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29/9/2010

Arte cubano y español confluyen en la muestra Océano digital

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Juan Carlos Alom, fotografía de la serie Una Harley recorre La Habana, 1997-2009

La Sala Puertanueva presenta desde el jueves 30 de septiembre la muestra Océano digital. Travesías por incertidumbres, una exposición colectiva que establece el medio digital como nexo disciplinar y que une a muchos de los más relevantes nombres del arte contemporáneo cubano junto a una selección de artistas andaluces, mayoritariamente cordobeses, cuyos trabajos coinciden en la utilización como soporte para sus obras de medios como la fotografía digital, la infografía, la animación 3D, la videoinstalación y otras técnicas asociadas a las nuevas tecnologías. Comisariada por Javier Flores, la muestra, además de establecer una toma de contacto entre artistas de ambos lados del Atlántico interesados por el medio digital, posee una unidad conceptual, "una cierta coincidencia de contenidos en torno a la incertidumbre". Para Flores, se trata de una incertidumbre "que se manifiesta hacia el futuro del régimen cubano y hacia la propia condición de artista sumergido en esa realidad". En cuanto a los cordobeses, "también trabajan sobre las luces y sombras de las sociedades, el olvido de las libertades individuales y lo plural, las dificultades de encontrar una identidad".

Los artistas seleccionados son, por parte de Cuba: Juan Carlos Alom, Duvier del Dago, Luis Gárciga, Ernesto Leal, Sandra Ramos y Fernando Rodríguez, mientras que de este lado participan Manolo Bautista, Verónica Ruth Frías, Ángel García Roldán, Juan López, Daniel Palacios y Miguel Soler.

El mismo día de la inauguración, el jueves 30 a las 10 de la mañana, tendrá lugar en la Sala Orive Encuentro digital, en el que intervendrán los artistas participantes en la exposición en un acto destinado al intercambio de opiniones entre estos y aquellos alumnos, profesores, artistas y aficionados en general que deseen participar.


Océano digital. Travesías por incertidumbres
Inauguración 30 de septiembre, 21 h
Sala Puertanueva
Ronda de Andújar, s/n (facultad de Derecho)

Encuentro digital
30 de septiembre, 10 h
Sala Orive, Córdoba

26/9/2010

Ars Operandi Videos: Superflat. Takashi Murakami. Sala Vimcorsa, 2010

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Ars Operandi presenta el video que documenta la exposición titulada Superflat. New Pop Culture, una selección de obras del artista japonés Takashi Murakami expuesta en la Sala Vimcorsa de Córdoba del 15 de septiembre al 31 de octubre de 2010. Comisariada por Antonella Montinaro, la exposición está compuesta por 22 litografías y cuatro vitrinas que contienen 29 figuras de pequeño formato a modo de diminutas piezas de juguetes infantiles. Asimismo, en la sala se proyectan dos documentales: Yoshitomo Nara x Takashi Murakami de la New Pop Revolution y Takashi Murakami: Toying with Art, de Ben Lewis para la BBC-Art Safari, una completa serie de entrevistas personales, información y reportajes sobre exposiciones del artista japonés, junto a numerosos detalles sobre la producción y elaboración de sus obras.

La muestra Superflat es parte de una trilogía de exposiciones: Superflat (2000), Takashi Murakami: Kaikai Kiki (2002) and Little Boy (2005), una serie expositiva que se ha exhibido en importantes Museos de todo el mundo como la Parco Gallery en Tokio, The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles, la Fondation Cartier pour l’art contemporain en París o en la Serpentine Gallery de Londres. A lo largo 2008 y 2009 el artista presentó ©Murakami, retrospectiva que se pudo contemplar en el Museo Guggenheim Bilbao, y que anteriormente fue presentada en el Museum of Contemporary Art (MOCA), el Brooklyn Museum de Nueva York y el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt.
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25/9/2010

Visitas guiadas a la exposición López-Obrero

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Fotografía: Juan Manuel Vacas

Durante el desarrollo de la exposición Ángel López-Obrero en el centenario de su nacimiento, las instituciones organizadoras de la muestra contemplan, como viene siendo habitual, la posibilidad de realizar visitas guiadas a la exposición coordinadas por un responsable del Programa Educativo de la misma. Aquellos interesados que deseen acudir a la actividad, pueden personarse en el Palacio de la Merced, sede de la muestra, los domingos a las 13:00 horas, en que comenzará la actividad, aproximadamente de una hora de duración. La visita es de carácter gratuito.

Exposición
Ángel López-Obrero en el centenario de su nacimiento
Visitas guiadas
Domingos días 26 de septiembre, 3, 10 y 17 de octubre, 13:00 h
Palacio de la Merced, Plaza de Colón 15, Córdoba

24/9/2010

Modern times: música y moda en los 60

Carnaby St. a principios de los 60



Álvaro Tarik / Ars Operandi

Después de la Segunda Guerra Mundial, en la que Londres había sido bombardeada durante 57 días por aviones alemanes que causaron la muerte a 15.000 personas y destruyeron más de 90.000 hogares, los londinenses —especialmente los jóvenes— empezaron a cambiar su actitud por un espíritu más desafiante y menos convencional. Conscientes de que un hecho de tal magnitud te podía borrar del planeta antes de que hayas empezado a divertirte en la vida, ese espíritu creció con los años y fue el combustible que alimentó la vida social de los londinenses hasta los swinging sixties.

Finalizada la guerra, el Soho de Londres empezó a verse frecuentado por beatniks del jazz como Ronnie Scott o Tony Crombie. Estos llamados modernistas renunciaron al pasado representado por las empalagosas big bands y acogieron el apasionante bebop de Charlie Parker, Miles Davis y Dizzy Gillespie como una nueva brújula, una forma de mirar al futuro, de innovar. El bebop era una verdadera locura.

Los modernistas no sólo cambiaron el paisaje musical, sino que se entregaron a un estilo de vida basado en vivir intensamente, saliendo a divertirse y a tocar en los clubes desde la puesta de sol hasta el amanecer. Alcohol, drogas, sexo y la música negra que venía de América y se esperaba impacientemente se devoraban con fruición en clubes oscuros y trepidantes.

De la América rica y consumista llegaba también el modelo de elegancia en el vestir: trajes de calidad, caros, de corte impecable. Los músicos negros americanos como Miles Davis vestían ahora como ricos. Los ingleses, de acuerdo con sus posibilidades económicas, con una economía aún maltrecha tras la guerra, intentaban seguir ese modelo, fascinados por la moda. En cierto modo, aquella ropa elegante suponía una especie de camuflaje para aquellos que habían estado toda la noche de juerga.

