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27/12/2010

Hisae en la nueva exposición de 16 Asas

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16 Asas, el proyecto organizado por José Carlos Nievas y Miguel Moreno Carretero, presentó ayer al público cordobés su segunda exposición, protagonizada en esta ocasión por Hisae Yanase. 16 Asas es, según sus promotores "una nueva forma de exponer, de comprar, de coleccionar, de disfrutar del arte", en la que artistas de reconocido prestigio ponen a la venta obra original a precios más que asequibles (50 €). Un domingo de cada mes se mostrarán dieciseis obras originales únicas o seriadas introducidas en bolsas de papel, las cuales, a través de una ventana circular, desvelan parte de su contenido. En la exposición que desde ayer se muestra en el estudio de Nur Comunicación del Paseo de la Ribera, Hisae Yanase presenta collages basados en fotografías pintadas con su perro -un sharpei- como protagonista. 

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22/12/2010

Escenografías para el silencio


En primer término cajas de luz de Tete Álvarez y al fondo fotografía de Georges Rousse. Fotografía: Cortesía TEA

"No miramos para conocer un paisaje sino para inventarlo" o "No es posible regresar al lugar donde fuimos felices. El lugar puede ser el mismo, pero el que observa siempre es otro" son algunas de las frases del escritor Bruno Mesa que apoyan y dirigen  el recorrido expositivo por El silencio de los objetos. Escenografías para el silencio, exposición  colectiva que reúne en Tenerife Espacio de las Artes (TEA)  hasta el 6 de enero próximo casi cuarenta obras pertenecientes a la colección Ordóñez Falcón de fotografía. Comisariada por el director del Centro de Fotografía Isla de Tenerife, Antonio Vela, y el conservador de la Colección  TEA, Isidro Hernández, en Escenografías para el silencio, "las construcciones y los espacios arquitectónicos se presentan como si fueran grandes naturalezas muertas en las que confluye un silencio inusitado y casi sepulcral". Para los comisarios "en estas fotografías los edificios creados para habitar y convivir se encuentran, ahora, deshabitados, ajenos, uniformes y asfixiantemente racionalistas, casi carentes de identidad, ajenos a cualquier habitabilidad".

La muestra reúne una extensa nómina de autores que incluye a lo más representativo de la fotografía internacional contemporánea tales como Thomas Ruff, Candida Höfer, Hanna Collins, Georges Rousse o Humberto Rivas. Dentro del panorama nacional aparecen nombre como  Valentin Vallhonrat, Sergio Belinchón, Pep Agut o el cordobés Tete Álvarez que presenta Claustro de Procuración, un conjunto de tres cibatrans en cajas de luz, que fueron adquiridas por Ordoñez Falcón en 2001.

La colección Ordóñez-Falcón de fotografía está considerada actualmente una de las más importantes en manos privadas de las que existen en Europa y consta de aproximadamente 1.300 obras con cerca de 2.000 piezas, que abarcan el periodo comprendido desde los años 20 del siglo XX hasta la actualidad.

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Convenio IAPH-UNIA para la gestión del patrimonio de las universidades públicas andaluzas


Dolores Montijano, Mujer con cinturón, 1986. Universidad de Granada, Hospital Real.  
Imagen: Universidad de Granada

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico (IAPH), entidad científica de la Consejería de Cultura, y la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA) acaban de firmar un convenio de colaboración en materia de gestión del patrimonio cultural de las universidades públicas andaluzas.

Las actuaciones previstas están encaminadas a la documentación, formación e investigación de este patrimonio a partir de la elaboración de un Registro del Patrimonio Mueble e Inmueble de las Universidades Andaluzas, de la realización de cursos de formación impartidos por técnicos del IAPH, y la elaboración de un manual de catalogación para el patrimonio mueble.

El convenio pretende favorecer la difusión a la ciudadanía y la protección de este rico patrimonio -aunque disperso y poco conocido- a través de la labor de un personal cualificado, de unas infraestructuras específicas y las herramientas adecuadas para poder ejecutar las líneas propuestas.

La colaboración entre el IAPH y la UNIA se enmarca en el proyecto Atalaya, una iniciativa, impulsada por la Consejería de Innovación, Ciencia y Empresa, que presta atención a la cultura nacida, programada y gestionada desde las universidades, en el que la UNIA actúa en representación de las universidades públicas andaluzas como coordinadora del proyecto La gestión del patrimonio universitario.

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21/12/2010

Interferencias en el I+CAS

 por Jesús Alcaide
comisario de la exposición

Conexiones, nodos, patrones de comportamiento, sistemas de partículas, autómatas celulares, gráficas de flujos, interferencias y placas PCB. Con términos que hasta ahora pertenecían al lenguaje de la física, se suele referir Daniel Palacios (Córdoba, 1981) a sus proyectos artísticos en los que las relaciones entre arte, ciencia y tecnología se aplican al espacio y ponen en entredicho los sistemas perceptivos. Su trabajo busca crear situaciones y no simulaciones, utilizando la “realidad” en sus instalaciones con el fin de originar resultados plásticos y no digitales. La tecnología le permite controlar qué factores intervienen en tal espacio, en qué medida y cuál será su efecto. De este modo, el público es un parte indispensable de la obra, participando en su proceso, mientras el artista, a la vez, puede estudiar las reacciones de estos, único factor que no puede controlar y aspecto vital de su trabajo.

Intrusiones (2007). Videoinstalación
Intrusiones se conforma como una ventana que nos muestra un paisaje montañoso en multitud de diferentes estados: soleado, lluvioso, días tranquilos, días en los que las nubes no dejan de sobrevolarnos, noches de una profunda oscuridad y otras en las que las luces reflejadas en las nubes conforman un techo naranja. Estas visiones, reproducidas a alta velocidad, nos permiten ver el tiempo pasar ante nosotros, pero el sonido es algo temporalmente más complejo de representar, es por eso que estos post-it quedan como testigo de cada una de las intromisiones del exterior en nuestro espacio, hasta el punto que son lo único que queda, eliminando nuestra relación con el interior y bloqueando nuestro interés en el exterior. A medida que estos hacen desaparecer el campo de visión, crean un paisaje de sonidos, sonidos que leer, sonidos que se crean en ese momento en nuestra cabeza... una nube de sonidos que fluyen en nuestra cabeza miremos donde miremos, robándonos nuestra falsa sensación de control sobre nuestro entorno y poniendo en evidencia la imposibilidad del aislamiento.

