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24 de feb. de 2011

Concurso de proyectos de viviendas en alquiler para artistas residentes de el C4



Redacción / Ars Operandi

La empresa municipal de viviendas de Córdoba, Vimcorsa, en colaboración con la Fundación Arquitectura Contemporánea, ha hecho público un concurso internacional de proyectos para la selección de propuestas para la realización de un edificio de viviendas en régimen de alquiler y su posterior modelo de gestión. El edificio estaría destinado a "jóvenes con relaciones laborales o de ocio afines a las propuestas creativas y culturales que albergará el conjunto de la Península de Miraflores en Córdoba y en especial el Centro de Creación Contemporánea de Córdoba (C4)".

Según las entidades convocantes el concurso se conforma como "una fórmula para reflexionar sobre los conceptos de vivienda Inteligente, Flexible, Sostenible, Accesible aplicados a la vivienda social" y nace con la intención de "provocar un debate y reflexión que sirva para asesorar a la administración, familiarizar al cuerpo de técnicos y profesionales con la necesidad de una nueva arquitectura de la vivienda y, finalmente, para acercar a la propia sociedad a nuevos modelos arquitectónicos contemporáneos de vivienda pública".

El solar objeto del concurso se encuentra situado en la margen izquierda del río Guadalquivir en la ciudad de Córdoba, a escasos metros del Centro de Creación Contemporánea de Córdoba (C4) actualmente en construcción y en una posición entre la península cultural de Miraflores y el denominado Campo de la Verdad. La cercanía con el río Guadalquivir, objeto en los últimos años de varias intervenciones de carácter contemporáneo, así como la ubicación en la denominada península de Miraflores, "insertan la reflexión arquitectónica y urbana en un marco inmejorable bajo el punto de vista paisajístico y cultural en plena transformación".

Por los ámbitos de investigación y el carácter experimental que plantea el concurso, en concreto las tecnologías de la información y la comunicación y la sostenibilidad, se recomienda "la formación de equipos multidisciplinares integrados por arquitectos/as e ingenieros/as (superiores y técnicos), o expertos/as en nuevas tecnologías y sostenibilidad aplicadas a la arquitectura, dirigidos/as por un/a arquitecto/a o sociedad profesional de arquitectura que actuará como director/a del equipo; este/a deberá estar en posesión del título correspondiente, encontrarse facultado/a legalmente para ejercer la profesión en España".

Las propuestas se podrán entregar hasta el 29 abril y el fallo definitivo se realizará el 31 mayo. Las bases técnicas, administrativas y la documentación complementaria están accesible en la web http://www.concursov4j.com/

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22 de feb. de 2011

El sector de las artes visuales reclama medidas de apoyo


La semana pasada se celebró en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía la presentación del documento “Medidas de apoyo al sector del arte” que ha sido elaborado por varias asociaciones profesionales de ámbito estatal del sector de las artes visuales.

El  documento se dirige al propio sector, a los aficionados al arte y a todas las administraciones públicas -estatal, autonómicas, municipales, diputaciones y cabildos- con la petición de que las medidas propuestas sean tenidas en cuenta en el diseño de las políticas culturales, con especial interés en que sean contempladas en el “Plan estratégico para las artes visuales” que el Ministerio de Cultura desea consensuar con las comunidades autónomas y los representantes del sector.

Por su interés para el sector de las artes visuales reproducimos íntegramente el documento:

El sector de las artes visuales en España atraviesa, en un contexto de grave crisis económica generalizada, un momento de particular dificultad. Su potencial para el desarrollo económico y sus beneficios sociales no han sido suficientemente reconocidos y, a las tradicionales carencias —deficiencias educativas, falta de planificación, mercado inestable, ausencia de los incentivos fiscales necesarios para facilitar la afluencia de capital privado al sector…— se suma ahora una durísima caída en la financiación pública que está afectando de manera muy notable no sólo a los museos y centros en todas las comunidades autónomas sino también a una gran cantidad de profesionales autónomos, de empresas y de artistas. El arte no es un lujo prescindible sino un bien de primera necesidad que fortalece nuestra identidad cultural y prestigia la proyección de nuestro país al resto del mundo.

Urge que todas las administraciones tomen algunas decisiones políticas que eviten la paralización de la actividad cultural y económica que el sector aporta a la sociedad y, al mismo tiempo, planificar medidas a medio y largo plazo que garanticen no sólo la conservación del tejido institucional, empresarial y profesional existente sino también su crecimiento y su expansión internacional. Por su parte, el sector ­—todos quienes componen el entramado del sistema artístico en nuestro país— refuerza en este contexto de crisis el apoyo mutuo entre sus diferentes agentes y apuesta decididamente por la producción artística española, manifestando su compromiso para construir estrategias que fortalezcan su prestigio dentro y fuera de nuestras fronteras.

MEDIDAS URGENTES

1. Pacto de Estado
Resulta ya inaplazable que los partidos políticos establezcan un Pacto de Estado para vertebrar la cultura en el Estado español y para definir el organismo encargado de la difusión internacional de la cultura y del arte producidos por los profesionales del sector: un organismo estable, independiente y al margen de los cambios partidistas marcados por las convocatorias electorales.

2. Moderación en los recortes presupuestarios a las instituciones culturales
El gasto en cultura es mínimo, si se compara con otras partidas presupuestarias. Los presupuestos, ya antes muy ajustados, de la mayoría de museos y centros de arte no soportan los recortes que se están aplicando. Los recortes acumulados de 2010 y de 2011 impiden desarrollar las actividades para las que fueron creados, reduciendo en ocasiones sus funciones al mero mantenimiento del edificio y del personal básico. El Estado, las comunidades autónomas, las diputaciones provinciales, los cabildos y los ayuntamientos tienen que responsabilizarse del funcionamiento eficaz de nuestras instituciones artísticas, dotándolas de un presupuesto adecuado.

3. Puntualidad en los pagos
Las demoras crecientes en el pago tanto de adquisiciones como de servicios profesionales, de subvenciones y ayudas ahogan, en el contexto de crisis, a las empresas, los autónomos y los artistas.

4. Inversiones del 1% cultural en promoción del arte actual
Muchas administraciones están incumpliendo lo que marcan sus propias legislaciones, o lo están haciendo sin criterio. Pedimos que se establezcan programas y criterios para realizar estas inversiones, aplicados con total transparencia en todas las administraciones. Solicitamos que se aplique un porcentaje estable del 1% cultural a la promoción del arte actual, con adquisiciones y realización de proyectos artísticos en espacios públicos. En los casos en que la legislación no lo contemple, pedimos que ésta se modifique para hacerlo posible.

5. IVA cultural para el mercado del arte
Es imposible que nuestro mercado artístico funcione si no tenemos un IVA cultural. El 18% aplicado actualmente a las ventas en las galerías de arte hace imposible la competencia en la escena internacional.

6. Ley de Mecenazgo
Que incluya las máximas desgravaciones no sólo para la financiación de instituciones de titularidad pública y eventos organizados por las administraciones sino que también contemple beneficios para las donaciones, daciones y adquisiciones de obras de arte actual (y no sólo de bienes de interés cultural) por parte de colecciones particulares y corporativas, al igual que ocurre en los países de nuestro entorno.

