29/11/2010

Paisajes de la memoria. Manuel Muñoz en el Archivo de Cáceres.


Campo de concentración. Castuera

La sala de Exposiciones del Archivo Histórico Provincial de Cáceres acoge hasta el 30 de diciembre, La Serena. Escenarios de una memoria, una nueva exposición del artista cordobés Manuel Muñoz quien presenta  una serie de fotografías de gran formato  realizadas  en escenarios de Extremadura que remiten a diversos episodios de la última Guerra Civil española. Muñoz indaga así en los paisajes marcados por huella del tiempo que caracterizan su obra más reciente para reflexionar sobre algunos temas como la historia, el espacio y la memoria ya habituales en su producción artística.

Para Michel Hubert, comisario de la muestra, la serie presentada es “un ejercicio fotográfico cuyo fin responde al deseo de ilustrar este relato oficial de la historia que queda aún por llegar, sin caer nunca en la facilidad de un arte limitado a una mera aportación documentalista más afín a las fotos de reportaje. Para ello, utiliza la metáfora como único pretexto a la hora de elegir sus temas y muchas veces en su esfuerzo por intelectualizar sus imágenes otorga más importancia a su encuadre, del que depende la buena articulación de sus metáforas, que a la representación del objeto principal. Un buen ejemplo de este recorte al valor documental del objeto principal fotografiado es la composición formada por el pedestal de la cruz alrededor de la cual cada mañana eran obligados a formar para rezar los prisioneros del Campo de concentración de Castuera, y por el rebaño de borregos encerrados en el Campo aprovechado ahora como pasto. En esta foto ya no se sabe si lo principal es el pedestal de la cruz que aparece voluntariamente recortado, o los borregos que sirven de metáfora para evocar a muchos prisioneros republicanos destinados con igual certeza a ser llevados al matadero que, en la Castuera de 1939, eran las entrañas de la mina de la “Gamonita”, a algunos metros de la entrada del Campo”.


Sala de exposiciones del Archivo-Histórico Provincial de Cáceres
Inauguración: Viernes, 3 de Diciembre a las 11, 30 h.
Desde el 3 hasta el 30 de diciembre de 2010
Horario: De lunes a sábado. 11:00 -14:00 h. y 17:30 – 20:30 h.

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26/11/2010

MúsicaparaVer/I Could Be A Dancer

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I Could Be A Dancer es un espectáculo multidisciplinar que combina danza contemporánea, música electrónica y vídeo a tiempo real, interpretado el 11 de noviembre de 2010 en la Sala Orive de Córdoba. Se trata de una propuesta artística con un fuerte componente de improvisación donde la performance y la expresión corporal (bailarín) se alían con el audiovisual (video-jockey) de corte más minimalista. Llantos y risas, lo doloroso y abyecto vs. lo placentero y sensual, la inmensidad y diversidad social a partir del gesto, lo orgánico frente al artificio... No se trata de buscar respuestas a estas cuestiones, sino formular las preguntas adecuadas.
Juan López López

Tracklist:

1. Alva Noto & Ryuichi Sakamoto con Ensemble Modern – Utp_ (Utp_, 2008)
2. Murcof – mir (Martes, 2002)
3. Joris Voorn – My people (From a deep place, 2007)
4. Autechre – Know 1 (Oversteps, 2010)
5. Nosaj Thing – Fog (Drift, 2009)
6. Apparat – Birds (Walls, 2007)
7. Monolake – Internal clock (Silence, 2009)
8. Aufgang – Channel 7 (Channel 7, 2009)
9. Darkstar – Squeeze my lime (Need you / Squeeze my lime, 2008)
10. Yuksek – I could never be a dancer (Away from the sea, 2009)
VJ - Juan López López aka mordágaz
Bailarín - Juan Matilla (soyunamopa.com)

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Diálogos entre la cultura y el turismo en Filosofía y Letras

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Facultad de Filosofía y Letras. Foto: Artencordoba.com

La Facultad de Filosofía y Letras ha celebrado su tercera edición de Diálogos con la Cultura, cuyo tema central de esta 3ª edición ha sido La Cultura y el Turismo. En esta jornada del viernes 26 de noviembre, se ha abordado la estrecha relación entre la formación, la economía, el turismo y la cultura. Los diálogos, moderados por Martín Torres Márquez (Profesor del Dpto. de Geografía de la UCO), han contado con la intervención de Federico Rodríguez Ardila (Gerente del Consorcio de Turismo del Ayto. de Córdoba), Fernando Lara de Vicente (Coordinador del Grado de Turismo de la UCO), Miguel Coleto Vizuete (Técnico de Cultura y Turismo del Ayto. de Dos Torres) y Eulalio Fernández Sánchez (Decano de la Facultad de Filosofía y Letras).

Los ponentes invitados han puesto de manifiesto la necesidad de articular proyectos que tengan presente la imbricación entre el patrimonio cultural y la actividad turística. Entre las ideas planteadas se ha resaltado que, frente a los localismos, es necesario trabajar en red, conjuntamente, para llegar a conseguir el objetivo de posicionar en el mercado turístico del segmento del turismo cultural a Córdoba y sus municipios. Por otra parte, se ha dialogado sobre la Capitalidad, y se han mencionado las diversas aportaciones de la provincia a dicho proyecto, que, según señalaron algunos de los asistentes, está concebido como un acontecimiento y un reto que necesariamente debe trascender de su celebración en 2016. La sesión ha culminado con una ronda de preguntas en la que los numerosos participantes han tenido la oportunidad de opinar sobre las cuestiones debatidas.

Esta sesión es la continuación del Ciclo Diálogos con la Cultura, que se celebra todos los viernes en el Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras. El próximo viernes 3 de diciembre, la Facultad de Filosofía y Letras celebrará su 4ª edición ofreciendo la mesa de diálogo La Cultura, el Derecho y la Justicia (11:00 horas). En esta edición, intervendrán Enrique Aguilar Gavilán (Profesor Titular de Historia Contemporánea de la UCO y Director de la Fundación Caja Rural de Córdoba), Miguel Agudo Zamora (Decano de la Facultad de Derecho y CEE de la UCO), Francisco Sánchez Zamorano (Presidente de la Sección III de la Audiencia Provincial) y Luis Rabasa Aguilar (Juez Decano de Córdoba). La jornada se completará con la lectura de poemas de la obra La Isla Recién Descubierta, de Miguel Agudo y Octavio Salazar.  

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25/11/2010

Ars Operandi Videos: Rock my illusion, 2007





Ars Operandi Videos aumenta su catálogo de videos que documentan exposiciones realizadas en Córdoba en los últimos años con la entrada de Rock my illusion, muestra celebrada en la Sala Puertanueva en 2007 y comisariada por Jesús Alcaide. Rock my illusion aborda las colisiones e interferencias entre el mundo del rock como un concepto cultural ampliado y los trabajos de una serie de artistas que desde sus obras han propiciado la reflexión sobre la influencia que éste ha tenido sobre nuestra cultura visual contemporánea. A juicio de Alcaide "lo que se propone es la apropiación de códigos, estrategias, instrumentos, herramientas, escenarios y posturas del mundo del rock que utilizan algunos artistas contemporáneos para desde sus propios trabajos abordar territorios que tienen que ver con los géneros, la identidad, la violencia, el poder, la fama, la recepción y transmisión cultural, el aletargamiento del poder subversivo de los movimientos subculturales en la actualidad, la subalterinidad, la indisciplinariedad y todos aquellos temas que afectan al individuo contemporáneo como un engranaje histórico marcado por el contexto cultural en que crece, se construye y se desarrolla".

