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30/10/2010

Páginas de barro: Palabras

Alberto Andrés, Te prometo... (proyecto Carne Cruda), gres, esmalte y grafito

José Álvarez / Ars Operandi



La palabra es mitad de quien la pronuncia, mitad de quien la escucha
Michel de Montaigne (1533-1592)

Esmaltes, texturas, bizcochos, engobes, cocciones, celedones, reducciones, lustres, craquelados, barbotinas, chamotas, porosidades… Las palabras que conforman el vocabulario de la cerámica como técnica, que conocen los que trabajan en esta disciplina, tan vieja como la humanidad, serían, si seguimos la cita de Montaigne, la mitad de un todo que solo se completa cuando la pieza cerámica, ya realizada, llega por primera vez a los ojos (o a las manos) del espectador. Las sonoras palabras de este glosario cerámico, circunscritas al trabajo del taller y del horno, modelan, desde su cualidad de símbolos de la idea, el deseo comunicativo de los artistas contemporáneos que optan por la técnica cerámica como disciplina artística en un plano de igualdad a las demás tecnologías.

Córdoba ha apostado, desde hace décadas, por el apoyo a la creación cerámica contemporánea, que se desliga de la anticuada concepción del medio como una modalidad creativa circunscrita a lo artesanal y a un funcionamiento utilitario de la pieza. Las Exposiciones Internacionales de Cerámica promovidas por la Delegación de Cultura del Ayuntamiento, o las sucesivas y fructíferas ediciones de la Beca Alfonso Ariza de La Rambla, que situó a la revista Conbarro como un referente en la cerámica contemporánea son una buena muestra de ello. La apuesta ha continuado y Palabras, la tercera edición del proyecto Páginas de Barro, que aquí presentamos, se concreta en una muestra que trae a la Sala Galatea las obras de tres de los más importantes artistas cerámicos del panorama europeo: Alberto Andrés, Antonio I. González y Gabriella Sacchi.

Páginas de barro, un proyecto concebido como vehículo de difusión e investigación en torno a la cerámica artística contemporánea, parte del libro como metáfora de la portabilidad en la transmisión de ideas, de mensajes o de experiencias. El ser del libro como objeto, como pieza transformable y divisible en páginas o cubiertas, permite a Páginas de Barro una enorme amplitud de miras en la selección de los trabajos destinados a las exposiciones que se vienen celebrando en nuestra ciudad desde 2008.

Mirco Denicolò, quien inauguró el ciclo con una exposición titulada L’altro lato di cosa?, dedicada a la Alicia de Lewis Carroll, eligió la recreación en imágenes del famoso cuento victoriano, usando para ello unos inusuales soportes de cerámica esgrafiada y vidriada donde reflejó sus particulares visiones del relato, en una estética expresionista cuya cercanía con el cómic y la ilustración actual mostraba la evidencia de que el arte trasciende el material con el que se trabaja y, a la vez, el hecho de que la creación cerámica contemporánea implica el dominio absoluto de los elementos al servicio de un mensaje coherente y de plena vigencia.

De este modo, Terra Libris, la segunda edición de Páginas de Barro, se encargó de mostrar al público las infinitas posibilidades que permite el trabajo con la arcilla y cómo la experimentación se inserta con normalidad en un discurso que puede adquirir tanto las prerrogativas usualmente asociadas a la pintura, como a la escultura o a la instalación. Así, Alberto Hernández, con sus pictogramas y relieves cuasialfabéticos de corte informalista, Rafa Pérez, con sus sorprendentes piezas de arcilla expandida y ahuecada a modo de libro abierto, y Daniel Caxigueiro, quien nos mostró en sus epigrafías y libros fosilizados un mensaje estéticamente comprometido, utilizaron para Terra Libris la metáfora libresca adecuada a sus necesidades expresivas.

Tras la imagen, protagonista de la primera edición, y el libro y sus páginas, eje de la segunda, la Sala Galatea acoge en esta ocasión Palabras, un título que simboliza, asociado a la muestra, las posibilidades que ofrece la palabra como metáfora del intercambio de pensamientos.

Siguiendo esta línea, la palabra en Palabras, no está demarcada por criterios gramaticales ni formales, sino semánticos. Esta equivalencia de la palabra transmutada en obra plástica permite al artista un universo expresivo que aúna en un mismo plano morfologíael análisis de la estructura de la palabray sintaxis. En este sentido, podemos efectuar en las obras que conforman Palabras un análisis morfológico acercándonos a la estructura de las piezas, de gran complejidad y de innovadora presentación, así como a la sintaxis o coordinación utilizada para articular el discurso de cada una de ellas. Muchas, como palabras inconexas, solo logran significarse mediante secuencia ordenada junto a otras, a modo de frases, transformadas en unas obras que se cohesionan en su propia multiplicidad. Otras, como palabras sueltas, categóricas, definitivas, se erigen en su individualidad con la fuerza de una interjección, sonora, rotunda y poderosa.

Antonio I. González, Cuadernos borradores I y II, porcelánico, óxidos metálicos y engobes

Alberto Andrés (Palma de Mallorca, 1968), trabaja desde hace años con la palabra como punto de partida para el desarrollo posterior de la obra. En 2004 el artista presentó en la muestra Huellas recogidas una propuesta consistente en piezas de cerámica serigrafiadas que se sitúan sobre fotografías de gran formato, mostrando cada pieza una reproducción del fragmento de fotografía que se encuentra debajo, a la misma escala. De aquí parte la obra titulada Be a star, un mensaje que apareció hace unos años adornando la parte trasera de los pantalones de una determinada marca, muy perspicaces en la utilización de tan atractivo soporte. El primitivo Be a star genera You can be a star y combina así el posibilismo del you can con el imperativo be, como parte de una obra múltiple en la que se pone de manifiesto la agresividad de los mensajes consumistas.

Tanto Slow- fast como Nube-cloud, obras ambas de 2005, juegan con las palabras, las combinaciones de estas o su deconstrucción, como en el caso de Nube-cloud. Por su parte, Slow-fast añade palabras que varían en una sola de sus letras como love, live, word y world y las combina con figuras –la tortuga y el avión- que representan conceptos antagónicos como lento y rápido.

La aportación de Alberto Andrés a la muestra se completa con una selección de obras de la serie Carne cruda, un proyecto que surge a través de la transformación de un viejo edificio dedicado al despiece de reses y comercio de productos cárnicos, situado en el antiguo barrio del artista, y que hoy, irónicamente, se ha transmutado en prostíbulo. Al nuevo comercio de la carne alude el título de la serie y sus piezas, donde los carnosos labios rojos, de un latente erotismo, sirven de soporte a las fatuas palabras deslizadas entre los gozos: yo siempre te querré

Cuadernos borradores, de Antonio I. González (Montilla, Córdoba, 1961), se inspiran en la obra del poeta sueco Tomas Tranströmer, quien en 1990 sufrió un ictus cerebral que afectó su capacidad de hablar, y poco a poco le ha llevado incluso a perder su capacidad sintáctica, quedándole tan sólo la capacidad de comunicarse mediante palabras escritas. Su obra poética, basada en la experiencia personal, parte de las imágenes para, transformadas en versos, interpretar el propio entorno y la mente humana mediante el uso de la psicología, disciplina a la que se dedicó profesionalmente durante años. La inspiración para la serie Cuadernos borradores proviene del poema titulado De marzo del 79, perteneciente a su poemario La plaza salvaje (Det vilda torget, 1983):

Cansado de todos los que llegan con palabras, palabras, pero no lenguaje.
Parto hacia la isla cubierta de nieve.
Lo salvaje no tiene palabras.
¡Las páginas no escritas se ensanchan en todas direcciones!
Me encuentro con huellas de pezuñas de corzo en la nieve.
Lenguaje, pero no palabras.