Waves (2007). Escultura cinética interactiva
En Waves un largo trozo de cuerda representa tridimensionalmente una serie de ondas flotando en el espacio, a la par que estas producen sonido por la propia física de su movimiento: la cuerda que crea el volumen, crea simultáneamente el sonido al cortar el aire, conformando un único elemento. Según nos comportemos frente a él, según la cantidad de observadores y sus movimientos pasará de una línea estable sin sonido a formas caóticas de sonidos irregulares (cuanto más movimiento haya en torno a la instalación) a través de diferentes estadios de ondas sinusoidales y sonidos armónicos. Este tipo de influencias acción-reacción aplicadas al sonido y al espacio, son la base de esta instalación. Tangiblemente, la instalación se conforma de dos turbinas, soportadas por una estructura de diapasón, entre las que se crean las ondas. No obstante, es lo intangible, el proceso que allí se crea, lo que dota de sentido al espacio que ocupa y establece una relación con el público, quien comienza a descubrir que sus movimientos influyen en el espacio, en el sonido y alterna estados de gran agitación con otros en los que se detiene para ver como la onda desaparece en el espacio como un silbido en el viento.

Outcomes (2010).Instalación sonora interactiva

La interactividad es una interferencia. No podemos observar sin alterar aquello que observamos, de tal modo, lo que percibimos en torno nuestra no es el entorno, sino no nuestra interacción con él. OutComes se conforma como una instalación modular, compuesta de un número variable de tubos de resonancia distribuidos en el espacio y un gráfico de flujos en el suelo que visualiza los sistemas de relaciones para tal composición. Erguidos en el suelo y aparentemente aislados en sus posiciones, pero conformando un gran elemento, cuando nos adentramos en su espacio, el sonido empieza a fluir de ellos. De la relación que tiene la propia instalación con el espacio que ocupa (el cual la moldea y define su estructura) y la relación del público con este mismo espacio (la forma de moverse en él y por lo tanto en la instalación) se genera una composición musical; de modo que tanto público como instalación forman parte activa en la generación de este nuevo elemento a pesar de que ninguno interviene directamente en el otro, sino que cohabitan el espacio en el que se encuentran el uno al otro.

Kill the process (2010). Esculturas sonoras interactivas

To kill the process, más allá de la dureza de su traducción (matar el proceso), es una terminología estándar en programación de sistemas informáticos, siendo este un comando utilizado para detener forzosa e inmediatamente un proceso activo, con la consiguiente pérdida de toda la información manejada por el proceso y liberación instantánea de la memoria del sistema. Un sistema de vida artificial es un programa informático el cual no esta diseñado para realizar una tarea concreta, sino que esta diseñado para aprender, para capturar información y analizarla, con el fin de rediseñarse a si mismo, adaptarse y por lo tanto ofrecer una respuesta cada vez más compleja según este tiene más información con la que analizar la situación en la que se encuentra. Con el fin de visualizar la evolución de este proceso de una forma comprensible y eficaz, se han creado una serie de cajas con la posibilidad de comunicarse con el exterior mediante ritmos. Todo el sistema de vida artificial, la programación, queda contenida en el microcontrolador que está alojado en el interior de estas cajas, junto con los componentes necesarios para analizar y producir rítmicas sonoras por percusión. Un total de 16 cajas, en series de 4, investigan diferentes estéticas y diferentes formas de relacionarse con el público y ellas mismas.

Daniel Palacios (Córdoba, 1981), formado en ciencias y Licenciado en Bellas Artes se desarrolla aplicando la relaciones del arte, la ciencia y la tecnología al espacio y los sistemas perceptivos como consecuencia de sus estudios de postgrado Master en Arte y Tecnología y Master de Arte en la Esfera Pública. Trabajos como ‘Waves’, ‘OutComes’, ‘Kill the process’, ‘Der Unbekannte Einwanderer’ (El inmigrante desconocido) o ‘Intrusiones’ le han llevado por exposiciones como ‘Synthetic Times’ en el National Art Museum de China [NAMOC] o ‘El discreto encanto de la tecnología’ en el Museo Extremeño e Iberoamerica de Arte Contemporaneo [MEIAC] de Badajoz, la prestigiosa Neue Gallerie de Graz (Austria) y el Zentrum für Kunst und Medientechnologie [ZKM] de Karlsruhe (Alemania) uno de los santuarios del arte electrónico a nivel mundial, además de participar en ferias internacionales tales como ARCO y festivales de la talla de Ars Electronica de Linz (Austria) haciendo que su trabajo consiga importantes reconocimientos como el segundo premio VIDA9.0 Arte y Vida Artificial en el 2007, apoyo a la producción como en el caso de la Fundación Arte y Derecho en 2008, realizar residencias artísticas tales como Casa Luthethia (Sao Paulo, Brasil) y ser editado en la revista especializada ‘Leonardo’ del MIT Press, ‘Arte desde Andalucia para el siglo XXI’ coordinado por Ivan de la Torre Amerighi o la reciente edición por Tames&Hudson de ‘Art + Science Now. How scientific research and technological innovation are becoming key to 21st-century aesthetics’ del profesor Stephen Wilson.

Interferencias. Daniel Palacios
23 de diciembre al 26 de febrero
I+CAS. Centro Experimental para la Cultura y las Artes en Sevilla.
C/ Torneo, 18

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18/12/2010

Nace la asociación Artistas Visuales de Andalucía



Foto de familia de la asamblea constituyente de  A.V.A.

Esta mañana se ha celebrado en la sede del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla, la asamblea constituyente de la asociación  Artistas Visuales de Andalucía (A.V.A). La asociación nace con los objetivos de representar a los artistas visuales, defender y promover sus intereses, contribuir a la cohesión y a la profesionalización del colectivo  y a  la promoción del  arte contemporáneo en Andalucía.

En la reunión se han aprobado los estatutos, la denominación de la asociación y se ha elegido la junta directiva provisional que se encargará entre otras cosas  de tramitar el registro de la asociación. Al tratarse de una comunidad tan extensa como la andaluza, los estatutos recogen que en los ámbitos geográficos donde haya un mínimo de quince afiliados  se podrán constituir  comisiones territoriales que tendrán las funciones de representar, defender y mejorar las condiciones sociales, profesionales y culturales de los artistas de su entorno más próximo. Además de la figura de socio de número los estatutos contemplan también las  de socios colaboradores, benefactores y honoríficos además de una categoría especial que dispondrá de cuotas reducidas para menores de 30 años y estudiantes.

La asamblea constituyente ha elegido como presidente al artista sevillano Curro González, ocupando las dos vicepresidencias Blanca Montalvo y Jesús Palomino respectivamente. Como secretaria de la asociación actuará Gloria Martín mientras que Jose Miguel Pereñiguez lo hará como tesorero. Se han elegido un total de diecisiete vocales entre los que se encuentran Carlos Miranda, Celia Macías, Fernando Clemente, Isidro López-Aparicio, Jacinto Lara, Jesús Algovi, Juan Ángel González de la Calle, Juan del Junco, Manuel Antonio Dominguez, Manuel Pedro Rosado Garcés, Marina Rodriguez Vargas, Miguel Pablo Rosado Garcés, Paka Antúnez, Ramón David Morales, Simón Zabell y Tete Álvarez.