Aldo Chaparro, Azucena Vieites, Alejandro Vidal, Ana Laura Aláez, Joan Morey, Begoña Muñoz, Dan Graham, Salvador Cidrás, el colectivo Miderrota, Sergio Ojeda, Juan Clemente López y Esther Planas plantean una serie de trabajos repletos de referencias al mundo del rock, sus iconos y su influencia como medio de expresion estética. El título de la muestra alude por un lado a la emblemática pieza de Dan Graham Rock my religion presente en la exposición e hilo conductor del video que presentamos y por otro al no menos mítico álbum de Guns N' Roses, Use your illusion.


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El Museo Madinat Al-Zahra de Nieto y Sobejano, ganador del Premio Aga Khan de Arquitectura

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Una vista del interior del edificio de Nieto y Sobejano

Los organizadores de la 11ª edición del Premio Aga Khan de Arquitectura han declarado ganador de esta edición al edificio del Museo de Madinat al-Zahra, un proyecto de los arquitectos Nieto y Sobejano, en una ceremonia celebrada en el Museo de Arte Islámico de Doha (Qatar)presidida por el Aga Khan y el emir de Qatar

El Premio Aga Khan de Arquitectura es un premio internacional que se otorga a los principales proyectos arquitectónicos, urbanísticos o paisajísticos del mundo islámico, o relacionados con éste. El Premio reconoce ejemplos de excelencia arquitectónica en los campos del diseño, la vivienda social, mejoras de la comunidad y para el desarrollo, conservación de patrimonio, diseño del paisaje y mejora del medio ambiente. Además de reconocer a los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano, el premio ha hecho mención a Antonio Vallejo, director del conjunto arqueológico, responsable del proyecto museológico aplicado al nuevo complejo de Madinat al-Zahra.

El premio se rige por un Comité Directivo presidido por Aga Khan, dirigido por Farruj Derakhshani y formado por Mohammad al-Asad (Arquitecto, Jordania), Homi K. Bhabha (Profesor de Literatura de Harvard, Estados Unidos), Norman Foster (Arquitecto, Reino Unido), Glenn Lowry (Director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos), Rahul Mehrotra (Arquitecto, India), Mohsen Mostafavi (Decano de la Graduate School of Design de Harvard, Estados Unidos), Farshid Moussavi (Arquitecto, Reino Unido) y Han Tümertekin (Arquitecto, Turquía).

Este premio trata de reconocer la importancia de los arquitectos pero también la de administraciones públicas, constructores, clientes, artesanos e ingenieros que participan en los proyectos. Desde su lanzamiento, hace 33 años, se han premiado unos 100 proyectos entre los que se encuentran proyectos que van desde una escuela primaria en Burkina Faso diseñada por Diébédo Francis Kéré hasta el aeropuerto de Arabia Saudí de SOM o el Instituto del Mundo Árabe en París de Jean Nouvel, además de edificos de Norman Foster y Ricardo Legorreta.

El jurado de esta convocatoria ha estado compuesto por Souleymane Bachir Diagne (Profesor de Filosofía de la Universidad de Columbia, Estados Unidos), Omar Abdulaziz Hallaj (Arquitecto, Siria), Salah Hassan (Historiador de Arte y Comisario de la Universidad de Cornell, Estados Unidos), Faryar Javaherian (Arquitecto y Comisario, Iran), Anish Kapoor (Artista, Reino Unido), Kongjian Yu (Paisajista y Urbanista fundador de la Graduate School of Landscape Architecture de Peking, China), Jean Nouvel (Arquitecto, France), Alice Rawsthorn (Crítica de Diseño, Reino Unido) y Basem Al Shihabi (Arquitecto, Arabia Saudí).

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24/11/2010

La Fundación Gala presenta los "Espacios comunes" de Carmen Barrios

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El viernes 26 de noviembre, la Fundación Antonio Gala, en colaboración con Editorial El Páramo, presenta la exposición titulada Espacios comunes, en la que la fotógrafa y escritora Carmen Barrios muestra una serie de imágenes tomadas en la calle y protagonizadas por mujeres, que recogen momentos cotidianos de los que participamos al mirar y al ser mirados, en una suerte de intercambio visual social. Las fotografías se complementan con una serie de poemas escritos por Barrios que acompañan a las imágenes.

Carmen Barrios escribe sobre su obra: "Recojo imágenes que transitan desde lo abstracto a lo concreto, intentando capturar pequeños espacios del entorno en el que se desarrolla la vida de las ciudades. Las imágenes han ido adquieriendo un trasfondo metafórico que completa con palabras mi visión del mundo como ser social".

Su trabajo parte de la imagen para pasar a la escritura, con el propósito de "aislar esos pequeños momentos de realidad con los que tropiezo cada día en imágenes con ritmo propio, que luego tienen su correlato en un poema".

Las obras que se podrán contemplar en la Fundación Gala son unas imágenes en las que lo femenino está muy presente, unas personales visiones tanto poéticas como gráficas. Según la autora, el proyecto se conforma "como un intento expresivo de sacar la voz diferenciada de las mujeres". Y concluye: "Continúo creyendo que es necesario seguir reclamando espacios propios, precisamente en estos Espacios comunes donde la observación de la realidad cotidiana tiene tantos matices, tantos colores que se duelen en la sombra". 

Carmen Barrios
Espacios comunes 
Inauguración viernes 26 de noviembre, 20:00 h 
Fundación Antonio Gala
C/ Ambrosio de Morales 20, Córdoba
Hasta el 31 de diciembre

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Carratalá y Montó. Miradas al paisaje en la Galería Carmen del Campo




  

Magdalena Madueño / Ars  Operandi

El Paisaje de la Mirada es el título que recibe la próxima exposición que se inaugurará el viernes, 26 de noviembre, en la Galería Carmen del Campo. En ella se mostrarán una treintena de pinturas y dibujos a cargo de los artistas valencianos Calo Carratalá y Salvador Montó. Ambos vuelven a la galería tras exponer en 2004 y 2007.

El paisaje se impone como elemento común denominador de la muestra. Un género que ha sido alabado y denostado a partes iguales, pero que aquí se presenta como una experiencia de lo vivido, al estilo de los viajeros románticos. El paisaje adquiere una importancia tal que casi fagocita al ser humano, quien aparece en contadas ocasiones.

Carratalá nos presenta una selección de las escenas que más le impactaron durante su estancia en la selva amazónica. Su pincelada, rápida, nerviosa y arrebatada, nos recuerda a los primeros plenairistas, creando resultados evocadores y sugerentes.

En contraposición, el paisaje urbano viene de la mano de Salvador Montó. El escenario elegido es la siempre deslumbrante Nueva York. A través de diversos dibujos y pinturas, los delicados trazos construyen una ciudad que cambia su luz constantemente.

Calo Carratalá (Torrent, Valencia 1959) es uno de los artistas levantinos de más sólida trayectoria. La Medalla de Honor del XXI Premio BMW de Pintura (2006) o su participación en la Feria ARCO Madrid ’06, son un ejemplo de ello. Además, sus obras se encuentran en importantes colecciones privadas e instituciones como el Ministerio de Asuntos Exteriores, la Fundación Wellington (Madrid) o la Academia de España en Roma, entre otros.

Por su parte, a Salvador Montó (Valencia, 1963) también le avalan numerosos premios y reconocimientos, entre los que cabe destacar la Medalla de Honor del Premio BMW de Pintura en 1993, 1996, 2000 y 2002. Su buen hacer con la pintura le ha llevado a exponer en España, Italia, Alemania, Austria, Bélgica, etc. La Colección Duques de Alba o la Academia de España en Roma cuentan con obras de Montó. 