El tríptico Cuadernos borradores, en su contenido conceptual, se inspira de forma directa en este poema, mientras que en el aspecto técnico, la novedosa utilización de los soportes porcelánicos permite a Antonio I. González disponer de una límpida superficie para sus composiciones. Geometría y escritura están presentes en piezas como Lenguaje o Palabras, las cuales nos desvelan un acabado pictórico, pleno de texturas, en las que los esmaltes resbalan, se mezclan, funden y craquelan respetando los espacios acotados por el artista. Una abstracción formal, dominada por los ritmos, que fusiona suavemente en los distintos campos de color lírica y pintura, una pintura expresiva y poética.

De distinto modo ha concebido Antonio I. González las demás obras seleccionadas para esta muestra, en las que el artista elude la representación gráfica de la palabra, por la imposibilidad de transmisión de determinados lenguajes por medio de los códigos escritos. Las obras, pertenecientes a las series Postales, A rayas y Sin palabras, nos muestran una faceta más escultórica de Antonio I. González, en la que sus geometrías se ensanchan tridimensionalmente, en un complejo equilibrio entre cromatismo y la presencia de la huella superficial, característica de la plástica del artista.

La obra de Gabriella Sacchi (Milán, Italia, 1951), posee un carácter narrativo patente en sus piezas a través no sólo de la palabra escrita, sino de su propia morfología. Los eternos temas que han movido a la humanidad, como el amor, las diferencias de género, las migraciones o la búsqueda de la libertad, están presentes en las cerámicas de Gabriella Sacchi, quien se sirve de personajes arquetípicos como Penélope y Ulises para desarrollar un personal discurso, reivindicativo y lleno de sensibilidad, visible en obras como Bambini migranti.

Sacchi plantea un elaborado modo expresivo que une escritura e imagen, fusionando las ideas a través de un universo de formas, en el que lo figurativo se asocia a una importante carga conceptual. La artista manifiesta a través de su obra un claro interés por el mundo de la comunicación entre los individuos, expresando a través de sus instalaciones unos mensajes en los que el poder de la palabra escrita se une a la claridad de la metáfora en imágenes. Gabriella Sacchi une en su trabajo un incesante y continuado interés por el conocimiento técnico, visible en la calidad del acabado de las piezas, con una profunda actitud reflexiva.

Gabriella Sacchi, Febbraio 1970 / Aprile 1074, (Leggere il tempo), terracota, gres y engobes

Piezas como Lettera per te, Parole d’amore o In sogno ti ho scritto, nos hablan del interés que siente Gabriella Sacchi por las relaciones humanas a través de la escritura, la relación epistolar, manuscrita, llena de las particularidades de cada uno, un reducto de personalidad entre la globalización uniformada de los SMS y los correos-e. La artista, en sus escritos, reconoce el vivo interés que le produce el estudio de este tipo de correspondencia entre personas, y no sólo las palabras escritas, sino “también el tipo de papel, la caligrafía personal, la paginación del escrito, la presencia de errores, borrones, dibujos y símbolos”, huellas que testimonian la personalidad de quien escribe. En sus obras, en sus instalaciones, inserta parte de la correspondencia manuscrita de la que no está dispuesta a prescindir, a la vez que asume como propios mensajes de amor ajenos, en la seguridad de que “el sentimiento del amor, es, indudablemente, el que más cautiva a todas las culturas, en todas las épocas y en todos los lugares”, segura de que tan universal emoción, mediante sus obras como vehículo, ejercerá una clara identificación entre el mensaje epistolar y el espectador.

La exposición Páginas de barro: Palabras se inaugurará en la Sala Galatea el próximo día 4 de noviembre


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Hoy, 30 de octubre de 2010, se cumplen 100 años del nacimiento de Miguel Hernández Gilabert

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Orihuela, 30 de octubre de 1910 – Alicante, 28 de marzo de 1942

29/10/2010

Dora ‘La Cordobesa’ llega a Sotheby’s de la mano de Romero de Torres

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por Magdalena Madueño

 














Sotheby’s ha vuelto a incluir la belleza arquetípica de la mujer cordobesa que instauró Julio Romero de Torres en la subasta anual de pintura española del XIX, que se celebrará en Londres el 23 de noviembre. En esta ocasión sale a la venta la obra Dora ‘La Cordobesa’ (93 x 60 cm.), realizada en óleo y temple sobre papel, con un precio estimado de entre 34.000 y 57.000 €.

Originalmente fue un encargo para ser vendido en una corrida de toros benéfica celebrada en Alcalá de Henares. Allí la compró el torero Fernando Claridades Gillis, quien la vendió a la Galería José R. Ortega de Madrid. En 1995 ésta hizo lo propio con el actual propietario.

La obra nos muestra la admiración que sentía Romero de Torres hacia su paisana, la famosa cantante de cuplés Dolores Castro Ruiz (1902-1965), conocida como Dora La Cordobesita o La Niña Esta aparece sentada mirando al espectador mientras sujeta una guitarra. El fondo de color verde es indefinido, permitiendo así que resalte la silueta de la modelo, ataviada por un sombrero típico cordobés y un vestido que se ajusta a su cuerpo de manera sugerente.

Pintada en el punto más álgido de su carrera como tonadillera, triunfando con su espectáculo en el Teatro Romea de Madrid, este es uno de los tres retratos que se conocen de Dora realizados por Julio Romero, aparte de A la espalda de una guitarra y la publicidad para el Anís La Cordobesa, ligeramente parecido a la obra que se subasta en Londres.

La Niña formaba parte de esa corte de modelos que rodearon a la figura del pintor. Cupletistas, actrices y mujeres de los barrios más castizos de Córdoba, así como mujeres de la alta sociedad madrileña posaron para él.

 Joaquín Sorolla, Pescador

Romero de Torres no es el único artista español que se dará cita en esta subasta, ya que también salen a la venta obras de Joaquín Sorolla –su Pescador (1904) saldrá con un precio estimado entre dos y tres millones de euros–, Joaquín Mir, Ignacio Zuloaga, Santiago Rusiñol, José María Sert, Joaquín Peinado, Isidre Nonell y Cecilio Plá, entre otros.

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El arqueólogo Alberto Montejo presenta la "Pieza del mes" en el Museo Arqueológico

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El domingo 31 de octubre, a las 13:00 horas, en la Sala del Alcaide del Museo Arqueológico de Córdoba, se verificará el acto correspondiente a la presentación de la Pieza del mes, que el museo cordobés viene realizando de forma continuada desde hace más de diez años.

En el presente de 2010, las piezas elegidas han sido las seleccionadas para ser restauradas a propósito de su próxima exhibición en las salas de la ampliación del museo.

La presentación del domingo será llevada a cabo por el arqueólogo Alberto Montejo Córdoba, quien disertará sobre una serie de piezas arquitectónicas singulares halladas en los arrabales occidentales de época islámica.