Tras la efímera irrupción del rock'n'roll en los 50 (que a punto estuvo de arruinar la escena con sus arrebatos de rebelión y violencia navajeras), los mods volvieron con más fuerza, favorecidos por una economía boyante y una juventud liberada de la obligación de hacer el servicio militar. Los jóvenes llevaron su obsesión por la ropa a límites extremos. Camisas de cuello button-down, corbatas estrechas, pantalón impecablemente planchado, zapatos flamantes, trajes a medida, gabardinas de corte francés. Se analizaba la forma de vestir de los actores americanos, de los músicos de jazz y rythm & blues. Entraba también la influencia europea, principalmente de Italia y Francia. El corte de pelo había de ajustarse también al estilo college boy americano o al bouffant (ahuecado) francés, o una mezcla de ambos. La imagen de Gregory Peck y Audrey Hepburn recorriendo las calles de Roma en una scooter, en la película Vacaciones en Roma, dejó una huella indeleble en las mentes de aquella juventud que devino en la pasión por las Vespas y Lambrettas.

John Coltrane en el Guggenheim de Nueva York

A las estanterías de Austin's llegaban las ropas de mejor calidad de América. Charlie Watts o Georgie Fame eran asiduos. Cecil Gee y John Stephen ofrecían precios más asequibles, y su ropa aún estaba dentro de los cánones mod. Los sastres no daban abasto con las exigentes instrucciones de sus clientes.

A principios de los 60 se empiezan a introducir notas de colores brillantes en la ropa, para disgusto de los más conservadores: camisas rosas, pantalones blancos, etc.

En la música, además del jazz, el blues y el R&B se habían convertido ya desde los 50 en la banda sonora de muchas almas mods. El R&B se fundió con el gospel para dar origen al soul, una música sexy y contagiosa que explota a principios de los 60, que penetraba como un dardo en los corazones e incitaba inexorablemente al baile en clubes como el Flamingo o el Scene Club. Los británicos albergaban la admiración y la excitación por aquella música irresistible que venía de la América negra tanto como la frustración por considerarla lejos de sus posibilidades artísticas.

Y entonces llegaron The Beatles. Los de Liverpool, que empezaron versionando aquel rock'n'roll y R&B de sus artistas negros favoritos, pronto dieron con la fórmula comercial que les lanzó al olimpo de la música popular y a ganar dinero a espuertas: canciones pop, blancas, de melodías algo infantiles pero magistralmente producidas y ejecutadas. En 1963, tras su éxito Love Me Do, todas las compañías discográficas, los agentes, los músicos querían eso. Ese era el filón a explotar.

Los jóvenes británicos tenían ahora los viernes por la tarde en sus televisores el programa Ready Steady Go! y, de alguna manera, la imagen mod de Londres, que en realidad hasta entonces sólo había pertenecido a unos pocos, se difundió por todo el Reino Unido gracias al poder de la televisión.

Pero la escena mod se diluyó y quedó en manos de miles de jóvenes que se hacían llamar mods, que empezaban a consumir la música rock de bandas británicas y que organizaban excursiones a las playas para partirse la cara con los rockers. Encarnada en muchos de esos individuos, la esencia mod quedó convertida en una comparsa, en un entretenimiento vulgar que alimentó el ansia de carnaza de la prensa sensacionalista británica.

Mucho de lo que vino después poco tendría ya que ver con el verdadero y original espíritu mod que no deberíamos olvidar.
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Fiestas y verbenas en el recuerdo, por Francisco Solano Márquez

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Ilustración para Blanco y Negro de Méndez Bringa, 1932

Dentro del segundo ciclo anual organizado por la Fundación Bodegas Campos, el próximo martes día 28, en la antigua ermita de la Candelaria, el periodista Francisco Solano Márquez pronunciará una conferencia sobre las antiguas costumbres populares cordobesas.

Partiendo de la evocación sentimental de las verbenas populares cordobesas a través de la pluma costumbrista de Ricardo de Montis, el conferenciante hará un ligero recorrido por las verbenas y veladas a lo largo de la primera mitad del siglo XX, con especial referencia a la de la Virgen de la Fuensanta. Se detendrá especialmente en describir el panorama festivo de los años cincuenta, en que llegaron a celebrarse a lo largo del verano una veintena de verbenas organizadas generalmente por las peñas recreativas, aunque en algunos casos fueron efímeras o sufrieron altibajos. El periodista ilustrará su charla con imágenes alusivas, seleccionadas de diversos archivos gráficos.

Francisco Solano Márquez (Montilla, 1944), es escritor y periodista, autor de numerosos títulos, como Pueblos cordobeses de la A a la Z (1976), Guía Secreta de Córdoba (1976), La provincia de Córdoba en el bolsillo (1978), Visita al Palacio de Viana (1980), Memorias de Córdoba (1986), Nuestras tabernas (1987), en colaboración, y Córdoba de ayer a hoy (1988), entre otros muchos trabajos. Una de sus últimas obras publicadas, Córdoba insólita (Ed. El Páramo, 2009), es un fenómeno editorial convertido en la obra más vendida en Córdoba en la presente temporada que va ya por su 2ª edición.

Cómo se divertía el pueblo en verbenas y veladas
Conferencia de Francisco Solano Márquez
Martes 28 de septiembre, 20:30 h
Ermita de la Candelaria, c/ Candelaria 2, (frente Bodegas Campos)
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23/9/2010

Pieza del mes en el Arqueológico: Jerónimo Sánchez presenta un dintel visigótico

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Como cada último domingo de mes, el próximo domingo 26 de septiembre, a las 13.00 horas, tendrá lugar la presentación de la Pieza del Mes en el Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba, una actividad que este año está dedicada a una selección de las más de 300 piezas que se han restaurado con motivo de su próxima exposición en el edificio de ampliación del Museo.

La pieza protagonista del mes de septiembre es un dintel de época visigoda decorado con cruz apocalíptica, aparecido en la iglesia de Santa Marina. Esta pieza fue reutilizada en época islámica como gorronera, para lo cual se talló un extremo en forma de rollo y se le practicó el orificio de encaje del eje de la puerta en la cara inferior.

El encargado de presentar la pieza será el arqueólogo Jerónimo Sánchez Velasco, autor del libro Elementos arquitectónicos de época visigoda en el Museo Arqueológico de Córdoba. Arquitectura y urbanismo en la Córdoba visigoda y activo bloguero en su conocida página Arqueología y Patrimonio Histórico en Córdoba.

Pieza del mes
Domingo 26 de junio a las 13:00 horas
Sala del Alcaide 
Presenta Jerónimo Sánchez Velasco
Arqueólogo y Profesor de Enseñanza Secundaria
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La lógica de Balanza en Arte21

.Balanza, La imposición de las normas, fotografía

El próximo día 30 de septiembre la galería Arte21 abrirá al público la exposición Es lógico, en la que el artista riojano Balanza presenta doce obras en diferentes disciplinas que van desde la escultura al video o la fotografía, en las que trata "sobre doce asuntos que le preocupan", según comunica en nota de prensa Antonio Jiménez, director de la galería.