Aquellos artistas interesados en recibir más información podrán dirigirse a la dirección de correo: proasociacionavandalucia(arroba)gmail.com

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17/12/2010

Nueva obra del mes en el Bellas Artes

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El domingo 19 de diciembre, el Museo de Bellas Artes de Córdoba llevará a cabo una nueva edición de La obra del mes, la cita mensual que convocada por la institución cordobesa, viene reuniendo desde hace años a los aficionados a las Bellas Artes para el análisis y la disertación de las más relevantes obras que el Museo custodia. En esta última cita del año, la intervención correrá a cargo del arqueólogo y profesor Jerónimo Sánchez Velasco, quien mostrará al público asistente una pieza procedente del Legado Romero de Torres, en concreto una placa cerámica con inscripción visigoda.

En la presente edición del ciclo La obra del mes se han seleccionado obras vinculadas unas veces con el arte, otras con la biblioteconomía, la arqueología, y también temas como la fotografía, la arquitectura, los movimientos de las obras, pero especialmente se abordará el de la restauración tanto en obras de arte como en el propio edificio que alberga la institución.

El objetivo se dirige como siempre a profundizar en el conocimiento de determinadas obras de la exposición permanente, otras ubicadas en almacén, o adquiridas y restauradas recientemente. Para ello, el Museo contará con personas de alto prestigio y conocedoras de la materia, que pondrán al alcance de todo el público sus conocimientos sobre las obras o temas seleccionados por ellos mismos, entre los fondos del museo o de reciente actualidad.

Los siguientes participantes en el ciclo, el último domingo de cada mes, serán Enrique Ortega y Rosa Cabello, restauradores, Alfonso Blanco, restaurador, F. J. del Río, director de la Biblioteca Pública Provincial de Córdoba, José Mª Báez, artista, Manuel Pedregosa y Pilar Vinós, arquitecto y restauradora y Fuensanta García de la Torre, directora del Museo de Bellas Artes.

La obra del mes
Placa cerámica con inscripción visigoda
Interviene Jerónimo Sánchez Velasco
Museo de Bellas Artes de Córdoba
Plaza del Potro, 1
Domingo 21 de noviembre, 13 h

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Zoomorfismo en la cerámica andalusí protagoniza la Pieza del mes en el Arqueológico


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 Ataifor del caballito, cerámica decorada con la técnica verde y manganeso, segunda mitad del siglo X
Museo Arqueológico de Córdoba

 El domingo 19 de diciembre, a las 13:00 horas, en la Sala del Alcaide del Museo Arqueológico de Córdoba, se verificará el acto correspondiente a la presentación de la Pieza del mes, que el museo cordobés viene realizando de forma continuada desde hace más de diez años.

En el presente de 2010, las piezas elegidas han sido las seleccionadas para ser restauradas a propósito de su próxima exhibición en las salas de la ampliación del museo.

La presentación del domingo será llevada a cabo por la arqueóloga Mª del Camino Fuertes Santos, quien llevará a cabo una intervención que versará sobre la decoración zoomorfa de la cerámica andalusí cordobesa, y en la que los asistentes podrán contemplar algunos de estos importantes ejemplos conservados en los fondos del Museo.

Pieza del mes
Sala del Alcaide
Domingo 19 de diciembre, 13:00 h
Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba
Plaza Jerónimo Páez 7
14003 Córdoba 

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16/12/2010

200 personajes en busca de una historia




Juanjo Caro vive de traducir ideas sobre un plano, de trazar con líneas estructuradas una realidad en potencia. En el papel sobrante de los planos, desde hace poco más de un año, lanza al aire, casi a diario, un personaje en busca de un relato. El físico en la oscuridad, La modelo calva, La dama de la cafetería, dibujos que realiza mientras trabaja y que publica en la red buscando a alguien que escriba sus historias.

El Tio Vivo es un dibujo de trazo rápido, bosquejado, un rostro que se confunde con una atracción como de feria. Al otro lado, alguien escribe: Conzoco unos cuantos tíos vivos, pero me marean bastante. Siempre te quieren girando a su alrededor, atenta a su soniquete monótono vacío y ciega con sus luces de colores... Son doscientas historias a grafito que han desencadenado numerosos hilos de relatos. Juanjo los llama "trabajos de papelería" y tras sus rostros a menudo desencajados se enconden las caras muchas veces ocultas de "la mercadería, el paro y la crisis".

El próximo sábado presentará estos trabajos en un marco poco habitual. Un domicilio privado de la calle Carlos Rubio donde mostrará por un día los originales que protagonizan la serie y una serie de etiquetas con personajes para que el espectador se identifique con quien quiera. Se vende Caro es un ofrecimiento a llevarse los personajes a casa para que cada uno les siga construyendo sus relatos.



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15/12/2010

Paradeisos: artistas contemporáneos interpretan las culturas del aceite

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Montserrat Soto, Mar de aceite, serie fotográfica, 2010

Redacción / Ars Operandi 

Paradeisos: Culturas del aceite y arte contemporáneo es el nombre de la exposición itinerante que el próximo 17 de diciembre se presentará en el Palacio de la Merced de Córdoba. Comisariada por Michel Hubert Lépicouche y Óscar Fernández, la muestra comprende una selección de obras pertenecientes a diecisiete artistas internacionales: Karmelo Bermejo, Joseph Beuys, Bleda y Rosa, Ricardo Calero, María Cañas, Alberto Carneiro, Mónica Fuster, Federico Guzmán, La Ribot, Antoni Miralda, Julia Montilla, Daniel Palacios, Miguel Rasero, Daniel Silvo, Montserrat Soto, Manuel Vilariño y Claudio Zulián. Las obras, que en su mayoría son proyectos específicos para Paradeisos, serán mostradas en fechas sucesivas en otras doce localidades de la provincia cordobesa, en un proyecto organizado y producido por la Diputación de Córdoba y la Fundación Rafael Botí.

Para los comisarios, Paradeisos es una muestra cuyo tema argumental se relaciona con un carácter común a todas las comarcas implicadas: la producción de aceite. Para ello, los artistas que han sido seleccionados "no solamente podrán ganarse el interés del público mediante la incorporación en sus obras de elementos formales inspirados en la estética propia del paisaje olivarero, sino también invitándolo a reflexionar sobre cualquier aspecto socio-económico relativo a la producción del aceite". La exposición, por tanto, adquiere un mensaje más allá del puramente estético, pues "pretende insistir en la importancia de esta dedicación que resulta ser vital económicamente para muchos pueblos de la provincia de Córdoba, ya que implica una cadena de actividades desde el cultivo de los olivos hasta la comercialización del aceite e incluso hasta la gastronomía".