Pieza del mes
Sala del Alcaide
Domingo 31 de octubre, 13:00 h
Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba
Plaza Jerónimo Páez 7
14003 Córdoba

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27/10/2010

El Centro Pepe Espaliú abre sus puertas

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Aspecto de la escultura Carrying IV situada en la calle Rey Heredia
Foto: Ars Operandi

El Centro de Arte Pepe Espaliú muestra por primera vez al público su sede en la calle Rey Heredia de nuestra capital el jueves 28 de octubre, en una jornada de puertas abiertas que tendrá lugar a partir de las 20:00 horas. El edificio, colindante con la sede de Vimcorsa, ha sido rehabilitado con casi 400.000 euros procedentes del Fondo Estatal de Inversión Local.

El centro pretende aunar en una misma sede tanto un centro de documentación sobre arte y arquitectura contemporánea como un archivo de arte y arquitectura de la ciudad, y contará con un gabinete pedagógico y un área de difusión. El centro de documentación constituirá el primer núcleo del proyecto y albergará un espacio de consulta para investigadores y público en general que contendrá documentos, publicaciones y archivos sobre arte y arquitectura contemporánea. El archivo de arte y arquitectura de la ciudad, por su parte, abordará la producción de contenidos y la investigación sobre temáticas relacionadas con el arte y la arquitectura contemporánea en Córdoba. Dentro de este apartado es donde se incluirá la colección y parte del archivo personal del artista.

El conjunto de obras de Pepe Espaliú, adquirido por el Ayuntamiento en febrero de 2008, comprende un total de 32 obras realizadas entre los años 1986 y 1993. Se trata de 12 pinturas, nueve dibujos y once esculturas, adquiridas por un importe de 240.000 euros. A este conjunto de obras, hay que añadir dos pinturas realizadas en el año 1985 por el artista que Vimcorsa adquirió en 2005 y una pintura de 1987, propiedad del Ayuntamiento. La última incorporación de la colección se ha realizado gracias a una donación el extinto colectivo CONVHIDA y se trata de un dibujo realizado en 1992.

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Pintura y poesía en el recuerdo a Miguel Hernández

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 El jueves 28 de octubre, la Fundación Antonio Gala acoge el homenaje a Miguel Hernández que se le tributa desde la cordobesa editorial El Páramo, quienes presentarán el libro titulado Miguel Hernández. La voz de la herida, original de David Becerra Mayor y Antonio J. Antón Fernández, acto que será presentado por los autores junto a los editores, y en el que Antonio Suárez Cabello recitará poemas del recordado poeta de Orihuela, de quien el 30 de octubre se celebrará el centenario de su nacimiento.
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En el mismo acto se inaugurará la exposición 100 Aniversario del nacimiento. Miguel Hernández, en la que el pintor y editor cordobés Ricardo González Mestre presentará sus nuevas creaciones, en las que une pintura y poesía de Hernández como eje argumental, en unas obras en las que están presentes, a modo de collage pictórico, espigas, aceitunas, tierra y paja entre otras texturas asociadas al universo poético de Miguel Hernández.


Miguel Hernández. Homenaje
Inauguración de exposición, presentación de libro y recital poético
Jueves 28 de octubre, 20:00 h
Fundación Antonio Gala
C/ Ambrosio de Morales 20, Córdoba

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25/10/2010

El IAPH, premiado en la Bienal Internacional de Cine Científico de Ronda

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La cinta Ecología de la muerte, producida por el Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico y realizada por la productora andaluza Acajú Comunicación Ambiental, ha recogido el "Premio del Área de Investigación" de la XXVI edición de la Bienal Internacional de Cine Científico de Ronda, el certamen de cine científico decano en España y referente nacional e internacional en el mundo de las ciencias y la producción audiovisual.

A partir de los trabajos del Laboratorio de Paleobiología del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico, entidad de investigación de la Consejería de Cultura, la cinta refuerza los trabajos para conocer la historia natural y cultural de nuestros antepasados a través del estudio científico del material procedente de las intervenciones arqueológicas, como huesos, conchas, fósiles y cuanto material orgánico del pasado se haya conservado hasta el presente. La investigación permite también reconstruir los recursos naturales de otros tiempos y su uso en las sociedades.

Con una duración de 12 minutos, el audiovisual está rodado en localizaciones de Doñana, el Valle de Alcudia (Ciudad Real), el Parque Natural Sierra Norte de Sevilla y los Montes de Toledo. El video también ha participado en la sección oficial del certamen Vedere la Scienza Festival de Milán y el Estambul Çevre Film Festivali, que apuestan por la divulgación de la ciencia a través del cine.

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22/10/2010

Cello + Laptop


Cello + Laptop nace a principios de este año después de varias improvisaciones realizadas a partir de un diálogo entre la música electrónica y el violonchelo. Es decir, un diálogo entre la música clásica de corte minimalista y la electrónica de experimentación.

Lo que en una primera aproximación fue un juego estético derivó hacia una formación musical en donde Sara Galán y Edu Comelles dan rienda suelta buscando nuevas sonoridades, texturas y composiciones a partir de la superposición de capas de sonido provenientes de la clásica sonoridad del violonchelo y la electrónica ambiental minimalista. Después de varios conciertos en Valencia y Madrid, Cello+Laptop se encuentran en pleno proceso de grabación de su primer álbum previsto para el 2011. Su trabajo se ha podido escuchar en Radio 3 y demás plataformas digitales de difusión de la música experimental. Cello+Laptop será el colofón a la presentación del proyecto Aptitudes 2010.

Torreón del Castillo, La Rambla, Córdoba
Viernes 22 octubre, 22:30 h


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Esculpir el espacio público. Marlon de Azambuja en Aptitudes 2010

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Intervención de Marlon de Azambuja en Madrid

«Un intento por constituir una manera de repensar y relacionarnos con las ciudades». Por medio de intervenciones efímeras, Marlon de Azambuja quiere resaltar algunas características de piezas del urbanismo rambleño, sugiriendo volúmenes, ángulos, subvirtiendo sus funciones originales, estableciendo conexiones con otros medios, buscando ampliar los diálogos y las experiencias posibles entre el espectador y su entorno.

Proceso de trabajo en La Rambla. Foto: Ars Operandi

Marlon envuelve de manera similar elementos arquitectónicos o de mobiliario urbano, con cinta adhesiva de colores. Al hacerlo, subraya huecos y crea volúmenes que sólo implícitamente ya existían. Otra idea que plantean sus acciones es la de dibujar en el espacio, con variantes procesuales. De Azambuja confiesa su admiración por los artistas del movimiento neo-concreto brasileño, y en particular por Hélio Oiticica, pero también por coetáneos como el portugués Carlos Bunga o el cubano Carlos Garaicoa. Las intervenciones urbanas del brasileño carecen del carácter institucional que determinan las obras más ambiciosas de Christo; al contrario, gusta de la clandestinidad y de pasar relativamente inadvertido, y se enmarca en un tipo de acción artística que aspira menos a lo espectacular que a la llamada de atención sobre determinadas líneas, planos, volúmenes del entorno cotidiano y sobre nuestras relaciones, visuales y corporales, con los mismos.

