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29 de ene. de 2011

El debate de las infraestructuras culturales

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Aspecto de la galería alta de Caballerizas Reales tras su rehabilitación

Redacción / Ars Operandi

Las infraestructuras culturales se convierten durante estos días en centro del debate mediático y político en nuestra ciudad. La posible ubicación de la colección Circa XX de Pilar Citoler ha desencadenado una catarata de declaraciones, posicionamientos y valoraciones.

El primer pronunciamiento llegó de manos de la Universidad de Córdoba, que a través de un comunicado de sus vicerrectores, planteó abiertamente que una parte de la colección fuera expuesta de manera permanente en el futuro Centro de Creación Contemporánea que la Junta construye en Miraflores. La falta de concreción del proyecto del nuevo Museo de Bellas Artes, y sobre todo, su falta de financiación, han hecho variar las intenciones inciales que situaban la colección en el nuevo edificio que se habría de construir junto a la Torre de la Calahorra.

La Consejería de Cultura niega la mayor y desestima la inclusión de la colección Citoler dentro del  C4, alegando que el centro se ha configurado como un espacio de producción, investigación y formación y que la presencia permanente de la colección contravendría el plan de usos y el planteamiento conceptual del futuro centro de creación que, en una vuelta de tuerca, ha dejado  de ser denominado "de Córdoba" para pasar a llamarse "de Andalucía". Esta posición de la Junta, considerada desde algunos medios como una afrenta a la ciudad, enciende el debate mediático que se ve atizado por las declaraciones de algunos creadores y expertos que cuestionan  la idoneidad del C4 como sede de la colección Citoler.

Como contraoferta y, reconociendo implícitamente que el Bellas Artes no estará listo en un horizonte cercano, Cultura ofrece su ubicación "transitoria" en el Teatro Cómico Principal adecuado mediante las pertinentes obras de mejora. Esta solución no parecen contentar ni a la UCO, que cree que el teatro  "no ofrece las condiciones que requiere una colección de este calibre", ni a la propia coleccionista que afirma que "no es el espacio idóneo porque es muy pequeño para poder trabajar como se necesita, no tiene fácil acceso, y habría que ampliarlo".

Esta situación de bloqueo lleva a Pilar  Citoler y su entorno en la UCO a proponer un nuevo espacio para albergar la colección y traslada el escenario al ámbito a las competencias municipales. El Ayuntamiento recoge el guante y  ofrece como sede de la colección la planta alta  de Caballerizas Reales, de reciente rehabilitación y que estaba llamada a ser el buque insignia de la política expositiva del Ayuntamiento de Córdoba. Se trata de un espacio de 80 metros de longitud que vendría a paliar la carencia de espacios expositivos que secularmente padece la infraestructura municipal de la ciudad.

Las últimas palabras escritas hasta el momento, vienen de parte de la Consejería de Cultura que anunció ayer que, en cualquier caso, adecuará las instalaciones del Teatro Principal con la intención de albergar allí la sede de Arte Contemporáneo del Museo de Bellas Artes de Córdoba. El proyecto de remodelación del edificio que "persigue la máxima reutilización de las instalaciones actuales" contempla un aumento de la superficie expositiva mediante la  ampliación de superficie en la planta alta. Según informa  la Junta, la nueve sede del Bellas Artes albergará los fondos del siglo XX que ya posee el museo y que serían completados mediante aportaciones procedentes de las colecciones del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o la colección Iniciarte.

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Cordoba: The Car

desde Nueva York: Fanelo Aguayo


Lo primero que me sorprendió cuando llegué a este país fueron los coches, su tamaño desmesurado, tan drásticamente alejado de la norma europea a la que estaba habituado. No es que nunca hubiese visto un Cadillac, un Buick o un Chevy, pero nunca había visto tantos juntos fuera de una película. Han pasado quince años, y después de poco razonar y mucho vagabundear me atrevo a decir –creo que con un amplio margen de error- que a una buena parte de los seres humanos nos molan los coches americanos, especialmente a los varones. La machina Americana, die Amerikaner auto constituye sin duda un magnífico símbolo de la masculinidad más ortodoxa: largo, ancho, potente, poderoso, impresionante, justo lo que se espera de un buen falo.

Sin embargo, más interesante me resulta la idea de que un gran número de esos autos son indiscutiblemente verdaderas obras de arte en serie, como los grabados de Doré o las litografías de Picasso. Los audaces y sorprendente diseños que la industria automovilística de los EEUU ha desplegado en los últimos cien años van mucho más allá de lo puramente industrial. Insisto, mucho más.

Por otra parte, la cultura pop americana no hubiera sido la misma sin sus automóviles. Tampoco el cine, y no me refiero exclusivamente al americano: en los años cincuenta y sesenta, los directores de la Nouvelle Vague francesa utilizaban Américain voitures sin pudor alguno en muchas de sus películas, particularmente Claude Chabrol y especialmente Jean Pierre Melville, quien en la vida real poseía uno.

En un sinfín de films y series de televisión, ese tipo de coche imponente aparece no sólo como uno de los personajes, sino incluso como uno de los protagonistas, y su sola presencia resulta crucial para el desarrollo de la historia. Es el caso del Gran Torino de Starsky & Hutch o el General Lee en The Dukes of Hazzard, entre tantos otros ejemplos. Existen incluso películas cuyo título es en sí un modelo de coche -si no que se lo pregunten a Clint Eastwood-.

En esta vorágine de arte, cultura, industria, sexualidad y naturaleza humana que conforma la idea del coche americano, nosotros los cordobeses –sí, nosotros- curiosamente, tenemos algo de lo que sentirnos orgullosos.

En 1975, Chrysler entró en el mercado de los coches de lujo de dos puertas con la presentación del modelo Cordoba –en inglés se suelen suprimir los acentos-. Se trataba de un coche diseñado para ser elegante y a precio competitivo. Originalmente fue destinado a la factoría Plymouth y se le asociaron nombres como Miranda, Premier o Grand Era. Sin embargo, las pérdidas que trajo consigo la crisis del petróleo de 1973 en modelos de grandes dimensiones –los llamados full-size C-body- inspiró a los ejecutivos de la Chrysler a buscar mayores ganancias comercializando este particular modelo como un Chrysler, marca por entonces más asociada a la elegancia y el lujo. El grueso de la publicidad recayó en un anuncio de televisión presentado por Ricardo Montalbán y el coche tuvo un enorme éxito, llegándose a vender más de 150.000 unidades el primer año.


Desde entonces y hasta la interrupción definitiva de su producción en 1983, las versiones del Chrysler Cordoba han sido múltiples, pero exponencialmente más numerosas han sido sus apariciones en el cine y la televisión. El Internet Movie Cars Database, por ejemplo, contabiliza casi 70, entre ellas películas como Hooper (1976), Con la rabbia agli ochi (1976), Home Movies (1980), The Toxic Avenger II y III (1989), Desperado (1995), C.R.A.Z.Y. (2005), y la más actual de todas Cordoba Nights (2007). La lista también incluye series televisivas como Dallas (1978-1991) y Alfred Hitchcock Presents (1985-1989). Un suculento currículum. Sin duda más impresionante que el del Seat Córdoba, aunque tampoco vayamos nosotros a restar méritos a este último: también estamos orgullosos de él, ¡qué diablos!.

En definitiva, Córdoba –para nuestra mayor gloria- ha sido, es y será muchas cosas, y eso incluye el haber dado nombre a un elegante y cinematográfico carraco americano. Oh, yeah!…¡Aunque Sevilla tenga un Cadillac

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27 de ene. de 2011

Cortinas de humo, nueva entrega de 16 Asas

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 Antonio Blázquez. Fotografía: Juan Manuel Vacas

El próximo domingo, 30 de enero, 16 Asas, el proyecto organizado por José Carlos Nievas y Miguel Moreno Carretero, presentará al público cordobés su tercera exposición, Cortinas de humo, en la que Antonio Blázquez tratará en sus 16 obras "los métodos o formulas del arte y el triunfo, los sentimientos personales y la relación del artista con el mercado del arte". Antonio Blázquez (Fuente Carreteros, Córdoba, 1977), ha realizado diversas exposiciones en salas de nuestra ciudad como TulaPrints o Puertanueva, intervenciones en DMencia y Scarpia y otras en distintas ciudades. Entre otros premios, Antonio Blázquez obtuvo el Pepe Espaliú en 2007. En la actualidad, el artista prepara la exposición titulada Papeles esperados, junto a Beatriz Sánchez y Rosario Villajos, que se inaugurará el próximo 3 de febrero en el Espacio Iniciarte Córdoba.