Federico Guzmán, La cicatriz, alpechín sobre papel, 2010

En este sentido, las intervenciones de los artistas se han ocupado de modo diverso del olivo y su mundo, encontrándose en Paradeisos una selección de propuestas en variadas técnicas que incluyen la fotografía, la pintura, la instalación, la escultura y la videocreación. De este modo, los visitantes de Paradeisos podrán encontrar desde la obra conceptual de Joseph Beuys (Bottiglie multiple, 1984) hasta la pintura a base de alpechín de Federico Guzmán o los dibujos de Miguel Rasero.

La mayoritaria presencia de la fotografía en el arte contemporáneo tiene en Paradeisos su reflejo contando entre las piezas expuestas una amplia selección a cargo de algunos de los más relevantes nombres del panorama internacional. Bleda y Rosa (Premio Nacional de Fotografía 2008) están presentes con Batalla de Bailén, año 1808 (1995-96), perteneciente a la serie Campos de batalla, en la que el apacible paisaje giennense no hace suponer a primera vista la tragedia vivida en sus campos. Asimismo en este apartado, la mallorquina Mónica Fuster ha realizado para Paradeisos una serie de obras titulada Arborescencias (2010), en la que la artista ha unido su interés por la luminosidad con la interpretación del Tastir o geometría decorativa islámica, dando como resultado unas imágenes "que configuran un encaje en donde se puede entrever una realidad velada, como si esta se observase a través de una celosía", según la fotógrafa. De Antoni Miralda se podrá contemplar la fotografía titulada El ramo de la novia, documento de su célebre intervención Honeymoon Project (1986-1992) un simbólico enlace entre la Estatua de la Libertad de la bahía de Nueva York y el monumento a Cristóbal Colón en el puerto de Barcelona, en la que el artista sugería que este enlace “monumental” sirviera de metáfora del buen entendimiento entre el nuevo y el viejo mundo, y en el que el "ramo de novia" era un simbólico olivo intervenido. Julia Montilla con Veguetas de las Revueltas (1987), Montserrat Soto y su serie Mar de aceite (2010) y Manuel Vilariño y sus Naturalezas muertas (2010) completan la presencia de la fotografía en Paradeisos.
Joseph Beuys, Bottiglie multiple. Difesa della natura: Ölflashe. Edición Domenica de Domizio Durini, 1984

La videocreación estará presente en cuatro obras, de las cuales dos son específicas para el proyecto, Aceite en llamas no deja cenizas (2010), de María Cañas, un video en el que parte de grabaciones encontradas y materiales de archivo para generar un discurso visual nuevo, y la video-instalación de Claudio Zulián, en la que se podrá ver una nueva aproximación a la imagen tradicional del olivo. La Ribot no dejará a nadie indiferente con su videoperformance Another pa amb tomaquet (2001) y Daniel Silvo presentará el vídeo musical Technoaceitunas (2002).

Mónica Fuster, Arborescencias, serie fotográfica, 2010

La muestra se completa con las instalaciones de Ricardo Calero (Esenciales, 2010), Alberto Carneiro (Metamorfose sobre a oliveira do meu jardim, 2010), y el cordobés Daniel Palacios, que vuelve a valerse de la tecnología para su impactante pieza Whatever Hapenned, Hapenned (2010).

Paradeisos: Culturas del aceite y arte contemporáneo
Inauguración viernes 17 de diciembre, 20:00 h
Palacio de la Merced, Plaza de Colón, 15, Córdoba
Hasta el 31 de enero de 2011
Comisarios: Michel Hubert Lépicouche y Óscar Fernández

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14/12/2010

Karen Knorr gana el premio Pilar Citoler en su V edición

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Karen Knorr, Flight to freedoom (2010), fotografía digital sobre papel Hahnemühle

Esta tarde ha sido dado a conocer en el Rectorado de la Universidad de Córdoba el fallo del jurado del V Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler, que recaído en la presente edición en la fotógrafa alemana Karen Knorr. La ganadora del premio, dotado con 15.000 euros, ha sido elegida entre un total de 172 obras de artistas de diferentes nacionalidades. La obra premiada Flight to freedom (2010) forma parte de la serie India Song, construcciones fotográficas elaboradas mediante la inclusión de animales vivos, con posturas que recuerdan a la taxidermia, en estancias  de museos y palacios,  lugares donde los animales han sido tradicionalmente presentados como trofeos de caza o como objetos de estudio. Se trata de composiciones fotografiadas cuidadosamente con una cámara analógica de gran formato Sinar P3 y que posteriormente son manipuladas mediante proceso digital.

Karen Knorr nació en Frankfort en 1954, vive y trabaja en Londres, donde es profesora en el Goldsmith College.  Desde la década de los 70 ha venido trabajando en series fotográficas  con la relación del hombre con la sociedad, su cultura y patrimonio como eje argumental. La fotógrafa alemana ha utilizado la puesta en escena fotográfica a lo largo de su carrera y asimismo ha incorporado a su trabajo textos, vídeos e instalaciones. Knorr está representada por las galerías Les Filles du Calvaire de París, Eric Franck y James Hyman, ambas de Londres y la Valerio Tazzetti de Turín. Su obra forma parte de  colecciones como The Cartier Foundation, Centre Pompidou, Paris, y el londinense The Victoria & Albert Museum entre otras. Es autora de varios libros monográficos y recibió el apoyo del Arts Council of England en 2001; de Hasselblad Foundation Reaserch Grant en 1998 y de Nacional Endowments for the Arts en 1986.

El Premio Citoler, uno de los mejor dotados en su género, lleva aparejado asimismo la publicación de un libro monográfico sobre el artista premiado perteneciente a la colección El ojo que ve, editado por las instituciones organizadoras. La colección cuenta  hasta el momento con cuatro monografías que corresponden a los anteriores ganadores del Citoler: Begoña Zubero, Félix Curto, Manuel Sonseca y Juan del Junco. Las bases del premio determinan que se valorará no sólo la obra presentada sino de modo especial "su trayectoria artística y su inserción en el discurso de la fotografía contemporánea".