7. Internacionalización
Somos conscientes de que el Ministerio de Cultura y la AECID están elaborando estrategias para la promoción interior y exterior del arte español, que deberían ser consensuadas con los profesionales del sector y que deberán acompañarse de una financiación pública adecuada. Esos planes están tardando demasiado tiempo en hacerse públicos y en ponerse en marcha. Es necesario que se planifique seriamente y a largo plazo, evitando las improvisaciones.
Desde la Transición, el sistema del arte español ha estado volcado en superar el aislamiento heredado, impulsando el conocimiento del arte internacional: este objetivo ya se ha cumplido. No se trata de recaer en prácticas “localistas” ni “provincianas”. Pero sí de tratar la producción artística y la del resto de los profesionales (reflexión critica, proyectos curatoriales, etc.) de nuestro país con similar relevancia y dotación presupuestaria.

8. Igualdad
Con el fin de no mermar la excelencia del arte contemporáneo en España, es necesaria la aplicación de la igualdad efectiva de oportunidades establecida por la legislación vigente; así como la optimización y la transparencia de la gestión en todos los niveles, desde la fase de formación y profesionalización, hasta las más altas instituciones, que han de convertirse en referencia del prestigio del arte español.

MEDIDAS A MEDIO PLAZO

1. Reforma de los programas educativos
El aprecio del arte se fundamenta en la educación. La escasez de contenidos artísticos en los programas de enseñanza primaria , secundaria y universitaria hipoteca el futuro del sector.
Los medios de comunicación públicos deberían asimismo prestar una atención más constante y rigurosa a la formación cultural de los ciudadanos.

2. Recuperación de los presupuestos para cultura
Se utiliza a menudo la cultura como elemento que apuntala el discurso político sin que las declaraciones se acompañen de la necesaria generosidad presupuestaria. En las dos últimas décadas las inversiones se han hecho en nuevas infraestructuras, descuidando el sostenimiento de los proyectos. Es necesario que las instituciones culturales tengan, en todas las administraciones, presupuestos propios y estables que les permitan cumplir con sus objetivos.

3. Estructuras de gestión de las instituciones culturales que permitan una mayor autonomía administrativa
La dependencia excesiva del aparato burocrático hace que las instituciones culturales sean menos eficaces. El Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo, elaborado por algunas de las asociaciones firmantes y suscrito por el Ministerio de Cultura, hace unas recomendaciones muy claras sobre la gestión de los museos y centros que defendemos. Pedimos a las administraciones autonómicas y locales que suscriban ese documento y lo apliquen a los museos y centros que dependen de ellas.

COMPROMISOS QUE ADQUIERE EL SECTOR

Paralelamente, como sector, nos comprometemos a establecer un marco de relaciones solidario fundamentado en las buenas prácticas profesionales (contratación, respeto a los derechos que la Ley reconoce a cada uno de los agentes, honorarios adecuados, transparencia), con vocación de servicio a la sociedad y con perspectivas de futuro para los jóvenes artistas, críticos y comisarios, galeristas… que incluya los siguientes propósitos:

1. Todos los agentes que forman el sector del arte dedicarán una especial atención en sus programas y actividades a posibilitar la producción, exhibición y adquisición de obras de artistas españoles o establecidos en nuestro territorio (tanto hombres como mujeres) de modo que puedan ser puestas en relación con el trabajo realizado en el ámbito internacional.

2. Los museos e instituciones públicas se comprometen a realizar un esfuerzo especial, con la imprescindible ayuda de los organismos estatales y autonómicos con competencias en acción cultural exterior, en la exportación de las exposiciones de producción propia que incluyan obras de artistas españoles. Esta es una de las bazas fundamentales para internacionalizar el sector del arte español.

3. Las instituciones tendrán en cuenta, a la hora de elaborar sus programaciones y sus publicaciones, la labor de los comisarios y críticos afincados en nuestro país para que su trabajo pueda ser contrastado con el de los foráneos.

4. Es importante considerar el elevado crédito de los comisarios españoles en el circuito del arte internacional. A diferencia de otros agentes del sector, su influencia está más asentada y es indispensable su concienciación acerca de la necesidad de apostar por nuestros artistas.

5. Cuando un museo o institución pública desee adquirir una obra de arte, sea de un artista español o extranjero, se dirigirá al artista o a la galería española que lo represente. Este apoyo, que ya se da en otros países de nuestro entorno, supone un reconocimiento a la labor de promoción que realizan las galerías españolas.

6. Las galerías deberían asimismo continuar velando por la promoción de los artistas españoles poniendo todos sus medios en dignificar y difundir sus obras entre todos los agentes del arte: críticos, comisarios, medios de comunicación, responsables de museos y centros de arte y coleccionistas. La participación en ferias de arte y la colaboración en la producción artística son también elementos fundamentales.

Estas medidas tienen como objetivo dinamizar el sector del arte actual. Al movilizar toda la cadena de agentes que participan en su entramado se fortalecerá del sistema en su conjunto, asegurando su continuidad y proyección de futuro, su incidencia social y su sostenibilidad económica.

Asociación de Directores de Arte Contemporáneo (ADACE)
Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales
Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo
Instituto de Arte Contemporáneo (IAC)
Mujeres en las Artes Visuales (MAV)
Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV)

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21 de feb. de 2011

Barbancho lleva el video español al Wifredo Lam de La Habana

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Ebba, obra en video de Fernando Baena

El crítico y comisario de arte cordobés Juan Ramón Barbancho (Hinojosa del Duque, 1964) es, este año, el encargado de la selección de artistas españoles que formarán parte de el Proyecto Circo. Performance y audiovisuales que se celebrará a partir del 3 de marzo en el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam de La Habana.

Para el Proyecto Circo, Barbancho ha conformado un programa que toma como argumento "la sencillez y la intimidad". Según el comisario cordobés "las cuatro obras seleccionadas nos hablan de lo íntimo, de lo sencillo que puede haber en una obra de arte, donde el tiempo y la narración forman un todo sin fisuras".

Para esta octava edición, y en colaboración con La Nave Spacial, Barbancho ha seleccionado cuatro obras en soporte video de otros tanto artistas nacionales entre los que figura el cordobés Fernando Baena. Baena acude a la cita con Ebba, una obra de 2009 construida en base a material de archivo procedente de películas familiares. Para Juan Ramón Barbancho se trata de una obra "casi introspectiva, que se construye con una narración poética y personal, tremendamente íntima, donde la voz en off parece que se habla a ella misma. Entrelaza el texto con imágenes igualmente íntimas y familiares, acoplando magistralmente el texto y la imagen".

Remanecer de Amparo Garrido, "se acerca a las labores del campo andaluz buscando, más que una identificación, la memoria familiar perdida cuando su padre emigró a Valencia, donde ella nació. Es como un trabajo casi de ida y vuelta. Ella regresa al lugar de donde procede su familia paterna tal vez para encontrarse con sus orígenes, con ella misma. A la vez en casi un trabajo antropológico y sociológico que se acerca a ese mundo".

De Felipe Ortega-Regalado, Barbancho ha seleccionado la obra Musaranho, una pieza que "arranca con la imagen del sueño y se extiende por un paisaje visual y sonoro más onírico aun, entre la noche y la naturaleza, el fuego y la luz. El personaje de la niña, que introduce el ejercicio de la pintura en la obra en movimiento, enlaza con la de los perros que, en silencio, transitan por esa noche de fuego. La mirada de la niña y la del can no son más que interrogantes".

Completa el programa Bajamar de Joaquín Delgado, una obra de 2009, que en palabras del comisario "posee esa extraña virtud de las cosas bellas y sencillas, que nos atrapan y relajan. La playa, el agua, los paseantes y los buscadores de coquinas imágenes casi quemadas por la claridad del sol de la tarde se funden con el audio, que no es otro que el ruido real de las olas.