Plaza del Mercado
La Rambla, Córdoba
A partir del 22 octubre

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21/10/2010

Pinturas de Manuel Castillero en Studio 52


El viernes 22 de octubre, la galería Studio 52-Juan Bernier, presenta la exposición Pinturas, original de Manuel Castillero (1976), en la que el artista mostrará una selección de obras de corte figurativo con el paisaje cordobés como protagonista. Formado en la Escuela de Artes y Oficios de nuestra ciudad, Castillero ha realizado  posteriores estudios junto a pintores como Antonio Povedano o Cristóbal Gabarrón. Ha expuesto en diversas salas tanto exposiciones colectivas como individuales, siendo esta ocasión la tercera individual que realiza para Studio 52.

Pinturas
Manuel Castillero
Inauguración viernes 22 de octubre, 20:30 h
Galería Studio 52
Ronda de los Tejares 15, Córdoba
Hasta el 9 de noviembre

Corte y confección: Sonia Navarro en Aptitudes 2010

Por Juan López López

Sonia Navarro desarrolla en estos días su trabajo en La Rambla. Fotografia: Ars Operandi

La artista murciana Sonia Navarro (Puerto Lumbreras, 1975) ha diseñado una instalación para la Plaza del Mercado de La Rambla en la que intervienen elementos escultóricos y collages de marcado carácter femenino. Estos últimos, cosidos a mano por mujeres rambleñas, patrones que hablan de comportamientos, de los límites impuestos de lo correcto y de lo que no lo es; hablan de sometimientos históricos bien conocidos y todavía presentes.

Fotografia: Ars Operandi

Pero más allá de las imposiciones de la cultura patriarcal aluden tanto a lo que constriñe socialmente como al mundo de las apariencias donde la vestimenta sigue siendo elemento definidor de clase, de estatus social y cultural, de signo identificatorio, inconsciente a veces y otras cuidadosamente buscado como marca de inclusión o exclusión social. Por un lado, abordar el cuadro prescindiendo de la materia pictórica, o la creación del color y las texturas a base de fragmentos de tejido o simple cartulina, o su dibujo sin trazo, que es sustituido por las líneas de puntadas minuciosas de la máquina de coser. Por otro lado, enfrentarse a la escultura con unas firmes figuras de hierro de evidenciada forma femenina que manifiesta una de las constantes que recorren la obra de Sonia Navarro: la inmovilidad (rigidez y jaula). En definitiva, un inteligente juego de incertidumbres, de preguntas.

Plaza del Mercado y Museo de Cerámica 
La Rambla, Córdoba
A partir del 22 octubre

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19/10/2010

Estudio Abierto en Aptitudes 2010

por Juan López López

Botubol y León en el Taller Abierto de La Rambla. Fotografía: Aptitudes

El proceso a la vista del público, desde el montaje de los lienzos en los bastidores, a los primeros esbozos y los diferentes estados de creación de la obra de arte, hasta la ejecución final e incluso su venta. Recrear un estudio de artistas y abrirlo al público puede ser otra manera de entender la creación artística contemporánea, pero también tiene una parte educativa: la gente debe aprender a desmitificar el arte y verlo como un trabajo más.

Este estudio-taller quedará abierto durante una semana en las Naves de Cerámica de La Rambla, en cuyo interior, los pintores Alejandro Botubol Bolaños y Manuel León Moreno estarán trabajando en jornadas de mañana y tarde a la vista de todas aquellas personas que quieran contemplar el proceso de creación, en contacto directo con los artistas. Durante los días del taller se programarán visitas de escolares y colectivos, así como visitas libres de particulares, en las que se podrá dialogar y cuestionar a los artistas, además de participar o interferir en las obras que éstos estén creando. Igulamente, durante el tiempo que los artistas permanezcan en la localidad, el público podrá adquirir las obras terminadas a precios populares, asequibles. Un proceso creativo completo: montaje, ejecución, exhibición y venta.

Alejandro Botubol Bolaños (Cádiz, 1979). El objeto rescatado, la ausencia de gravedad, el tempo pausado... Nada hace presagiar en la pintura de lenta digestión de Alejandro Botubol el alto contenido tecnológico que la ve nacer. Parecía imposible que Internet pudiera interferir en la evolución histórica de la pintura contemporánea, pero la Red es ya el camino de muchos artistas cuya obra poco o nada tiene que ver con algoritmos matemáticos. Con una sencilla metodología de búsqueda online de imágenes y su reinterpretación a partir de experiencias vitales, Alejandro nos presenta su complejo mundo pictórico, que no es otro sino el de cada uno de nosotros. Ese cosmos donde triunfan las pequeñas cosas y los elementos que a menudo obviamos, para presentarlos como nuevos, erigidos como monumentos de la cotidianidad y envueltos en cierto halo de misterio, casi irreales. Además, el juego con los espacios y las arquitecturas termina por otorgar a sus creaciones un sentido abierto, donde el espectador tiene la última palabra.Actualmente investiga sobre elementos internos y simbólicos de la pintura de todos los tiempos. Alejandro Botubol es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Ha obtenido importantes becas, como las de la Fundación Talens (Barcelona) y Rodríguez Acosta (Granada), además de la extinta Iniciarte. Desde 2008 forma parte de “Transartlántica”, un ambicioso proyecto expositivo del Ayuntamiento de Cádiz que ha llevado a relevantes creadores gaditanos por toda Latinoamérica. En 2009 crea junto a Ismael Lagares el espacio creativo “La Bañera”, un punto para la reflexión y la difusión artística ubicado en el centro de Sevilla. Alejandro Botubol vive y trabaja en Sevilla. 

Manuel León Moreno (Villanueva del Ariscal, Sevilla, 1977). Pintura transversal. Superposiciones y yuxtaposiciones. Pintura de combustión espontánea y capas amontonadas con un enrevesado guión cinematográfico. Obras autobiográficas que tratan sobre lo vivencial, pero también de la pertenencia a un colectivo, de la participación en sus rituales (la romería del Rocío, el festival de Benicàssim...). Destripar el proceso en cualquiera de las obras de Manuel puede resultar doloroso, o placentero, como un viaje lisérgico donde se enaltecen hedonismo y espiritualidad. Como cuando después de un trago de gaseosa brotan las lágrimas y se empaña la vista, las pinturas de Manuel parecen surrealistas pero no lo son, se acercan más a lo popular y al folclore que al arte (a la vida misma, con sus depresiones y subidones). Manuel León es pintor y miembro del colectivo Intervenciones en Jueves, combina su trabajo pictórico trabajando en otros proyectos como “Capital y Territorio” de UNIAarteypensamiento o el asesoramiento visual y teórico del grupo de rock Pony Bravo, del que ha ilustrado parte de su primer álbum “Si bajo de espaldas no me da miedo”. Algunas de sus obras se encuentran en distintas colecciones (públicas y privadas) como son la colección Mario Padilla, Fundación de arte contemporáneo Coca-Cola, Instituto Andaluz de la Juventud, Consejería de Obras Públicas de la Junta de Andalucía y en la Universidad Internacional de Andalucía, en ésta última como ganador del primer premio de Pintura 2006.

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18/10/2010

Creación y participación en La Rambla: Aptitudes 2010


Fotografía de Noelia García Bandera

Esta semana da comienzo en La Rambla la tercera edición de Aptitudes, Encuentro de Cultura Contemporánea Alfonso Ariza. Se trata del proyecto heredero de la anterior Beca de Escultura Alfonso Ariza que dirigiera la artista Carmen Osuna a lo largo de diez ediciones y que desde 2008 está organizado por el también artista rambleño Juan López.