José Carlos Balanza (Logroño, 1952), presentó en la galería cordobesa hace tres años la muestra titulada Dentro, compuesta por siete obras en las que desarrollaba el concepto tiempo según siete percepciones distintas: estar dentro del mundo, del tiempo, del arte o del cuerpo, entre otras, unificándolas en la obra Dentro. En estos tres años, Balanza ha estado trabajando principalmente en dos proyectos: el tiempo, "un tema recurrente en su obra y pensamiento" y que trató en 2009 en la exposición 269.429 minutos para el Museo Würth La Rioja, y el proyecto que conforma la exposición Es lógico que presenta Arte21. En él, Balanza refleja "la interpretación de su existencia frente al mundo y sus códigos", en un trabajo que incluye esculturas como Límite, La perfección de la idea hace a la repetición perfecta o La posibilidad y el fin del infinito como realidad, junto a obras en video, fotografía, y la utilización de la cerámica en la pieza Límite.

El catálogo de la exposición, que estará abierta hasta el 14 de noviembre, cuenta con un texto introductorio de Miguel Fernández-Cid, comisario, crítico, ex director del Centro Gallego de Arte Contemporáneo.



Balanza
Es lógico
Inauguración 30 de septiembre, 21:00 h

Galería Arte21

C/ Manuel María de Arjona, 4, Córdoba

Hasta el 14 de noviembre

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17/9/2010

Nueva edición del Mercado de Arte Joven

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Dentro de la programación de Eutopía 2010, el próximo sábado se inaugurará en la Sala Victoria el V Mercado de Arte Joven, exposición y venta de obras acompañada de una serie de actividades lúdicas y musicales. Los participantes en el Mercado de Arte Joven son Javier Castillo Oteros, Daniel Lorenzo, Concha Vacas, Julio Muñoz Moreno, Rosa María Puerto, Mª del Carmen Alonso Fonseca, José Saturnino González, Almudena Castillejo, Efraim Ortega, Itziar Perpiñán, María Luisa Ortega Ramos, Lena Marie Andersson, Rafael Saco García, Kiko Fernández Ortiz, Antonio Barbero, Gema Barrios, Teresa Pérez-Barrio, Nona León, Sergio Muñoz del Rosal, Facundo Arroyo Mascaraque, Lourdes Braceros, Nazaret Castro, Claudia López Iglesias, Manuel Jurado Garrido, Mª del Mar Portal del Pozo, José Luis Ruiz, Inma León Leyva, Verónica Ruth Frías y Cyro García.

Organizado por espacio a-rojo, el Mercado de Arte Joven contará con la participación de diversos colectivos y artistas como Tom Bennet, Black Evolution, Flair & Cocktails, Ennegro, Contemporánea, Eureka, El Granado, Juan Clemente, Colectivo Interferencias o Revista Boronía, en apartados diversos como música, edición o diseño gráfico.

V Mercado de Arte Joven
Sala Victoria Paseo de la Victoria, Córdoba
Inauguración 18 de septiembre, 19:00 h

Hasta el 21 de septiembre

16/9/2010

Se abren las puertas de la percepción: arranca Sensxperiment 2011

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Hoy comienzan en la Filmoteca de Andalucía las actividades del 11º Encuentro Internacional de Creación Sensxperiment: Inmersión Sensorial. Aunque Sensxperiment celebrará el grueso de sus actividades durante 2011, para los próximos meses de 2010 se ha programado un ciclo audiovisual que incluye clásicos del cine de vanguardia, algunas obras recientes y dos sesiones de live cinema. Sensxperiment: Inmersión Sensorial presenta una serie de obras que en su mayoría comparten un lenguaje abstracto y que buscan oponerse, en su exhibición y recepción, a la deliberada frontalidad tradicional de los espectáculos audiovisuales.
La muestra audiovisual, comisariada por Blanca Rego, Pablo Sanz y Jose Luis Espejo recupera un catálogo de obras que podemos considerar ya clásicas como Lapis de James Whitney o Allures de Jordan Belson que "no sólo se programan ahora por las subversiones formales, lingüísticas y teóricas que presentaron en su día, sino por el modo en que cambiaron la percepción del espectador y por la influencia que han dejado en trabajos audiovisuales posteriores". Es el caso de las obras que a partir de las investigaciones de las flicker films, hacen de proposiciones estructurales y materialistas el principio de una herramienta que puede llegar a producir alucinaciones, epilepsia y otras alteraciones neurológicas. El ciclo plantea también una cierta continuidad entre estos antecedentes y algunas de las obras mas recientes presentadas en el encuentro, con la premisa de que estas últimas, conscientes de los efectos descritos, trabajan sobre ellos en lugar de sobre la experimentación lingüística del medio.
El ciclo audiovisual consta de cuatro sesiones que se desarrollarán hasta el 22 de diciembre, fecha en la que también se presentará Synchronator, proyecto audiovisual de Bas Van Koolwijk y Gert-Jan Prins, en el que investigan las relaciones entre imagen y sonido a través de la combinación de herramientas digitales y analógicas.
La jornada de hoy contará con la presencia de Juan Cantizzani, presentando el festival en su edición trienal, Pablo Sanz que expondrá los detalles sobre la investigación temática de “Inmersión Sensorial” y José Luis Espejo que introducirá el ciclo audiovisual.
Lapis de James Whitney, 1963-1966. 10 min, 16 mm, color, sonido

14/9/2010

Una retrospectiva de López-Obrero homenajea al pintor en su centenario

Ángel López-Obrero, El patio de mi casa, 1929
Redacción / Ars Operandi

Ángel López-Obrero en el centenario de su nacimiento (1910-1992) es el título de la exposición retrospectiva que a partir del miércoles 15 de septiembre estará abierta al publico en las salas del Palacio de la Merced, sede de la Diputación de Córdoba.  Organizada por la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, Ayuntamiento de Córdoba y Universidad de Córdoba  y comisariada por Isabel García García, la muestra se compone de una amplia selección de obras procedentes de museos y colecciones particulares que permiten visualizar la carrera artística y la trayectoria personal de uno de los principales nombres en el arte cordobés del siglo XX y que van desde los ejercicios postcubistas de los años 20 a su personal realismo de los 70. Además de las obras expuestas, que incluyen una gran variedad de técnicas artísticas que López-Obrero cultivó, el visitante podrá contemplar una amplia selección de documentos personales del artista, hasta ahora nunca antes expuestos, procedentes de los archivos del pintor que sus hijos, Alejandro y Carlos, han cedido para esta exposición.

Ángel López-Obrero (1910-1992), fue miembro del Grupo de los Independientes junto al también cordobés Rafael Botí, participando en las principales manifestaciones vanguardistas de los años 20. La década de los treinta es el período de madurez creativa del pintor, que alterna el ejercicio de la pintura, la publicidad y la reflexión teórica. En estos convulsos años López-Obrero se posiciona en la defensa de los intereses de sus compañeros trabajadores participando activamente en la lucha sindical. La Guerra Civil supone el exilio del pintor, su paso por los campos de concentración y su vuelta forzosa a España ante la invasión nazi de Francia. Condenado a muerte, su condena es conmutada por veinte años y un día de prisión, que reduce por trabajo. No obstante, y pese a tantas adversidades, en estos años consigue retomar su carrera y volver a Córdoba, donde se convertirá en un nombre protagonista del desarrollo cultural de la ciudad hasta su fallecimiento.