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Arte contemporáneo en la Casa del Inca

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Desde el próximo sábado día 5 de marzo, la casa-museo del Inca Garcilaso de Montilla presenta al público la exposición colectiva de arte contemporáneo titulada Artes Varias. Los artistas participantes son Antonio Algaba, Hashim Cabrera, Juanjo Caro, Mariló F. Taguas, Nieves Galiot, Gaspar Jiménez, Jacinto Lara, Luque Duque, Isabel Membrives, Sofía Ostos y Manolo Portero. La muestra se podrá visitar hasta el 17 de abril. 

Artes Varias
Casa-museo del Inca Garcilaso de la Vega
C/ Capitán Alonso de Vargas, 3 14550, Montilla (Córdoba)
Teléfono 957 652 354
Del 5 de marzo al 17 de abril

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20 de feb. de 2011

Pepe Espaliú. A solas contigo





A. L. Pérez Villén / Ars Operandi 

Tuve la suerte de conocerlo y aunque no siemprecasi nuncacoincidía con sus apreciaciones sobre el arte actual, siempre supe que su obra no pasaría desapercibida. Lo pude comprobar hace unos años cuando comisarié para Córdoba y Sevilla una colectiva que pivotaba en torno a una de las claves de su trabajo: el solapamiento. Máscaras, camuflaje y exhibición reunió obras de Christian Boltanski, Chema Cobo, Pepe Espaliú, Leonel Moura, Georges Rousse y Cindy Sherman.

Hoy, casi veinte años después de la muerte de su autor, la obra de Pepe Espaliú sigue despertando interés. Buena prueba de ello es el Solo Project que la última edición de ARCO-Madrid le ha brindado a Pepe Cobo, su galerista, para que muestre una breve selección de esculturas, dibujos y fotografías sobre la figura de la máscara. Se han podido ver algunas de las piezas emblemáticas que componen la serie homónima, realizadas con goma espuma y otros materiales pobres y que anidan en el interior de unas pequeñas cajas que aumentan la sensación de ensimismamiento y opresión.

Un proceso, el del enmascarmiento y la oclusión, que Espaliú empleó en otras series, incrementando el repertorio de formas y figuras con las que operar el consabido solapamiento. Célebres fueron los Santos, esas esculturas semiflácidas confeccionadas en cuero y expuestas sobre pedestales bajos, que semejan tanto sillas de montar como máscaras, exvotos, prótesis... Alegorías retardadas de una piel lacerada por el contacto con la realidad, esa otra piel siempre reversible en la que camuflarse sin dejar de exhibirse, porque como dice César Aira en su última novela, la realidad no tiene anverso y reverso sino una sola superficie móvil.

Esta concepción dialéctica de la máscarafrontera franqueable de una realidad en construcciónque hemos visto en los Santos y que se traslada a la serie de dibujos hermana, Santo con sueño en perfil, la reconocemos también cuando Espaliú emplea patrones textiles. Una suerte de deriva identitaria con la que el artista dibuja el perfil de quien vuelve a servirse de moldes y prótesis con los que ocultar-detentar la diferencia. La selección de obras se completa con las fotografías que realizó en Barcelona en su primerísima época. Unas obras anticipatorias de este procedimiento de oclusión que, no obstante y de haber dispuesto de más espacio, se podrían haber acompañado de otra serie de trabajos en los que su autor también emplea la máscara.

Obras como los dibujos de finales de los 80, en las que la figura humanaoculto el rostro tras un óvaloy sus símbolos de pasiónagujas, mazasse mezclan oferentes para un trémulo sacrificio; las esculturas en las que aparecen tortugas y campanasformas que clausuran y por lo tanto también protegen, constriñen y alimentan el deseoasí como sus célebres Carrying, habitáculos móviles de una condición endémica y altiva, máscaras celosas de su singularidad. Obras todas ellas nimbadas por la máscara, esa misma que se exhibe tras la mano que oculta parte de su rostro.

El título es el mismo que empleó Manel Clot en la primavera de 1990 en Diario 16 para reseñar la obra del artista cordobés (N. del A.)

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19 de feb. de 2011

Espaliú y Bautista, únicos cordobeses en ARCO'11


Aspecto del Solo Project de Pepe Espaliú en ARCO'11. Foto: Ars Operandi

La edición de 2011 de Arco, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, muestra, este año más que nunca, una mermada presencia de artistas cordobeses entre  las 197 galerías que acuden a la cita madrileña. Pepe Espaliú (Córdoba, 1955-1993) con Pepe Cobo & Cia y Manolo Bautista (Lucena, Córdoba, 1974) con la sevillana Rafael Ortiz son la única representación, en una edición en la que se echa en falta la presencia de obras de artistas habituales de la feria como Equipo 57, José María Báez, Dorothea von Elbe o Tete Álvarez.

La obra de Pepe Espaliú se muestra generosamente dentro la sección Solo Projects, stands comisariados para presentaciones individuales de artistas. Dentro del programa Focus Latinoamérica la curator Daniela Pérez ha realizado para ARCO una selección que combina artistas veteranos como Margarita Paksa o el propio Pepe Espaliú con otros que podrían considerarse emergentes como Moris, Tomás Espina o Alejandro Almanza. Para Daniela Pérez cada uno de los artistas plantea "reflexiones fuertes en cuanto al mundo en el que coexisten” y entre sus obras se establecen "referencias y/o puntos de partida" para la conversación entre los proyectos. Espaliú presenta dibujos y esculturas de la series Santos y Máscaras, así como algunas fotografías.

Por su parte el lucentino Manolo Bautista ha llevado al stand de la galería sevillana Imitation of Life (2011), una videoinstalación muy similar a la que pudo ser contemplada en nuestra ciudad con ocasión de la inauguración de la Sala Iniciarte. Según ha informado el propio artista a Ars Operandi, los tres ejemplares de los que consta la edición de la serie han sido adquiridos por coleccionistas particulares.

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18 de feb. de 2011

Algunos cabos sueltos de A.D. Resurrección

Antonio D. Resurrección. Los amantes #2 (fragmento). 2011

El artista andaluz Antonio D. Resurrección,  inaugura hoy su vigésima exposición individual Algunos Cabos Sueltos y lo hace en el espacio independiente El Camarote de Ciudad Real. La muestra continúa el trabajo iniciado en 2006 bajo  el proyecto El proceso en el que incorpora instalación, escultura, fotografía y vídeo, "enmarcado bajo el signo de lo antivisual como actitud ética y la "no-fotografía" como postura estética, con la problemática sentimental de telón de fondo".

Para Resurrección el trabajo de estos últimos cinco años "resulta ser un escenario de tránsito donde las identidades se integran con el muro hasta desaparecer, en un espacio en el que quedan difuminados los límites fronterizos entre realidad y ficción. Es el instante de una fuga, huida hacia delante, sin destino específico más que el devenir, existencialismo actualizado a las urgencias y problemáticas del lenguaje visual. La idea de "no lugar" se mezcla con aquella diáspora encaminada a una desaparición contextualizada en los márgenes de lo fílmico. Parte de estos trabajos que conforman El proceso pudieron ser contemplados en nuestra ciudad en la muestra que el artista gaditano realizó en la galería Arte21 en septiembre de 2009.

El Camarote abrió sus puertas en 2009 con una exposición del  cordobés Antonio Blázquez y se presenta como  un colectivo independiente de artistas y gente preocupada por el arte y la cultura en todas sus manifestaciones. Su principal objetivo es la difusión y promoción de propuestas de jóvenes artistas e investigadores.