Talleres abiertos,  intervenciones públicas, propuestas de arte colaborativo y sonoro conforman un programa multidisciplinar en el que "la cultura no es confundida con la erudición ni con el ocio, aunque entienda que la cultura es ociosa y generadora de erudición". Aptitudes apuesta por un trabajo que incida sobre el territorio en el que se inserta y que fomente "la formación de nuevos públicos a partir de prácticas artísticas contemporáneas de calidad y del diálogo directo con sus protagonistas: creadores y espectadores".

Las propuestas creativas en esta edición vienen de la mano de artistas como la malagueña Noelia García Bandera, que desde primeros de noviembre imparte su taller de fotografía digital, la murciana Sonia Navarro o el brasileño Marlon de Azambuja entre otros.

Aptitudes está organizada por el Ayuntamiento de La Rambla, forma parte del programa “Periféricos. Arte contemporáneo en la provincia de Córdoba” y está patrocinado por la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Pepe Lara abandona la clandestinidad con los Editores Florentinos Digitales


por José Julio Losada del Pozo 


Manuscrito de Munni Bai, de Pepe Lara

Tenemos una buena noticia: Pepe Lara se entrega. Y nos muestra sus últimos trabajos.

Hasta hace muy poco, nuestro hombre podía afirmar que no existían referencias suyas en Google, privilegio del que ya ni los malditos pueden alardear.

Corresponde a los expertos y críticos analizar su producción artística -poesía visual...-, pero cuando uno ha podido admirar esta obra sensible, compleja, múltiple y bella se pregunta ¿cómo puede pasar tanto tiempo en el anonimato? Y te hace reflexionar sobre aspectos de la difusión del arte que ocuparían otro artículo. Cabe explicación por el incipiente desarrollo cultural que padecía esta ciudad en los 80 y principios de los 90, tiempo en que Pepe dio a la luz buena parte de su producción. Y claro está, por un voluntario anonimato del que nuestro artista disfrutó tras la publicación de Munni Bai (1992).

Munni Bai es una obra sorprendente por el contenido y el continente, por su minucioso proceso de preparación, que se separaba voluntariamente de lo convencional y agrupaba lo más moderno entonces -la autoedición ¡¡en un ordenador personal!!, la impresión con fotocopia- con la escritura a pluma y tinta. Tiene una historia, alberga enseñanzas, transmite experiencias y emociones, es poesía y belleza para los ojos. Pero además, nos revela el complejo estudio que Pepe lleva a cabo para ser fiel a su lenguaje, solucionando un problema que le permite recrear el andaluz en sus escritos, algo que le brinda la posibilidad de transcribir fielmente sus pensamientos del lenguaje hasta el texto. Aquella edición de Munni Bai se agotó inmediatamente y sólo podía ser consultada en las bibliotecas. Hasta ahora. Junto a otras obras inéditas, publicamos en línea el facsímil de la edición junto con los cuadernos originales y preparatorios de la edición. Delicias caligráficas en el interior de un palpitante caleidoscopio visual.

Editores Florentinos surge a la vez que Munni Bai y desde entonces ha mantenido una producción dispersa y heterogénea, pero obedeciendo a un patrón común: sacar a la luz obras singulares que no ‘sirven’ al mercado. Hemos publicado los Casi últimos poemas de Papi y Cahue, irrepetibles rapsodas ácratas; Los versos de la Bahía, una obra singular que atesora una emocionante historia de amor; las sucesivas obras de Florentino Escribano que nos brindan una poética personalísima... Satisfechos con nuestros productos, pero limitados en la distribución. Hasta ahora.

Selección de Luna

‘Cuando se busca un libro importante, no está en stock. Pero si el libro que buscas es imprescindible, entonces está agotado’. Un dicho en el mundo del libro que se oxida. Hace ya tiempo que el logro de una biblioteca universal está a nuestro alcance y el único obstáculo es el dinero, los ‘derechos’, barrera paralela a lo que está sucediendo con la distribución músical.

Estas obras van a ser publicadas en la red, gratuitas para uso no lucrativo. Con motivo de ello, los Editores Florentinos, algunos de sus autores, amigos y curiosos nos vamos a reunir para explicar este proyecto digital y dar la oportunidad de contemplar las creaciones inéditas de Pepe Lara. Será el próximo jueves 21 a las 19:30 en el patio del Soul Food. Brindamos a los lectores de Ars Operandi en cariñosa primicia una pequeña muestra de los trabajos que vamos a publicar.

Editores Florentinos
Presentación del proyecto
Jueves 21 de octubre
Soul Food, c/ de la Feria 39
14003 Córdoba

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14/10/2010

Premio Anuaria para Xul Comunicación por la cartelería para la Orquesta de Córdoba

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Imagen de la campaña ganadora del Premio Anuaria 2010 al mejor cartel

La agencia cordobesa Xul Comunicación ha obtenido el galardón al mejor cartel de 2010 por su campaña para la Orquesta de Córdoba en la temporada 2010-11 en los Premios Anuaria de Diseño Gráfico Español.

La campaña desarrolla el concepto creativo global que desde hace años mantiene la Orquesta de Córdoba en sus campañas divulgativas que tiene como eje a la naturaleza y que se materializa en la cartelería ganadora en  un imaginativo collage que  remite a la forma de los insectos y que está formado por los diferentes instrumentos propios de una orquesta.

Los premios Anuaria cuentan con el apoyo de entidades públicas, asociaciones y centros de diseño como la Sociedad Estatal para el Desarrollo del Diseño y la Innovación, la Asociación Española de Profesionales de Diseño, el Centro de Diseño Integral de La Rioja, el Barcelona Centre de Disseny, la Asociación de Diseñadores de Madrid o la de diseñadores andaluces entre otros. En la edición de este año han sido presentados 250 trabajos en las 16 categorías que determinan las bases del concurso

La ceremonia de entrega de los Premios Anuaria se celebrará mañana 15 de octubre en el recinto ferial Ifema de Madrid, dentro del Salón de la Comunicación Visual y Diseño Gráfico, Viscom-Sign 2010, donde se expondrán todas las obras ganadoras y seleccionadas.

Fotografías de Gabriele Friscia en la Sala de Arte Góngora


 Toros, rojo y oro, fotografía de Gabriele Friscia de la serie Graffiti

El músico y fotógrafo italiano afincado en Córdoba, Gabriele Friscia (Roma, 1964) presenta mañana en la Sala de exposiciones Góngora Arte una muestra de sus últimas series fotográficas. Para su cita cordobesa Friscia ha preparado un trabajo en el que aúna la obra en soporte de papel con la proyección de tres montajes fotográficos en soporte video basados en distintas series fotográficas como Riflessi  u Ocho imágenes, sobre música del compositor Juan de Dios García Aguilera.

Son obras que en palabras de Friscia  proponen "una poética visual basada en la búsqueda por medio del color, las formas, la materia y la luz, de iconos fotográficos extraídos de los objetos y material de nuestra vida cotidiana, fruto del trabajo o de los desechos de la intervención-destrucción humana del paisaje urbano". Para Friscia se trata de "objetos fotográficos que quieren ser pura emoción en la búsqueda de lo divino en lo terrenal.