Calo Carratalá y Salvador Montó
El Paisaje de la Mirada
Inauguración: viernes, 26 de noviembre, 20:00 horas
Galería Carmen del Campo
Calle Conde de Robledo 5
14008 Córdoba
Hasta el 8 de enero de 2011 

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Arte en la calle: el video

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El pasado domingo 21 de noviembre, organizado por la Asociación Cultural Abades, tuvo lugar en la Plaza Abades Arte en la calle, la actuación del artista José Luis Checa, quien intervino en directo realizando una escultura de gran formato en hierro tratado y soldado basada en uno de los personajes del comic Killer Toons. El escenario sirvió asimismo para la exposición de algunas de las obras de Checa, de quien pudimos ver el pasado año en el Molino San Antonio la exposición titulada Go Om. El video de la actuación ha sido realizado por Manu Blanco.

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23/11/2010

Seres "angelicales" de Óscar Salmeron en la Galería Clave para cerrar el año

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La Galería Clave presenta el jueves 25 de noviembre la exposición de Óscar Salmerón titulada Angelus, con la que cerrará el año 2010. Clave sigue apostando en esta nueva exposición por la escultura figurativa, mostrando al público cordobés la obra del artista emergente Óscar Salmerón, tras el éxito de público de su anterior exposición, dedicada al veterano escultor hiperrealista Marc Sijan.

Según comunica la galería, las esculturas presentes en Angelus "son la forma del escultor manchego de ver el mundo que nos rodea. Su intención es remover la conciencia del espectador, llamar la atención sobre sí mismo y sobre la sociedad en que vivimos". Para ello, Óscar Salmerón ha creado unas esculturas que pretenden sumir al espectador en la inquietud, una obra en la que, además de las referencias a la imaginería clásica, "Oscar Salmerón sigue intentando dar una vuelta de tuerca a este conocido estilo y escapar de los convencionalismos, poniendo en manos de ángeles, arcángeles, querubines y serafines… armas y tecnología con la que cometer los más horribles actos en este mundo".

Óscar Salmerón (Ciudad Real, 1980), es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Ha realizado hasta el momento dos exposiciones individuales, ambas en  Galería Clave (2007 y 2010). Colectivamente ha expuesto en Referentes (2007) con artistas como Pablo Picasso, Dalí, Saura, Tapiés o Gordillo; Back to Reality (2008), junto a John de Andrea, John Davies, Jake & Dinos Chapman, Jaime Salmon y  Jakie K. Seo; A Tribute (2010), con Marc Sijan, Samuel Salcedo, Lu Zheng Yuang, Joan Priego o A Love Story (2010), con Jake & Dinos Chapman, Richard Stipl, John Davies, Folkert de Jong, Stephan Bankenhol, Enrique Marty y Steve Gibson.

Óscar Salmerón
Angelus
Inauguración 25 de noviembre, 20:00 h
Galería Clave
Plaza de Chirinos 5, 14001, Córdoba
Hasta el 31 de diciembre

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22/11/2010

Invertir en bolsa o arte para todos los bolsillos


Inauguración en la mañana de ayer de 16 Asas. Fotografia: María Moya

Redacción / Ars Operandi

Un lugar de encuentro, otra manera de acercar el arte a la ciudadanía, una iniciativa independiente de los designios oficiales. Éstas son las claves con las que se presenta 16 Asas, el proyecto que ayer comenzó su andadura en el estudio Nur Comunicación en el Paseo de la Ribera. Organizada por el fotógrafo José Carlos Nievas y el activista cultural Miguel Moreno Carretero, 16 Asas pretende, según sus promotores "una nueva forma de exponer, de comprar, de coleccionar, de disfrutar del arte". Para Nievas y Carretero el nombre de la iniciativa viene a conjugar varios significados. "Por un lado el numero 16, que de alguna manera se hace cómplice con la apuesta cultural de la ciudad para ser elegida Capital Europea de la Cultura, pero también por el numero de bolsas que encajan en el escaparate. Por otro lado las asas tiene una doble lectura, la de las asas de la bolsa de papel y las Asas en término fotográfico (baremo de sensibilidad), teniendo en cuenta que el lugar de exposición es un estudio de fotografía"

Un domingo de cada mes las puertas del estudio se abrirán al público para exponer dieciseis obras originales o seriadas que, introducidas en  bolsas de papel, desvelan a través de una ventana circular parte de su contenido. Las dieciseis obras serán puestas a la venta al público asistente por el módico precio de 50 euros. Como cabía esperar la convocatoria ha resultado un éxito tanto en  ventas como en la asistencia de un público que llenaba a rebosar el estudio de José Carlos y María Moya. La encargada de inaugurar esta novedosa iniciativa fue la diseñadora gráfica e ilustradora Pilar Roca. Licenciada en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla en la especialidad de Grabado y Diseño y Pintura, ha realizado numerosas exposiciones, individuales y colectivas, en diversos espacios tanto de España como de otros países. Roca ha gozado de varias becas de diseño gráfico en Florencia, Italia.  Entre otros proyectos, actualmente colabora desde hace un año con la Universidad de Bard de Nueva York en la la realización de magazines culturales.

J. C. Nievas, Pilar Roca y M.A. Moreno. Fotografia: María Moya
Para sus organizadores "cada inauguración se plantea como un evento único en el que a la propia exposición se sumarán propuestas musicales o literarias para crear un punto de encuentro interdisciplinar, despojado de boato y siempre con un tinte festivo". Ayer le tocó el turno a Ramos Dual, que ofreció una intervención inspirada en pasajes de música hindú aderezada con la electrónica más experimental. Por su parte el fotógrafo José Antonio Modelo, asesorado artísticamente por Maripaz Franco Serrano, realizó un retrato de la artista participante.

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20/11/2010

De Fuente Ovejuna a Ciudad Juárez pasando por Nueva York

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Desde Nueva York: Marina Mellado

The Cross Border Project: ensayos de Fuente Ovejuna en el Teatro Thalia

El Teatro Español Thalia de Queens (Nueva York), que lleva a gala ser el primero y único teatro bilingüe del populoso barrio neoyorquino, y cuya misión es celebrar la vitalidad y diversidad de las culturas española y latinoamericana, acogerá del 3 al 12 de diciembre el original montaje que la vallisoletana Lucía Rodríguez y su equipo han preparado de la obra teatral del Siglo de Oro Fuente Ovejuna, de Lope de Vega. De este clásico de la literatura española y universal se han hecho muchas versiones y adaptaciones, pero ninguna como ésta, me atrevo a afirmar. Con pocos medios, pero un entusiasmo contagioso, The Cross Border Project o “El Proyecto Transfronterizo” de Lucía y su equipo de voluntarios de ocho nacionalidades distintas ha conseguido que Fuente Ovejuna viaje a Ciudad Juárez, con parada obligada en Nueva York.

Sensibilizada por la situación actual en Ciudad Juárez, donde el número de mujeres desaparecidas y asesinadas por causa del narcotráfico es alarmante, y, lo que es aún más condenable, donde la pasividad de las autoridades ante tal genocidio es, cuesta escribirlo, manifiesta, Lucía se decidió a adaptar el texto de Lope para alertar de un drama social y humano que, cuatro siglos después, recuerda al que el autor reflejó y condenó en su aclamada obra, y, sobretodo, para sensibilizar al público acerca de una situación injusta con la que todos, unidos, podríamos y deberíamos acabar, siguiendo el ejemplo de los vecinos de Fuente Ovejuna. “En nuestra versión” – comenta Lucía, “las labradoras se convierten en maquiladoras, los músicos son tres mariachi con los que el público bebe tequila durante la boda de Frondoso y Laurencia, y el Comendador es un narco sin escrúpulos”. La relevancia y contemporaneidad de Lope de Vega han hecho posible la licencia. Esta obra es también un tributo al genial autor.

