute of Chicago, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), y el High Museum of Art de Atlanta.
.

.

11 de abr. de 2010

Incitación al juego, apuesta compartida




Juan Serrano
Fotografía de Jaime Martínez

 A. L. Pérez Villén / Ars Operandi

Lo cierto es que no debiera extrañar a nadie. Que una persona recupere una de sus facetas creativas no es ninguna rareza. Quizá lo que nos desconcierta es no haberlo descubierto antes, detectar esa actividad morosa y casi oculta del artista que se resiste a dejar de serlo aunque sus consecuencias no trasciendan más allá del círculo de íntimos. No quiero decir que Juan Serrano ocultase su obra, que trabajase de manera furtiva para sorprendernos una vez concluido el trabajo. No era la pretensión, simplemente se dejaba llevar por esa querencia de la creación que sólo entienden sus iguales, esa experiencia de la impunidad que les mantiene el pulso sin necesidad de otra cosa. Si ahora se decide a mostrarlo es porque no nos quiere privar de ello, ha decidido que es mejor compartirlo, es probable que incluso lo necesite, que quiera cerrar el círculo que comenzó a trazar hace más de 50 años cuando aún no existía Equipo 57. Es por entonces cuando peregrina con José Duartecomo muchos otros artistas de aquellos añosal santuario francés donde moraba el padre de la pintura moderna: Picasso. Son años en los que comienza a conocer otros artistas que serán determinantes en su trayectoria y a exponer. Años en los que aún no era arquitectoestudiaba Veterinariasino artista. Un artista especial... como todos los que formaron parte de Equipo 57, pero no es de este colectivo del que quiero hablar ahora.

Cuando apunto especial me refiero a un tipo de artista poco convencional. No quiero decir que Juan Serrano o el resto de Equipo 57 sean artistas extraordinariosque lo son, artistas cultos y de cultotambién, artistas raros o caprichosos. Cuando digo especial quiero decir no convencional, poco común. Unos artistas que deciden dejar a un lado su faceta creativa personal para trabajar en grupo, asumiendo la dialéctica de la confrontación de pareceres e incluso la ejecución compartida; que precisamente priorizan este proceso sobre la propia materialización de la obra, desarrollando un cuerpo teórico y crítico de los pocos que existen en la historiografía artística española contemporánea; artistas con un bagaje ideológico tan posicionado que deciden abaratar los precios de su obra casi a los costes para que llegue a más gente, creadores que incluso rechazan proposiciones de comisarios artísticosde citas internacionales como la Bienal de Veneciapor mantener su identidad como colectivo. Artistas especiales, sí, los de Equipo 57, pero he prometido no hablar de ellos, quiero centrarme en Juan Serrano, que ha decidido hacer público su compromiso renovado con la creación. Aquí también debo matizar porque parece ser que éste no es flor de un día, la pasión se enquista hace años y no me estoy refiriendo a su trayectoria con Equipo 57, sino a la reincidencia posterior que nos lleva hasta el momento presente.

Si excusamos el tiempo que Juan Serrano ha dedicado al oficio de la arquitectura y por más que esta dedicación profesional no le haya impedido decantarse por otras facetas más creativas, parece ser que lleva casi dos décadas entregándose al juego de la creación. Y lo que en un principio no dejó de ser un entretenimiento, poco a poco se ha convertido en una tarea de la que no puede prescindir. Con ella ha vuelto a recuperar el aliciente plástico, así como la devoción por el diseñoese rumor de formas que no deja de zumbar en la cabeza y que mantiene las manos siempre operativasy todo ello como si fuese un ejercicio ritual y rutinario, una labor nunca abandonada, un propósito atemporal. Porque la obra que se nos muestra tiene esa aguerrida cualidad de la vieja vanguardia, prácticamente insalvable, que se halla tan próxima a la autonomía del arteel vuelo independiente de la forma que hemos citadoy a su envés, el compromiso de la creación. Tenemos constancia histórica de una amplia gama de posibilidades sobre cómo se ha articulado el compromiso, conocemos cómo lo hizo Equipo 57, sin embargo reservamos para más adelante nuestro punto de vista sobre las obras expuestas. Lo que no podemos dejar de señalar a este respecto es el acierto de Joseph Beuys cuando destaca la valencia terapéutica de la actividad artística, el poder catártico de la creación para restañar las heridas del sujeto contemporáneo y sanar el cuerpo social de la comunidad.