Ángel López-Obrero en el centenario de su nacimiento (1910-1992) 
 Palacio de la Merced, Plaza de Colón, 15, Córdoba 
 Inauguración 15 de septiembre, 21:00 horas 
 Hasta el 17 de octubre 
Comisaria: Isabel García García

El universo Murakami llega a Córdoba con la exposición Superflat

.Takashi Murakami, Kaikai & Kiki

La Sala Vimcorsa presenta desde el 15 de septiembre la exposición titulada Superflat. New Pop Culture, una selección de obras del artista japonés Takashi Murakami. Comisariada por Antonella Montinaro, la exposición está compuesta por 22 litografías y cuatro vitrinas que contienen 29 figuras de pequeño formato a modo de diminutas piezas de juguetes infantiles. Asimismo, en la sala se proyectan dos documentales: Yoshitomo Nara x Takashi Murakami de la New Pop Revolution y Takashi Murakami: Toying with Art, de Ben Lewis para la BBC-Art Safari, una completa serie de entrevistas personales, información y reportajes sobre exposiciones del artista japonés, junto a numerosos detalles sobre la producción y elaboración de sus obras.

El término superflat (superplano), se aplica a un movimiento artístico japonés creado por Murakami y otros autores, en el que reúnen influencias que van desde la pintura tradicional Nihon-ga, la obra gráfica Ukiyo-e, el manga y el anime al arte pop y otros fenómenos visuales de cultura de masas occidentales incluida la publicidad y el fenómeno logo. Asimismo, superflat alude a la falta de perspectiva y profundidad en sus obras, composiciones que reúnen una abigarrada multitud de motivos con predominio de las tintas planas. Las obras superflat, a diferencia del arte figurativo occidental, carecen de un sentido de la jerarquía en la composición, pudiendo efectuarse su lectura mediante diferentes recorridos, tal como en el manga, historietas gráficas en las que la lectura no se realiza de izquierda a derecha al modo occidental ni de derecha a izquierda o modo oriental sino con un complejo recorrido de arriba-abajo-derecha-izquierda.

Takashi Murakami (Tokio, 1963), estudió en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, donde se graduó en la especialidad Nihon-ga. A partir de los noventa comienza a combinar su formación tradicional con las influencias occidentales, resultando de esta mezcla un personal universo estético que fluctúa entre el diseño gráfico y la cultura manga-anime que no elude el erotismo lolicon (My lonesome cowboy, 1998, Hiropon, 1998). Sin embargo, el auténtico fenómeno comercial en el que se ha transformado Murakami le ha llevado a ser solicitado por elitistas marcas comerciales como Louis Vuitton, para lo que ha creado una factoría de producción propia, la Kaikai Kiki Corporation, que toma de la Factory warholiana el concepto de la producción artística en masa como objeto de consumo.

La muestra Superflat es parte de una trilogía de exposiciones: Superflat (2000), Takashi Murakami: Kaikai Kiki (2002) and Little Boy (2005), una serie expositiva que se ha exhibido en importantes Museos de todo el mundo como la Parco Gallery en Tokio, The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles, la Fondation Cartier pour l’art contemporain en París o en la Serpentine Gallery de Londres. A lo largo 2008 y 2009 el artista presentó ©Murakami, retrospectiva que se pudo contemplar en el Museo Guggenheim Bilbao, y que anteriormente fue presentada en el Museum of Contemporary Art (MOCA), el Brooklyn Museum de Nueva York y el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt. A partir de la semana que viene, el polifacético Murakami expondrá en el Palacio de Versalles una amplia exposición de su faceta asociada al diseño industrial y a la producción en serie para el mundo de la moda y otros campos. Opiniones críticas al fenómeno Murakami acusan a éste de vender un producto comercial en serie alejado de lo artístico, asociado al consumo del objeto de lujo.

Sakashi Murakami
Superflat. New Pop Culture

Inauguración miércoles 15 de septiembre, 20:30 horas
Sala Vimcorsa

C/ Ángel de Saavedra, 9, Córdoba

Comisaria: Antonella Montinaro

Hasta el 31 de octubre
Organizan: Vimcorsa-Ayuntamiento de Córdoba y Obra Social Caja Mediterráneo
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11/9/2010

11-S: la otra gran pérdida

desde Nueva York: Fanelo Aguayo

1, 2, 3... I NY
Foto: Francisco Aguayo

De un modo necesario y absolutamente comprensible, la inmensa pérdida de vidas humanas que tuvo lugar en el World Trade Center de Nueva York el 11 de septiembre de 2001 ha eclipsado –insisto, muy comprensiblemente– otra gran pérdida ocurrida ese mismo día y en ese mismo lugar: la de numerosas obras de arte guardadas o expuestas dentro o en los alrededores de las dos archiconocidas e irrepetibles Twin Towers, obra del arquitecto japonés Minoru Yamasaki.

Unos meses después del atentado, The Heritage Emergency Nacional Task Force, un departamento compuesto por 34 agencias federales, publicó un informe de 26 páginas titulado Cataclysm and Challenge que estimaba la pérdida de colecciones de arte particulares en cien millones de dólares, sin contar las piezas “en negro”. La compañía Cantor Fitzgerald era la dueña de una gran colección de dibujos y esculturas de Rodin –la colección privada de ese tipo más extensa del mundo–. Citygroup, Silvester Properties, Marriot Hotel, Fred Alger Management y Nomura Securities también poseían colecciones importantes que incluían obras de Picasso, Roy Lichtenstein y David Hockney. En las plantas 91 y 92 de la Torre 1 el Concejo Cultural del Bajo Manhattan cedía estudios a 27 artistas, quienes acabarían perdiendo un total de 400 obras propias. En los sótanos también se custodiaban los restos provenientes de un cementerio indio de finales del siglo XVIII, así como archivos que documentaban las excavaciones arqueológicas en la zona de Five Points, barrio que Scorsese popularizaría mundialmente en su film Gangs of New York. De acuerdo también con este informe, otras pérdidas incluyen fotografías y cartas originales de Helen Keller, así como primeras ediciones de sus libros de un valor incalculable. Fue destruida igualmente una parte importante del Archivo de los Teatros de Broadway con un fondo de 35.000 fotografías que capturaban momentos irrepetibles de la historia escénica norteamericana. También desaparecieron aproximadamente 40.000 negativos de fotografías documentando la presidencia de JFK tomadas por Jacques Lowe, todas ellas almacenadas, al parecer, en una caja fuerte. Eso en el orden de lo privado. En el del público, la lista sigue y sigue.

En 1969, NY Port Authority, la entidad municipal que encargó la construcción del complejo, estableció que el 1% del presupuesto total del proyecto se dedicaría a la compra de obras de arte que pasarían a formar parte del espacio público del centro, todas ellas high profile, casi todas ahora desaparecidas. Entre éstas estaban el WTC Plaza Sculpture, una enorme pieza de granito negro creada por el japonés Masayuki Nagare. Otra obra desaparecida fue Ideogram, de James Rosati, una escultura de acero inoxidable y 25 pies de alto que durante mucho tiempo aparecería en innumerables reportajes de moda. Una tercera pieza fue Sky Gate, New York de Louise Nevelson, un relieve en madera negra situado en el entresuelo de la Torre 1. La cuarta sería una fuente obra del escultor Elyn Zimmerman, erigida en memoria a las víctimas del atentado con bomba que tuvo lugar también en el WTC en 1993. Pero será la quinta de estas piezas de arte público ya extintas la que, a nivel personal, como artista y como español, nunca ha dejado de capturar mi atención.