Acompañando la representación se muestran, en el hall del teatro, algunas obras de la exposición Disposable: Ciudad Juárez and the War on Women (Desechable: Ciudad Juárez y la Guerra a las Mujeres), un tributo de sus artistas, fundamentalmente mujeres, a las maquiladoras de Juárez, que cada día ponen en riesgo sus vidas, desde el instante mismo en que salen de sus casas, para ir a las fábricas de textiles que garantizan su sustento y el de sus familias. La organización de esta exposición ha sido mi forma de contribuir al proyecto que Lucía, que también disfruta de una beca Fulbright en Nueva York como yo, con tanta ilusión, originalidad, y respeto ha concebido y hecho posible, y mi particular homenaje a todas las Laurencias y Pascualas, Lidias, Ofelias, y Mariselas que no tuvieron ni tienen tanta suerte como nosotras, y fueron, son, ultrajadas y menospreciadas por el hecho de ser mujeres, y a mis paisanos mellarienses, que nos recuerdan que la unión y la solidaridad humanas pueden realmente acabar con tamañas injusticias y crueldades. ¡Tod@s a una por las mujeres de Ciudad Juárez!


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19/11/2010

Homenaje a Pilar Sarasola, vda. de Luque

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El próximo martes 23 de noviembre a las 18:00 horas, en la sede de la Filmoteca de Andalucía, se verificará el acto de homenaje a Pilar Sarasola, vda. de Luque,en el que se proyectará el documental Pilar Sarasola, viuda de Luque, una mujer a contracorriente , dirigido por Juanjo Martínez, y contará con la presencia de la familia de Pilar Sarasola y la intervención de Angelina Costa, Juana Castro, Rogelio Luque, Gerardo Olivares, Manuel García Parody y Matilde Cabello.

Pilar Sarasola Llanas nació en Gijón en el año 1905. Estudió en la Escuela de Comercio de su ciudad natal donde por vía epistolar conoció a Rogelio Luque, librero e impresor cordobés. Al cumplir los 18 años, Rogelio y Pilar contraen matrimonio, trasladándose esta a Córdoba.

Desde su traslado a Córdoba Pilar se implica en la atención al público así como en la administración de la librería. Tras el fusilamiento de su marido en Córdoba al inicio de la Guerra Civil, se hace cargo de la Librería a quien fueron ayudando sus hijos Rogelio desde 1947 y Antonio desde el año 1960. Pilar Sarasola falleció en el año 1981.

Ver más: Pilar Sarasola, viuda y alma nutricia de Luque, por Matilde Cabello

Homenaje a Pilar Sarasola, vda. de Luque
Proyección del documental Pilar Sarasola, viuda de Luque, una mujer a contracorriente, dir. Juanjo Martínez
Martes 23 de noviembre, 18:00 h
Filmoteca de Andalucía
c/ Medina y Corella 5, Córdoba

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18/11/2010

Un ejemplo de los movimientos de obras de arte en La obra del mes del Bellas Artes

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El próximo domingo 21 de noviembre, la cita con La obra del mes en el Museo de Bellas Artes de Córdoba tendrá como protagonista la restauración y el movimiento de las obras de arte, para lo que se tomará como ejemplo el lienzo llamado Santiago batallando contra los moros, original de Lucas Valdés (Sevilla, 1661–Cádiz, 1725), presentación que será llevada a cabo por la restauradora Inmaculada Páez Domínguez.

Iconográficamente descrito como Santiago en la Batalla de Clavijo, la obra de Lucas Valdés pertenece a los fondos del Museo de Bellas Artes de Córdoba, donde ha sido restaurada por el equipo de restauración al que pertenece Inmaculada Páez. El lienzo se encuentra expuesto en la muestra titulada Principio Potosí, un interesante proyecto cuya tesis principal sostiene que la modernidad no tiene su origen y fundamento en el racionalismo y la ilustración, sino en el proceso de expansión y explotación iniciado en el siglo XVI con el descubrimiento de riqueza bruta en territorio colonial, en el que están presentes obras de los siglos XVI y XVII junto a propuestas contemporáneas. La restauración de la pieza para su itinerancia -que comenzó en el Reina Sofía, para seguir en Berlín y próximamente en Potosí-, y los movimientos de la misma, será el eje de la intervención de Inmaculada Páez.

En la presente edición del ciclo La obra del mes se han seleccionado obras vinculadas unas veces con el arte, otras con la biblioteconomía, la arqueología, y también temas como la fotografía, la arquitectura, los movimientos de las obras, pero especialmente se abordará el de la restauración tanto en obras de arte como en el propio edificio que alberga la institución.

El objetivo se dirige como siempre a profundizar en el conocimiento de determinadas obras de la exposición permanente, otras ubicadas en almacén, o adquiridas y restauradas recientemente. Para ello, el Museo contará con personas de alto prestigio y conocedoras de la materia, que pondrán al alcance de todo el público sus conocimientos sobre las obras o temas seleccionados por ellos mismos, entre los fondos del museo o de reciente actualidad.

Los siguientes participantes en el ciclo, el último domingo de cada mes, serán Jerónimo Sánchez, arqueólogo, Enrique Ortega y Rosa Cabello, restauradores, Alfonso Blanco, restaurador, F. J. del Río, director de la Biblioteca Pública Provincial de Córdoba, José Mª Báez, artista, Manuel Pedregosa y Pilar Vinós, arquitecto y restauradora y Fuensanta García de la Torre, directora del Museo de Bellas Artes.

Obra del mes
Santiago batallando contra los moros. Un ejemplo de los movimientos de obras de arte
Interviene Inmaculada Páez Domínguez
Museo de Bellas Artes de Córdoba
Plaza del Potro, 1
Domingo 21 de noviembre, 13 h 

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Arqueologías del futuro. Contra/tiempo en El vuelo de Hypnos



Jesús Alcaide / comisario de Contra/tiempo 

El proyecto El vuelo de Hypnos nace en el año 2004 con la intención de establecer un diálogo entre patrimonio histórico y arte actual. Desde ese año se han sucedido cuatro ediciones,en las que se ha invitado a participar a distintos artistas en las estancias de la Villa romana de El Ruedo en Almedinilla, favoreciendo una explicación del yacimiento a través del arte actual y diversas reflexiones sobre cuestiones que ese yacimiento ha suscitado en los artistas que se acercaban a él (sueño, poder, habitat, privacidad, tiempo...etc).

Se trata de una experiencia singular, pues es una de las pocas, si no la única, ocasión de que los artistas contemporáneos puedan intervenir mediante proyectos artísticos en un espacio con tantas connotaciones históricas como la Villa romana de El Ruedo en Almedinilla, uno de los yacimientos arqueológicos que se han convertido en mayor foco de atracción y desarrollo económico y cultural para la Subbética.

El vuelo de Hypnos forma parte del proyecto de intervenciones artísticas contemporáneas Periféricos que se desarrolla en la provincia de Córdoba y del que forman parte Scarpia (El Carpio), Sensxperiment (Lucena), Aptitudes (La Rambla) y DMencia (Doña Mencía) con la organización de la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí y la colaboración de los Ayuntamientos de El Carpio, Lucena, La Rambla y Doña Mencía.

Para esta V edición, se ha planteado una reflexión sobre el yacimiento desde las teorías sobre una arqueología del futuro (Jameson), a modo de un relato de ciencia ficción, donde el futuro ya no es lo que era y nuestro presente se debate en un territorio de relecturas y apariciones, supervivencias de otras épocas y pasos hacia adelante en un tiempo que ya sabemos que no es lineal.

En este impasse temporal, los distintos artistas intervendrán sobre las diferentes estancias de la villa a modo de proyectos site-specific, en el que plantearan sus diferentes visiones sobre algunas cuestiones que este yacimiento puede suscitar,siempre abordándolos desde una mirada contemporánea.