16 Asas es, según sus promotores "una nueva forma de exponer, de comprar, de coleccionar, de disfrutar del arte", en la que artistas de reconocido prestigio ponen a la venta obra original a precios muy competitivos. Un domingo de cada mes se mostrarán dieciseis obras originales únicas o seriadas introducidas en bolsas de papel, las cuales, a través de una ventana circular, desvelan parte de su contenido. Cortinas de humo es la tercera exposición de 16 Asas, tras la inaugural de Pilar Roca y Sueños de Kana Kana, de Hisae Yanase. La inauguración del próximo domingo contará asimismo con la actuación en directo de Rosario Villajos & Fabio Sabía.

16 Asas presenta:
Antonio Blázquez
Cortinas de humo
Domingo 30 de enero, 13:00 horas
Ronda de Isasa, Local 2, Paseo de la Ribera ( Estudio NUR Comunicación)

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25 de ene. de 2011

La Edad de Oro a través de "Dalí, Lorca y la Residencia de Estudiantes"



Dalí, Lorca y la Residencia de Estudiantes en CaixaForum

Álvaro Tarik / Ars Operandi

La Fundación “La Caixa” y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales organizan la exposición Dalí, Lorca y la Residencia de Estudiantes, con la colaboración de la Fundación Federico García Lorca, la Fundació Gala-Salvador Dalí y la Residencia de Estudiantes. La muestra toma como eje la relación creativa e intelectual que Dalí y Lorca entablaron entre 1923 y 1929.

El contexto cultural, artístico e intelectual de Dalí, Lorca y la Residencia de Estudiantes está representado por una cuidada selección de obra de autores europeos, referentes artísticos que marcaron las líneas estéticas de un periodo fundamental en la Europa de entreguerras: Jean Arp, Rafael Barradas, Carlo Carrà, Paul Cézanne, Giorgio De Chirico, Robert Delaunay, André Derain, Max Ernst, Juan Gris, George Grosz, Ferdinand Léger, Joan Miró, Jules Pascin, Pablo Picasso, Nicolas Poussin, Henri Rousseau, y de los artistas que protagonizan la exposición: Salvador Dalí y Federico García Lorca.

Tres núcleos esenciales componen la exposición, otorgándole una estructura dramática que ordena cronológicamente y describe con obras artísticas, publicaciones diversas y documentos la relación que ambos artistas mantuvieron durante esos años: el inicio de la amistad en 1923 —año en el que el pintor catalán conoció al poeta andaluz en la Residencia de Estudiantes, donde este último llevaba ya tres años viviendo—, la complicidad creativa y el distanciamiento mutuo frente a la crisis de valores de finales de los años veinte.

I. Residentes de Estudiantes

 Rafael Barradas, García Lorca y otro, 1922
 
Creada en 1910, La Residencia de Estudiantes fue escenario renovador de intercambio científico y artístico, y dio orientación y apoyo a varias generaciones de jóvenes cuyos proyectos otorgarían tanto a la institución como a España reconocimiento mundial. El centro contaba con el favor de grandes intelectuales como Juan Ramón Jiménez, Unamuno u Ortega y Gasset y en él se alojaron estudiantes como Severo Ochoa, Luis Buñuel, Salvador Dalí o Federico García Lorca, por citar solo algunos de los más conocidos. Estos contaban con las habituales visitas de personajes como Manuel de Falla, Pedro Salinas o Rafael Alberti, quienes contribuyeron a establecer un ambiente de diálogo entre disciplinas y generaciones. En la Residencia también se sucedían programas de conferencias con disertadores de la talla de Albert Einstein, Marie Curie, Igor Stravinsky o Le Corbusier.

Dalí y Lorca se conocieron en la Residencia en la primavera de 1923 y allí comenzó un periodo de estrecha relación artística y de amistad, cuyos lazos se estrecharían y ganarían complicidad entre 1925 y 1928. La exposición se inicia aquí con una serie de retratos y autorretratos de residentes, la mayoría de Dalí y Lorca. Tintas, acuarelas, dibujos, grabados y algún óleo entre los que se encuentra el de Rafael Barradas García Lorca y otro, (1922).

Lo que Lorca lleva a la Residencia

Lorca era un apasionado del teatro y la música, y de ahí surgió su contacto con las artes plásticas. En 1920 estrenó en Madrid —con estrepitoso fracaso— El maleficio de la mariposa, cuyos protagonistas son insectos (los actores se movían a duras penas por el escenario, enfundados en estructuras duras y articuladas). Los figurines para esta obra fueron diseñados por Rafael Barradas. De su amistad con Manuel de Falla —quien ya había colaborado con Picasso en representaciones de vanguardia— nacieron proyectos tan singulares como la sesión de Títeres de Cachiporra, organizada el día de Reyes de 1923 en casa del poeta ante un público infantil y adulto, con textos adaptados por Lorca, música de Falla y decorados y muñecos de Hermenegildo Lanz, expuestos unos y otros en esta muestra.

Tras conocerse en la residencia, Dalí y el escritor granadino enriquecerían sus respectivas obras, discutiendo y analizando los modelos vanguardistas de su interés.

Lo que lleva Dalí

Cuando Salvador Dalí llegó a la Residencia de Estudiantes ya era gran conocedor de las vanguardias del momento. Su tío era propietario de la Librería Verdaguer de Barcelona, desde donde se distribuían revistas y catálogos vanguardistas. Con el pelo largo y una indumentaria inusual y extravagante, en las primeras semanas como residente apenas se relacionaba con los otros estudiantes, dedicado a las clases de la Real Academia de San Fernando y a las visitas periódicas al Museo del Prado.

En esta etapa, el pintor catalán muestra influencias del simultaneísmo de Delaunay, el vibracionismo de Barradas o el futurismo de Carrà.

Con el tiempo, Dalí se convertiría en uno de los estudiantes más destacados de la Residencia, y su relación con Pepín Bello, Luis Buñuel y Lorca desempeñaría un papel importante en su culminación como figura clave de las vanguardias europeas.

El cuaderno de los putrefactos

Hay aquí recogidos trabajos para aquel libro conjunto que nunca llegó a publicarse y que está directamente vinculado a la época de la Residencia de Estudiantes. “Putrefactos” era como ellos calificaban despectivamente a los artistas tradicionalistas y académicos, y también a los artistas modernos que no acababan de acogerse a las nuevas corrientes de vanguardia radical.

Sobre las paredes de la sala de exposiciones se exhibe una galería de personajes grotescos dibujados por Dalí y acompañados por un texto de Lorca. También se muestran bocetos de George Grosz, Jules Pascin, Henri Rousseau, Giorgio de Chirico y Ferdinand Léger. 

 A la izquierda, Dalí y Lorca con Pepín Bello. En el centro y a la derecha, Dalí y Lorca en Cadaqués

II. Hay claridad

El segundo núcleo fundamental de la exposición ilustra la etapa de mayor conexión y connivencia entre ambos artistas, así como de su afirmación en una línea vanguardista definida básicamente sobre las corrientes del purismo, el maquinismo, la objetividad y l’esprit nouveau.

La “claridad” a la que se refieren Dalí y Lorca, inspirada en los mitos y mistificaciones asociadas al Mediterráneo, definiría los valores estéticos acordados por ambos.

Cadaqués

El pueblo pesquero de Cadaqués, donde la familia de Dalí tenía su residencia de verano, ya había inspirado las inquietudes vanguardistas de Picasso y Derain en 1910, cuando los pintores interpretaron en clave cubista el ritmo y la geometría de su paisaje. El primero fue invitado por Ramón Pichot, amigo de la familia de Dalí. Picasso, a su vez, llamó a Derain para compartir con él su experiencia.

En 1925 y en 1927, Dalí invitó a Lorca a pasar la Semana Santa y el verano, respectivamente, en la residencia veraniega de su familia (para la exposición se han seleccionado algunas fotos de estas vacaciones). Cadaqués aparece en las obras del pintor y el escritor como símbolo de la claridad que defienden. En su Mediterráneo idealizado se hallan la luz, el volumen, la claridad y la expresividad que alimentaron su inspiración.