En octubre del 2000 tuve la gran suerte –ahora lo sé– de visitar la Torre 2 con mi hermano y su recién estrenada esposa. Nada más cruzar la acristalada puerta de entrada al gigantesco lobby, un inmenso tapiz de 20 pies de alto por 35 de ancho nos daba la bienvenida. Por entonces desconocía la existencia de esta pieza, pero no me cupo la menor duda de quien era su autor: el inconfundible Joan Miró. La fascinación invadió mi alma, y así se lo hice patente a mi hermano dando estúpidos saltos de alegría. Siendo un incondicional del catalán, me había preocupado hasta la fecha de ver muchas de sus obras: en la Fundación Miró de Montjuic, en Madrid, en Londres, en Boston, en NYC… pero jamás había contemplado uno de sus tapices. En ese momento sentí tal entusiasmo que la foto de rigor me salió movida –recuerden que por entonces no se comercializaban las cámaras digitales y, por lo tanto, no me fue posible percatarme de que necesitaba una segunda instantánea–. El tapiz en concreto se llamaba The World Trade Center Tapestry (1974), tejido en lana y cáñamo, uno de los tres únicos que Miró creó a lo largo de su carrera.

Joan Miró, The World Trade Center Tapestry, 1974. Foto: Jordi Gomara (Itaca2000)

La primera vez que NY Port Authority propuso a Miró la elaboración de esta obra fue en 1969, aunque el pintor denegó la oferta arguyendo desconocer el arte del tapiz. Sin embargo, ese mismo año, la hija del Miró tuvo un accidente del que afortunadamente se recuperó en el Hospital de la Cruz Roja de Tarragona, lo que desencadenaría una serie de afortunados eventos en la historia del arte español. Como agradecimiento y tras la persistente insistencia de la monjitas que hicieron de enfermeras, Miró aprendió la técnica del tapiz y comenzó a tejer para ese hospital el llamado Tapiz de Tarragona. Una vez aprendido el oficio de maestro tapicero, Miró se puso de nuevo en contacto con el Port Authority de Nueva York y aceptó la oferta inicial de tejer el WTC Tapestry. Años más tarde el catalán realizaría su tercer y último tapiz para la National Gallery of Art de Washington y a partir de entonces, dado el tiempo que consume la creación de un gran tapiz, se negó a hacer ninguno más. En otras palabras, en un solo día y no exactamente de un plumazo, Al Qaeda acabaría con la tercera parte de la producción tapicera de Miró, lo que no es poco. Se trata, sin duda, de una gran pérdida para el arte contemporáneo español.

Sphere for Plaza Fountain, de Fritz Koening, en su primitiva ubicación. Foto: Ace Jackalope (© Greg Holmes)

Una escultura de acero pintado en rojo titulada WTC Stibile, de Alexander Calder, fue recuperada en un 30%, aunque desgraciadamente su restauración aún resulta imposible. Sin embargo y como anécdota más que positiva, una de las grandes piezas públicas contratadas por el Port Authority, la llamada Sphere for Plaza Fountain, de Fritz Koening, la cual ocupaba la plaza central del complejo, logró milagrosamente salir ¨viva¨ del atentado –aunque dañada, los desperfectos fueron fácilmente restaurados–. Curiosamente para nosotros y paradójicamente para quienes llevaron a cabo este ataque contra una población civil, el alemán Koening había diseñado la enorme esfera como símbolo de la paz mundial, el tema central en torno al que en realidad giraba todo el proyecto World Trade Center. O sea, fueron grandes las pérdidas en vidas y en arte, pero jamás acabaron con el corazón, con la idea misma del proyecto. Ahora, la imbatida Sphere for Plaza Fountain aún permanece en pie en una plaza cercana a la Zona Cero, convertida ya en un símbolo para todos aquellos que, inamovibles, aún soñamos y soñaremos con una paz mundial imperecedera, a prueba de bombas y -¿por qué no?- a prueba de aviones, autobuses o trenes cargados de inocentes y no tan inocentes pasajeros.
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9/9/2010

Artistas cordobeses en El Puerto de las Artes

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Redacción / Ars Operandi

Durante estos días, la ciudad de Huelva celebra la 7ª edición del Puerto de las Artes, un ciclo multidisciplinar que aúna exposiciones, intervenciones urbanas y programas formativos relacionados con la nueva cultura visual y sus discursos, que ocupan simultáneamente distintos espacios expositivos y culturales de la ciudad haciendo uso de la diversidad de soportes expresivos actuales. Entre la nómina de artistas participantes en esta edición figuran los cordobeses Rafael Agredano, Miguel Ángel Moreno Carretero, Verónica Ruth Frías, Felipe Gutierrez y Tete Álvarez.

Del 10 de septiembre al 3 de octubre la creación colectiva tomará la Sala Hotel París de la Diputación de Huelva con El hombre sin alternativa, muestra comisariada por Laboratoriodelasartes, un tándem formado por Iván de la Torre y Juan Ramón Rodríguez Mateo, con las obras de artistas andaluces o afincados en Andalucía que girarán en torno a los conceptos de destrucción y conservación del entorno y la realidad en el arte contemporáneo. Entre los artistas seleccionados se encuentran Rafael Agredano, Dionisio González, Jorge Yeregui, Rubén Guerrero, Jacobo Castellano, Karmelo Bermejo, Tete Álvarez, Javier Calleja, María Caro, Jacobo Castellano, Manuel Antonio Domínguez, Lola Guerrera, José Guerrero, Felipe Gutiérrez, Regina De Miguel, Aurora Perea, Antonio Sosa y Áxel Void.

Por otra parte, en la Sala Siglo XXI, gestionada por la Diputación en el Museo de Huelva, y también desde el 10 de septiembre y hasta el 3 de octubre, se ofrece una muestra que aborda el panorama de la práctica creativa vídeo’dj y multimedia conocida en nuestro país como Vjing. Programado en colaboración con Hamaca media & video art, en esta exposición participan artistas como Mia Makela, Delacrew o Zemos 98.

La intervención urbana irá de la mano de una nueva edición de Calle Concepto, una propuesta que el 17 de septiembre reunirá instalaciones, acciones y performances en la calle Concepción y la Plaza de las Monjas, todo ello con una especial participación de artistas y colectivos onubenses y andaluces entre los que se cuentan Manuel Moreno Carretero, Pedro Delgado, Colectivo Paco Pérez, Atlántida Welcome, Pilar Lozano, Colectivo Chichimeca, Verónica Ruth Frías, Salva Walls, Sinfonía 21, Standard Plantz, Música Fundamental o Ploc.