El propio título Contra/tiempo es un juego de palabras que define por una parte la difícil e irreconciliable vinculación de los artistas con el tiempo,no sólo el pasado sino el actual y por la otra se define como algo que de manera inesperada,fortuita y sorprendente actúa como cese temporal del curso natural de las cosas.

En esta ocasión, aquellos visitantes que paseen por las diferentes estancias de la villa, se encontrarán con las obras de tres artistas contemporáneos como son Tete Álvarez, Jacobo Castellano y Jesús Palomino, que a través de sus intervenciones y producciones site-specific, reinterpretarán conceptos ligados a la villa como son la memoria, el yacimiento, el tiempo, el hábitat, la vivienda y la propia presencia del espacio en un entorno natural único como es el de la Subbética cordobesa.

Territorio y geolocalizaciones, mapas y construcción de la ciudad contemporánea, sus límites y sus derivas vienen siendo algunas de las preocupaciones que se suceden en las obras de Tete Álvarez (Cádiz, 1964) desde hace unos años. Después de piezas como Localizaciones o Transurbancias, Tete Álvarez nos plantea en la pieza realizada de forma específica para el lugar, una intervención sobre la estancia que se supone biblioteca del dueño de la villa, en la que a modo de mosaico aparece una imagen cenital de una ciudad contemporánea tomada a partir de un dispositivo de localización terrestre. De esta forma se une una de sus principales preocupaciones, la utilización crítica de los nuevos medios con el espacio urbano y la temporalidad, uno de los elementos con los que viene trabajando desde los años ochenta a través de trabajos en video, net-art, instalaciones e imagen fotográfica.

La memoria y la experiencia sobre los lugares que habitamos han sido constantes que se han repetido a lo largo de casi todos los proyectos artísticos de Jacobo Castellano (Jaén, 1976). De forma específica para El vuelo de Hypnos ha realizado una pieza en la que superpone varias capas o lecturas en torno a la memoria individual y colectiva, la historia, los recuerdos, la memoria y los restos físicos que dejamos en los espacios habitados. Se trata de componer una maqueta de su casa de la infancia, hoy en ruinas, para imbricarla dentro de otra ruina, la de la Villa, espacios ambos habitados,que en el polvo de sus estancias, conservan los restos de lo que fuimos y seremos, polvo sobre el suelo.

Si en un comienzo las obras de Jesús Palomino (Sevilla, 1969) presentaban referencias a elementos claros como las máquinas o las chabolas, desde el 2006 parece haberse centrado en abordar cuestiones discursivas que tienen que ver con diversos elementos que tienen que ver con la democracia y sobre todo la percepción.

Es en este sentido en el que la obra que presenta para El vuelo de Hypnos, viene a cobrar especial significado, al huir de una vinculación mítica con el lugar y en su lugar aplicar una estrategia de presentación del mismo. Lo que hay, es lo que ves, parece decirnos Palomino, una estructura creada para ver e interpretar el yacimiento, los restos y la historia. Un artefacto que actúa de forma determinante a la hora de acercarse a los testimonios arqueológicos de la villa, presentando un espacio vacío, tierra de nadie, en cuya parte superior aparece, como si de un templo se tratase, la plataforma industrial que se ha creado para resguardar el yacimiento, conservarlo y ponerlo en valor.

El vuelo de Hypnos V
Inauguración: 20 de noviembre de 2010 a las 12:00 h.
Villa romana de El Ruedo, Almedinilla, Córdoba

Se fletará un autobús ida y vuelta para aquellas personas que deseen asistir a la inauguración.
Hora de salida: 10:30 AM.
Lugar de encuentro: Plaza de Colón esquina Torres Cabrera
Reserva de plaza (gratuita) en el teléfono 957 496 520 o en el correo-e programaeducativo@fundacionboti.es

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16/11/2010

Lo salvaje no tiene palabras



  Asistentes a la exposición ante una obra de Antonio I. González. Foto Ars Operandi

Pablo Rabasco / Ars Operandi 

De lo nombrado, el hombre ya queda fuera, dijo Nietzsche, atreviéndose a adentrarse en los laberintos de la subjetividad, allí donde los conceptos se debilitan y las descripciones se convierten en meros adjetivos recurrentes. Por eso, cuando la palabra no se dice, ni se escribe, sino que lentamente se construye, con el calor de mil grados de temperatura, en la oscuridad y silencio del horno del ceramista, parece que podemos adentramos en la subjetividad , en el vacío instante de lo que somos. Ensuciándose la palabra, buscándose en una forma meramente controlada, caprichosa en sus detalles, dejada en los instantes finales al capricho de su materia real. Hisae Yanase, responsable de esta edición de Páginas de Barro, ha seleccionado los proyectos de tres artistas que han tratado el tema de la palabra desde perspectivas bien diferentes. Alberto Andrés presenta un interesante diálogo entre las formas cerámicas y de arcilla blanca con otros materiales y contextos dirigiendo nuestra atención hacia el mundo del consumo, de la publicidad, y de la palabra como eslogan privado y efectivo. Obras como Be a star, o Slow-fast se sitúan en ese diálogo entre materiales encontrados, signos utilizados y estereotipos vitales. Antonio González, con una obra más introvertida, ha encontrado en el complejo universo del poeta sueco Tomas Tranströmer, ese vacío presupuesto de la incomunicación resuelto desde nuevos contextos más libres. Antonio, en la obra Pero no… proyecta una serie de imágenes inspiradas en la negación, obras de otros artistas como Santiago Sierra, sobre unas placas de cerámica fríamente horadadas que permiten un diálogo con la dimensión y el espacio de la obra, permitiendo un encuentro en positivo con la negatividad. La obra de Gabriella Sacchi es en cierto modo más literal con el tema tratado. Los cuadernos de notas, rápidos dibujos, postales que describen a modo de un desordenado e inmediato diario, llenan la sala, para poco a poco transformarse en páginas de barro, en cuadernos moldeados, con las mismas palabras, pero con los lentos ritmos arrastrados de un tiempo ahora distinto.

 La exposición Páginas de barro: Palabras puede verse en la Sala Galatea (Casa Góngora) hasta el 30 de noviembre
Artículo publicado originalmente en Diario Córdoba

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15/11/2010

Arte, cocina y modos de hacer en la Sala Vimcorsa

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Más de cuarenta artistas participan en la muestra El pensamiento en la boca, que la Sala Vimcorsa inaugura el martes 16 de noviembre. El proyecto parte como punto inicial de la cocina, donde obras, situaciones y escenarios se conjugan mediante un concepto de creación como lugar de encuentro e intercambio, donde la invención es tarea compartida. Según el comisario de la muestra, Francisco del Río, los artistas participantes "pretenden poner de manifiesto lo que la cocina tiene de invención, de acto creativo, pero también de acto creativo relacional, que es el que sale de la colaboración entre las personas".

 El proyecto El pensamiento en la boca parte de lo cotidiano como tema y lugar,  señalando particularmente la actividad creativa a partir de unas condiciones de reciprocidad e intercambio entre hombres y mujeres, padres e hijos, parejas, colectivos, familiares, instituciones… todos de distintos orígenes y formación diversa.

Los artistas presentes en la muestra no lo hacen a título individual, sino que la obra final aparece como el resultado de la colaboración, comunicación e intercambio entre los participantes. De este modo, nos encontramos a los participantes como miembros de colectivos, los cuales o bien funcionan en grupo o forman parejas artísticas, a la vez que desarrollan su propio trabajo creativo. 

Así, de entre las colaboraciones conjuntas podemos encontrar a Guillermo Pérez Villalta, Blitz, Kaoru Katayama, Escuela de Arte de Jerez, Humberto del Río, MP & MP Rosado, Chema Alvargonzález, Jesús Palomino, Fede Guzmán y colectivo Scarpia  con una propuesta en la que elaboran panes con formas de racimos de uvas o ratas.