Cézanne y Poussin

En una carta que Dalí envía a Lorca, el pintor comenta una expresión de Cézanne sobre Poussin: “faire du Poussin d’après nature” (traducida por Eugenio d’Ors en su libro sobre Cézanne, publicado en 1921, como “rehacer a Poussin según la Naturaleza”). Cezanne, así, no era visto como un antiacadémico, sino como un clásico y hasta como un reaccionario, y se establecía una conexión entre el más célebre pintor clásico francés y el padre de todas las vanguardias. De esta forma, el clasicismo se entiende como moderno y la modernidad, como clásica. Estas posturas artísticas conciliadoras llevarían nombres como “valori plastici”, “nouveau classicisme” o “esprit nouveau”.

L’Esprit Nouveau y las tablas del arte moderno

Publicada entre 1921 y 1925 por el pintor francés Amédée Ozenfant y el artista suizo multidisciplinar Le Corbusier, L’Esprit Nouveau fue la revista de vanguardia más influyente de la primera mitad del siglo XX. Una de las características de L’Esprit Nouveau era su voluntad pedagógica con respecto a la modernidad, resumida en tablas didácticas en las que dialécticamente eran presentadas obras vanguardistas contrapuestas a otras que no lo eran.

De la revista hablan a menudo Dalí y Lorca en sus cartas y aparecen referencias en sus pinturas y escritos, material que se incluye en la muestra junto con pinturas de Le Corbusier y de Ozenfant que inspirarían el purismo de Dalí en aquel período.

 Giorgio de Chirico, La mañana angustiosa. A la derecha, ejemplar nº 1 de L’Esprit Nouveau

Valori Plastici y metafísica

Valori plastici se fundó en Roma en noviembre de 1918. En el primer número se recogen artículos de De Chirico, Carrá y Sabino, y en ellos se define la estética del arte metafísico. Gracias a esta revista (consultada asiduamente por Lorca y Dalí), en la Italia más profunda de aquel periodo, bajo el régimen fascista, se informó al público italiano de las tendencias del momento. También encontramos obras de De Chirico en la exposición, como La mañana angustiosa (1912) o de Carlo Carrà: Óvalo de las apariciones (1918).

Postexpresionismo, objetividad y novecento

En una carta que Dalí escribe a Lorca en 1927, el pintor recrimina al escritor que no creyese en la importancia que para él tenían “los holandeses”. Cuando Dalí decía “los holandeses” se refería, en realidad, a Vermeer, citado en numerosas ocasiones en cartas y artículos que habían salido de su pluma. Dalí confiesa su gusto por interpretar la infinidad de lo pequeño, ensalzando la monumentalidad de lo ínfimo, practicando un arte paciente y devoto en el detalle, como hacía Vermeer. O como hizo Rousseau en 1897 con su Bohémienne endormie, paradigma de lo que Franz Roh, en su libro de 1925 Realismo mágico. Post-expresionismo, llamaría “nueva objetividad”.

También Lorca plasmaría en su Romancero gitano (1928) esas imágenes nocturnas y eléctricas, esa luna metálica y esa obsesión por lo microscópico. De Góngora dice Lorca al inicio de “La imagen poética de don Luis de Góngora”, “es infinito —una hormiga, la hojita más pequeña de un arbusto, el modelado cuerpo de una palabra”.

Encontramos en la exposición, representando esta corriente artística, obras de George Schrimpf, Felice Casorati y de Salvador Dalí.

 Dalí, El marinero. Academia neocubista (i) y Naturaleza muerta purista (d)

Purismo

En 1918, Amédée Ozenfant y Charles-Édouard Jeanneret (que todavía no había cambiado su nombre por el de Le Corbusier) montaron la primera exposición de vanguardia del París de la posguerra. En su manifiesto calificaron su pintura de “purista”.

En su “Oda a Salvador Dalí”, publicada en la Revista de Occidente en abril de 1926, Lorca describe la casa-estudio de Ozenfant, construido por Le Corbusier en París en 1923, maravilla de luz y geometría de ángulos rectos.

Dalí, por su parte, entre 1924 y 1926 pintaría tres obras de formato cuadrado, pinturas de proporciones armónicas inspiradas en el purismo y relacionadas con los tres pilares básicos en los que se apoya L’Esprit Nouveau: el deporte y las máquinas: Bañista (Retrato de Joan Xirau); la arquitectura: Naturaleza muerta (Invitación al sueño); la pintura: Naturaleza muerta purista.

Picasso, Venus y marineros

Dalí y Lorca dedicaron un buen número de pinturas y dibujos al tema de las prostitutas y los marineros, tema que enlaza con los motivos más tópicos de la literatura canalla de los años veinte. El pintor de Figueras aprovecha sus cuadros más importantes de este período, como El marinero. Academia neocubista (1926), para confrontarse con el Picasso de los años veinte, sintetizando sus estilos contrapuestos de aquellos años, el cubismo sintético y el neoclasicismo. Lorca, por su parte, realiza dibujos de trazo leve, líneas (de puntos, a veces) que encierran cuerpos transparentes e ingrávidos —en contraste con las formas sólidas y modeladas dalinianas—, como ocurre en Marinero de la revista Litoral (1925-1927).

Picasso, academias y claros de luna

A pesar de sus evidentes diferencias de estilo, Dalí introduce en sus trabajos un gran número de motivos picassianos, llegando a convertir su obra en una verdadera academia. Dalí visitó a Picasso en su estudio parisino en abril de 1926 y, a partir de entonces, su voluntad integradora del cubismo y el neoclasicismo sale reforzada. Ambos artistas representan en sus cuadros de ese período la pintura, la arquitectura y la escultura, un elogio de las bellas artes, como en tantas academias pintadas a lo largo de la historia. El catalán, sin embargo, aportaría una línea de continuidad con respecto al cubismo picassiano, reblandeciendo las formas en elementos típicos de las naturalezas muertas cubistas como la guitarra o los peces, e insiste en los nocturnos y los claros de luna, como hace Lorca en numerosos dibujos y, sobre todo, poemas, donde la luna (elemento, por cierto, denostado por los vanguardistas, que lo consideraban cursi y decadente) adquiere una importancia extraordinaria. Los títulos hablan pos sí solos: Canción para la luna, La luna y la muerte, Reflejo, Salomé y la luna, Nocturno esquemático, etc.

III. Estética fisiológica

En 1928 empieza el distanciamiento en la relación, marcado por la deriva de Dalí (desde la influencia de la Metafísica de Chirico) hacia el surrealismo de Bretón. La objetividad que emparentaba a los dos artistas es ahora sustituida por una subjetividad radical. Lorca empieza a hablar de una “Estética Fisiológica” para referirse al nuevo rumbo que está tomando la obra de Dalí hacia el surrealismo. En 1929 Dalí viaja a París y Lorca, a Nueva York, abriéndose una nueva etapa en ambas trayectorias. Pero en la exposición también se trata el pequeño acercamiento que el propio Lorca hizo al surrealismo con dibujos como Venus (1927-1928) o La vista y el tacto (1929).


 Lorca, San Sebastián, dibujo de 1927

San Sebastián

Un ejemplo de las posturas enfrentadas de los dos artistas puede verse en la interpretación que hace cada uno de San Sebastián. Ambos utilizan al santo como metáfora en una disputa personal e intelectual que enfrenta sus concepciones estéticas.

En julio de 1927, en el número 16 de L’Amic de les Arts (publicada en Sitges entre 1926 y 1929 con Dalí, Gasch y Montanyà como sus miembros más activos), se publica el artículo de Dalí “Sant Sebastià”, dedicado a Lorca, en el que se denota la interpretación de un San Sebastián (símbolo de la homosexualidad) convaleciente, cobarde, con las espaldas protegidas por una columna y cuya carne tiende a la tumefacción. En la carta que Lorca envía a Dalí en agosto del mismo año, se explica un San Sebastián estético y metafórico, de bella figura, cuya carne es de jaspe, enclavado en un arte que se ve con los ojos.

La exposición ilustra este tema con cuadros de Camille Corot, Honoré Daumier, Jan Verkade, entre otros, y dibujos que Dalí y Lorca intercambiaron en sus diferentes maneras de entender la figura del santo.