El grueso de la obra que podremos comptemplar en la Sala Góngora ha formado parte de exposiciones de Gabrillle Friscia en la VIII Bienal Internacional de Fotografía Olot 2008 y la galería Artymagen de Zaragoza en enero del 2009, a excepción de Me asomo a la ventana de mis sueños y los videos Riflessi 1, Riflessi 2 y Haiku, que son estrenados en Córdoba.


Inauguración: Viernes, 15 de octubre a las 20 h.
Góngora Arte, Sala de exposiciones del Instituto Luis de Góngora
Del 15 al 30 de octubre de 2010
De lunes a viernes de 19 a 21 h. Sábados de 12 a 14 h.
C/ Diego de León, 2 (Junto a Plaza de Las Tendillas)

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La cultura cordobesa tiene un rasgo diferencial, el arte reunido

TRIBUNA ABIERTA
por Miguel Gómez Losada
Artista

Arte reunido. Jacinta Ortiz, arquitecta, Paco Domínguez, artista, Alejandra Vanessa, poeta y editora, 
en el Colegio de Arquitectos. Foto: MGL

Quisiera actualizar por escrito mi primera opinión sobre el C4, cuando se establecieron aquellas mesas iniciales de conversación a las que pude asistir en 2004 y 2005, con Mercedes Mudarra, Cuenca, Serrano, Pérez Villén, Guirao, Tete Álvarez, Pérez Escolano (…) donde hablábamos sobre la ubicación del centro, si en el solar del Meliá, en los terrenos libres entre la ribera y el Alcázar, o al otro lado del río; y proponiendo a la vez ideas para definir el uso. Por aquel entonces me pronuncié por sentir las artes visuales de una manera –no aislada- sino dentro de una familia cultural; y que parecía ilógico desoir a la literatura, a la música, o a la arquitectura, puesto que cada vez era más natural disfrutar sus intersecciones con el mundo de la imagen.

Nuestra mentalidad cultural al respecto ha crecido desde entonces, ha dado un estirón en sólo cinco años. La cultura se ha expandido, hay más público, y diverso. Creo que se debe principalmente a que estamos recogiendo el fruto de una actitud sostenida que viene de atrás: haber sentido juntas las diversas disciplinas artísticas, vuelvo a decir, como la literatura, las artes visuales, la arquitectura, o la música; y a su vez naturalizando el disfrute conjunto del arte antiguo y el hecho hoy.

Este arte reunido lo hemos visto y vivido en nuestra historia multidisciplinar reciente, -Cántico, Equipo57, los artistas plásticos en la obra de Rafael de la Hoz; revistas como Zaitún, Zarisma, Boronía; la editorial Plurabelle, y La Bella Varsovia; la desembocadura en Cosmopoética, El Patio del Colegio de Arquitectos, Scarpia, o El Jardín de la casa para Vimcorsa; y ahora Luneados, u Otoñeces, por ejemplo-, dibujando claramente en el tiempo, así, nuestro rasgo diferencial. Como poco, en Andalucía.

Todas las ciudades hacen sus exposiciones, sus recitales, sus conciertos, pero a nosotros creo que se nos da muy bien el arte reunido.

Apuesto por esta forma de seguir imbricándonos a modo de escamas individuales superpuestas, en un solo pez, que es la cultura cordobesa, trayendo ese –sentir juntas las diversas disciplinas artísticas- a nuestra mirada hoy, 2010, y todo ello, insisto, porque se nos da bien. 

Bucaneroestilo (sesión Hip Hop en vinilo) + Electron & Teaser (breakdance) en el Colegio de Arquitectos
Foto: MGL

Se trata de trabajar individualmente, sintiéndose parte de ese arte reunido. Se trata de que un artista sienta su trabajo colindante al del arquitecto; o un poeta, sus versos escritos en el muro de una intervención artística en la calle. Se trata de que un arquitecto piense un bar como espacio habitable, e igualmente un Dj, viva la arquitectura sintiéndose parte de ella al hacer una sesión musical dentro un nuevo centro de arte. Y se trata igualmente de que los gestores culturales atiendan a estos maridajes, guiados por cualquier definición de arte -lo poético por ejemplo- como hilo conductor. Es lo que quiero llamar -arte reunido-.

Se pudiera pensar que no hay que forzar esta reunión de artes, pero creo que sin hacer nada se unen solas, sólo hay que dignificarlas, y programarlas para la gente mediante la gestión cultural. Así se fortalecería nuestro rasgo diferencial, nuestra cultura, el turismo, nuestra autoestima colectiva, por tanto la confianza, y la economía.

Y apuesto por continuar esta forma de –reunir- para que la cultura tenga más audiencia, que es lo deseable, a pesar de los defensores del arte como trinchera de una minoría –para sentirse pocos, los elegidos, la élite-.

El arte reunido tiene más beneficios: se ha comprobado que esta forma integradora de pensar los eventos y las acciones –formatos culturales poliédricos-, favorece el intercambio de maneras de ser, nutre el conocimiento, acabando con la postura única y ganando comprensión hacia lo distinto. Estos últimos años se ha creado esta inercia, y existe un pálpito, una simpatía hacia el arte reunido. Percibo que cada vez más personas quieren encontrar en un evento artístico una relación razonada de disciplinas hiladas -o una sola, pero mixta -, así como en sus casas leen, ven cine, escuchan un disco, y degustan un vino, todo en la misma habitación y en una misma tarde, para pasárselo bien.

Perdónenme si argumento a lo largo de esta –hoja de diario- desde la experiencia propia, pero es de donde he aprendido y desde donde mejor puedo comunicar: recuerdo por ejemplo la Córdoba de 1996, cuando el Jazz era para una élite de melómanos eruditos, que afirmaban que el Jazz murió después de Coltrane –algo tan conservador como sostener que la pintura murió con Picasso. Por necesidad, cuatro amigos pusimos toda nuestra ilusión en unir el Jazz al Soul, al Funk y al Rap, -porque nos gustaba disfrutar de esta cultura por su raíz y por su capacidad de revalidarse sin perder la esencia- organizando eventos y fiestas, no ya desde el Jazz, sino desde lo afroamericano, esa gran -nación- de cualquier geografía. Lo hicimos naturalmente, y encontramos personas nuevas, disfrutando el arte como canal idóneo para llegar a la gente desconocida. Así, me afané en desterrar la pose intelectual adherida al Jazz en Córdoba –que es donde vivo-, acercando esta cultura a lo cotidiano. Y lo mismo para el arte, por ser pintor.

En pareja con Eduardo Chivite se actuó con el mismo deseo de reunir: juntamos la poesía, las humanidades, con la imagen y la música en el ciclo Agujas de pino, 2005; qué felicidad… al año siguiente se dio el triple salto mortal a las instituciones, entendiendo con la misma alegría la arquitectura, la pintura, la poesía, o el HipHop; o sea, las artes entendidas como nobles, sumadas a las del barrio –también ciudad-, obedeciendo como siempre a un criterio de calidad y exigencia artística. -Que la cultura sea para todos, popular, no quiere decir que tenga que ser pobre en su contenido, porque a cualquiera le gusta que le den lo mejor. Lo más gratificante es que a día de hoy, siento que esta manera reunida de ser, está cada vez más asumida en Córdoba.