Por otro lado, Carlos Aires y Emotive Project, Javier Gascón, Maki Ilzuka e Inmaculada Parra junto a Sala de Estar organizan fiestas de cumpleaños por encargo en la sala, una iniciativa que ya cuenta con una próxima reunión infantil en la sala.  También sobre la reunión familiar han trabajado Juan Carlos Sánchez de Lamadrid, Ming Yi Chou y Mar García Ranedo, con un video titulado A la mesa, donde García Ranedo prepara una comida entre tres generaciones de su familia.

La degustación como resultado final protagoniza las acciones de Juan Ángel González de la Calle, quien presenta un video sobre las incidencias de un festín con ocasión de la ingesta de un esqueleto de mazapán realizado previamente por el artista, así como la de José María Baez y Dorothea von Elbe, quienes participan con una instalación titulada La estrella eres tu, y te como, en la que pastas con forma de estrellas realizadas por los artistas se ofrecen y pueden consumirse durante la visita a la exposición.

Una recreación del lienzo Almuerzo en la hierba es presentada por Claudio y Salomé del Campo, mientras que, por otro lado,  hay obras de Matías Sánchez y Cristina Lama (un díptico de grandes dimensiones), de Luis Quintero y Mercedes Erice, Rubén Guerrero, José Miguel Pereñiguez y Cristóbal Quintero, Abraham Lacalle, Rafael Agredano y Chema Cobo y la Richard Channin Foundation (Fernando Clemente, Juan del Junco y Miki Leal)  quienes presentan La custodia del cubata, una personal interpretación de la Custodia de Arfe.

Cocido sin título es el video que presentan Javier Buzón, Patricio Cabrera, Ricardo Cadenas, Curro González y Alberto Marina, donde la autora del cocido protagonista es la madre de Patricio. También con video (Comistrajo) participa Pepa Rubio, mientras que la performance estará representada por el trabajo conjunto de la Escuela de Arte de Sevilla junto a Ignacio Tovar, Sema y Eduardo D’Acosta mas Seleka, San y Mr. Kern, quienes ofrecen la pieza Paté de fuá, por un lado, y Antonio Hito, José Jiménez y Paco Cerrejón  junto a Javier Martín con la performance Tarta-bomba. José María Bermejo, Gerardo Delgado, José Antonio Reyes, Miguel Ángel Rodríguez Silva, Alonso y Viqui Gil cierran con diversas propuestas la relación de participantes.



El pensamiento en la boca
Inauguración martes 16 de noviembre, 20:00 h
Sala de exposiciones Vimcorsa
C/ Ángel de Saavedra 9, Córdoba
L a S de 10.30 a 13.30 y de 18 a 21 horas
D y F de 10.30 a 14.30 horas
Comisario: Francisco del Río

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I Encuentro Arte en la Periferia

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Durante los días 17, 18 y 19 de Noviembre, tendrá lugar en Córdoba el Primer Encuentro de Arte en la Periferia, con los objetivos de reflexionar sobre el papel de las periferias desde la gestión y práctica artísticas e intercambiar productos y experiencias plásticas, promoviendo la movilidad de los agentes culturales por los territorios, y establecer una dinámica de trabajo en red entre proyectos.

Desde la organización del I Encuentro de Arte en la Periferia se ha convocado para ello a diversos representantes de otros tantos proyectos de arte en la periferia (director/a, comisario/a, coordinador/a, responsable técnico, de comunicación…) con capacidad de exponer su concepto del mismo, objetivos, gestión, desarrollo histórico y aspiraciones.

El encuentro, concebido como unas jornadas de reflexión sin público, básicamente consistirá en la presentación de los distintos proyectos artísticos que se desarrollan en periferias culturales, contextos rurales y espacios de naturaleza, así como mesas redondas de reflexión e intercambio de experiencias, propuestas de trabajo en red y elaboración de conclusiones.

Por parte de Córdoba participarán representantes de los proyectos incluidos en el ciclo Periféricos, que componen DMencia (Doña Mencía), Aptitudes (La Rambla), Scarpia (El Carpio), Sensxperiment (Lucena), El vuelo de Hypnos (Almedinilla) y Encuentro de Poesía Visual (Peñarroya-Pueblonuevo).

Otros participantes son Clara Garí (Nau Côclea, Gerona), Teresa Luesma (CDAN. Centro de Arte y Naturaleza-Fundación Beulas, Huesca), Cristina Geneiro (Fundación NMAC, Montenmedio, Cádiz), Victoria Rodríguez Cruz (Sierra. Centro de producción e investigación de arte actual, Huelva), Lluis Llobet (Centre d’art i natura Farreras, Pallars Sobirà,  Lérida), Fabio de la Flor (Cementerio de arte, Morille, Salamanca), Delicia Burset (Can Xalant, Mataró), Fede Guzmán (Artifariti, Sáhara Occidental), Maria Rosa Hidalgo (EC3. Encuentros de Cultura y Cooperación Creativa. Campo de Gibraltar y Norte de Marruecos), Ramón Parramón y Maite Palomo (Idensitat, Calaf, Manresa, Mataró, Priorat, y El Prat de Llobregat, Barcelona y Quinzena d’art de Montesquiu, Montesquiu ). La mesa redonda final estará coordinada por Chus Cantero (Observatorio Andaluz de Economía de la Cultura, OIKOS).
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Paco Cosano muestra sus obras homenaje a Velázquez

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A la izquierda, cartel de la exposición, junto a las dos obras de Paco Cosano presentes en la muestra


Como homenaje a Velázquez, el artista fernanuñense Paco Cosano muestra sus obras en la exposición colectiva titulada Velázquez. Miradas audaces, que desde el 4 hasta el 24 de noviembre puede visitarse en la sala de exposiciones de la Casa de la Cultura de Castilleja de la Cuesta.

En la exposición, organizada por el colectivo Eklektik_Art, participan junto a Cosano los artistas Alberto Carmona, Jesús Puertas, Juan López, Fdez. Mariscal, Laureano I. Pizarro y Rosa González, con el nexo común de la figura velazqueña, en las distintas interpretaciones que presentan los artistas participantes.

Paco Cosano (Fernán Núñez, 1949) cursó estudios de Magisterio así como la Licenciatura de Bellas Artes en Santa Isabel de Hungría y la de Historia del Arte en la Universidad de Sevilla. Catedrático de Dibujo y profesor en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Córdoba, donde coordina las actividades relacionadas con las artes plásticas, ha seguido una extensa carrera pictórica iniciada en 1973, datándose su primera individual en 1978, en la desaparecida galería cordobesa Manuela. Con posterioridad y de forma ininterrumpida ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas.

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Córdoba Contemporánea en Arte21

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La galería Arte21 mostrará a partir del miércoles 17 de noviembre la exposición titulada Córdoba Contemporánea, en la que mostrarán sus obras los cordobeses Hisae Yanase, Nieves Galiot, Jacinto Lara, Paco Salido, Juanjo Caro, José Luis Muñoz, Hashim Cabrera, Javier Flores, José Mª García Parody, Rafael Navarro y Antonio González junto a Pilar Molinos, Cristina Cañamero y Marcel Bohumil.

La exposición, de carácter itinerante, fue presentada en el centro de arte La Cinoja, de Fregenal de la Sierra, en el pasado mes de abril, de donde pasó a la sala de exposiciones Teatro Sierra de Aracena (Huelva). La presentación en Córdoba está organizada por la Delegación de Cultura del Ayuntamiento en colaboración con Arte21. 