Las historias del gallo

L’Amic de les Arts impulsó la presencia de Federico García Lorca en los medios vanguardistas catalanes mediante colaboraciones en la revista, conferencias, lecturas poéticas, una exposición de dibujos y el estreno de Mariana Pineda en el teatro Goya de Barcelona, con decorados de Dalí. A partir del modelo de L’Amic de les Arts, Lorca impulsó en Granada la revista gallo, de la que se publicaron dos números en 1923. Gallo publicó la traducción del Manifest groc, promovido por Dalí, Gasch y Montanyà, que Lorca no llegó a suscribir. Dalí, por su parte, dibujó la carátula de gallo, pero su compromiso con la revista fue menor de lo esperado.

La conexión de los dos amigos llegaría a convertirse en una cuestión de arte y de voluntad, más que de entendimiento, lejos del combate de “amor, amistad y esgrima” del que Lorca hablaba en la Oda a Salvador Dalí.

Dalí, Lorca y la Residencia de Estudiantes
CaixaForum
Paseo del Prado, 36. 28014 Madrid
Comisario: Juan José Lahuerta
Hasta el 6 de febrero de 2011

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¿Esto es cultura?

TRIBUNA ABIERTA

Antonio Jiménez Lubián. Historiador del arte. Director de Galería Arte21 / para Ars Operandi
 
En estas últimas semanas muchas noticias nos han llegado en clave cultural desde algunos sectores del Ayuntamiento y que desde mi perspectiva son desafortunadas e inoportunas. Me refiero al coste público innecesario y poco eficiente que suponen proyectos como la transformación de un avión en espacio cultural, o la «restauración» del llamado Hombre-Río. Hablamos de decenas de miles de euros, en proyectos poco eficientes que podrían destinarse a mejoras estructurales de la ciudad o como parte del pago de una deuda cada vez mayor.

También surgen problemas competenciales en los distintos órganos de gobierno del Consistorio; en Presidencia y Urbanismo, por ejemplo, la intromisión ha sido absoluta, decidiendo y viabilizando proyectos como los anteriores, que en todo caso dependerían de la decisión de otra área. Estas competencias han sido vulneradas permanentemente frente a una Delegación de Cultura que con una mayor limitación presupuestaria ha sido más eficaz y cualitativa en su programación. Esto contribuye a que ese bicéfalo administrativo haya perjudicado el desarrollo de una programación unitaria y coherente, derivando hacia discrepancias socioculturales que poco benefician alcanzar objetivos comunes. La Córdoba del consenso parece pasar de largo frente a medidas preelectorales, con presupuestos desmesurados y pocas expectativas de futuro.

Estos dos proyectos ponen de manifiesto no sólo la extralimitación de funciones de quienes deciden; también ignoran que existen unos procedimientos para una buena gestión de programas y de infraestructuras, que deben estar por encima de cualquier personalización en la toma de decisiones, especialmente cuando el grado de erudición de quienes están decidiendo sobre estos temas es tan relativo.

Las cifras sustanciales de estos dos proyectos y su finalidad son contraproducentes tanto por el momento económico que vivimos como por las necesidades actuales de los ciudadanos. Teniendo en cuenta que el Área de Presidencia del Ayuntamiento de Córdoba dedica 100.000 euros de inicio a la adecuación de un avión como espacio expositivo, proyectando su ubicación en la zona de Miraflores cerca del futuro C4 (Centro de Creación Contemporánea de Córdoba), podríamos preguntarnos lo siguiente: ¿Se ha conseguido un consenso real entre los ciudadanos y vecinos de la zona? ¿Qué aportación real tendrá este espacio en el panorama artístico cordobés? ¿Será rentable una infraestructura tan costosa teniendo en cuenta su naturaleza y limitaciones espaciales? ¿Este avión será mostrado como espacio estrella para la Capitalidad? Creo que a todas estas cuestiones serán difíciles de contestar con una respuesta lógica, quizás porque no la tienen.

En cuanto a la gran obra de Hombre-Río, el máximo responsable de la Gerencia de Urbanismo apuesta por la llamada «restauración» de este importante patrimonio cordobés, que de nuevo se plantea como otro proyecto estrella. Esta recuperación de la escultura costará algo así como 40.000 euros, que cobrados o no, al seguro, es un coste desmesurado si atendemos al binomio coste real-finalidad. Ya en 2006, recordemos, nuestro Ayuntamiento sufragó el Hombre-Río por un valor de 50.000 euros, para una obra que más allá de sus valores artístico-creativos, quedaría consolidada y anclada permanentemente a nuestro río, consiguiendo así una «mejor imagen cultural de ciudad».

Considero que esa broma, en su momento anónima, quedó como una acción o una provocación y nada más, pero muchos quisieron que quedara como obra pública definitiva; desafortunadamente llegaron las corrientes que nadie esperaba. La gran obra de ingeniería falló en sus anclajes y los cordobeses nos quedamos sin 50.000 euros y sin obra, pero pasados 4 años algunos pretenden recordar tan magnánimo suceso con el dinero de todos. Pero en España es complejo que se asuman responsabilidades, y Córdoba no es una excepción.

Estas iniciativas son resultado de la falta de ideas por parte de políticos que concurren a determinadas listas electorales, y la verdad, en nuestra memoria queda esa propuesta de espacio cultural del Silo, con unas promesas incumplidas que no las creían ni ellos, pero estábamos en campaña y parece que todo vale.

La improvisación y la terquedad son pésimos compañeros de viaje hacia un horizonte que esperemos sea común.


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22 de ene. de 2011

Apología de la pintura



  Juanma Pérez e Isidre Sabater, Le déjeuner sur l'herbe (V. O. Manet), 200 x 200 cm, collage, acrílico y aerosol sobre tela, 2011

José Álvarez / Ars Operandi 

"No es fácil exagerar la influencia que sobre el futuro del arte tiene siempre su pasado. Dentro del artista se produce siempre un choque o reacción química entre su sensibilidad original y el arte que se ha hecho ya (...) ¿Cuál será el modo de esa reacción entre el sentido original y las formas bellas del pasado? Puede ser positivo o negativo. El artista se sentirá afín con el pretérito y se percibirá a sí mismo como naciendo de él, heredándolo y perfeccionándoloo bien, en una u otra medida, hallará en sí una espontánea, indefinible repugnancia a los artistas tradicionales, vigentes, gobernantes. Y así como en el primer caso sentirá no poca voluptuosidad instalándose en el molde de las convenciones al uso y repitiendo alguno de sus consagrados gestos, en el segundo no sólo producirá una obra distinta de las recibidas, sino que encontrará la misma voluptuosidad dando a esta obra un carácter agresivo contra las normas prestigiosas".

La cita, entresacada de La deshumanización del arte, de Ortega, reflexiona sobre cómo la transformación del arte, o la creación de un nuevo estilo, se basa en la mayoría de los casos en la negación de los valores precedentes. El asesinato de la tradición, consumado en la fecha en que el filósofo publicó su ensayo (1924), resolvió, del mismo modo en que Bruto quiso acabar con la dictadura, el problema del anquilosamiento de las artes resultado de la fosilización del academicismo. Pero... ¿puede haber una opción que conjugue el acervo que desde siglos la pintura ha depositado en la historia del arte con las técnicas procedimentales y los lenguajes artísticos contemporáneos? Juanma Pérez e Isidre Sabater se han aplicado a este propósito en su actual exposición en la galería Carmen del Campo, en una apropiación de los clásicos que, según los artistas, supone "un ejercicio de distanciamiento de esas obras que forman parte de nuestra retina y que deseamos pintar aportando nuestras obsesiones y transformándolas en algo propio".

V. O. (Versión Original) es una muestra conjunta, independiente y entrelazada, en que esta aparente contradicción se explica descubriendo cómo la distinta personalidad artística de ambos pintores es puesta al servicio de un objetivo común, la revisión de una serie de obras en la que los lenguajes pictóricos han sido traducidos a los personales modos de Juanma Pérez e Isidre Sabater. Se trata de un mismo mensajese ha respetado la composición original de los cuadros de forma fidedigna en la mayoría de los casos, mediante proyección, pero enunciado de otra forma: la que resulta de los modos expresivos de ambos artistas, que han utilizado sus técnicas habituales para trasladarlas a las presentes revisiones.