Decimos atemporal y no es suficiente. Hay que hablar de rehabilitación, de tender puentes, de ejercitar la memoria para mantener la lucidez de una posición a la que se vuelve quizás con otros argumentos, seguro que con menos temeridad pero mayor convicción si cabe. Lo que Juan Serrano ha estado haciendo durante todos estos años, amén de arte, es mantener alerta su memoria, reactivarla a la luz de su experiencia y a la sombra de la estricta actualidad. Un ejercicio terapéutico, sin duda, del que podremos beneficiarnos quienes nos acerquemos a su obra. Una labor atemporal por lo que tiene de pertinaz y solitaria, benéfica también para el artista, absorta en su evolución. Otra palabra clave, otro posible malentendido. Vamos a intentar que no sea así. Vista con la perspectiva que ofrece el paso del tiempo, la trayectoria artística de Juan Serrano tiene un antes y un después de Equipo 57. Respecto de esta última, de la que se nos ofrece una muy cuidada y equilibrada selección, hemos destacado su atemporalidad y ahora señalamos su coherencia con el trabajo realizado anteriormente por el artista, lo cual no quiere decir que la obra actual de Juan Serrano sea una evolución de la de Equipo 57. Es de una enorme coherencia con algunos de sus postulados, como veremos a continuación, pero ante todo se debe a sí misma, a su despliegue interdisciplinar, de ahí la concentrada evolución que manifiesta.

Insistimos en la importancia de este aspecto, ya que la totalidad de lo que se presenta al público ha partido de una idea materializada mediante un boceto, una maqueta, un estudio previo... En este punto sólo puede hablarse de construcción como procedimiento, de collage o ensamblaje como recurso, sin mencionar siquiera la pintura, la escultura o el diseño, disciplinas que por ahora se mantienen al margen; mejor dicho, que confluyen en el proceso sin exigir peaje alguno mientras las ideas cobran forma y se materializan. Muchos de estos ejercicios son meramente de progreso, constituyen la prueba de una metodología empírica y analíticacomo en su momento lo fue la de Equipo 57que describe círculos en torno a una determinada problemática y no todos tienen la suerte de convertirse en obras definitivas. Algunas de estas tentativas, ejercicios de progreso les hemos llamado, se muestran al público. Pero hay otro tipo de trabajos con similar categoría que no se pueden exhibir porque exceden las dimensiones de cortesía de la escala, quiero decir que no sé si el público aceptaría una maqueta (estudio o boceto) de un mural de 20 m2 con el que Juan Serrano investiga cómo el color interviene en la percepción de la forma, cómo la pintura se mezcla con la escultura (o la arquitectura), cómo lo bidimensional puede alterar la experiencia de las tres dimensiones. Otra prueba más de ese carácter evolutivo, reflexivo y propedéutico de su trabajo. Una encomienda con la que el artista no deja de establecer vínculos. Todo está relacionado, sólo se trata de descubrir y hacer visibles las tramas que sostienen la apariencia, señalar el vaivén de las formas e implicarnos en el juego de la percepción.

Antes de continuar quiero detenerme en un detalle que creo significativo. La obra a la que nos enfrentamos es una obra abstracta, una obra abstracta y geométrica. Hace algunos años—en torno a la segunda mitad del siglo pasadoestos detalles venían a decirlo casi todo de una obra pero ahora conviene matizar. De entrada el trabajo de Juan Serrano está más cercano a los paradigmas de entonces que a los presupuestos de la nueva abstracción. Es decir, tanto las pinturas como las esculturas que motivan estas líneas no se plantean cuestiones que atañen a su estatuto como imagen; mejor dicho, como icono. Ello implica que no participen en estrategias de resignificación de la abstracción y que renuncien a entender ésta como un lenguaje representativo. Por el contrario, su interés se centra en penetrar las formas, imbuirse de su comportamiento e inventar un lenguaje con el que crear una cultura de la no representación. Esta es la pauta de trabajo de la abstracción geométrica representativa del siglo XX, en particular de la de su primera mitad, en la que incluimos fuera de fecha las secuelas del arte concreto y el neoconstructivismo, el arte óptico y cinético, el arte cibernético... todas ellas plenamente activas durante los 60 y los 70 y por lo tanto coetáneasaunque distanciadas conceptualmentede las primeras experiencias del minimal, a las que seguirán las del postminimal y la nueva abstracción de finales de siglo. Llega ahora la matización, se nos confirma el carácter atemporal de estas obras y su vínculo con el paradigma de la abstracción contemporánea, no obstante su autor no entiende de dogmas y no puede abstraerse de lo mejor que nos brinda la condición postmoderna que a todos nos afecta.