Córdoba Contemporánea
Miércoles 17 de noviembre, 21 h
Galería Arte21
Manuel Mª de Arjona 4 ,Córdoba
Hasta el 8 de enero
Comisario: Antonio Jiménez
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Los Derviches de Damasco en Madinat al-Zahra

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El segundo ciclo de Músicas en Madinat al-Zahra, que bajo el título Del legado a la innovación, se viene celebrando en el Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra, en colaboración con Casa Árabe, convoca una nueva cita para el martes 16 de noviembre con la actuación del Ensemble Al-Kindi con Sheik Habboush y los Derviches Danzantes de Siria.

Dentro de esta segunda edición, en la que música tradicional y contemporánea se unen para mostrar una amplia panorámica de la música andalusí y sus nuevas formas de expresión, llega el turno de contemplar la fascinante actuación de los legendarios derviches de Siria.

La actuación es un trance místico en el que los derviches danzan girando sobre sí mismos una y otra vez al ritmo que marca la orquesta de instrumentos tradicionales árabes Ensemble Al Kindi, dirigida por Julien Weiss, y el canto del Sheikh Habboush.

La cofradía mística sunita de los sufies Mawlawiyya (Mevlevi-s en turco, derviches danzantes en occidente) fue fundada por el gran poeta persa Jalâl al-Dîn al Rûmi (1207-1273), instalado en Konya (Anatolia). El arte musical de Damasco (uno de los principales centros del Islam, y etapa de peregrinación hacia la Meca) se caracteriza por las suites (wasla), los modos (maqam) y los ritmos originales. El ritual no puede ser interpretado en las mezquitas donde los instrumentos están prohibidos. Algunas grandes mezquitas tienen un repertorio vocal particular, transmitido de muecín a muecín. Las suites sacras son llamadas nawba-s, termino reservado a los no creyentes en Al-Andalus y el Magreb. Su expresividad es fundamentalmente serena, con un acompañamiento rítmico reglado y riguroso para llevar progresivamente a la asamblea hacia el trance o la meditación, según la elección de las cofradías.

Ensemble Al-Kindi con Sheik Habboush y los Derviches Danzantes de Siria
Martes 16 de noviembre, 20:00 h
Carretera de Palma del Río, km. 5,5.
14071, Córdoba
Entrada libre hasta completar aforo

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12/11/2010

Brinkmann. Madurez y riesgo


 Enrique Brinkmann, Barcelona I, aguafuerte, aguatinta y azúcar/papel

Oscar Fernández / Ars Operandi

El discurso de la modernidad, a pesar de la opinión de muchos de sus cronistas, ha sido fluctuante. Nada de esa inmovilidad que, como un estigma, le ha perseguido hasta casi nuestros días aparece en la obra de quienes la vivieron con mayor intensidad. Y es que, como demuestra la obra gráfica de Enrique Brinkmann, es un suceder de pequeñas revoluciones lo que mejor define la actividad artística del siglo XX. Tal vez, como nos descubren los pensadores post-estructuralistas, sea justamente esa cronicidad del cambio, esa perpetuación de la disidencia, la que haya agotado a lo moderno. Pero, en cualquier caso, una consecuencia como esa sólo será aplicable a casos particulares, y no define el espíritu de toda una época que ha podido ser cualquier cosa menos monótona.

Desde este prisma se viene produciendo una nueva historiografía, representada entre otros por Thomas Crow. De su trabajo en torno al devenir del arte en la segunda mitad del siglo XX podemos extraer nuevas claves de lectura que nos ayudan a mejor comprender la obra de quienes, como Brinkmann, vivieron esa época con intensidad. En concreto, las revisiones recientes de la modernidad posterior a la II Guerra Mundial nos la muestran como un fenómeno mucho más híbrido de lo que nos presentaron sus principales paladines; nos referimos por supuesto a Clement Greenberg y Michael Fried. Es, precisamente, como enmienda a éstos que Crow lanza una serie de argumentos con los que, sin duda, el Brinkmann grabador también comulga.

La primera enmienda se lanza contra aquella idea, que Fried ratifica en su ensayo Arte y objetualidad, según la cual la obra de arte moderno ha de ser aprehensible en un instante único. Toda verdadera obra de arte habría de ser contemplable en ese breve lapso; siendo capaz de condensar toda su grandeza en una mirada fugaz. Lo que derivaba en la invocación de un arte estático y fijo. Como respuesta a ello, Crow nos recuerda que Barnett Newman, uno de los últimos artistas a los que Greenberg apadrinó como adalid de esa modernidad óptica e instantánea, representaría finalmente una herejía contra ese discurso. Ya que, si bien su pintura se ceñía a las normas formalistas y planas que requería la instantaneidad, el resultado de su encuentro con el espectador era bien distinto. Como afirma Crow en El esplendor de los sesenta: "Las pinturas se prolongaban más allá de cualquier aspecto único coherente, incitando al movimiento físico y a un compromiso progresivo con la totalidad de su presencia material".

Otro de estas enmiendas se dirigió contra la obsesión de Greenberg y Fried por impulsar una pintura abstracta que no se ocupara de otra cosa que de la propia pintura como problema formal y del modo en que esta se distribuye por la superficie del soporte pictórico y se ciñe a los límites que éste marca. En definitiva, se trataba de cuestionar la idea de autorreferencialidad como sentido inquebrantable del arte. Ante ella se reacciona, de nuevo, flexibilizando las posturas e introduciendo numerosos ejemplos en los que los artistas apadrinados por estos críticos formalistas traicionaban la estricta norma que se les imponía. Así, se cita las evidentes sugerencias figurativas que se destapaban en la pintura de Willem de Kooning por el modo como éste introducía en ellas ciertos golpes de color, o el retroceso hacia modelos de expresión más ¡cónicos que experimentó Jackson Pollock en el último período de su carrera.

Esta tarea de desmontaje del discurso hegemónico sobre ciertos aspectos de la modernidad, incidiendo en aquellos enunciados que se daban como dogma, se ha convertido en uno de los objetivos principales de la posmodernidad. Sin embargo, su presencia no es ajena a la propia idea de modernidad. Ya decía Albert Camus, sobre los primeros poetas modernos como Rimbaud, que su obra demostraba un empeño por derribarlo todo, por la ruptura sistemática, pero que a la vez evidenciaba la "nostalgia desesperada de un orden".

 Enrique Brinkmann, MMX 11, aguafuerte, aguatinta y azúcar/papel

La dialéctica entre ruptura y orden, no entendidos ya como una contradicción, marca también la obra gráfica de Enrique Brinkmann. Igualmente la define su capacidad para reafirmar el rigor plástico del medio, expresándose a través de un discurso abstracto que no incurre en la autocomplacencia -en la que, afirmaba Crow, incurrió parte de la Escuela de Nueva York-. También es característico en sus grabados ese abandono de la fijeza y del carácter unitario de la pintura para proponer imágenes complejas, llenas de pequeños laberintos que, a modo de trama, resultan en un aguafuertes y aguatintas expansivos, casi rizomáticos. La metáfora neuronal, que años atrás se instaló en su obra, y la incorporación a su pintura de la malla metálica como superficie sobre la que trabajar, no hacían sino presagiar esta tendencia, que ahora es tan clara en los grabados, hacia la complejidad y la profundidad. Todo ello dentro de un lenguaje que, por lo demás, se presenta como bastante contenido.

Todas estas enmiendas profundas a la modernidad de corte greenbergiano, en las que anda inmerso Brinkmann desde hace décadas, no exigen de este artista más que una sobria combinación de recursos. Nada que ver con la aparatosidad que otros insurgentes frente a la modernidad dominante, estoy pensando en Tàpies, por ejemplo, portaban consigo. Mientras estos últimos se convertían en traidores a lo moderno mediante su desbordamiento, abrazando un nuevo barroquismo lleno de la teatralidad y el solapamiento de signos que aborrecía Greenberg, Brinkmann se propone hacer menos ruido.