 Juanma Pérez, Bodegón (V. O. Zurbarán), 50 x 100 cm, collage, acrílico y óleo sobre tela, 2011

Juanma Pérez (Priego de Córdoba, 1970), trabaja habitualmente con una personal figuración que al espectador puede desconcertar por su ausencia de referentes miméticos. Sus paisajes se concretan mediante el uso del collage, de la reserva, de la mancha, pero dotando a esta última de una importante autonomía propia, pues los distintos planos que conforman la composición no se ajustan a la tradicional jerarquía de luces y de sombras para definir los volúmenes, resultando de este modo un aspecto formalmente cercano a la abstracción. Este lenguaje es muy evidente en obras como Bañistas en Asniéres (V. O. Seurat) o La música sobre Desnudo (V. O. Matisse y Modigliani). Las calidades pictóricas unidas al uso del collage logran altísimas cotas estéticas en obras como Bodegón (V. O. Zurbarán), en la que la transformación del fondo abetunado en albo relacionan a la obra, en su sencillez, con las composiciones de Morandi, como si de una natural evolución estética se tratase. Piezas como La gran salpicadura (V. O. Hockney) retoman la paleta marina de su anterior serie America's Cup, visible en las calidades del agua y los celajes, lo que hace que, pese a la enorme fuerza del referente observado, no abandone al espectador avisado un claro deje de familiaridad con la obra de Juanma Pérez.

Por su parte, Isidre Sabater (Valencia, 1967), aborda su revisión de los clásicos mediante un elaborado análisis de las composiciones elegidas, resueltas en su versión a base de tintas planas de colores luminosos y vibrantes. El resultado carece de la planitud de la que generalmente adolece la pintura a base de este tratamiento, ofreciendo por el contrario un interesante estudio de las perspectivas mediante el escogido uso de las tonalidades. Tintas planas, plantillas y aerosoles conforman el vocabulario de Sabater, el cual, pese a su aparente parquedad, ofrece al espectador algunas exquisitas obras como las dos reinterpretaciones de Vermeer, La lechera y La encajeraLos peces rojos (V. O. Matisse) o La Grande Jatte (V. O. Seurat), un soberbio ejemplo de reestructuración compositiva. El spray adquiere un sutil protagonismo en La Libertad guiando al pueblo (V. O. Delacroix), donde su aplicación, como fondo de la barricada que es asaltada, prefigura su uso por el arte urbano y nos evoca otras revueltas parisinas. Juanma Pérez e Isidre Sabater han trabajado conjuntamente en la realización de una de las obras expuestas, la fundamental Le déjeuner sur l'herbe (V. O. Manet), resuelta mediante la unión de tan diferentes técnicas, proceso que han grabado en su totalidad y que se expone asimismo en la muestra, con el deseo de los artistas de hacer partícipe al espectador de la creación pictórica.

 Isidre Sabater, La encajera (V. O. Vermeer), 70 x 60 cm, acrílico y aerosol sobre madera, 2011

Juanma Pérez e Isidre Sabater no tratan de sorprender con virtuosismos y efectismos al espectador ingenuo, asombrado aún hoy día de la capacidad mimética desplegada por algunos, sino que ofrecen el resultado de un profundo estudio de los grandes maestros, un alto en el camino que confirma la vigencia de la pintura en un actual panorama artístico, abstruso a veces, donde con irritante frecuencia contemplamos ocurrencias y banalidades desprovistas del más mínimo contenido.


Juanma Pérez e Isidre Sabater  
V. O. 
Galería Carmen del Campo
C/ Conde de Robledo, 5
14008, Córdoba
Hasta el 23 de febrero

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21 de ene. de 2011

Pensamientos de Fernando Sendra

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 Fernando Sendra durante la inauguración de la exposición. Foto: AO

Como parte de la inauguración oficial de la XII Bienal Internacional de Fotografía de Córdoba, la galería Arte21 ha presentado esta tarde la exposición que, bajo el título Pensamientos, muestra la última producción del artista cordobés Fernando Sendra. La serie consta de trece fotografías realizadas mediante técnica digital, en las que, a modo de metáforas oníricas, el autor se ha ejercitado en una serie de composiciones en las que aúna el retrato y el paisaje mediante programas de retoque de imagen. El texto del catálogo ha estado a cargo del crítico y comisario Juan Ramón Barbancho. La exposición podrá verse hasta el 25 de febrero.



Pensamientos
Fernando Sendra
Galería Arte21
C/ Manuel María de Arjona, 4
14001 Córdoba
21 enero al 25 febrero de 2011

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18 de ene. de 2011

El arte andaluz comienza a organizarse


Aspecto de la reunión de profesionales de arte contemporáneo de Andalucía. Fotografía: IAC

El pasado sábado 15 de enero se celebró en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla un encuentro de profesionales del arte actual en Andalucía. Promovido por el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), asistieron un gran número de artistas, comisarios, críticos, galeristas y gestores culturales de reconocido prestigio, procedentes de diversas provincias andaluzas. En el encuentro participaron también integrantes de la asociación Artistas Visuales de Andalucía (AVA), la Plataforma de Reflexión sobre Políticas Culturales (PRPC), la Plataforma por el Centro Guerrero y la Plataforma de Profesionales de Arte Contemporáneo en Córdoba (PPACC), junto a quienes acudieron a título personal. La reunión ha contado además con el apoyo de otras asociaciones de ámbito estatal con presencia en Andalucía: el Consejo de Críticos de Artes Visuales, el Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo y Mujeres en las Artes Visuales (MAV).

El objeto del encuentro ha sido propiciar el debate y el consenso sobre algunos de los más acuciantes problemas que se producen en el ámbito andaluz y trabajar conjuntamente en la propuesta de soluciones. Para los profesionales del arte andaluz "en los últimos tiempos se ha avanzado en la estructuración del sector por medio de asociaciones o plataformas y ha llegado el momento de que éste se presenten ante la sociedad y a las administraciones públicas como un colectivo con unos objetivos y unas preocupaciones comunes".

Tras este encuentro "se ha dado el primer paso para crear un marco de colaboración más estable entre los diferentes agentes del arte contemporáneo". La primera decisión que se ha tomado es la de solicitar una reunión conjunta con Bartolomé Ruiz, Secretario General de Políticas Culturales, para hablar sobre los planes de la Consejería de Cultura en este terreno. Los principios sobre los que se basarán las reclamaciones de los profesionales son: planificación, racionalidad en las inversiones, transparencia, participación y buenas prácticas. 

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15 de ene. de 2011

El MoMA: Cinema y más Cinema

desde Nueva York: Fanelo Aguayo


Estos días, el MoMA de Nueva York está de fiesta cinematográfica con la celebración de dos soberbias muestras de arte a veinticuatro fotogramas por segundo: Weimar Cinema, 1919–1933: Daydreams and Nightmares, y Andy Warhol: Motion Pictures.

La primera –El Cine de la Weimar, 1919-33: Ensoñaciones y Pesadillas-, organizada en colaboración con el Friedrich Wilhelm Murnau Foundation de Wiesbaden y la Deutsche Kinemathek de Berlín, está compuesta por 75 largometrajes, 6 cortos y una exposición de carteleras y fotografías de la era Weimar, y ya se ha confirmado como la mayor exhibición de cine alemán de entreguerras jamás organizada en los Estados Unidos.

Además de proyectar obras clásicas de maestros como Lang, Murnau, Pabts o Lubitsch -entre otros- la muestra incluye numerosos films desaparecidos durante décadas y cuya restauración sólo fue possible tras la reunificación de Alemania. El programa supera el calificativo de extenso y se compromete a dar una vision de la época que va más allá de la archiconocida locura colectiva, el fervor nazi a paso de ganso y el resto de las nibelungadas puestas en escena por el Nacional Socialismo. Con este fin, se han incluido en la muestra películas que eran en sí populares entre el alemán de a pie, todas ellas concebidas muy lejos del despacho de Goebbels.