El jurado, compuesto por Pilar Citoler, el fotógrafo José Manuel Ballester, los comisarios de exposiciones Alfonso de la Torre y Jaime Brihuega, profesor de Historia del Arte en la Complutense, la galerista Pilar Serra, la directora de MADRIDFOTO Giulietta Speranza, y Juan del Junco, ganador de la pasada edición, ha seleccionado asimismo a otros nueve artistas entre los que se encuentran  nombres como los de Magdalena Correa, Luis Baylón, la pareja Amale-Bondía, Gerardo Custance, Ignacio Llamas, Álvaro Sánchez-Montañéz o el sevillano Gonzalo Puch. Según fuentes cercanas al jurado los artistas Sergio Belinchón y el cordobés Tete Álvarez han sido junto a Knorr los nombres favoritos en la última fase de la deliberación del jurado.

La Sala Puertanueva acogerá el próximo mes de febrero una exposición en la que se mostrarán las diez fotografías seleccionadas en esta edición así como una individual del ganador de la anterior, el fotógrafo jerezano Juan del Junco.


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El director del C4 será elegido finalmente mediante concurso


Simulación de la fachada proyectada por realities:united para el C4 de Córdoba

Según ha informado hoy Radio Córdoba Cadena Ser, la Consejería de Cultura convocará finalmente un concurso para la elección del futuro director del Centro de Creación Contemporánea de Córdoba, conocido como C4.  Tanto fuentes cercanas al consejero Plata como el propio delegado de Cultura en Córdoba, Joaquín Dobladez, han confirmado a la emisora local la intención de la Consejería de Cultura  de aplicar el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo en lo referido a la elección del director del nuevo espacio. Para ello habrá de dotar de entidad jurídica al centro como paso previo a la convocatoria del concurso. Se desconoce por el momento si el compromiso del gobierno andaluz afecta también a otros aspectos que recoge el documento como los referidos a la gestión del centro, estructura o constitución de un patronato.

El documento  es el resultado de las conversaciones iniciadas en junio de 2006 entre el Ministerio de Cultura, la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo, el Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo, el Consejo de Críticos de Artes Visuales, el Instituto de Arte Contemporáneo, la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales y la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte de España. El documento no tiene carácter normativo y sólo supone compromisos para aquellas instituciones que lo asuman. El Ministerio de Cultura, por su parte, ha hecho suyas estas buenas prácticas y recomienda  al resto de las administraciones autonómicas y locales que las adopten.

El principio en el que se basa el documento, que está pensado para museos dependientes total o parcialmente de administraciones públicas, es similar al que en el ámbito anglosajón se denomina arm’s length: la administración delega el gobierno del museo o centro en un patronato cuyos miembros incluyen representantes directos de la propia administración, la cual elige además un número de expertos en la materia y da cabida a empresas o instituciones que prestan un apoyo efectivo al museo. Este modelo de gestión es más fácilmente aplicable cuando los museos o centros tienen estatuto jurídico de fundación, agencia pública o similar, ya que disfrutan de mayor autonomía administrativa y flexibilidad organizativa.

El documento establece, entre otros aspectos, que la elección de los directores habrá de realizarse mediante concurso y que la decisión sobre el nombramiento de un nuevo director es responsabilidad del Patronato del Museo o Centro de Arte.  Recordemos que el reciente anuncio por parte del consejero Paulino Plata de la designación directa del director del centro ha encendido las alertas en las asociaciones del sector como el Instituto de Arte Contemporáneo o localmente la Plataforma de Profesionales del Arte Contemporáneo de Córdoba que en un próximo comunicado reclamará la aplicación del documento en la configuración del nuevo centro..

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12/12/2010

Crónicas de excepción, apuntes para una nueva era

por Ángel Luis Pérez Villén *
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Summertime 4, fotografía de Manolo Bautista

Podría decirse que la obra de Manolo Bautista permanece fiel al realismo si no fuese porque en muchas ocasiones la propia realidad supera la ficción. Pero esta máxima que caracteriza los discursos de construcción de realidad, ya sea la literatura, el cine o incluso la prensa o la historia, no se puede aplicar a su sistema de trabajo. Por más que las escenas remitan a situaciones propias del acontecer cotidiano -con su habitual sesgo de imposibilidad o de extrañeza- no se pretende su validación como verosímiles, todo lo contrario, invitan al público a un ejercicio de análisis que permita evidenciar las fisuras de la representación que aprovechan los media para poner en pie su discurso. Esta es la razón del mimetismo que apreciamos en sus fotografías, esa adherencia de realidad que se advierte en sus imágenes, fruto de los procesos de simulación que operan en aquéllas y que el artista utiliza -vueltas del revés- para resignificarlas y dotarlas de un sentido absolutamente diferente.

Así ha sucedido desde el inicio de su trayectoria. Cuando Manolo Bautista se apropió y clonó a Bibendum, el muñeco creado a finales del siglo XIX por Marius Rossillon (O'Galop) para Michelin, no trataba sólo de ganarse la atención mediante un icono tremendamente popular, sino de construir un relato inclusivo, marcado de antemano por la mediación de la célebre figura pero también abierto a otros campos semánticos que determinarían por connivencia un sentido plural. Y así fue como surgieron las series de fotografías digitales en las que reconocimos escenas de la historia del arte protagonizados por los clónicos michelines; escenas por lo general de una cierta crudeza y lógicamente desprovistas de la estética que nimba las obras originales de los grandes maestros de la pintura. Y es esta carencia la que les otorga esa valencia transitable entre la crueldad y el humor negro que se desprende de su lectura. Menos violenta y más irónica, por cómica, nos resulta esa otra mirada que el artista proyecta sobre la realidad inmediata en una serie aneja, también con los clones de Bibendum como protagonistas: ya no se trata tanto de apuntar a la brutalidad inherente a la historia de la humanidad como de señalar las licencias que en materia sexual nos permitimos para mantener despierto dicho instinto.

Summertime 2, fotografía de Manolo Bautista

Le siguieron otras series también vinculadas con la realidad pero cuyo tratamiento omitía las mediaciones metafóricas precedentes así como la creación virtual de las escenas, que no su construcción digital. Series transidas de una suerte de vanitas posmoderna que retrataban la condición efímera y banal de toda experiencia, fotografías que testifican la faz agónica de la sociedad del espectáculo cuando cesa la simulación y emerge patética esa otra realidad suspendida al contraluz de la memoria. También erigida en los confines de la realidad más próxima, la serie presentada hace un par de años en la Galería Rafael Ortiz en la exposición Artificios nos muestra una naturaleza contaminada por la sintaxis y la iconografía de los media, fundamentalmente la publicidad y el cine. Manolo Bautista ha operado por descontextualización para crear una realidad otra, una imagen retrofuturista tremenda: la de un mundo incierto en el que tanto la propia naturaleza como la sintomatología identitaria de la comunidad quedan mancilladas por la presencia inquietante e inconfundible de símbolos procedentes de otro contexto. Cortijos abandonados en mitad de la nada, construcciones rurales ruinosas, playas desiertas, unos y otras tatuados con logos de alcance planetario y reclamos de la carne, componen un paisaje arqueológico de la temible globalidad rampante.