Finalmente, del 27 al 30 de septiembre, tendrá lugar el taller de creación Coge el móvil y corre a cargo de la vídeo-artista sevillana María Cañas. Una propuesta que parte de la reflexión sobre la democratización de los soportes de difusión audiovisual y las nuevas redes para defender la actual noción de videoarte, capaz de comunicar hasta límites y públicos insospechados. El taller se celebrará en la Escuela de Arte León Ortega de la capital onubense y estará abierto a la participación a todos los que quieran experimentar con la creación audiovisual a través de un soporte tan novedoso como el teléfono móvil.
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Arquitectura y memoria por Rafael de La-Hoz

.Rafael de La-Hoz. Foto: Uly Martin

Continuando con el ciclo de conferencias en la Ermita de la Candelaria, organizado por la Fundación Bodegas Campos, el próximo martes día 14, a las 20:30 horas, tendrá lugar la conferencia titulada Arquitectura y memoria, que será pronunciada por el arquitecto Rafael de La-Hoz Castanys.

Nacido en Córdoba en 1955, Rafael de La-Hoz Castanys es arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectos de Madrid y Master M.D.I. por la Universidad Politécnica de Madrid. Autor de innumerables proyectos internacionales, sus trabajos han sido galardonados con numerosos premios. Dirige un estudio especializado en la gestión de encargos corporativos de factura tecnológica, donde trabajan más de una cincuentena de arquitectos. De La-Hoz Castanys es la tercera generación de arquitectos de su familia.

Conferencia de Rafael de La-Hoz Castanys
Arquitectura y memoria

Martes 14 de septiembre, 20:30 h

Ermita de la Candelaria, c/ Candelaria
(Frente Bodegas Campos)
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Hoy se cumplen 74 años del asesinato de Enrique Moreno "El Fenómeno"

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El escultor cordobés Enrique Moreno (1900-1936)

El Fenómeno artístico que Córdoba ocultó al mundo

por Matilde Cabello

Cuando Enrique Moreno El Fenómeno abrió los ojos al mundo faltaban 31 años exactos para la proclamación de la II República. Era el 14 de abril de 1900 y sucedía en el número 103 de la calle Empedrada de Montalbán, en casa del herrero rambleño Francisco Moreno y de Ana Rodríguez, padres ya de dos hijos y de una niña, que crecieron ayudando entre el taller y las peonás del campo, sin más estudio que las reglas de las antiguas "migas" rurales.

Las circunstancias no fueron óbice frente al talento innato del chiquillo, que afloró como un juego, dando forma humana al barro del Cerrillo de la Cruz y de La Rambla, a donde se trasladó la familia y se quedó. Por esta última localidad -cuenta su hijo Antonio- "sintió la atracción irresistible de la tierra. Es decir de su arcilla" y, por esos azares mágicos de la vida, se le ocurrió modelar un retrato del rambleño Alejandro Lerroux, entonces diputado. Y fue un colega del político, Manuel Villalba, quién, admirado ante el hiperrealismo de su obra, auspició su primera beca en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba.

No había cumplido los 15 años; con 20, pudo estudiar en la de Madrid, París y Roma, siempre becado por la Diputación y precedido por la consideración de ser El Fenómeno cordobés que regresaba importando los movimientos más renovadores de Europa, con especial influencia - en opinión de su hijo- del servio Iván Mestrovic y otros maestros rusos. Sin embargo, apunta también, aunque "recibió y asimiló las experiencias innovadoras que se esparcían por Europa, ello no fue obstáculo para que escogiera su propia forma de expresar… ". " Lo llevaba en su carácter, era algo ínsito en su propio ser"; como el no desprendimiento de la tierra donde se hermanó con el barro que lo alió al cubismo y al impresionismo, para derivar en los matices de una obra peculiar, única.

Salvo el grupo escultórico de la Facultad de Medicina de Cádiz, en Córdoba dejó sus bellímos bustos, esculturas, placas y grupos, mutilados luego (por su contenido "erótico", por otros motivos o sin ellos) como las figuras del pontanés Manuel Reina o la de Eduardo Lucena que, con la de Martínez Rúcker y Mateo Inurria, tiene Córdoba. En esta ciudad, fue el artista más popular, querido y brillante de las tertulias del Suizo, La Perla y otros cafés-cantantes adheridos al nostalgiario, en donde compartía amistad e inquietudes con José María Alvariño, Rogelio Luque, Rafael Botí o su alumno, López Obrero, y "fue un verdadero reemisor de los nuevos aires europeos… en una Córdoba demasiado lastrada por una atonía cultural que duraba ya siglos… y aunque la ciudad se protegía dentro de su muralla de repeticiones rutinarias, gracias a los esfuerzos de esta pléyade de jóvenes inconformes empezó a ver más allá y a pensar en el mundo exterior", mientras la dejaron.

La palabra y lucidez de aquel rambleño de Montalbán encandilaban por igual a Lorca o Vázquez Díaz; a Eugenio D'Ors o a Ortega, inquilino del chalet que Manolete puso a su madre. Lector infatigable de poesía, novela, ensayo o teatro europeos, así como del pensamiento de filósofos como Maritain o Kierkegard, atesoró un bagaje cultural autodidacta; leyendo y traduciendo impecablemente catalán, francés e italiano. Fenómeno como escultor, no le fue a la zaga su faceta de profesor en la Escuela de Arte o en La Normal, ni como pintor, caricaturista, dibujante, columnista, poeta o escritor, obteniendo diversos premios de poesía, teatro, cuento, novela corta e, incluso, por su peculiar guía turística de 1931.

Para entonces, estaba casado con doña Amalia Ladrón de Guevara, la maestra de La Maternal, una joven culta y acomodada que, asfixiada en su pueblo aragonés, estudió en Zaragoza y, tras opositar, recaló en Córdoba. Tuvieron cuatro hijos: Enrique, Francisco, Manuel y Antonio, memorista de la vida y la obra de El Fenómeno pronta a editarse, y testigo, a los 3 años, del traslado al chalet de un amigo, en El Brillante: Granito de Oro. El 8 de septiembre de 1936, vio llegar a un emisario de Cascajo; un aspirante a pintor, Ricardo Anaya, autor en los 20 años posteriores de carteles de feria y toros locales. "Le conocía y le tuteó por primera vez en su vida diciéndole: amigo Enrique, ven conmigo a una cosa de rutina, ya sabe cómo está todo, y quieren que testifiques en algo…". Al día siguiente, cuando su hijo Enrique (muerto de tuberculosis en el 40) llegó al Alcázar, recibió la conocida respuesta: "Ya no necesita nada".

El marmolista y amigo Obdulio Blanco lo encontró en el montón de aquel amanecer, junto a La Salud; lo separó del grupo y le puso un cartel: "La familia se hará cargo de sepultar este cadáver". Sobre la tumba, las manos de su propio padre y del bueno de Obdulio pusieron su nombre, la fecha de nacimiento y la del crimen, pues se negó doña Amalia a reprimir palabras y gestos de dolor, como imponía el nuevo orden.

Aquel fatídico 9 de septiembre cinco cordobeses firmaban en la página 9 de La Voz por una suscripción y homenaje a Cascajo "por su gesto heroico y providencial…", artífice también del largo silencio que se cernió sobre El Fenómeno cordobés y universal.