Como indica el comisariado de la exposición, ¨el desarrollo del cine de la Weimar coincide con la llegada del sonido, y los cineastas alemanes sin duda sobresalieron en la producción de celebrados musicales, comedias tipo cabaret y dramas, muchos rodados fuera del estudio y que abordaron asuntos de marcado carácter social¨. En este sentido podemos destacar películas como Cyankali (1930), escrita y dirigida por Hans Tintner, un febril drama que ilustra las desastrosas consecuencias del mantenimiento de la ley antiaborto. Su autor no sobrevivió a Auschwitz. Der lebende Leichnam (Das Ehegesetz) , dirigida por Fedor Ozep, y basada en una obra de Tolstoi, fue la película más exitosa salida de la factoría Prometheus-Film, una productora alemana notoriamente pro-soviética. Otra obra interesante es Niemandsland (1931), dirigida por Victor Trivas y prohibida por los nazis en 1933. Relata la historia de cinco soldados atrapados durante una batalla en tierra de nadie. Entre la devastación del fuego amigo y contrario descubren que, a pesar de poseer lenguas diferentes y uniformes irreconciliables, sienten y piensan exactamente del mismo modo. ¿Por qué entonces son enemigos? –se preguntan. Heil Cinema!!!

Para este evento tan remarcable, el MoMA ha tenido la elegancia de añadir autenticidad a las proyecciones de obras mudas con el acompañamiento en vivo de un piano, justo como el público las percibió en su día. La muestra permanecerá abierta hasta el 7 de marzo.


La segunda exposición, en la sexta planta, menos voluminosa pero igualmente ilustrativa, es Andy Warhol: Motion Pictures. Se trata de una exhibición organizada en colaboración con el Andy Warhol Museum de Pittsburg y centrada en los retratos cinematográficos y películas mudas sin estructura narrativa, en blanco y negro, realizadas por Warhol a mediados de los años sesenta.

Fue por entonces cuando Warhol comenzó a realizar screen tests a amigos y visitantes de la Factory, a quienes hacía posar durante tres minutos frente a una Bolex de 16 mm. En esta exposición se proyectan 12 de los 470 screen tests que el hijo predilecto de Pittsburg y Rey del Bajo Manhattan llegó a producir en total. En ellos aparecen famosos como Edie Sedwick, Nico, Baby Jane Holzer, Allan Ginsberg, Denis Hopper o el mismísimo Lou Reed. Según el catálogo de la exposición, ¨…los screen tests de Warhol revelan la fascinación que sintió durante toda su vida por el culto a la fama¨. The Village Voice subraya que ¨ …como católico practicante que era, Warhol entendía el poder de la iconografía para transmitir emociones a través de formas abstractas, y estas tensas composiciones en blanco y negro, que se elevan a un radiante limbo cuando se acaba la cinta, alcanzan una hipnótica belleza¨.

En films de mayor metraje como Kiss (1963-64), Eat (1963), y Sleep (1963) Warhol convierte necesidades humanas en abstracciones puras sirviendose paradógicamente del naturalismo más brutal. Con Blow Job (1963), no otra cosa que la historia de una felación, Warhol consigue sin duda –y sin mostrar impudeces- lo que quizás mejor supo hacer a lo largo de toda su carrera: sorprender y escandalizar a través del arte.

Weimar Cinema, 1919–1933: Daydreams and Nightmares
 Andy Warhol: Motion Pictures
Museum Of Modern Art, NYC
Hasta el 21 de marzo


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13 de ene. de 2011

María Ortega Estepa presenta sus personales paisajes en "Un jardín en el bolsillo"

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María Ortega Estepa presenta el próximo día 14 en la galería Murnau la exposición titulada Un jardín en el bolsillo, la cual será la primera muestra individual de la artista cordobesa en Sevilla. Un jardín en el bolsillo consta de 30 obras sobre lienzo, tabla, o papel, utilizando en ellas una gran variedad de materiales y técnicas, como el collage tridimensional.

María Ortega Estepa (Córdoba, 1983), es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, y ha ampliado estudios en la Accademia di Belle Arti di Brera de Milán. Ha obtenido diversos premios y becas dentro y fuera de España (Artifariti, Montenegro, Serbia o la Beca de la Fundación de Artes Plásticas Rafael Botí 2010) y ha expuesto en diversas galerías de España, Portugal, o Serbia, teniendo próximamente una nueva exposición en el Jardín Botánico de Bogotá (Colombia).

Sobre la exposición, María ha escrito: "Un paisaje es un espejo donde te encuentras frente a la belleza o la grandeza de la vida... En ocasiones puede parecerse a ese poema que leemos una tarde y que está hablando de nosotros. Lo hermoso de un paisaje no es su composición concreta, su belleza plástica, sino el significado que toma para nosotros cuando nos reencontramos con él o se une a nuestro estado de ánimo y es como si uno se marchara con la montaña a cuestas o la puesta de sol marcada en la piel. Es ese jardín que una vez disfrutaste y a partir de ese momento siempre llevas en el bosillo".


María Ortega Estepa
Un jardín en el bolsillo
Del 14 de enero al 15 de febrero de 2011
Galería Murnau
Plaza San Leandro, 10
41003 Sevilla

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La Bienal que mira a Asia


A poco de inaugurarse la Bienal Internacional de Fotografía de Córdoba se ha hecho público el cartel que conforma su programa de exposiciones. Dos son los platos principales que Juan Carlos Limia y Alicia Reguera han preparado como directores generales de esta duodécima edición. Por un lado, en la sala Vimcorsa, el Centro Andaluz de Fotografía presenta Follow me, la retrospectiva del artista chino Wang Qingsong que ya durante 2010 se pudo contemplar en el claustro del Palacio Provincial de Cádiz y en la sede del CAF en Almería. Por otro, de la mano de la galerista Blanca Berlin, el proyecto Façade del coreano Han Sungpil, ocupará las paredes de la Sala Orive.

A través de construcciones corales plasmadas en imágenes de gran formato, Qingsong reflexiona sobre "la transformación y los rápidos cambios por los que está atravesando China, centrándose en las contradicciones de la realidad social contemporánea china generada por el acelerado desarrollo económico del país, y realizando una crítica al culto a iconos globales que define en gran medida la sociedad consumista y la pérdida de espiritualidad en la China de hoy". Han Sungpil, por su parte, muestra  una serie de trabajos estructurados según la comisaria Blanca Berlin a partir de un doble registro: "Por un lado, nos encontramos ante un conjunto de reproducciones de los grandes lienzos de lona que recubren algunos edificios históricos mientras sus fachadas están siendo restauradas. Réplicas efímeras destinadas a desaparecer una vez concluidas las obras y a las que sólo la fotografía de Hang confiere la cualidad de permanencia. Por otro, lo que el autor coreano nos muestra son fotografías de aquellos trampantojos de carácter durable que adornan las paredes de ciertos inmuebles, en definitiva, graffitis con vocación de pervivencia que se convierten en parte del edificio desde el instante mismo de su creación".

Future, obra de  Wang Qinsong en la sala Vimcorsa

El Teatro Cómico Principal acoge otra de las exposiciones ya producidas en 2005 por el CAF, se trata de Caminos del corazón, una muestra de fotografías en blanco y negro de José Manuel Ochoa que según su autor va más allá de "una guía fotográfica personal de India, Pakistán, Irán, campamentos Saharauis de Tinduf (Argelia) o China, por mucho que pretenda referirla a vivencias turísticas, aventureras o místicas"

La sala Galatea presentará Jardines de arena, un proyecto expositivo procedente del MuVIM y encabezado por el investigador neoyorquino Clark Worswick quien ha recuperado cien fotos originales, tomadas entre 1859 y 1905 por un buen número de fotógrafos comerciales que viajaron o establecieron sus estudios en Oriente Medio, los cuales realizaron cientos de miles de fotografías destinadas al consumo masivo o a la ensoñación de Occidente.

Al Palacio de la Merced llega el trabajo de las fotógrafas turcas Ilke Veral Coskuner y Zülal Ersen. Bajo el título Imagine... imagine Istanbul reúnen una serie de imágenes que comparten  su visión pictorialista de la ciudad turca y que según sus autoras plantean "un viaje mágico para comprender los mensajes secretos de aquellos fantasmas del pasado, que se levantan de sus lechos de muerte para deambular por el silencioso fondo del Bósforo".

Autumn Farewell in Station, fotografía de Ilke Veral Cokuner en el Palacio de la Merced

La sala  del Colegio de Arquitectos acogerá Diapositivas tejidas,  exposición del joven fotógrafo Julien Dit Khanh, comisariada por José Luis de la Fuente, que trae a Córdoba "un trabajo centrado en la experimentación con el espacio mediante una búsqueda personal de aproximación artística basada en la reflexión".