Nos referimos a esa distancia crítica que fermenta al margen de la modernidad establecida, a pesar del discurso de la tradición de la vanguardia, la misma que inoculó el antagonismo y la actitud díscolala duda razonable, el disentimiento y la objeciónen los manifiestos y las proclamas de comienzos del siglo pasado. Aunque parezca una incongruencia, una buena parte de la crítica postmodernista considera conveniente enlazar con ese espíritu insidioso, no tanto para recuperar la senda de la modernidad perdida y poderla superar como para roturar un territorio de resistencia desde el que volver a sentar las bases de un arte de primera necesidad. Algo de esto se plantea Juan Serrano cuando se encierra a trabajar en el estudio y vive pendiente de lo que le dicta su memoria, de lo que disponen sus manos, de lo aprendido y experimentado, pero también se deja llevar por lo que en cada momento le dictan las formas y en esta llamada tiene mucho que decir la percepción pero también el compromiso del artista. Y da la impresión de que éste se fragua otorgando a la propia obra la autonomía necesaria para devenir por sí misma, lo que no deja de ser sorprendente. Lo cierto es que al artista no le interesa tanto profundizar en las causas de los fenómenos como navegar sobre la superficie de la experiencia, de manera que las estructuras, el ritmo y la secuencia de formas, el color y su disposición, la articulación del espacio y la composición determinen la acción artística y su fin último, que no parece ser otro que el de ofrecer al público la posibilidad de compartir el juego del arte. Volveremos sobre ello pero ahora hay que afirmar que estas obras se deben al público, necesitan de su estrecha colaboración para configurarse como tales.

Un lugar común en la recepción de las obras que se originan en el ámbito de la abstracción, en especial la abstracción geométrica, debido a la ausencia de representación y por tanto de secuencias narrativas o temáticas a las que aferrarse para iniciar su análisis, es tomar los procesos y las estructuras compositivas como el tema. No es que estemos muy interesados en desvelar la temática de la obra de Juan Serrano, pero sí que queremos entrar en la manera de trabajar. Lógicamente es un autor que organiza la obra en torno a series, pero entendiendo éstas más como la hermandad que aglutina varias piezas en las que vienen a confluir mecanismos e intereses y no tanto como un conjunto de obras con un motivo común. Uno de estos elementos cohesivos, quizás el más evidente a simple vista es el recurso de la dualidad especular, el enfrentamiento de dos cuerpos que tienden a complementarse, lo cual genera un tipo de composición que debe incorporar la secuencia positivo-negativo. Los fieles a la historia particular de Equipo 57 recordarán que éste era un motivo primordial en la gestación de su teoría de la interactividad del espacio plástico, que encontraba también algunos ecos en su plástica. En definitiva la curva compensada que nace en una inflexión y que puede dar lugar a sendos espacios dinamizados por su recíproca penetración no deja de ser una muestra más de la dualidad positivo-negativo. Pues bien, las obras que se presentan en esta exposición barajan la dualidad especular pero desde una perspectiva, además de espacial, temporal. Son obras que se plantean el origen del reflejo como la consecuencia transitoria del devenir de la experiencia formal.

Una dualidad que sin dejar de ser reflexiva transfiere el eco secuencial de su pulso al lienzo, de manera que en ocasiones sea a través de una sola piezaestamos hablando de pinturasy en otras mediante el díptico e incluso el tríptico como llega a materializarse. Este último formato es la prueba palpable de ese carácter secuencial en que viene a restituirse la dualidad especular. Otros procesos a tener en cuenta –ahora nos volvemos hacia las esculturas- son los de la adición, que deviene principalmente del uso del collage y el ensamblaje en los momentos previos en que la obra sólo existe como boceto o maqueta, y la torsión o el pliegue, estos últimos muy utilizados también por Equipo 57 en sus estructuras con paraboloides hiperbólicos. Recursos y procesos que a veces tatúan la obra pero que por lo general penetran bajo su piel para sostener el grueso de la intervención artística. Sin embargo, nosotros vamos a permanecer en la superficie, porque ahora queremos recuperar el hilo que quedó sin hilvanar en la cuestión que frunce el compromiso del artista con la importancia del público. Y con este motivo nos vamos a referir a un amplio conjunto de obras en las que se aprecia el papel que el artista le otorga. Se trata de obras en las que interviene directamente el público. No es que necesiten de su concurso para cerrarse, como que gracias a éste cobran verdadero sentido, por cuanto su configuración se altera en cada intervención, en cada aportación, en cada experiencia perceptiva.

Este grupo de obras combina las disciplinas de la pintura y la escultura. Entre las primeras hallamos una pintura circular, a modo de tondo, con una serie de formas inscritas que pueden variar de posición a gusto del público. Otro bloque lo constituye una suerte de tótem, en palabras del propio artista, que combina la pintura y la escultura y en el que el formato circular también está presente, configurándose mediante el giro de las dualidades especulares enfrentadas un perenne repertorio de formas y colores que constituyen el crédito de la obra. En esta línea de concepción abierta de la creaciónrecordemos a Umberto Eco y su célebre tratado homónimo sobre dicha poéticaes la que se advierte en una escultura giratoria de generosas dimensiones. En lugar de completarse la lectura de la obra mediante el movimiento en torno a ella, como se hacía en la estatuaria tradicional, es la pieza la que gira ante nuestros ojos. Aunque no es ninguna novedadel arte cinético goza de una dilatada trayectoria de medio siglola aportación de la escultura es que conforme se va mostrando compone, amén de estructuras filiformes centrípetas, sucesivos campos de color que sólo se advierten de esta suerte .