Antonio D. Resurrección
Algunos Cabos Sueltos
Sala El Camarote. c/ Lanza, 5. 2ºC. Ciudad Real
Inauguración viernes 18 defebrero, a las 20'00 h.
Horario: jueves, viernes de 17'00 a 20'00 h. Sábados de 11'00 a 14'00 h.
Colabora Consejería de Educación Ciencia y Cultura. Castilla-La Mancha

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14 de feb. de 2011

La caja de fotografías de Juan del Junco


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Número 4 de la colección El ojo que ves dedicado a Juan del Junco

Tete Álvarez / Ars Operandi

Coincidiendo con la exposición del V Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler y con la muestra individual del artista Juan del Junco (Jerez de la Frontera, 1972), ganador de la edición de 2009, ha salido a la luz el cuarto volumen de la colección El ojo que ves, dedicado de manera monográfica a realizar una revisión y análisis de la obra del creador jerezano. La colección, dirigida por Alfonso de la Torre, se ha convertido en referencia obligada en el mundo  de la fotografía contemporánea española en base a la cuidada edición de los tres números anteriores, que fueron dedicados a los fotógrafos Begoña Zubero, Félix Curto y Manuel Sonseca. El volumen, bilingüe, en castellano e inglés, cuenta con textos  de Javier Hontoria y Sema D'Acosta,  el cuidado editorial ha corrido a cargo de Alberto Martín y será distribuido internacionalmente por la editorial La Fábrica.

La memoria y los recuerdos personales son la basa sobre la que se asienta gran parte de la obra fotográfica de Juan del Junco. En este sentido escribe Alfonso de la Torre en el texto de presentación de la monografía que, según recuerda el artista, existía en su casa una caja de fotografías que, además de las típicas estampas familiares,  contenía una serie de imágenes de "nidos, grandes piedras, plantas, paisajes  y aves, sobre todo aves. Años y años pasando foto tras foto hace que todo ese imaginario se fije inexorablemente en la memoria. Ahí está el principio". Abunda también Javier Hontoria en esta circunstancia al afirmar: "Creció Juan del Junco rodeado de planos y también de pájaros y plantas. Como sabemos, su padre, arquitecto, es asimismo un reputado ornitólogo de quien pronto debió aprender que para enfrentarse a una labor científica había que dejarse los asuntos personales y emocionales en casa". Si observamos las imágenes que ilustran algunas de las páginas de esta monografía, que corresponden al álbum familiar y las comparamos con el resto de la obra de Juan del Junco comprobamos que, además de las más que aparentes coincidencias iconográficas, ambas parecen responder a un interés  por analizar  la realidad desde un método científico.

Fotografías del álbum familiar de Juan del Junco que aparecen en la monografía

En Filatropía de las imágenes, Javier Hontoria sitúa el corpus de la obra de Juan del Junco a caballo entre la tradición conceptual, que emana de las fuentes anglosajonas y de la escuela de Dusseldorf, y los postulados de la fotografía "construida" que encuentra su origen en el contexto norteamericano y más tarde en la escuela de Vancouver. Una fotografía, la de Juan del Junco en su primera etapa, que "se resuelve entre la vinculación a una tradición de narrativas escenificadas de alto vuelo ficticio y lo que bien podría ser considerado su antídoto: el frío y distanciado registro de un “acontecimiento” real". Para Hontoria el viraje conceptual de la obra de del Junco se establece a raíz de la serie El sueño del ornitólogo. Es aquí donde empezamos a palpar de manera más fehaciente la relaciones que se establecen entre aquella "caja de las fotografías" y el trabajo artístico del jerezano. La labor de investigación en los fondos de la Estación Biológica de Doñana propicia el material necesario para realizar un inventario exhaustivo de aves a partir de criterios taxonómicos. Las imágenes resultantes, afirma el crítico "son gélidas y quieren ser del todo objetivas, pero es en el tránsito desde la captura de las imágenes hasta el modo de presentarlas cuando Juan del Junco recae en su conocido y recurrente vicio. El giro subjetivo es doble. Las aves se disponen sobre un fondo neutro blanco y son fotografiadas en un severo plano picado. Pero, como ya alertaran los Becher, por muy objetiva que pudiera ser la aproximación al motivo, la distancia, el ángulo focal, la luz o la profundidad de campo, todo se basa en decisiones subjetivas". Realidad, construcción, memoria y presente son para Hontoria las constantes de un trabajo que ha supuesto "una de las más sugerentes exploraciones en torno a algunos de los asuntos cruciales del lenguaje fotográfico".

Por su parte, Sema D'Acosta desgrana en ocho capítulos  el devenir del trabajo de Juan del Junco desde series tempranas como De la memoria al artista hasta las más recientes como Lugares que encontré en un listado científico, actualmente todavía en fase de proceso. En estas obras iniciales D'Acosta encuentra ya algunas de las claves que alumbrarán el desarrollo ulterior de la obra de Juan del Junco. La fotografía en la que un niño como álter ego del autor, escudriña con avidez la biblioteca paterna repleta de libros de aves y pájaros va a resultar premonitoria para los intereses del artista jerezano. En El viaje solitario Sema D'Acosta agrupa una serie de obras que aparecen conectadas entre sí por una "percepción específica de lo social y un pertinaz afán clasificatorio."  Y continúa "la actitud con la que Juan del Junco observa los animales o las personas desde su perspectiva, es prácticamente la misma. Quizás la diferencia fundamental radica en la idea de que el ser humano puede ser catalogado según su sociabilidad. Para el artista realizar un censo de aves o hacer fotografías de viandantes anónimos es un procedimiento similar que sigue pautas estructuradas bajo una misma génesis conceptual: observar, contar e inventariar".

Este afán de catalogación, más propio del  método científico, comienza a imponerse en trabajos posteriores frente a una categoría de obras que podríamos considerar más preocupadas por una vertiente social. Para el critico andaluz el artista "sigue examinando, clasificando, anotando y puntualizando… pero lo que anteriormente se inscribía en una ordenación de carácter sociológico, ahora gira en torno a los paradigmas científicos. Sus inquietudes cada vez se vuelcan más con lo natural, adquiriendo una preocupación especial por evidenciar que, aunque somos seres avanzados que han logrado dominar el medio y civilizarse, si observamos nuestra especie con la misma distancia que miramos al resto de animales, en cuestiones básicas y hábitos gregarios nos diferenciamos poco de los demás mamíferos"

En Haciéndome el sueco, Sema D'Acosta analiza las serie homónimas realizadas entre 2006 y 2007 que recurren a procedimientos propios de la fotografía escenificada para plantear "construcciones extrañas" repletas de comportamientos que no parecen responder a "razonamientos lógicos". Para D'Acosta se trata de construcciones alegóricas que encierran "paradojas misteriosas que destapan, a veces de un modo más exagerado y otras más poético, los contrasentidos de la domesticación del medio y la sociabilización de los seres vivos". A medio camino entre la fotografía escenificada y la que funciona como mera documentación, se sitúa la serie El naturalista y lo habitado. En este punto, D'Acosta toma prestadas las palabras del crítico Alberto Martín cuando afirma que este proyecto responde a "un continuo trabajo de descontextualización de las herramientas y los símbolos de la ciencia hasta llegar a mezclar y confundir la autonomía de la obra artística con los elementos del discurso científico".