Sin embargo la obra reciente que aquí presenta incorpora otros mecanismos. Ya se ha citado la descontextualización, un procedimiento del que se sirvió fundamentalmente el surrealismo y que Manolo Bautista también utiliza para hacer saltar la chispa de la extrañeza, para crear una situación o una atmósfera de realidad diferente de la habitual aunque atrapada entre los pliegues de la verosimilitud. Así lo hizo con las obras precedentes y así vuelve a hacerlo ahora, si bien aunque muestra las cartas sobre la mesa, aunque no oculta los ardides de su proceso de hiperrealización -sin abandonar esa tendencia de la fotografía construida que en su caso prescinde de figurantes– aborda otras estrategias que junto a las anteriores enriquecen su propuesta. Bien cambiando la escala de los elementos insertos en la escena para implementar su excepcionalidad, bien conjeturando la dificultad para discernir entre fantasía, paradoja y ficción, bien perturbando la funcionalidad de los significantes de la imagen o cuestionando la competencia de la representación como trasunto narrativo, lo cierto es que estas obras desentumecen la mirada e incitan a una lectura de nuestro entorno en clave de excepción.

* Texto publicado por la Galería Rafael Ortiz de Sevilla con motivo de la exposición de Manolo Bautista, Thinking like an artist, que se celebra  hasta el 8 de enero.

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10/12/2010

Villa del Río acoge la antológica de Pedro Bueno a un siglo de su nacimiento

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Hoy viernes, día 10 de diciembre, a las 20 horas, se inaugurará en la Casa de las Cadenas de Villa del Río, centro cultural de la localidad, una exposición conmemorativa del centenario del nacimiento del laureado pintor cordobés Pedro Bueno. La muestra, organizada por la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí - Diputación de Córdoba, CajaSur y el Ayuntamiento de Villa del Río, reúne un centenar de trabajos seleccionados entre los más representativos de la producción de este pintor. La muestra, después de exhibirse en Villa del Río, se podrá visitar en Córdoba, repartida entre las salas expositivas del Palacio de la Merced y en las de CajaSur Gran Capitán y de Reyes Católicos, tras de lo cual será trasladada a otros municipios de la provincia. La muestra ha estado comisariada por el historiador del arte Miguel Clémentson, especialista en la obra del pintor de Villa del Río.

La exposición Pedro Bueno en su centenario (1910-2010), compuesta por un centenar de obras, entre óleos y dibujos, se conforma como una excepcional muestra antológica donde se conmemora la figura de uno de los más notables artistas de nuestra provincia, al cumplirse el siglo de su nacimiento. Las obras han sido seleccionadas de entre los fondos de las colecciones de CajaSur y Diputación de Córdoba, junto al Ayuntamiento de Villa del Río, la Hermandad Virgen de la Estrella, la Escuela de Arte Mateo Inurria y varias colecciones particulares.

Pedro Bueno Villarejo nació en Villa del Río, el 17 de febrero de 1910 y falleció en Madrid el 14 de enero de 1993. Desde muy joven, decidido por la carrera artística a la que se oponía su familia, huyó a Madrid para poder desarrollar sus estudios, primero en la Escuela de Artes y Oficios y luego en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. A lo largo de su carrera recibió importantes y numerosos premios, como el Nacional de Bellas Artes.

Pedro Bueno en su centenario 1910-2010
Inauguración viernes 10 de diciembre, 20:00 h
Casa de las Cadenas, c/ Infante, Villa del Río, Córdoba

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Pedro Bueno en su centenario (1910-2010)

Autorretrato, ca. 1970

Miguel Clémentson, comisario / para Ars Operandi

Pedro Bueno en su centenario (1910-2010) recoge una cualitativa selección de las temáticas consideradas por el artista a lo largo de su fecunda trayectoria, destacando especialmente la amplia representación de retratos y autorretratos de que se nutre la muestra—veintitrés composiciones—, entre los que podemos encontrar obras tan representativas como el Autorretrato de 1945, que sirvió para ilustrar la portada de la exposición inaugural del influyente colectivo de posguerra conocido como Escuela de Madrid en la madrileña Galería Buchholz, que vino a suponer una inyección de vitalidad y frescura en el adormecido panorama de los años cuarenta. Otro periodo atendido en esta interesante muestra es el relativo a la etapa formativa del pintor, integrado por seis originales trabajos, mediante los cuales podemos vislumbrar sus inicios como pintor, al disfrutar de la Bolsa de Estudios que le asignó la Diputación para secuenciar sus estudios en la madrileña Escuela Superior de Pintura, que se disponía en aquellas fechas en los pisos superiores de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Otra representativas secuencias presentes en la exposición son las relativas a figuración humana y maternidades, que constituyen dos géneros ampliamente considerados a lo largo de su producción por el artista—en la muestra representados con veintidós y doce trabajos, respectivamente—. El bodegón, con dieciséis composiciones, es otra de las temáticas más queridas del pintor, desplegando a través de ella una estimación sobria, pero constructiva y rica en cromatismo, de lo que se ha venido a considerar como “naturaleza muerta” que, sin embargo en la producción de Bueno cobra vida exultante mediante la riqueza tonal que sabe orquestar el pintor. Sus desnudos, integrados por ocho composiciones, vienen a completar este recorrido temático, así como sus flores—representadas por nueve composiciones—y cuatro paisajes, temática poco atendida ciertamente dentro de su producción, en la que sin embargo sabe orquestar intensas secuencias.

 Copa de vidrio y pasteles, ca. 1972 

La pintura de Pedro Bueno representó en sus comienzos una reacción frente a las maneras academicistas que se generalizaron en la posguerra, al incorporar a su obra ese singular expresionismo de carácter sensitivo, que tan persistentemente la define, además de esa característica tendencia sintética con que el artista interpreta, una y otra vez, la naturaleza. Pedro Bueno detentaba una rigurosa formación plástica, fundamentada ante todo en la inmensa escuela del Museo del Prado, que le determinaba a valorar de la “Gran Pintura” aquellas leyes imperecederas, que fundamentaban las mejores realizaciones del pasado. Su planteamiento estético se emplazaba en un ideal equilibrio entre la más selecta tradición y los valores vigentes en la contemporaneidad, por lo que llegó a simbolizar en su día, de manera ejemplar, ese sereno sentido de modernidad que postulaba y defendía Eugenio d’Ors en su Academia Breve de Crítica de Arte.

Otra de las adscripciones que marcarán la futura consideración crítica de la obra de este artista, lo sitúan en el heterogéneo conglomerado de autores conocido como Escuela de Madrid, de la que, igualmente, llegaría a ser uno de sus más cualificados intérpretes.