Hablamos ahora de murales. Ya nos hemos referido a la maqueta de un mural a escala 1:1 que no se exhibe, pero hay otros casos de dimensiones más reducidas en los que también se pueden apreciar las cualidades atribuidas al ausente. Cualidades con las que se trata de perturbar la tranquilidad de formas y volúmenes, romper la linealidad (horizontal o vertical) y mediante la aplicación de planos de color inducir la sensación de profundidad o la tersura de las superficies. Estos murales se relacionan con una serie de obras en las que resulta muy difícil discernir entre pintura y escultura, pues si bien hay piezas en las que la estructura formal y el diálogo que mantienen abierto con el espacio son la razón fundamental de su poética, también las hay que la aplicación pictórica es la causa de su perturbadora recepción. Antes de abordar otro grupo de obras que lindan con estas díscolas poéticas de la percepción , me gustaría detenerme un momento en otra tipología de esculturas menos sofisticadas pero no menos sugestivas. Hay un par de ellas que son de una sutileza extrema un puro trazo flotando voluptuosamente en el aireque recuerdan la austeridad formal del minimal pero que en una segunda mirada terminan por abandonarse a la cadencia del giro que les imprime la inercia de la forma .

Volviendo al dominio de lo óptico hay que destacar un núcleo de obras que requieren de una colaboración activa del público. En una de ellas se nos pone en la tesitura de disociar entre la percepción del espacio físico y el virtual, un dilema que no se presenta en el plano de lo cotidiano, pues la información que de manera automática a diario se procesa muy pocas veces nos obliga a tener que tomar decisiones al respecto de manera consciente. En este caso debemos discernir entre la profundidad y la cercanía y la consistencia objetual o plástica (virtual) de formas y figuras, estructuras y planos de color. Una escultura que a la vez es la representación pictórica de sucesivos cuadrados inscritos es la responsable de que nos planteemos esta disyuntiva . Hay otra pieza que vuelve a proponer un conflicto similar al precedente pero ahora mediante el concurso de la anamorfosis para que la visión desde una cierta perspectiva de una sucesión de franjas nos haga dudar entre dentro y fuera, real o virtual, vertical u horizontal. Recapitulando los procesos ópticos y cinéticos empleados, tenemos la dualidad especular, el giro, la traslación o la secuencia espacio-temporal, el pliegue que se origina en la inflexión y que puede dar lugar a la torsión o el fruncido, amén de todo tipo de estrategias que nos llevan a replantearnos cuestiones de índole espacial y/o objetual.

Un capítulo importante en la producción de Juan Serrano lo constituye el diseño de mobiliario. Como aconteció con Equipo 57 el diseño de muebles adquiere en su obra una entidad que no puede soslayarse con la simple noticia, máxime cuando en su caso viene a ser consecuencia innegable de sus especulaciones artísticas. Como el propio autor nos advierte no se trata de prototipos en los que la función deviene en forma, no son mueblespor lo general sillas, pero también mesas, archivadores, etc.que nos hagan sentir más cómodos, que nos faciliten la supuesta tarea para la que han sido concebidos. Son creaciones formales y cromáticas, en realidad habría que decir pictóricas y escultóricas; mejor dicho, tridimensionales, volcadas en objetos de uso cotidiano. No son realmente muebles, no cumplen esa función, son útiles para disfrutar del arte. Porque los muebles de Juan Serrano trasladan al terreno del diseño cuestiones que se le plantean en el campo de la pintura y la escultura. Ya hemos dicho que hay obras que parten desde el concepto de la disciplina para arribar a un espacio de acogida donde sedimentar lo aprendido en el trayecto, pero lo habitual es concebir la obra de manera interdisciplinar. Con los muebles sucede lo mismo, los procesos responden a las mismas necesidades, sólo que hay que partir de un conjunto de formas que al tramarse componen, con el concurso del color y bajo la aquiescencia de sucesivas indagaciones, errores, ensayos y descubrimientos, un artefacto que no pasará desapercibido. Predominan los ecos de la taumaturgia estética de la Bauhaus y el neoplasticismo, pero también son bienvenidas las formas caprichosas y oblongas del disegno posmoderno.

Juan Serrano
Pinturas, esculturas, diseños

Casino de la Exposición

Glorieta de San Diego, s/n, 41013 Sevilla

Hasta el 23 de mayo

.