El sueño del ornitólogo II, políptico de Juan del Junco

El sueño del ornitólogo supone un importante punto de inflexión en la trayectoria de Juan del Junco, quien a partir de ahora comienza a desarrollar "una estrategia propia que consigue subvertir los principios metodológicos de la ciencia en sustancia artística, transformando neutralidad y asepsia en subjetividad y emoción". Las trescientas imágenes de aves disecadas presentadas a modo de mosaico en medio de "una especie de gabinete científico neutro y aséptico" transmiten para D'Acosta "un aire contemplativo". Y prosigue: "El silencio que las envuelve, su claridad o su analogía iconográfica, nos recuerdan a los muchos altares que conocemos, una forma de arte muy característica de la península ibérica que además de transmitir una enseñanza didáctica, encierra claves concretas sobre la identidad del lugar donde se ubica o los feligreses que lo han encargado".

Es, en series recientes como Las Herrerías o Epílogo ornitológico, "ubicadas en el intersticio poético que ha logrado crear el artista entre ciencia y arte" donde para Sema D'Acosta  el idioma personal de Juan del Junco alcanza "el paroxismo de la representación". Sus nidos de cigüeñas nos remiten de nuevo al concepto de la filopatría y son para el artista jerezano una afirmación del "sí-lugar" frente "la proliferación excesiva de espacios insustanciales y anodinos en el panorama de la fotografía actual". 

Cierra la monografía el capítulo titulado Paisajes, que aúna una serie de trabajos donde el acercamiento al género "es consecuencia transversal de su relación con la Naturaleza y las sensaciones que conlleva ese contacto directo y continuado". Se trata de una serie de obras localizadas en las provincias de  Cádiz y Málaga, que comparten una idea romántica del paisaje y que el artista relaciona con los científicos ingleses que a finales del XIX exploraron estas mismas tierras andaluzas aportando "una visión particular de Andalucía occidental como tierra ignota de enorme acervo". Estas zonas señala D'Acosta "a las que acudía su padre habitualmente hace años para otear, estudiar y catalogar, son los mismos espacios que tiempo después ha ido recorriendo el propio Juan del Junco en sus salidas ornitológicas al campo buscando motivos que desarrollar en su quehacer artístico".

Colección El ojo que ves
Monografía núm 4. Juan del Junco.
288 pp. | ISBN: 978-84-9927-063-0-01-9
Edita: Servicio de Publicaciones de la Universidad de Córdoba, Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, Ayuntamiento de Córdoba y Fundación Caja Rural

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Ars Operandi llega a las 250.000 visitas

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En la noche de ayer, el contador de visitas de nuestra revista digital, Ars Operandi, sobrepasó la cifra redonda de 250.000 visitantes. Una número que debemos considerar importante para un medio de comunicación de carácter eminentemente local y que como éste ofrece información especializada que, creemos, viene a corroborar el interés que suscitan estos temas en nuestra ciudad.

Desde mayo de 2008, Ars Operandi viene ofreciendo ininterrumpidamente información de primera mano, debate y opinión conformando un nuevo espacio de comunicación desde el que ofrecer una respuesta a la escasa especialización de los medios tradicionales y que intenta permanecer próximo a lo intereses y a las inquietudes de los ciudadanos.

Durante este tiempo hemos ido elaborando un archivo que documenta nuestro presente y que cuenta ya con más de 1.000 entradas entre noticias, artículos de opinión, exposiciones, tribunas abiertas... La videoteca de Ars Operandi, uno de nuestros apartados emblemáticos, suma más de cuarenta videos que documentan exposiciones realizadas en Córdoba en los últimos veinte años. Ars Operandi Textos documenta asimismo la mayoría de textos críticos que se publican en nuestra ciudad.

Más de cuarenta artistas han realizado para Ars Operandi de manera totalmente desinteresada las casi cincuenta cabeceras que han abierto nuestras páginas a lo largo de estos casi cuatro años. Colaboraciones como ésta  sustentan Ars Operandi como una página abierta, colaborativa y de intercambio, que aboga por la puesta en valor del trabajo y de la opinión del tejido cultural de la ciudad.

Los editores de Ars Operandi queremos agradecer tanto a colaboradores como a nuestros fieles lectores el apoyo y la confianza que nos prestan y al que responderemos con mayores dosis de ilusión y compromiso. Gracias a todos.

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13 de feb. de 2011

El V Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler en la Sala Puertanueva

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Karen Knorr

Redacción / Ars Operandi

Desde el pasado día 10, la Sala Puertanueva acoge las exposiciones de fotografía Taxonomías, del fotógrafo jerezano Juan del Junco, ganador de la pasada edición del Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler y la correspondiente a los seleccionados como finalistas del V Premio, que ha ido este año a la fotógrafa Karen Knorr, como ya informamos puntualmente a nuestros lectores.

El Premio, que reflexiona en torno a una de las actividades más actuales en el mundo de la creación visual, la fotografía artística, se define, según el comisario de la exposición, Alfonso de la Torre, como "de vocación contemporánea", siendo el de mayor dotación económica de su sector, incluyendo, a más de la cuantía económica, una monografía en edición bilingüe dedicada al ganador, dentro de la colección El ojo que ves, de la que publicamos una reseña en esta otra entrada.

La presente edición del Premio, que destaca del ganador "su trayectoria artística y su inserción en el discurso de la fotografía contemporánea", contó como jurado a la coleccionista Pilar Citoler, el fotógrafo José Manuel Ballester, los comisarios de exposiciones Alfonso de la Torre y Jaime Brihuega, profesor de Historia del Arte en la Complutense, la galerista Pilar Serra, la directora de MADRIDFOTO Giulietta Speranza, y Juan del Junco, quienes eligieron ganadora de entre los diez finalistas, que fueron, además de Karen Knorr, Tete Álvarez, Almalé-Bondía, Baylón, Sergio Belinchón, Magdalena Correa, Gerardo Custance, Ignacio Llamas, Gonzalo Puch y Álvaro Sánchez-Montañés.

La ganadora de la presente edición, Karen Knorr (Frankfort, 1954), presenta su fotografía Flight to freedom (2010), perteneciente a la serie India Song, una serie de imágenes construidas, que fueron fotografiadas durante un periodo de dos años (2008-2010) en el norte de la India, utilizando como escenarios lugares sagrados de las castas superiores. Estos interiores arquitectónicos fueron fotografiados con una cámara analógica de gran formato ‘Sinar P3’. Los animales vivos se insertan posteriormente en los lugares fotografiados, fundiendo de este modo alta resolución digital con fotografía analógica.

Flight of freedom fue fotografiado en el Durbar Hall, en el antiguo palacio Juna Mahal en Dungarpur, el lugar donde el maharajá celebraba sus reuniones. En esta sala Knorr ha ubicado una garza blanca, símbolo de la mujer. La artista, en esta fotografía "deseaba utilizar la alegoría como un camino para subvertir las castas y las distinciones de género en India, introduciendo un elemento impuro (pájaro) contaminador de un espacio controlado por leyes patriarcales. Los títulos, en esta serie, tienen un aire lúdico y mi trabajo está abierto a las interpretaciones del espectador..."

Almalé/Bondía

Un recorrido por la exposición nos muestra las obras de los restantes nueve finalistas. La pareja Almalé/Bondía, Javier Almalé (Zaragoza, 1949) y Jesús Bondía (Zaragoza 1952), participan con la fotografía titulada Insitu. Wolfgang Tillmans, Homeless Dwellings (2010), en la que prosiguen su exploración sobre los mecanismos de percepción que construyen el paisaje, formulando una obra "que conceptual y plásticamente se dirige a la tarea de "reinventar una dramaturgia del paisaje", siguiendo el empeño de Paul Virilio; donde lo real se hace presente cuando aparece enredado en el imaginario", según la crítica de arte y comisaria Chus Tudelilla.