Lectura poética de Raúl Alonso en el Arqueológico
Foto: MGL

Así, apuesto por pensar la cultura unida a lo social. Es lógico, porque el arte nos mejora la vida, pero hace falta gente con quien compartir. Cada vez tengo más claro que si para impulsar adecuadamente la cultura, hace falta un gestor cultural cualificado, para compartir la cultura con la gente, hace falta un gestor social, al menos igualmente motivado. Lo ideal sería disponer de gestores socioculturales. Y si estamos viendo que la cultura y lo social van de la mano, necesitamos que nuestros políticos encuentren la mejor manera de compartir el arte con el mayor número de gente. En mi opinión, la forma de conseguirlo es seguir apostando por nuestro rasgo diferencial: El arte reunido, porque el arte reunido trae gente.

En mi última exposición en Córdoba, 2008, entendí que el sistema heredado de convocar a la gente fallaba: un par de horas de inauguración afectuosa, y luego un mes la galería sola. Lo que no funciona es que la práctica artística esté sometida al dictado comercial, es decir, al de la galería de arte. Propuse tres fechas dentro del mes de mi exposición: unas lecturas poéticas, conversaciones sobre arquitectura con música, algo sencillo, entre la pintura; y el día de la clausura sentí que mi exposición había sido vivida, que era la finalidad.

Y aunque ya sea lo normal, sigo insistiendo en mi apuesta: El arte reunido, -sentir reunidas las disciplinas artísticas es nuestro rasgo cultural diferencial-. Cosa lograda por tener Córdoba magníficos poetas, artistas, y músicos, haciendo cada uno su trabajo.

También, poco a poco, el tiempo de los aspirantes a la élite, la compostura, y las camareras vestidas de sirvientas en las inauguraciones, se ha superado. La convocatoria para un evento aislado, el de siempre, se puede mejorar: porque siempre asistimos los mismos, veinte personas, en una ciudad de trescientosmil. Necesitamos continuar la nueva mentalidad lograda: que un rapero se interese por la arquitectura efímera; un arquitecto cordobés por una sesión de un Dj de HipHop; o un poeta por el arte público. Esto es un síntoma inequívoco de madurez cultural, y de movimiento expansivo.

Que el C4 sea un centro productor de prácticas artísticas, y observatorio de lo que ocurre más allá de nuestras fronteras, es lo normal, como también lo es tomar en cuenta la punta de nuestro progreso, nuestra realidad cordobesa actualizada.

Dedicar el C4 exclusivamente a nuevas tecnologías, o a cualquier segmento de la cultura hecha hoy, sería desintegrar la naturalidad ganada, retroceder, desreunir, desnutriendo nuestro rasgo diferencial, tirando por tierra lo que tenemos construido. (No comparto el subtítulo –nuevas tecnologías-, esa denominación tan práctica, porque el arte es mucho más que una caja de herramientas; y en todo caso, apostaría por tecnologías útiles, porque el lápiz convive con el IPod)

Sesión Afrobeat en vinilo, por el Sr. Lobezno, en El jardín de la casa, Vimcorsa
Foto: Pilar Barrionuevo

Disfrutar estos reflujos artísticos en la cultura, reunida, ha costado mucho esfuerzo sostenido en el tiempo, motivación colectiva, y dinero de todos-. Los acontecimientos culturales de los últimos cinco años apuntan al arte reunido; subrayo además, que el arte reunido trae gente. Sinceramente, no atender a esta inercia sería un error. Creo que colectivamente es lo que mejor sabemos hacer. En estos meses que vienen, el objetivo debería apuntar a seguir haciendo cada uno su trabajo, pero sintiéndolo reunido, para que no se rompa la cadena de logros cada vez que haya elecciones municipales, cualquier destitución por motivos de partido, o ventolera política imprevista. Y en definitiva, para compartir el arte con públicos diversos, para seguir juntando personas, porque el C4, el 2016, y toda la gestión cultural venidera, no servirá de nada si no viene la gente.


Sugerencia de lectura: Terreno Fértil, Un ámbito poético [Córdoba, 1994 – 2009] por Eduardo Chivite y Antonio Barquero

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J. C. Nievas inicia el ciclo "La obra del mes" en el Bellas Artes

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El fotógrafo cordobés José Carlos Nievas será el invitado que inaugure el ciclo La obra del mes a celebrarse en el presente curso 2010-2011 en el Museo de Bellas Artes de Córdoba. Nievas, quien en la actualidad expone en las salas del Museo su muestra titulada Jugadas de museo -prorrogada hasta el 31 de octubre-, hablará sobre la visión del fotógrafo utilizando para ello su misma obra expuesta.

Se han seleccionado obras vinculadas unas veces con el arte, otras con la biblioteconomía, la arqueología, y también temas como la fotografía, la arquitectura, los movimientos de las obras, pero especialmente se abordará el de la restauración tanto en obras de arte como en el propio edificio que alberga la institución.

El objetivo se dirige como siempre a profundizar en el conocimiento de determinadas obras de la exposición permanente, otras ubicadas en almacén, o adquiridas y restauradas recientemente. Para ello, el Museo contará con personas de alto prestigio y conocedoras de la materia, que pondrán al alcance de todo el público sus conocimientos sobre las obras o temas seleccionados por ellos mismos, entre los fondos del museo o de reciente actualidad.

La primera cita con La obra del mes, que tendrá lugar el próximo domingo 17 del corriente, será continuada en el tiempo, y en domingos sucesivos, por Inmaculada Páez, restauradora, Jerónimo Sánchez, arqueólogo, Enrique Ortega y Rosa Cabello, restauradores, Alfonso Blanco, restaurador, F. J. del Río, director de la Biblioteca Pública Provincial de Córdoba, José Mª Báez, artista, Manuel Pedregosa y Pilar Vinós, arquitecto y restauradora y Fuensanta García de la Torre, directora del Museo de Bellas Artes.


Obra del mes
José Carlos Nievas
Museo de Bellas Artes de Córdoba
Plaza del Potro, 1
Domingo 17 de octubre, 13 h

12/10/2010

Convocatoria para la constitución de la Asociación de Artistas Visuales de Andalucía

J. Howard Miller , We Can Do It (Rosie the Riveter), cartel, 1943
El próximo día 16 de Octubre a las 10,30 de la mañana tendrá lugar en en Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla, una reunión preparatoria para la constitución de la futura Asociación de Artistas Visuales Andaluces.

Se contará con la presencia de Florenci Guntín, coordinador de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV) y  secretario general de la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña (AAVC), la primera de todo el Estado en número de asociados con más de 1.200, quien expondrá la experiencia asociativa llevada a cabo por los creadores catalanes desde 1980.

Las asociaciones de artistas visuales han surgido a lo largo del territorio nacional con el fin de reunir dentro de una forma jurídica común al colectivo de artistas visuales con el objetivo de que sean representados frente a cualquier institución, pública o privada, y en especial ante las Administraciones de la Comunidad Autónoma, Diputaciones y Ayuntamientos, con el objeto de defender los intereses comunes a todos los artistas. Andalucía es una de las pocas Comunidades Autónomas en la que  los artistas aún no están agrupados en ningún tipo de asociación profesional. La anhelada articulación del sector artístico  bajo un frente común resulta imprescindible en un territorio como el andaluz en que la disgregación dificulta la puesta en marcha de proyectos asociativos.