 La espera, ca. 1972

En la consideración del género del retrato es donde este pintor da la medida de sus auténticas capacidades artísticas, llegándose a convertir en el auténtico regenerador de este programa en España, vertiendo en cada una de aquellas imágenes los modernos planteamientos constructivos y cromáticos de nuestro tiempo, adaptando convenientemente estas fórmulas actuales a su particular universo creativo. 

La obra del cordobés Pedro Bueno constituye una excepcional síntesis entre los más genuinos valores de la pintura y las más consistentes esencias de la modernidad. Su concepto estético, rigurosamente cimentado a través del estudio y de la práctica pictórica, supo situarse al margen de las modas efímeras que han caracterizado al arte del pasado siglo, de las que, no obstante, el artista era un inquieto y reflexivo conocedor. Pedro Bueno supo configurar una obra intensa, profunda, infiltrada de una extrema sensibilidad, que sólo era seguidora de su propio norte.

La crítica de arte ha considerado a este artista como uno de los más cualificados intérpretes del género del retrato en nuestro país, pero es preciso subrayar que su producción en este ámbito ha supuesto una auténtica regeneración para este programa temático.

El artista se hizo merecedor de las más importantes distinciones; su nombre, junto al de Julio Romero de Torres, conforma el dúo privilegiado de pintores cordobeses que lograron alcanzar la Medalla de Primera Clase en los ya desaparecidos Certámenes Nacionales que organizaba la Dirección General de Bellas Artes.

En este año se conmemora el centenario del nacimiento de este pintor, que aconteció el 17 de febrero de 1910 en la localidad cordobesa de Villa del Río, donde poseía el artista una casa que quiso convertir en museo dedicado a la exposición permanente de una selección antológica de su obra. Para que se respetara íntegramente su casa-museo en Villa del Río, el artista donó otra completa síntesis evolutiva de su producción, instalada en unas salas del Palacio de Viana, en Córdoba, que fueron inauguradas en abril de 1993, y que junto a la colección que posee la Diputación, integran el magnífico legado que el artista quiso vincular para siempre a la tierra que le vio nacer.

 Niña rubia, ca. 1982

Las obras de Pedro Bueno destacan, ante todo, por sus puros valores pictóricos, al haber recreado con sus trabajos imágenes de una belleza de filiación clasicista, mediante el despliegue de un preciso y sensitivo dibujo, un exquisito cuidado de la forma, y un extremo rigor compositivo, tendente a un concepto plástico de propensión a lo sintético. A sus imágenes, a sus efigies, las impregna de un hondo temperamento poético. Era un profundo conocedor de la obra de los grandes maestros, y un estudioso obsesivo de las grandes obras del Museo del Prado; al tiempo, había analizado e interiorizado las propuestas de las vanguardias del siglo XX, lo cual le permitía dar desarrollo a un tratamiento ejemplar del proceso plástico. De su pintura, la crítica siempre ha sido unánime al destacar la elegancia con que recrea sus figuras, lo cual supone la constatación distintiva de una exquisitez personal que en todo momento proyectó a todos y cada uno de sus trabajos, y que ahora tendremos ocasión de valorar en la amplia exposición conmemorativa que celebramos.

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8/12/2010

Ars Operandi Videos: Páginas de barro: Palabras, Sala Galatea, 2010






Palabras, la tercera edición del proyecto Páginas de Barro, se conformó como una muestra comisariada por Hisae Yanase que trajo a la Sala Galatea (Casa Góngora) las obras de tres de los más importantes artistas cerámicos del panorama europeo: Alberto Andrés, Antonio I. González y Gabriella Sacchi.

Páginas de barro es un proyecto concebido como vehículo de difusión e investigación en torno a la cerámica artística contemporánea, que parte del libro como metáfora de la portabilidad en la transmisión de ideas, de mensajes o de experiencias. El ser del libro como objeto, como pieza transformable y divisible en páginas o cubiertas, permite a Páginas de Barro una enorme amplitud de miras en la selección de los trabajos destinados a las exposiciones que se vienen celebrando en nuestra ciudad desde 2008. En este video, realizado por Ars Operandi Videos, documentamos la exposición que se llevó a cabo en Córdoba durante los meses de noviembre-octubre de 2010.


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5/12/2010

Palabras en imágenes en la Sala Puertanueva

Una vista de la exposición 


Redacción / Ars Operandi

La palabra visual: inmersiones y deslizamientos de la palabra a la imagen y viceversa es el título de la exposición que el viernes se inauguró en la Sala Puertanueva de la capital cordobesa. Comisariada por Margarita Aizpuru, la muestra se concibe como un proyecto que pretende indagar en la palabra partiendo de su imagen como texto escrito y su proyección en las artes plásticas y visuales. La palabra visual reúne obras de veinte artistas elaboradas en diferentes técnicas, que incluyen pintura, fotografía, instalación, collage, graffitti, y un ciclo de videocreación.

Para Aizpuru, en la muestra, "la pintura y los dibujos, las instalaciones, los objetos, la fotografía, los vídeos y las performances se encuentran “atravesados” por las palabras, bien estén integradas en un texto poético o en una narración, o bien utilizada desde ópticas sonoro-fonéticas y en acciones. Mestizajes pues de prácticas artísticas con la palabra y/o el texto que proceden de un arte experimental, “contaminado” y fusionado que crearon muchos poetas y artistas experimentales y que fueron realizando ya desde los años sesenta del siglo XX".

Los diferentes artistas participantes, en sus muy diversas trayectorias, tienen de nexo el haber venido desarrollando "unas obras experimentales, rupturistas, muy interesantes, abiertas y flexibles a esos puntos de intersección entre el lenguaje humano por antonomasia, las palabras, y las imágenes".
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 El muro alto, instalación de José Luzardo

Un apartado importante de la exposición es el dedicado a la creación audiovisual, donde un ciclo de video exhibe la obra de la cordobesa Beatriz Sánchez Playback Camarón, junto a las de Carlos Aires (Cataratas); María Alvarado (Just Play Life); Patricia Bentancur (I Love To...); Beth Moysés (Diluidas en agua), y los veteranos Miguel Benlloch (Mapuch ¡eh!) y Bartolomé Ferrando (335 pellizcos sonoros por debajo de las íes con raspaduras de a). Otras creaciones audiovisuales presentes son el documental Graffitti en Sevilla de Paco Almengló (et al.), una serie de cortos de Daniel Cuberta, La educación de las niñas, de Amalia Ortega, que se presenta junto a tres pinturas, y Tonto el que lo lea, el video y serie fotográfica de Verónica Ruth y Cyro García en el que reflejan el proceso del tatuaje que la artista cordobesa se ha hecho marcar para la realización de la pieza, justamente con el título de la misma. Completan el apartado fotográfico las obras de Qiu Zhijie, Priscilla Mongede quien se muestra además el óleo La pintura es cosa de vida o muerte, Ana Soler, con la serie Wounds & Scars, y Jordi Colomer con Arabian Stars. El sevillano Paco Almengló completa su presencia con la serie de infografías Semiología del poder.