 Tete Álvarez 

  Baylón

Tete Álvarez (Cádiz, 1964), en Trapero (2010), perteneciente a su serie Vértices, propone una reflexión acerca de la noción de espacio en la época de la sociedad de la información, cuando las distancias han quedado reducidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real. Los vértices geodésicos son señales permanentes materializadas sobre el terreno y que forman parte de una red de triángulos cuyas coordenadas se calcularon con la mayor precisión y exactitud posibles. Por su parte, Luis Baylón (Madrid, 1958), presenta con Velada (2010), una fotografía de corte intimista en su habitual blanco y negro, medio en el que trabaja su predilección por los retratos urbanos y las vistas de su ciudad natal.

El blanco y negro es elegido también por Sergio Belinchón (Valencia, 1971) para su fotografía Metrópolis 14 (2009), una cuidada composición de luces y sombras en las que el personaje protagonista se erige como referencia de entre los volúmenes que proyectan los rascacielos, una visión no apocalíptica de la periferia de las actuales metrópolis. En el caso de Magdalena Correa (Santiago de Chile, 1968), el blanco de la nieve es el protagonista junto al color de las casas y los cielos de Bahía Fildes, una zona de la Antártica donde conviven bases militares chilenas, argentinas, rusas, chinas y uruguayas. Su fotografía, S/T, de la serie Níveo, tiene la nieve como protagonista absoluto, que condiciona todas las cosas y las vidas de los animales y los hombres en tan recóndito lugar. 

Sergio Belinchón

Magdalena Correa

Gerardo Custance (Madrid, 1976), con Cerca de Aranjuez (2008), muestra una de las obras de la serie Perímetro, ddonde explora fotográficamente los territorios contenidos en un imaginario mapa circular cuyo centro se sitúa en la capital de España y tiene un radio de 150 kilómetros. En la serie, el fotógrafo trabaja sobre el territorio de intersección que resulta de la irrupción de infraestructuras urbanas en los espacios naturales.

Pilar Cabañas escribe de S.T. XVI (2010), fotografía de Ignacio Llamas (Toledo, 1970) y de la serie Cercar al silencio, a la que pertenece la obra, que "apelan a nuestra sensibilidad estética para, en comunión con ellas, descubrir a través de sus líneas, de sus objetos abandonados y de sus luces el misterio que allí se esconde, lo que de universal tiene la inquietud del artista". Por su parte, Emilia García-Romeu, del MNCARS, reseña sobre Gonzalo Puch (Sevilla, 1950) y su obra que "ha estado siempre relacionada con lo cotidiano maravilloso. Los accidentes que interrumpen la “normalidad” son para él fuente de humor y poesía. Quizás por ello durante mucho tiempo sus imágenes han tenido algo de ingenuo desafío circense de las leyes físicas". Sin título (2010) es una ciudada escenografía de elementos vegetales que se transforman dando la impresión de ser lo que no es.

 Gerardo Custance

Ignacio Llamas

Cierra el recorrido por la exposición el paisaje de Islandia, protagonista de la fotografía de Álvaro Sánchez-Montañés Verönd (2010), en la que el color juega un papel protagonista definiendo los elementos reflejados, unos bungalows situados en un prado, con un paisaje de fondo casi inexistente bajo un cielo encapotado, en el que sólo unas prendas flotando al viento recuerdan la presencia humana.

 Gonzalo Puch
 Álvaro Sánchez-Montañés


V Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler
Sala Puertanueva
Ronda de Andújar s/n (Facultad de Derecho), Córdoba
Comisario: Alfonso de la Torre



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11 de feb. de 2011

23 piezas para ISO23

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El colectivo de fotografía ISO23 inaugura mañana sábado 23 piezas, una selección de trabajos de los miembros del grupo radicado en el Círculo Cultural Juan XIII. ISO23 surge en 2008 como un colectivo interesado en realizar actividades relacionadas con el medio fotográfico y está formado por Manuel Torres, Pedro Peinado, José Ramón Pérez, Luis Rubio, Alfonso Ruiz, Óscar Martín, Juan Carlos Carrillo, José Juan Luque y Caín. El colectivo plantea "otra forma de hacer fotografía", un modo de poner en práctica experiencias colaborativas que "se retroalimentan y autoforman de manera grupal, estableciendo unas lineas comunes".  Sus integrantes pretenden también mantener "una visión socio-cultural distinta: organización asamblearia, una apuesta formativa altruista y accesible a todo el mundo, y un apuesta colaborativa por los movimientos sociales, las iniciativas autogestionadas y la cultura libre y no mercantilizada".

Así, como parte de las actividades de 23 piezas, los miembros del colectivo llevaron a cabo  en la noche de ayer una "peculiar acción contracultural".  Se trata de una intervención en un muro  de la calle Don Rodrigo, en su confluencia con la Plaza de San Pedro que estará ocupado, de manera efímera, por obras realizadas por miembros del colectivo.

23 piezas
Inauguración: Sábado dia 12 a las 20:00 horas, con apertura de barra autogestionada
C C Juan 23 (Calle La Palma, 2) .
Hasta el día 3 de marzo.

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10 de feb. de 2011

Entre luces y sombras: dibujos de Miguel Ángel Ruiz en Sala Góngora

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La Sala de Arte Góngora presenta, a partir del jueves 10 de febrero, la exposición titulada Entre luces y sombras, original del artista cordobés Miguel Ángel Ruiz, quien mostrará una selección de dibujos e ilustraciones.

Nacido en 1985, Miguel Ángel Ruiz es Técnico Superior en Realización de Cine de Animación, y ha cursado el Ciclo Formativo Superior de Ilustración. Su obra se ha mostrado en la Exposición de Cómic Medinat al-Zahara, los años 2004 y 2009, y en Te Talentos del Cómic, organizada por el Aula del Cómic, los años 2003-04, entre otras. Ha publicado en revistas y fanzines como algunas historias en fanzines como: Fancipote o El cubo y en la actualidad se encuentra trabajando en el cómic Farescape: Scorpius, para la editorial americana Boom Studios.


Entre luces y sombras
Miguel Ángel Ruiz
Inauguración jueves 10 de febrero, 20 h
Sala de Arte Góngora (IES Luis de Góngora)
C/ Diego de León 2, Plaza de las Tendillas
Hasta el 24 de febrero

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9 de feb. de 2011

Río Guadalquivir. Entre la Quinta y la Cuarenta y dos


Sobre un poema de Góngora, dibujo de Guillermo Pérez Villalta

Redacción / Ars Operandi

El comisario y crítico de arte Sema D'Acosta ultima en estos días en nuestra ciudad la muestra que formará parte del programa artístico de la próxima edición de Cosmopoética, el encuentro de Poetas del Mundo en Córdoba. Se trata de Manhattan [5th Avenue at 42nd Street], una exposición colectiva que traerá hasta el mismo cauce del Guadalquivir, al Molino de San Antonio, una selección de obras realizadas ex profeso por artistas españoles de diferentes generaciones. La iniciativa atiende a uno de los objetivos primordiales del festival, que además de promocionar la pasión y el respeto por los libros, pretende fomentar "actividades de expansión cultural en colaboración con entidades destacadas de cualquier continente, que acerquen hasta la ciudad figuras relevantes de la literatura actual". En este sentido el proyecto de D'Acosta promueve "establecer líneas de contacto con instituciones u organismos reconocidos" para así potenciar "sinergias que fortalecen y consolidan el festival, dándolo a conocer más allá de nuestro país y acercando a los cordobeses primeras figuras internacionales"

Para ello ha puesto la mirada en la Quinta Avenida neoyorquina, sede de la Bibioteca Pública de Nueva York, que dirige Paul LeClerc, un buen amante de la poesía española y apasionado de la ciudad cordobesa. La idea es "aprovechar el afecto que el director de la entidad, el Sr. Paul LeClerc, demuestra tanto por las letras hispánicas como por la ciudad andaluza -una de sus preferidas en España-, para implicarlo en un plan cultural que argamase lo literario con lo artístico". Para Manhattan [5th Avenue at 42nd Street], LeClerc ha realizado una selección de "ocho poemas universales escritos por autores españoles". Un trabajo a su jucio "inconcebible", ya que "el ámbito en el que nos movemos es tan extenso, que es muy difícil delimitar un grupo pequeño en una tradición tan honda y dilatada". El resultado es un recorrido personal por una antología de algunos de mejores versos de la literatura española. Una andadura que parte de los romances anónimos, atraviesa el Siglo de Oro y desemboca en autores más cercanos como Machado, Salinas o el cordobés Pablo García Baena.