La convocatoria del sábado 16 es abierta a todos los artistas andaluces  en las disciplinas plásticas y visuales y pretende ser integradora de todo el sector  por lo que se requiere la máxima difusión para esta plausible iniciativa. 

Lugar: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. 
Avda Américo Vespucio, Sevilla
Fecha y hora: Sábado 16 de octubre a las 10,30 horas


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8/10/2010

Incertidumbres sobre los equipamientos culturales


Tete Álvarez

Editorial / Ars Operandi

Asistimos durante estos días a un cruce de noticias que hacen presagiar un futuro incierto para alguno de los equipamientos culturales con que la ciudad cuenta de cara a afrontar el objetivo de ser Ciudad Europea de la Cultura en 2016. Por un lado, el borrador de los Presupuestos Generales del Estado para 2011 no contempla ninguna partida para la construcción del nuevo Museo de Bellas Artes. El pasado año los presupuestos ya consignaron 400.000 euros, aunque la falta de disponibilidad del suelo que debe ser aportado por el Ayuntamiento, hizo que la  partida  no haya sido ejecutada. El solar se sitúa entre el hotel Hesperia y la torre de la Calahorra y aunque el Ayuntamiento dispone ya de la mitad del terreno, la zona posterior está ocupada por varios establecimientos y viviendas que el Consistorio deberá expropiar para conseguir toda la superficie necesaria para su construcción. El nuevo museo, de titularidad estatal y gestión transferida a la comunidad autónoma, cuenta con un presupuesto de 11,5 millones de euros y amén de albergar los fondos propios de la institución, existe un preacuerdo por parte de la coleccionista Pilar Citoler para depositar parte de su colección de arte contemporáneo Circa XX.

Por otro lado, el borrador de los presupuestos para 2011 depara también drásticos recortes para otras dos infraestructuras claves para las aspiraciones de la ciudad. Para la rehabilitación y ampliación del Museo Arqueológico hay previstos la pírrica suma de 20.000 euros mientras para la construcción de la Biblioteca del Estado,  presupuestada en 12,8 millones de euros se ha consignado sólo una partida de 100.000.

La única infraestructura que parece llevar  el ritmo de ejecución según lo previsto es el Centro de Creación Contemporánea de Córdoba, C4. Las últimas estimaciones sitúan a finales de 2011 o principios de 2012 la conclusión de las obras. En este caso las incertidumbres se ciernen sobre aspectos que deberían estar muy adelantados dada la fecha de puesta en marcha del equipamiento. Los últimos cambios en la Consejería de Cultura dificultan aún más el esclarecimiento de aspectos esenciales como pueden ser el modelo de gestión, los planes de usos y museísticos o la aplicación  del “Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo”. 

Después de  un comienzo encomiable, la Consejería  de Cultura ha ido alejando paulatinamente de la luz pública la configuración del nuevo espacio de arte. Recordemos que en 2004 la redacción del anteproyecto que sirvió de base para la convocatoria del concurso estuvo elaborado en base a las aportaciones de una mesa de trabajo encabezada por Juan Serrano e integrada  por artistas, críticos, arquitectos y responsables institucionales. En 2005 se celebra el foro internacional de reflexión y debate "Un espacio para el nuevo arte" que reunió a artistas y a participantes procedentes del ámbito de la teoría del arte y de la gestión de centros artísticos  y en el que se debatieron experiencias que pudieran servir de base para la creación del nuevo espacio en Córdoba. Tras la adjudicación del concurso de ideas a los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano se puso en marcha, esta vez en Sevilla, un grupo de trabajo integrado por los propios arquitectos, representantes institucionales y un grupo de artistas y teóricos entre los que se encontraban entre otros  el ahora Jefe de Programas Culturales del Museo Reina Sofía y profesor de Historia del Arte, Jesús Carrillo, el que fue 20 años director de Arteleku, Santi Eraso, los artistas Daniel García Andujar y Tete Álvarez o el entonces asesor de la Delegación de Cultura y ahora director del I+CAS de Sevilla, Jesús Alcaide. La experiencia participativa  duró apenas un par de sesiones de trabajo y desde entonces la Consejería decidió gestionar el proyecto de puertas para adentro. Este oscurantismo  ha ido encrespando las opiniones de parte de la comunidad artística, como el colectivo Nada,  que reclama un papel activo de los agentes culturales en la definición del centro de manera que "éste no crezca de espaldas a la realidad donde se ha de insertar"

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Los colectivos artísticos contra el cierre del Guerrero




La Asociación Española de Directores de Museos y Centros de Arte Contemporáneo de España, el Consejo de Críticos de Artes Visuales, el Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo, el Instituto de Arte Contemporáneo y la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales, han hecho expresado "su repulsa y extrema inquietud ante la más que posible desaparición del Centro José Guerrero de Granada y de su colección, así como ante el cese arbitrario de su directora".

Para estos colectivos artísticos "no parece razonable que una institución artística consolidada, que ha desarrollado un programa de altísima calidad, con continuidad, rigor y gran eficacia a lo largo de sus diez años de existencia pueda estar en riesgo. Tampoco parece razonable que, en la actual situación de crisis económica que vivimos, la administración pública no haga todo lo posible por conservar lo que constituye una parte muy importante de nuestro patrimonio artístico, como es la colección de uno de los pintores españoles de mayor proyección internacional de la segunda mitad del siglo XX español".

Los comunicantes expresan su preocupación por "la fragilidad de las instituciones artísticas en España, a las que ya ni siquiera les sirve ser reconocidas y respetadas por la inmensa mayoría del sector del arte contemporáneo español, así como reivindicar la necesidad de articular y dar seguridad a las relaciones entre el sector privado y el público en la misión de incrementar, preservar, estudiar y difundir el patrimonio artístico contemporáneo, área en la que el Estado español en general es altamente deficitario. No podemos permitir este continuo empobrecimiento de nuestra vida cultural con la desaparición de colecciones artísticas de primer orden y de centros estables y consolidados. Por todo ello, las asociaciones abajo firmantes consideran que las diferentes administraciones implicadas en la tutela del patrimonio artístico de nuestro país (granadinas, andaluzas y estatales) deberían abrir negociaciones con los herederos de José Guerrero que conduzcan a la creación definitiva de una fundación que permita un futuro viable para el centro y que esté regida por el Documento de Buenas Prácticas, de manera que se garantice su estabilidad y autonomía e impida que la obra de José Guerrero abandone definitivamente la ciudad de Granada".

El comunicado finaliza con la denuncia pública acerca del cese de Yolanda Romero como directora del Centro José Guerrero, que según las asociaciones "se ha producido de una manera políticamente incomprensible". "De una parte, los máximos responsables de la Diputación de Granada han reconocido públicamente estar muy satisfechos con el trabajo realizado por la directora, para posteriormente cesarla sin motivo alguno. Este proceder no hace sino reflejar que esta decisión política es arbitraria y responde a criterios de dudosa índole. En definitiva, se trata de un cese que actúa por completo en contra de los criterios de valoración de la gestión profesional establecidos por el Documento de Buenas Prácticas. Además, el cese se ha producido en el momento más inoportuno, justo cuando se estaban llevando a cabo las negociaciones entre la Diputación y los herederos de José Guerrero para la creación de una fundación (regida por el mencionado documento en todos sus aspectos, incluido el concurso para la plaza de dirección) que garantizase la continuidad del museo y de los fondos pictóricos depositados por la familia en Granada".