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Publicado originalmente en El Día de Córdoba

7/9/2010

Manmaku, de Hisae Yanase

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Manmaku es el título del proyecto que la artista cordobesa nacida en Japón Hisae Yanase ha realizado durante los primeros días de septiembre en el Parque Escultórico/Sculture Garden situado en el Campus de Ponferrada de la Universidad de León. De edición anual, las intervenciones en el proyecto Parque Escultórico/Sculture Garden se incluyen dentro del land art o arte de la construcción-modificación del paisaje, el enviromental art o arte ambiental y el Wabi-sabi. Arte ambiental es un término usado generalmente en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o de medio ambiente, evidenciando la fragilidad de la naturaleza, investigando fenómenos naturales, usando materiales naturales y no contribuyendo a la degradación medioambiental. Por su parte, el Wabi-sabi es un término estético japonés intraducible que describe a objetos o ambientes caracterizados por su simplicidad y rusticidad, una suerte de minimalismo orgánico.

Para titular la intervención que ha realizado en esta edición, Hisae Yanase ha utilizado el término japonés Manmaku, que da nombre a la acción de acotar un espacio en la naturaleza con tela, a modo de arquitectura efímera, temporal y portátil. El espacio adquiere así intimidad para realizar actividades, como observar las flores de los cerezos, tomar té, escuchar música o conversar relajadamente. Sobre la tela suelen aparecer símbolos o emblemas del clan o familia.

Hisae ha dotado a Manmaku de una carga crítica y menos bucólica, pintando sobre las telas un emblema con cuervos como protagonistas. En el interior, la artista ha depositado una serie de objetos, los que este ave encuentra en su entorno, actualmente basura, una denuncia de la continua degradación a la que se ven sometidos los espacios naturales.

Las intervenciones de los artistas se han complementado con diversas conferencias y jornadas de estudio en las que han participado. El proyecto Parque Escultórico/Sculture Garden ha contado con la participación y apoyo de importantes figuras del arte contemporáneo tanto del ámbito nacional como internacional, una relación de nombres que incluye a Equipo Arrels, Ana Jiménez, Vicente Pastor, Marcos Miguelez, Iesaka Ruriko (Japón), Wali Hawes (India), Gullu Sen (India), Italo Chiodi (Italia), e Hisae Yanase. La idea central del Parque Escultórico/Sculture Garden es conseguir la convergencia entre las estéticas occidentales y orientales, fomentando un lugar de convivencia, reflexión y experimentación sobre las diferentes maneras de concebir el arte en nuestro planeta.
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Aniversario de Antonio Povedano

.Antonio Povedano ante la calle que le fue dedicada en El Cañuelo (Priego de Córdoba)

Hoy se cumplen dos años del fallecimiento del añorado maestro Antonio Povedano Bermúdez, figura fundamental en las artes plásticas cordobesas en la segunda mitad del pasado siglo, cuya aportación a la cultura fue extraordinaria, tanto por su creación artística como por su prolongada dedicación a la enseñanza. Desde Ars Operandi recordamos a tan entrañable persona y honramos su memoria.
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4/9/2010

Avance de temporada

. Takashi Murakami ante su obra Hiropon

Se inicia la temporada expositiva en Córdoba para el curso 2010-2011, con interesantes novedades en el panorama de las artes plásticas en nuestra ciudad. En lo que respecta a las instituciones, el Ayuntamiento prosigue con el programa Cultura en Red, que sigue funcionando de forma ininterrumpida. En fechas próximas se presentará por parte de Miguel Gómez Losada el catálogo de la intervención en Orive El jardín de la inocencia. La Bienal de Fotografía, que debería haberse llevado a cabo durante el presente año en su XII edición, se retrasará hasta la última semana de enero de 2011, por necesarios ajustes presupuestarios. En cuanto a la exposición de Juan Serrano inaugurada en el pasado mes de abril en el Casino de la Exposición de Sevilla, cuya exhibición en Córdoba está prevista, no hay aún fecha determinada.

Por su parte, la Sala Vimcorsa traerá a nuestra ciudad una muestra dedicada al artista japonés Takashi Murakami, de quien se mostrarán 22 litografías así como cuatro vitrinas en las que se contienen 29 múltiples de pequeño formato. Diversos documentales y entrevistas profundizarán en la obra de este artista, que se halla encumbrado en estos momentos como uno de los nombres fundamentales en el arte del siglo XXI, traspasando las galerías y museos para entrar en el campo del diseño, la moda y otras formas de consumo de la cultura de masas. Su inauguración está prevista para el 15 del corriente.

La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí presenta, en primer lugar, la muestra titulada Ángel López Obrero en el centenario de su nacimiento (1910-1992), una exposición comisariada por Isabel García que reúne de forma antológica una completa selección de obras de uno de los nombres fundamentales del arte cordobés del siglo XX. Tras esta muestra, que se inaugurará el próximo día 15, comenzará la programación de la Sala Puertanueva, que lo hará con la muestra titulada Océano Digital. Comisariada por Javier Flores, constará de una amplia selección de obras con la videocreación y la animación digital como protagonistas, en la que artistas cubanos y cordobeses mostrarán sus diferentes visiones artísticas. Asimismo los artistas intercambiarán experiencias en una jornada abierta a un público participativo en fecha que oportunamente anunciaremos. Los artistas seleccionados son los siguientes: por parte de Cuba, Juan Carlos Alom, Fernando Rodríguez, Sandra Ramos, Duvier del Dago, Ernesto Leal y Luis Gárciga, mientras que los cordobeses son Daniel Palacios, Manolo Bautista, Verónica Ruth Frías, Juan López, Ángel García Roldán y Miguel Soler.

En lo que respecta a las galerías privadas, Clave tiene previsto continuar con la exitosa exposición de Marc Sijan hasta el 25 de septiembre, fecha en que la muestra se trasladará a Portugal. Tras un pequeño paréntesis, la temporada comenzará para Clave a mediados de octubre con la exposición dedicada al escultor Óscar Salmerón, quien presentará una particular obra escultórica, dentro del campo de la figuración en el que la galería murciano-cordobesa se ha especializado.

Óscar Salmerón, Bautista, 2008

Por su parte, Arte21 inaugurará el próximo día 30 una exposición dedicada al logroñés José Carlos Balanza, artista que ya ha trabajado previemente con la galería cordobesa y que mostará una ampliación del trabajo presentado recientemente en el Museo Würth de La Rioja, en el que ha trabajado materiales como el acero, el cristal y la pizarra en una síntesis de elementos naturales e industriales. Posteriormente, diciembre será el mes en que Arte21 mostrará la colectiva Córdoba Contemporánea, un proyecto de difusión intinerante en el que están presentes los cordobeses Hisae Yanase, Nieves Galiot, Jacinto Lara, Paco Salido, Juanjo Caro, José Luis Muñoz, Hashim Cabrera, Javier Flores, José Mª García Parody, Rafael Navarro y Antonio I. González junto a Pilar Molinos, Cristina Cañamero y Marcel Bohumil del que ya dimos cuenta en su momento. Por último, anotar de la sala dirigida por Antonio Jiménez que será espacio expositivo colaborador en la XII Bienal de Fotografía, la cual se llevará a cabo en la última semana de enero, como hemos señalado anteriormente.