Toma niña esta naranja, díptico de Ignacio Tovar

A partir de esta selección Sema D'Acosta ha invitado a ocho artistas españoles para mostrar su visión, desde el dibujo, la pintura, la escultura y la instalación, de los poemas que conforman la antología. Para D'Acosta el hecho de conjugar la obra de cuatro artistas veteranos y otros cuatro jóvenes responde al intento de "implicar no sólo a diferentes épocas y mentalidades, sino abarcar una mirada más amplia que incluya sensibilidades representativas del cambio generacional vivido por los españoles en los últimos decenios". Así el artista sevillano Ignacio Tovar pondrá imágenes a un romance popular Toma niña esta naranja, mientras que Carmen Laffón hará lo propio con el Romance de Abenamar y el Rey Don Juan. El Siglo de Oro corresponde también a a dos señalados pintores andaluces. Dibujos de  Guillermo Pérez Villalta y Miki Leal toman como fuente sendos sonetos de amor de Góngora y Quevedo. Por su parte Nieves Galiot ha encontrado  su perfecto maridaje  en los versos de Rosalía de Castro. Para Manhattan la artista cordobesa ha preparado un libro de artista inspirado en el poemario En las orillas del Sar. Versos de Machado, para Paul LeClerc "el poeta más importante de la última centuria en España" serán interpretados desde la siempre corrosiva pintura de Matías Sánchez. El jiennense Jacobo Castellano intervendrá en la fachada del molino y prepara una escultura en base al poema Underwood Girls de Pedro Salinas. Completa la nómina de artistas el jerezano, aunque afincado en nuestra ciudad, José María Báez. Como no podía ser de otra manera, Báez ha trabajado sobre el mítico poema Córdoba que Pablo García Baena dedicara al recordado Carlos Castilla del Pino. ¿A quién pediremos noticias de Córdoba?/Porque las piedras que amabas a la tarde han sido derribadas...

La coordinación del proyecto Manhattan [5th Avenue at 42nd Street], que cuenta con la colaboración con el Instituto Español de Nueva York, ha corrido a cargo de Marta del Corral. Imagen y palabra se volverán a dar la mano con la edición de una publicación que completará la exposición con textos seleccionados por el comisario, los artistas y por el propio Leclerc, además de dos escritos críticos de la mano del poeta y ensayista Eduardo García y de la periodista Amalia Bulnes.

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The Beatles, 50 aniversario

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Hoy 9 de febrero, se cumple el cincuenta aniversario de la primera actuación de The Beatles, en un concierto que tuvo lugar en el mítico Cavern's Club de Liverpool, una actuación matinal que sería la primera de casi trescientas que darían allí a lo largo de dos años, y que irían paralelas al inicio de un profundo cambio en la sociedad contemporánea. Música, artes plásticas, cine y literatura fueron influenciadas por las nuevas corrientes juveniles que cristalizarían en el fenómeno cultural Pop.

Fue en agosto de 1963,  con unos “Fab Four” ya mundialmente conocidos, cuando dieron el último de sus conciertos en esta sala, demolida en la década de 1970 para construir un centro comercial.

Con posterioridad se construyó una réplica a pocos metros del emplazamiento original del club, en Mathew Street, lugar donde los admiradores de la banda se reunirán este miércoles y días sucesivos para celebrar esta efeméride. Una serie de eventos organizados por Cavern City Tours, los dueños de la réplica del club, acompañarán a la jornada del 50 aniversario.

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8 de feb. de 2011

Manuel Garcés muestra en Madrid su obra más reciente

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La galería madrileña Rafael Pérez Hernando presenta, a partir del 10 de febrero, la nueva exposición de Manuel Garcés BlancartEl barco del azar, un título inspirado en una conferencia del filósofo, sociólogo y escritor Jose María González García. Garcés y González García comparten su visión de la ciudad  como "un barco en mitad de la tempestad, un lugar en el que vigilar las situaciones azarosas de la vida y las circunstancias impredecibles de la existencia. La fortaleza que nos protege de las olas de lo irracional y se presenta como un escudo ante el aliento indómito de la naturaleza"

El artista cordobés ha preparado para su cita madrileña una serie de obras que continúan la línea de trabajo emprendida en Ciudad Lineal de exploración del territorio urbano en base a grandes lienzos panorámicos que amalgaman vistas de planos de ciudades, carreteras, edificios y vistas aéreas. Completa la exposición una serie de 12 linos de mediano formato que funcionan a modo de primeros planos de escenas que transcurren en el espacio urbano.

Manuel Garcés rinde en El barco del azar, un especial  homenaje a la figura de su padre, recientemente fallecido, de quien señala que "me enseña el mejor camino para pasear por la vida. Su cariño, su generosidad, su alegría y su vitalidad son ahora la mejor gasolina para mi trabajo".
La muestra estará expuesta hasta abril en paralelo a la exposición de la artista Ofelia García, quien presenta al público la exposición titulada Vía 10.

 Una instantánea de la inauguración. Foto: Miguel Gómez Losada

Manuel Garcés Blancart
El barco del azar
Inauguración jueves 10 de febrero, 20 h
Galería Rafael Pérez Hernando
Orellana 18, (Alonso Martínez)

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5 de feb. de 2011

Fernando Baena estrena El sueño de Courbet

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El Espacio Cruce de Madrid estrena el próximo miércoles dentro del  proyecto Cine YEl sueño de Courbet,  última obra en video del artista cordobés Fernando Baena, (Fernán Núñez, 1962).

El sueño de Courbet, con una duración de 33 minutos, es el resultado de la improvisación realizada el 17 de Noviembre de 2010 y enlaza dos momentos señalados en  la vida del pintor francés. Por un lado 1866, año en que pintó los cuadros El sueño y El origen del mundo, y por otro  1871, año en que participó en el gobierno de la Comuna de Paris como director de los museos de la ciudad. Durante su mandato, la columna de la place Vendôme, erigida poco antes para conmemorar las victorias napoleónicas, fue destruida, y Courbet fue acusado de ser el principal instigador.  Condenado a seis meses de prisión y a pagar 300.000 francos, tras salir de la cárcel y para eludir el pago, huyó a Suiza donde murió a los 58 años.

Fernando Baena explica que  la Comuna de París significó la toma del poder, por primera vez, de las clases proletarias y la instauración de un proyecto político comunista autogestionario. "Para las feministas representa una clara toma de conciencia de la importancia de su lucha. Los cuadros, de 1866, son hitos en la representación del desnudo femenino, en el caso de El origen del mundo por su despojamiento de toda ficción, en El sueño por su clara alusión a las relaciones entre mujeres en una época en que su papel en la sociedad empieza a cambiar. Los grabados de fondo representan varios momentos del derribo de la columna, hito falocéntrico del imperio napoleónico, símbolo de una grandeur chovinista y de un mundo que declina".