El Circulo de la Amistad presentará la exposición Gaudí: formas y color, del fotógrafo cordobés Manuel Lama. La muestra recoge instantáneas de edificios emblemáticos del arquitecto catalán como La Sagrada Familia, la Casa Batlló, la Casa Milá o Parque Güell, en las que el autor "ha querido sentir a modo de medium del mundo espírita la fuerza anímica de este poliédrico e incomparable artista universal, transmutando en su interior los referentes formales que no le son propios para convertirlos a su vez en nuevas obras artísticas, en un ejercicio conceptual muy interesante cuya finalidad es la mitificación del arte".

La Escuela de Arte Mateo Inurria contará con la presencia de las obras de José Julián Ochoa, quien bajo el título El tercer ojo presenta una serie de fotografías en blanco y negro que para Díaz Burgos suponen "una reflexión en donde el tiempo y la memoria habitan. Donde lo mágico se hace cotidiano, y en donde lo irreal se transforma en naturaleza de vida. Cargadas de una potente narrativa, y exentas de esos barnices tan al uso hoy en día, maniqueístas, fáciles y superfluos, nos propone por el contrario una reflexión a unos mundos construidos desde la mirada ajena, pero al mismo tiempo, cercana".

Una antológica conformada por una selección de obras del fotógrafo sevillano Luis Ortiz Lara ocupará la sala de exposiciones de la Fundación Gala. Según la información suministrada por la organización se trata de "una bonita colección de fotografías, cuya técnica de coloreado, la forma con que el hábil y paciente artista ha dado esa mágica y entrañable luz a sus imágenes, invita a la huida de un costumbrismo de tema"

La baranda, fotografía de Luis Ortiz Lara en la Fundación Gala

Las salas privadas de la ciudad también incluyen en su programación exposiciones que forman parte del catálogo de la bienal cordobesa. Así en la galería Arte21 se podrán contemplar los últimos trabajos del fotógrafo cordobés Fernando Sendra. Bajo el título de Pensamientos, Sendra reúne una serie de obras manipuladas digitalmente que para su autor constituyen "una asignatura pendiente, el dar rienda suelta al mundo surrealista que sólo podía crear en un lienzo, a golpe de pincel". Por su parte la sala Aires presenta Pasiones, una selección de fotografías de Cris Agulló, obras en las que para su autor  resulta fundamental el componente emocional. "El factor emocional, me parece vital a la hora de realizar una foto. En cada una de ellas pretendo trasmitir el sentimiento que me evoca el momento, siempre intentando causar el impacto deseado. Por lo general suelo rodearme de naturaleza y exteriores como fuente de fuga a la hora de hacer fotos, porque la fotografía es el método de abrir espacios o sentimientos en lugar de ser tan sólo la representación de un objeto”. La sala Ignacio Barceló, sede de la asociación AFOCO, acogerá Welcome, un proyecto fotográfico de Javier Arcenillas y Cristina De Middel realizado a partir de un viaje a Bangladesh para documentar un proyecto que la ONG Médicos Sin Fronteras desarrolla en la frontera entre este país y Myanmar.

Los espacios públicos toman también protagonismo en el programa de la bienal. El Jardín de Orive acogerá la proyección de fotografías del cordobés Francisco González que presentará una serie de imágenes bajo el título Estambul- Córdoba. El mismo escenario de Orive servirá para albergar una exposición colectiva sobre fauna y flora bajo el título Jardín escondido, Jardín encontrado. Por último en la Avenida de la Libertad el colectivo de socios de AFOCO desplegará Paso a Paso, una iniciativa que pretende "sorprender al caminante que se ve inmerso en las obras de los fotógrafos traspasando la barrera del cuadro para encontrársela a sus pies". Para Juan Manuel de Toro, presidente de la asociación cordobesa, "las imágenes contempladas en diferente perspectiva a la habitual, no deja de ser un nuevo ejercicio de comprensión visual traduciendo percepción vertical a horizontal, lo que nos dará en alguna ocasión sensación de caída al vacio, situaciones imposibles que deberemos situar en su espacio original".



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12 de ene. de 2011

Felipe Cejas muestra sus últimas obras en Studio 52

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Obra de Felipe Cejas

El próximo viernes 14 de enero, la galería Studio 52 continúa su programación expositiva presentando la muestra individual dedicada a Felipe Cejas, quien mostrará al público diversas obras de su última producción. Nacido en Moriles en 1960, Felipe Cejas es un pintor autodidacta si bien ha completado su formación con artistas como Antonio Povedano, Juanma Pérez y Antonio Zarco. Felipe Cejas es un corredor de fondo en la carrera pictórica que tiene en su haber 22 exposiciones individuales y más de 80 colectivas. Ha recibido más de cincuenta premios y reconocimientos de diversos niveles, entre los que citaremos el Primer Premio del XIV Certamen Nacional de Pintura "Maestro Mateo", en 2006, organizado por Cajasur y la Casa de Galicia, o en 2007 el Premio Adquisición del XI Premio Nacional de Pintura "Doñana y su entorno", de Huelva.

Felipe Cejas
Pintura
Inauguración viernes 14 de enero, 20:30 h
Galería Studio 52
Ronda de los Tejares 15, Córdoba
Hasta el 2 de febrero

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11 de ene. de 2011

El proceso de restauración de las obras de Fray Juan del Santísimo Sacramento en la Obra del mes del Bellas Artes

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Fray Juan del Santísimo Sacramento,  Lamento sobre Cristo Muerto


El próximo domingo, 16 de enero, el Museo de Bellas Artes de Córdoba llevará a cabo la primera edición del año de La obra del mes, la cita mensual que viene reuniendo con gran éxito desde hace años a los aficionados a las Bellas Artes en el Museo para el análisis y la disertación de las más relevantes obras que la institución cordobesa custodia. En esta primera cita del año, la intervención versará sobre El proceso de restauración de las obras de Fray Juan del Santísimo Sacramento, y estará a cargo del restaurador Manuel Ángel González Aranda.

Juan de Guzmán, conocido como Fray Juan del Santísimo Sacramento (ca. 1611-1680), fue un pintor y teórico nacido, según su biógrafo Antonio Palomino, en la Puente de Don Gonzalo, actual Puente Genil, de donde marchó a Lucena, villa en la que se habría formado con un pariente, Bernabé Jiménez de Illescas. Posteriormente se trasladó a Roma, donde completó sus estudios de pintura junto al pintor gaditano Enrique de las Marinas.

Regresado a España, en 1634 se estableció en Sevilla, donde comenzó a practicar la pintura y las letras. De condición osada, se vio envuelto en algunos lances, tomando parte en un motín popular en 1646, tras de lo que se refugió en el convento del Carmen Calzado donde tomó el hábito de hermano lego como única forma de escapar de la justicia.

Su arrojado carácter unido a su nula vocación no tardaron en causarle problemas, siendo confinado en el convento de los carmelitas descalzos de Aguilar de la Frontera. En su confinamiento se dedicó a traducir y corregir la Perspectiva práctica de Pietro Accolti, preparando algunas estampas para su edición, que no se llegó a imprimir, conservándose el manuscrito en la biblioteca del convento.

En el convento del Carmen de Aguilar se conservan asimismo una serie de lienzos en la nave de la iglesia dedicados a la vida de Santa Teresa de Jesús y San Juan de la Cruz, y un cuadro de San Roque, considerado su mejor obra. En 1666 fue llamado por el obispo a Córdoba, estableciéndose en el convento de San Cayetano, para el que realizó numerosas obras. Se conserva en la iglesia de Santa Marina un cuadro de la santa firmado al pie y fechado en 1678. Vuelto a Aguilar, falleció en su convento en 1680.