También en su obra gráfica más reciente, de la que ahora se muestran la serie Barcelona, de 2008, y la serie MMX, de 2010, el artista destila esta sutileza que en él es, desde luego, una gran cualidad. Bajo las condiciones específicas del formato y de la técnica de estampación, estos trabajos mantienen intactos los valores más relevantes del quehacer de este autor. Se trata de aguatintas y aguafuertes que insisten en ese discurso antidogmático y transversal del último Brinkmann. Así, la profundidad se impone sobre la obsesión moderna por las formas planas; el dinamismo y la idea de recorrido de la mirada se autoafirma contra el paradigma del instante único descrito por Michael Fried; el detalle, formando una compleja red de conexiones, es el que conforma la imagen final; el trazo del artista, sin incurrir nunca en el amaneramiento, se muestra siempre, incluso cuando se trabaja con elementos geométricos como puntos o líneas; los grandes planos de color monocromo aparecen elementales, graves, pero siempre contrastados y contaminados por otros temas. Es así, casando trasgresión con sutileza, como el artista combate esa estrechez de miras que representa una cierta versión de la modernidad con la que él nunca se identificó.

Enrique Brinkmann
Obra Gráfica
C/ Conde de Robledo, 5, Córdoba
Hasta el 20 de noviembre

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11/11/2010

José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía

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El patio, José Manuel Ballester

El Premio Nacional de Fotografía, que concede el Ministerio de Cultura, ha sido concedido este año al fotógrafo madrileño José Manuel Ballester (1960) "por su trayectoria personal, procedente de las artes plásticas y cristalizada con rigor en el campo de la fotografía, por su singular interpretación del espacio arquitectónico y la luz, y por su aportación destacada a la renovación de las técnicas fotográficas", según ha comunicado el jurado del premio.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1984, tras un acercamiento a la pintura tradicional, desde 1990 su tema central es la fotografía arquitectónica. De entre sus diversas exposiciones destacan Lugares de paso (Valencia, 2003), Setting out (Nueva York, 2003) o Habitación 523 (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2005), a las que hay que unir las colectivas realizadas en ARCO, Paris Photo, Art Forum (Alemania) o Art Chicago, entre otras ferias. Ha recibido el Premio  Nacional de Grabado los años 1999, 2000 y 2002.

El premio, dotado con 30.000 euros, ha sido concedido por un jurado presidido por la directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura, Ángeles Albert, y compuesto por Gervasio Sánchez, Premio Nacional de Fotografía de 2009; Cristina Fontaneda, directora del Museo Patio Herreriano de Valladolid, designada por el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC); Óscar Muñoz, conservador del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Luis Feás, por la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV); Marta Dahó, por la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE), y Lorena Martínez de Corral, por la revista de fotografía Matador.

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10/11/2010

Fuego cruzado, fuego amigo entre Pérez Villén y Federico Guzmán

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El crítico de arte Angel Luis Pérez Villén y el artista Federico Guzmán son los protagonistas de una nueva entrega  de Fuego cruzado/fuego amigo, el ciclo de conversaciones  que desde el mes de septiembre viene reuniendo en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga  a artistas y críticos de arte para mantener un diálogo público acerca de sus intereses artísticos en común.

La iniciativa, que el próximo 18 llegará a su fin,  pretende "una forma directa de acercarse a la creación contemporánea de la mano de sus autores y reflejar el compromiso del crítico en las nuevas interpretaciones del arte actual" y  supone "una oportunidad única para los asistentes de conocer a artistas consagrados y jóvenes promesas a través de la interacción entre crítico y artista, así como de las cuestiones que planteen los críticos de arte, profesores, periodistas invitados y los propios asistentes".

Mañana jueves  le llega el turno a Federico Guzmán y Ángel Luis Pérez Villén que mantendrán una conversación que lleva como título Luchando contra el boli y el pincel. En ella  artista y crítico harán memoria de los proyectos en los que han coincidido, subrayando sus claves más importantes: el compromiso del artista con el arte, la disolución de la autoría en el trabajo colectivo o la crítica de arte como creación, entre otras. Exposiciones como Paisajes de la pintura en el Palacio Episcopal de Málaga o Encrucijadas en el Alcazar de los Reyes Cristianos son ejemplos de los puntos de encuentro que han mantenido en los últimos años Guzmán y Pérez Villén.

Nacido en Sevilla, Federico Guzmán ha cultivado siempre un interés por el arte como herramienta de conocimiento y encuentro entre las personas. Guzmán ha colaborado con importantes galerías como Yvon Lambert de París o Brooke Alexander en Nueva York. Algunos de sus proyectos individuales más recientes son La enredadera de la serpiente en Benveniste Contemporary de Madrid, La Bella Embalada  para la galería Pepe Cobo en Art Basel Miami Beach o El mato de tomaco desarollado para el Encuentro MDE 07 celebrado en Medellín.

Ángel Luis Pérez Villén, por su parte, es Doctor en Historia del Arte y desde comienzos de los 80 realiza crítica de arte en Cuadernos del Sur y ha sido corresponsal de Andalucía para la revista Lápiz. Actualmente centra su labor en el comisariado de exposiciones, labor ésta en la que posee una dilatada trayectoria que le ha llevado a colaborar con instituciones como el  Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla., el Palacio Episcopal de Málaga o el Ayuntamiento de Córdoba.

Fuego cruzado/fuego amigo ha reunido desde el  inicio de esta temporada a buena parte de la crítica y la plástica andaluza. Artistas como Soledad Sevilla, Pedro G. Romero, Abraham Lacalle, Miki Leal o Cristina Martín Lara han compartido tribuna con críticos y comisarios, en su mayoría también andaluces, como Sema D´Acosta, Pedro Pizarro, Iván de la Torre o Margot Molina.

Ciclo conversaciones: 
Federico Guzmán y Ángel Luis Pérez Villén: Luchando con el boli y el pincel
11 de Noviembre 19:00 horas 
Salón de actos del CAC Málaga

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Luis Calvo muestra sus tecnopinturas en la sala Góngora Arte

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La sala de exposiciones Góngora Arte presenta el 11 de noviembre la muestra titulada Gráfica y paisaje, en la que el diseñador cordobés Luis Calvo presentará sus últimas obras, tras el paso por la sala de la muestra fotográfica de Gabriele Friscia, finalizada el pasado 30 de octubre.

Luis Calvo Anguís (1959), es diseñador gráfico e ilustrador. Sus primeros dieciséis años como profesional transcurrieron en Madrid, dedicado a la ilustración y a la edición gráfica de publicaciones. Trabaja en los equipos de edición del diario deportivo Marca, el semanario Actualidad Económica y la revista Telva, colaborando en trabajos de ilustración y diseño gráfico de otras publicaciones nacionales como El País o Elle.

En el campo de la gestión cultural, Luis Calvo ha sido organizador y co-director junto a Esteban Ruiz de los Talleres de Arte Contemporáneo, que han sido llevados a cabo en varias ciudades españolas incluida Córdoba. Es autor y editor del libro 100 espacios de creación contemporánea de Córdoba.

En los últimos años trabaja en la investigación y desarrollo de tejidos naturales de alta calidad para estampaciones digitales. La presente muestra, Gráfica y paisaje, está realizada utilizando este soporte, un resultado final que el artista ha denominado como tecnopinturas.

Luis Calvo Anguís
Gráfica y paisaje
Sala Góngora Arte
(Sala de exposiciones del Instituto Luis de Góngora)
Inauguración 11 de noviembre, 20:00 h
Del 11 al 25 de noviembre de 2010
De lunes a viernes de 19 a 21 h. Sábados de 12 a 14 h.
C/ Diego de León, 2 (Junto a Plaza de Las Tendillas)

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