Para la realización de El sueño de Courbet, Fernando Baena ha contado con la coreografía de Marianela León y Flavia Ghisalberti y la música  del  multi-instrumentista suizo Frank Heierli. En la escenografía ha colaborado  Rafael Suárez mientras que la postproducción ha corrido a cargo de la artista madrileña Campanilla.

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¿Qué es el arte público?

por Rosa Colmenarejo



¿Qué es el arte público?
El arte público no trata acerca de uno mismo, sino de los demás. No trata de los gustos personales, sino de las necesidades de los demás. No trata acerca de la angustia del artista, sino de la felicidad y bienestar de los demás. No trata del mito del artista, sino de su sentido cívico. No pretende hacer que la gente se sienta empequeñecida e insignificante, sino de glorificarla. No trata acerca del vacío existente entre la cultura y el público, sino que busca que el arte sea público y que el artista sea de nuevo un ciudadano (1).

En 1968, el filósofo Siah Armajani inicia la redacción de un manifiesto que concluirá diez años más tarde, sobre el arte y el artista “públicos”. Con él trata de dar respuesta a sus inquietudes conceptuales sobre la incorporación del espacio libre en las ciudades como lugar para la exposición o instalación de obras de arte.

La ciudad es el lugar del arte público. Una vez reconocido el espacio público como lugar democrático de encuentro de las personas en la ciudad, se produce la pérdida del pedestal del monumento conmemorativo. La ciudad no puede estar ya tomada por artefactos ajenos a la vida cotidiana de las personas que la conforman. El sentido de la ciudad ha de ser recuperado, o quizá construido, a partir de la poesía de la que la impregnó Walter Benjamin en los primeros años del siglo XX.

La ciudad hizo que todas las palabras [...] o buena parte de ellas por lo menos, se vieran en sí mismas elevadas a la nobleza del nombre, revolución del lenguaje producida por lo común a todos, por la calle.
La ciudad es un cosmos de lenguaje conformado en los nombres de sus calles (2).

Uno de los síntomas del viraje hacia el discurso político en el arte será, precisamente, la eclosión del arte en el espacio público. Se trata, por un lado, de un rechazo al sistema de mercadeo de arte dominado por las galerías que les lleva, como en el caso de la Store de Claes Oldenburg, a conformar sus propios espacios de exposición y venta; también a una nueva forma de relacionarse con el público, adoptando técnicas teatrales, como ocurre en los happening y las performances y, finalmente, de conseguir atraer, involucrándolo, al gran público, aquel que normalmente no accede a los lugares institucionalizados. El gran público es la ciudadanía toda, la que pasea la ciudad, la recorre día a día, en su quehacer cotidiano. No es necesario “emplear” un tiempo en visitar el museo o la galería para admirar “arte”. El arte se instala definitivamente en la calle gracias al “arte público”.

Siah Armajani es testigo directo de esta nueva forma de relación con el público e intenta conceptualizar los términos de esta nueva forma de interaccionar con él. Sin embargo, ¿se trata únicamente ahora de depositar objetos en el marco urbano y esperar que alguien llegue a comprender mínimamente mis intenciones en tanto que artista?

Por otro lado, algo que había comenzado con una clara actitud inconformista pronto fue fagocitada por el poder institucional. En países como Estados Unidos, Francia o Alemania se aprobaron decretos, ya en los años sesenta, que obligaban a emplear el “uno por ciento” del presupuesto total de las obras públicas en costear “obras de arte” ligadas a su construcción. Apareció el denominado Plop art, arte caído (pesadamente) del cielo. Y así es como se denominan, aún hoy, en Estados Unidos a aquellas “obras de arte” de calidad mediocre que de forma aleatoria y arbitraria, se ubican en el espacio de propiedad pública.

"Arquitectos inexpertos y camarillas locales causaron en las ciudades un recargamiento de fuentes con ranas y encendidos mosaicos representando grullas. A mitad de los años sesenta, las ciudades comenzaron a contratar con más frecuencia a artistas renombrados. Empezó entonces el enfrentamiento tan desintencionado como frontal entre un público que nunca antes había visto arte contemporáneo y unos artistas que nunca habían pensado en un público ciudadano. Una alienación de más de cien años no podía borrarse de un plumazo". (Georg Jappe)

En este contexto es posible ubicar el inicio del manifiesto de Armajani con el que encabezábamos este texto. El “arte público” debe ayudar a superar esta alienación histórica. La ciudad, en tanto que espacio público debe proveer un nuevo marco de expresión al artista pero éste también debe esforzarse en facilitar al conjunto de la ciudadanía herramientas que le permitan comprender no sólo la obra en sí misma sino su sentido espacial y su utilidad colectiva. El “arte público” no es un “estilo”, no tiene unos rasgos formales o materiales que identifiquen un grupo de obras como próximas. El “arte público” es un actitud vital, una forma de vida, que hunde sus raíces en la democracia radical norteamericana, su filosofía y su poesía.

(1) Siah Armajani, “Manifiesto. El arte público en el contexto de la democracia americana” en AA.VV., Siah
Aramajani, Catálogo exposición Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1999, p.
(2) Obra de los Pasajes, P 3, 5 

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2 de feb. de 2011

Duchamp en Espacio 3 de la Filmoteca

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La Filmoteca de Andalucía presenta desde hoy en Espacio 3, y hasta el 26 de marzo, Anémic Cinéma, una de las creaciones cinematográficas de Marcel Duchamp, realizada en 1926 con la ayuda de Man Ray. La proyección, en formato cinematográfico, se realiza en colaboración con la Film Library del Museum of Modern Art de Nueva York.

Según señala Peter Weiss en Cinéma d’ avant-garde (L’arche, París, 1989), la película consiste en "discos girándose alrededor de círculos pintados. Cuando estos círculos giran alrededor del centro del disco, provocan una ilusión óptica en el espectador: Sale del universo bidimensional y tiene la sensación de entrar dentro de un embudo profundo. Duchamp quiso sacudir nuestro concepto sobre las funciones de las cosas. Quería lograr que confiáramos en imágenes en las que nuestros ojos no confían".
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Por su parte, el escritor y biógrafo de Duchamp Calvin Tomkins escribe sobre Anémic Cinéma (de la que se hicieron varias versiones en 1920, 1923, y finalmente, en 1926, que es la que se proyectará en Espacio 3: "Duchamp usó el pago inicial de su herencia para realizar la película y para entrar en el negocio del arte. La película, filmada en el estudio de Man Ray con ayuda del cinematógrafo Marc Allégret, era una animación de siete minutos de puros juegos de palabras de Rose Sélavy. Estas habían sido pegadas, letra por letra, en un patrón espiral en discos negros que fueron pegados a discos de fonógrafo; los textos lentamente giraban alternándose con tomas de los Discs Bearing Spirals de Duchamp, diez diseños abstractos que giraban haciendo parecer que se movían hacia delante y hacia atrás en un ritmo erótico. La pequeña película, la cual Duchamp llamó Anémic Cinéma, tuvo su estreno ese agosto en un sala privada de Paris”.

Espacio 3 presenta:
Marcel Duchamp
Título Original: Anémic Cinéma
País: Francia
Año: 1926
Duración: 7 minutos
Filmoteca de Andalucía
C/Medina y Corella, 5. 14003 Córdoba
Del 2 de febrero al 26 de marzo

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