La obra del mes
El proceso de restauración de las obras de Fray Juan del Santísimo Sacramento
Interviene Manuel Ángel González Aranda, restaurador
Museo de Bellas Artes de Córdoba
Plaza del Potro, 1
Domingo 16 de enero, 13 h

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"James, recently", preestreno en la Filmoteca


Fotograma del cortometraje James, recently

La Filmoteca de Andalucía acoge el próximo lunes día 17 el preestreno del cortometraje dirigido por el cineasta cordobés Fernando Ruiz, James, recently, un thriller que "retrata el amor como patología en un momento concreto de la vida de su protagonista". La cinta, de nacionalidad británica  y con una duración de 7 minutos,  es una producción de Sean Knopp y Tor Mian  para Hydra Films RKM y cuenta en el reparto con las intervenciones de Federico Monserrat, Sean Knopp, Elia Díaz y Simon Rhodes. La edición, el guión y la dirección de fotografía han corrido a cargo del propio director, Fernando Ruiz. A pesar de su juventud, Ruiz (Córdoba, 1987) que ha cursado estudios de cinematografía en el London Film Academy, posee una dilatada trayectoria en el campo del cortometraje con títulos como Tiempo, Jude´ Story, La máscara de Juan Rana o Reinserción con los que ha cosechado numerosos premios en certámenes y festivales. La banda sonora original es obra del artista cordobés Lämpara, seudónimo del músico Javier Ramos, miembro de la banda Malparaiso y autor también de la banda sonora del documental  El patio de mi casa.doc

James, recently
Dirigido por Fernando Ruiz.
Preestreno lunes 17 de enero
Filmoteca de Andalucía
c/Medina y Corella s/n, Córdoba

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10 de ene. de 2011

"En serio. Es broma". Corto de Fernando G. Luna en la Filmoteca

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 El próximo viernes 14 de enero, a las 20.00 horas, en la Filmoteca de Andalucía, se estrenará el corto titulado En serio. Es broma, realizado por Fernando G. Luna. Subtitulado como Una ficción minimalista, el corto, en blanco y negro y de 11 minutos de duración, cuenta con las actuaciones de Alberto Barrio, Ángel Munárriz y la aparición estelar de Sänger Tureplastic. Producido por GEK, completan la ficha técnica Ana Gª Flete y Lola Montaño en sonido y maquillaje y Mariano Díaz Sánchez a cargo de la fotografía.

En serio. Es broma
Una ficción minimalista
Dirigido por Fernando G. Luna
Estreno viernes 14 de enero, 20.00 horas
Filmoteca de Andalucía
c/Medina y Corella s/n, Córdoba

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8 de ene. de 2011

Jornadas sobre arte contemporáneo en la UCO

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A partir del próximo lunes 10 de enero, y hasta el 21 de febrero, comienza el plazo de matriculación para las Jornadas de Introducción al Arte Contemporáneo que la Universidad de Córdoba organiza junto a la Fundación Córdoba 2016. Dirigidas por Octavio Salazar, Comisionado de la UCO para la Capitalidad Cultural y Juan Ramón Barbancho, crítico y comisario independiente, las Jornadas contarán en su desarrollo con teóricos, historiadores del arte, comisarios, críticos y artistas que se encargarán de acercar a los interesados una completa visión del arte que se ha producido en el siglo XX y el que se está desarrollando en el presente siglo, mediante una serie de conferencias que, sobre todo, "se encargarán de acercarnos al mundo del que somos no sólo espectadores sino también protagonistas", según es deseo de los organizadores.

Para las Jornadas, que se celebrarán del 24 de febrero al 14 de abril de 2011, se ha contado con una extensa nómina de especialistas y profesionales, que intervendrán en las Jornadas conforme al siguiente programa:

24 DE FEBRERO, JUEVES, 19-20.30 h.
Conferencia inaugural: José Jiménez, Profesor de Teoría del Arte. Filósofo y Profesor de Estética y teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid

PRIMER BLOQUE: GÉNESIS Y DESARROLLO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO
A: Antecedentes de las primeras vanguardias del siglo XX

VIERNES, 25 DE FEBRERO, 17-20 h.
1. Impresionismo y Postimpresionismo. Pablo Rabasco. Doctor en Historia del Arte. Profesor de la UCO.
2. Rodin y el cambio de planteamiento en la escultura. Juan-Ramón Barbancho. Doctor en Historia del Arte. Comisario independiente.

B: Primeras vanguardias artísticas y otras corrientes históricas (desde comienzos de siglo hasta los primeros años cuarenta)

JUEVES, 3 DE MARZO, 17-20 h.
1. Cubismo. Tecla Lumbreras. Doctora. Comisaria independiente. Profesora de la Facultad de Comunicación de la UMA.
2. Expresionismo y Fauvismo. Óscar Fernández. Doctor en Historia del Arte. Comisario independiente.

VIERNES, 4 DE MARZO, 17-20 H
3. Futurismo, Pintura metafísica, Surrealismo y Dadaísmo. Ángel Luis Pérez Villén. Doctor en Historia del Art. Comisario independiente.
4. Marcel Duchamp y el “ready made”. Juan-Ramón Barbancho.

C: Segundas vanguardias y otras corrientes "modernas"(desde los años cuarenta hasta mediados de los años setenta)

JUEVES, 10 DE MARZO, 17-20 h.
1. Pintura y arte conceptual. Ángel Luis Pérez Villén.
2. Fluxus, Accionismo y Performance. Rubén Barroso. Comisario independiente. Director del Centro de Arte Sierra.

VIERNES, 11 DE MARZO, 17-21 h.
3. Informalismo / Arte otro (art autre) y Minimal. Tecla Lumbreras.
4. Pintura óptica (op-art) / "Nueva tendencia" y Pop-art. Jesús Alcaide. Comisario independiente. Director del I+caS.

JUEVES, 17 DE MARZO, 17-21 h.
1. Expresionismo abstracto y Abstracción pictórica. Alfonso de la Torre. Comisario independiente. Conservador de la colección Pilar Citoler.
2. Land Art, el arte y la Naturaleza: acciones e intervenciones. Óscar Fernández.

D: Postmodernidad (desde mediados de los años setenta hasta finales del siglo XX)

VIERNES, 18 DE MARZO, 17-21 h.
1. Transvanguardia y el Povera. Pablo Rabasco.
2. Nuevas formas de la escultura: La instalación como escultura expandida. Carmen Osuna. Doctora, Decana de la Facultad de BBAA de la UMA.

JUEVES, 24 DE MARZO, 17-21 h.
3. La fotografía como género autónomo. Tete Álvarez. Artista.
4. El video arte y sus derivaciones. Macu Morán. Directora de VideoArtWorld y comisaria independiente.

SEGUNDO BLOQUE: EL ARTE HOY
E: El arte hoy

VIERNES, 25 DE MARZO, 17-21 h.
1. El arte de hoy día. Nekane Aramburu. Comisaria independiente. Directora del Espacio Ciudad. Vitoria.
2. Arte actual y retóricas de género. Remedios Zafra. Doctora en Bellas Artes y profesora de la Universidad de Sevilla.

JUEVES, 31 DE MARZO, DE 17 A 21 h.
3. Arte y feminismo en España. Elena Díez Jorge. Doctora y profesora Historia del Arte de la Universidad de Granada.
4. Actualidad del arte en América Latina. Omar-Pascual Castillo. Comisario independiente. Director del CAAM.

VIERNES, 1 DE ABRIL, DE 17 A 21 h.
5. El fin del arte y el papel de los artistas. Ramón Román. Doctor en Filosofía. Profesor de la UCO.
6. Arte y Sociedad. Elena Sacchetti. Doctora en Antropología. Investigadora del Centro de Estudios Andaluces.

JUEVES, 7 DE ABRIL, DE 17 A 21 h.
7. Museos y centros de arte: instituciones para el arte. Juan Antonio Álvarez Reyes. Director del CAAC.
8. El arte hoy: exposiciones y bienales. Carlota Álvarez Basso. Comisaria independiente. Gerente de la Fundación de la Capitalidad Córdoba 2016.

VIERNES, 8 DE ABRIL, DE 17 A 21 h.
9. El arte como terapia. Felipe Ortega-Regalado. Artista.
10. La práctica del video y el apropiacionismo. María Cañas. Artista.

JUEVES, 14 DE ABRIL, DE 19 A 20.30 h.
Conferencia de clausura: Arte y Política. Iván de La Nuez. Ensayista, crítico y comisarios de exposiciones.

Más información:
Jornadas de introducción al Arte Contemporáneo
Del 24 de febrero al 14 de abril de 2011.
Secretaría de las Jornadas: Dirección de Cultura, Rectorado UCO.
Avenida de Medina Azahara, 5.
14071, Córdoba.
Tfno: (+34) 957 21 26 13.
Matrícula: 60 €
Periodo de matriculación: Del 10 al 21 de enero de 2011

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