La galería Studio 52 comenzará su temporada con una exposición dedicada al pintor Juan Cantabrana en la que mostrará una veintena de lienzos, tras de la que están previstas sendas exposiciones a cargo de Castillero, Rafael Caballano y Fernando Herrera.

Carmen del Campo trae a nuestra ciudad a partir del 6 de octubre obra gráfica del artista malagueño Enrique Brinkmann, del que podremos ver diversas obras en otros tantos formatos y técnicas, en una exposición que se presenta como de gran interés para los aficionados. Mientras, se puede contemplar una muestra del fondo de galería, con artistas como Isidre Sabater, Ángeles Alcántara, Miguel Gómez Losada, Antonio Bujalance, Rita Rutkowski, Juanma Pérez, María Ortega o Rafael Martorell, entre otros.

Por último, que no los últimos, la sala Aires ha comenzado ya la temporada con el 8º Certamen Internacional de Artes Plásticas Aires de Córdoba, tras de lo que está prevista la exposición de las jóvenes artistas cordobesas Nazaret Castro y Almudena Castillero. Octubre será el mes para el gallego Gonzalo Suárez y de la pintora madrileña Susana Ragel. Como colofón, la galería Carlos Bermúdez, que se halla de reforma, aún no ha cerrado la programación, mientras que la galería Lucor, que abrió sus puertas en abril, se ha visto abocada a cerrarlas.
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3/9/2010

La vida no habita más la vida. Fallece el crítico José Luis Brea

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José Luis Brea.
Foto: Graciela Calabrese

José Luis Brea, profesor de Estética y Teoría de Arte Contemporáneo de la Universidad Carlos III de Madrid y uno de los referentes de la teoría y la crítica de arte del panorama artístico español, falleció ayer, 2 de septiembre. Director de las revistas Acción Paralela, Estudios Visuales y de los website w3art, Aleph y salonKritik, pionera ésta de la crítica de arte online, dedicó su vida también a la investigación, materializada en más de decena de ensayos entre los que destacan Las áureas frías (1991, finalista del premio de ensayo Anagrama), Un ruido secreto, El arte en la era póstuma de la cultura (1996), La era posmedia (2002), El tercer umbral (2003) y Las 3 eras de la imagen: imagen-materia, film, e-image, publicado hace unos meses y centrado en uno de sus mayores intereses de investigación: el análisis de modelos de producción, distribución y recepción de imágenes.

Corresponsal en nuestro país de las revistas Artforum y Flash Art y cabeza pensante de muchos de los debates de foros los habituales de ARCO o CENDEAC, fue también comisario de importantes exposiciones y sin duda el principal teórico de la cultura digital en nuestro país.

En nuestra ciudad, en Córdoba, Brea participó en el año 2000 en las Jornadas de Arte Contemporáneo organizadas por Pérez Villén Las artes plásticas en el cambio de siglo. Brea intervino el segundo día –hablando sobre La crítica de arte : sintomatología de una crisis- y en el programa compartió espacio con Rogelio López Cuenca, la galerista Elba Benítez, Manel Clot, Juan Vicente Aliaga e Iván de la Nuez, director de exposiciones del Palau de la Virreina. Más recientemente, en 2005, participó con una ponencia en el foro internacional Un espacio para el nuevo Arte, que sirvió de gestación para alumbrar el futuro C4, proyecto éste por el que siempre manifestó un gran interés.

A modo de anuncio de su despedida, Brea publicó el martes en salonKritik un texto titulado Los últimos días que ya sirviera de introducción a la exposición del mismo nombre organizada por el autor en las Salas de Exposiciones del Teatro de la Maestranza en 1992: "Los últimos días: sólo la pasión del tránsito, del salto al vacío, a un más alla sin dibujo... Y el adiós a promesas y consuelos, a nostalgias y embadurnes, a bálsamos y tibiedades. La vida no habita más la vida."

Desde Ars Operandi lamentamos la pérdida de una figura que marcó una profunda huella en todos aquellos que le conocimos. Que la tierra le sea leve.
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1/9/2010

Movilidad Creativa en el Albergue Juvenil

.Del 11 al 25 de septiembre se llevará a cabo en Córdoba el proyecto Movilidad Creativa del REAJ (Red Española de Albergues Juveniles), una serie de estancias creativas para jóvenes artistas en distintos albergues del territorio nacional. En las ciudades elegidas se desarrolla un proyecto de creación in situ de carácter multidisciplinar y colaborativo. Con las ideas y aportaciones de los diez artistas seleccionados para cada ciudad, se define una obra que integra los lenguajes y disciplinas de cada uno de los creadores. Los artistas cuentan con quince días de estancia en la ciudad seleccionada para la ejecución del proyecto.

Se trata de una iniciativa con un presupuesto elevado ya que el proyecto cuenta con un presupuesto de producción de 7.500 euros para cada ciudad seleccionada. Asimismo REAJ asume el coste del desplazamiento, alojamiento y manutención de cada uno de los artistas seleccionados. El número total de artistas es de cincuenta, que ya han intervenido en Zaragoza, la primera ciudad seleccionada, del 14 al 28 de mayo, y en Miranda de Ebro, del 11 al 25 de junio. La próxima ciudad donde se desarrollará el proyecto es Córdoba.

Los artistas seleccionados para la estancia en Córdoba son Sandra Montero Conejero, Luis Javier Lora Salas, Alexandre Montourcy, María Jiménez Moreno, Fermín Jiménez Landa, Adriana Reche García, Mayte Vélaz Sancha, Noel Pérez Fungueiriño y Nerea de Diego Murillo. Los artistas fueron seleccionados tras enviar un dossier artístico junto al currículum.
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Nueva cabecera: Isaí Moreno

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Saludamos a nuestros lectores tras el paréntesis vacacional y presentamos en este primero de septiembre la nueva cabecera de Ars Operandi, una aportación del fotógrafo y escritor mexicano Isaí Moreno, basada en una fotografía tomada a la escultura Eros y Psique, de Canova (Museo del Louvre).

Nacido en Ciudad de México, Isaí Moreno ha publicado dos novelas: Pisot (Ed. Lectorum, Premio Juan Rulfo a Primera Novela en 1999) y Adicción (2004, Ed. Planeta-Joaquín Mortiz), así como diversos cuentos en obras conjuntas. Tiene en proceso de revisión el libro de cuentos Café Sarajevo, además de las novelas El libro de la destrucción y Orange Road. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del Conaculta y colaborador de diarios y revistas nacionales como La Jornada y Nexos. En el campo de la fotografía ha realizado diversas exposiciones en México. Asimismo, sus fotos han ilustrado libros, revistas y carteles publicitarios. Agradecemos cordialmente a nuestro querido amigo Isaí su amable colaboración, que hace la cuadragésimo primera en nuestra colección.
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