Javier Flores y el canario José Luzardo presentan en la muestra dos instalaciones, la Casa del ser, por parte del artista menciano, y El muro alto, una propuesta con el sida como protagonista en la que el artista isleño ha utilizado 33 dildos para insertar diversos mensajes profilácticos, parejos a los bordados feministas de Beth Moysés de la pieza ¿Qué quieres cambiar en el amor?

El niño de las pinturas en acción. Foto: Rafael Martorell

Completan la exposición las pinturas de Rogelio López Cuenca Patria y Une oasis, ambas de los noventa, los collages infantiles de Bartolomé Ferrando, los óleos sobre periódicos del mexicano Salvador Díaz y la llamativa presencia del grafitero granadino niño de las pinturas, quien realizó para la ocasión una de sus características obras con la caligrafía como protagonista. La palabra visual podrá verse en la Sala Puertanueva hasta el próximo 31 de enero.

La palabra visual: inmersiones y deslizamientos de la palabra a la imagen y viceversa
Sala Puertanueva
Ronda de Andújar s/n (Facultad de Derecho), Córdoba
Comisaria: Margarita Aizpuru

Fotos: Ars Operandi y Rafael Martorell

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3/12/2010

C4, de Buenas Prácticas, nada.


Simulación de la fachada proyectada por realities:united para el C4 de Córdoba

Redacción / Ars Operandi

El consejero de Cultura de la Junta de Andalucía, Paulino Plata, ha desvelado esta mañana una de las muchas  incógnitas que se ciernen sobre el funcionamiento y organización del Centro de Cultura Contemporánea de Córdoba, antes conocido como C4.

En contra de las recomendaciones establecidas en el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo suscrito por las asociaciones del sector del arte y el Ministerio de Cultura, el consejero Plata ha afirmado que su departamento ya trabaja en el nombramiento de un director "que va a ser responsable del futuro del centro". Plata afirmó que "vamos a proponer dentro de poco a una persona, al director del futuro centro, quien junto con los arquitectos, tiene que plantear un proceso de diálogo, elaborar todo lo que el edificio va al albergar y a contener, para que en el proceso final de la construcción se hagan todos los ajustes necesarios para la funcionalidad que va a tener el edificio y las tareas que van a desarrollarse".

El documento de buenas prácticas es el resultado de las conversaciones iniciadas en junio de 2006 entre el Ministerio de Cultura, la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo, el Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo, el Consejo de Críticos de Artes Visuales, el Instituto de Arte Contemporáneo, la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales y la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte de España. El documento no tiene carácter normativo y sólo supone compromisos para aquellas instituciones que lo hayan asumido. El Ministerio de Cultura, por su parte, hizo propias estas buenas prácticas y animó a que las administraciones autonómicas y locales las adoptaran. La Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, al contrario de lo realizado por numerosas administraciones, no ha suscrito hasta el momento este documento.

El documento establece que la elección de los directores habrá de realizarse mediante concurso y que la decisión sobre el nombramiento de un nuevo director es responsabilidad del Patronato del Museo o Centro de Arte. Dos aspectos prioritarios de este documento, que la decisión de la Consejería contraviene al nombrar directamente al director aún sin haber constituido patronato alguno.

Como informábamos recientemente el oscurantismo con que la Consejería está afrontando el proyecto  ha ido encrespando la opinión de parte de la comunidad artística, como el colectivo Nada, que reclama un papel activo de los agentes culturales en la definición del centro de manera que "éste no crezca de espaldas a la realidad donde se ha de insertar". Por otra parte, según ha podido saber Ars Operandi, una plataforma que aglutina a profesionales del arte contemporáneo de Córdoba, hará público en los próximos días un manifiesto en el que se demanda, entre otras cosas, algún tipo de participación de los agentes interesados en la puesta en funcionamiento del centro.

Después de  un comienzo encomiable, la Consejería  de Cultura ha ido alejando paulatinamente de la luz pública la configuración del nuevo espacio de arte. Recordemos que en 2004 la redacción del anteproyecto que sirvió de base para la convocatoria del concurso estuvo elaborado en base a las aportaciones de una mesa de trabajo encabezada por Juan Serrano e integrada  por artistas, críticos, arquitectos y responsables institucionales. En 2005 se celebró el foro internacional de reflexión y debate Un espacio para el nuevo arte que reunió a artistas y a personalidades del ámbito de la teoría del arte y de la gestión de centros artísticos y   en el que se pudieron debatir experiencias que sirvieran de base para la creación del nuevo espacio en Córdoba. Tras la adjudicación del concurso de ideas a los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano se puso en marcha, esta vez en la Consejería en Sevilla, un grupo de trabajo integrado por los propios arquitectos, representantes institucionales y un grupo de artistas y teóricos entre los que se encontraban, entre otros, el ahora jefe de Programas Culturales del Museo Reina Sofía y profesor de Historia del Arte, Jesús Carrillo, el que fuera veinte años director de Arteleku, Santi Eraso, los artistas Daniel García Andújar y Tete Álvarez o el entonces asesor de la Delegación de Cultura y ahora director del I+CAS de Sevilla, Jesús Alcaide. La experiencia participativa  duró apenas un par de sesiones de trabajo y desde entonces la Consejería decidió afrontar la gestión el proyecto de puertas para adentro.

Las obras del Centro de Creación Contemporánea están en estos momentos al 50% de ejecución aunque desde la Consejería mantienen como fecha de finalización en el año 2011.

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2/12/2010

Nueva cabecera: Paco Salido

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La última cabecera del año 2010 en Ars Operandi, la cuadragésimo cuarta de nuestra colección, es obra del artista montillano Paco Salido, a quien agradecemos cordialmente su colaboración. La presente es la segunda cabecera que ha diseñado especialmente para Ars Operandi, tras una primera en junio de 2009.

Nacido en 1956, Paco Salido realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. Compagina su actividad docente con la pintura, siendo autor de numerosas exposiciones colectivas e individuales. De éstas, las mas recientes han sido Pintura (Galería Carmen del Campo, Córdoba y Granada), Límites claros (galería José Pedraza, Montilla) y Pinturas limpias (Galería Arte21, Córdoba). Su obra se encuentra en diversas colecciones como Universidad de Sevilla, Universidad de Córdoba, Parlamento Andaluz, Fundación Rafael Botí o CIATESA. 

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