.

.

29 de jun. de 2011

Córdoba vista por sus habitantes

.
.
.
El documental C.U.L.T.U.R.E., realizado por Juan López López, es un cortometraje a medio camino entre el reportaje y el documental antropológico sobre el Centro Histórico de Córdoba y la percepción que del mismo tienen sus habitantes, así como la recopilación de toda esa serie de tópicos y estereotipos que de la ciudad se conocen. El documental, enmarcado dentro del proyecto C.U.L.T.U.R.E., se terminará en otoño de este año y se presentará en Nápoles. Allí el documental se sumará a otras siete piezas rodadas en Nápoles, Ferrara, Pisa, Tarragona, Murcia, Rodas y Corfú, con idéntica estructura y contenidos, hasta crear una única pieza coral.

El documental trata de la percepción de la identidad local en el centro histórico de Córdoba, en un intento de "entender" el sentido de pertenencia a un lugar específico que no es sólo un espacio geográfico, sino también un lugar "del alma", un espacio donde, a través de referencias culturales y sociales, hace posible que un individuo pueda reconocer y definir el mismo.

Se basa en entrevistas realizadas en algunas de las principales calles del centro histórico y lugares próximos a paisajes arquitectónicos significativos (con el fin de investigar el conocimiento de los locales de su propio patrimonio cultural). Las entrevistas en la calle, por un lado, entrevistas por sorpresa realizadas con el fin de obtener respuestas espontáneas sobre la percepción del yo en relación con el lugar, alternan con tres entrevistas con testimonios de personas pertenecientes a los campos de la cultura, del espectáculo y la arquitectura, realizadas en lugares relacionados con las actividades cotidianas de cada uno de los entrevistados.

El documental tiene la intención de investigar el punto de vista sobre los elementos que determinan el sentido de pertenencia a un lugar y a una comunidad. A través del cuestionario, los entrevistados son estimulados para definir los elementos que para ellos son indicativos de su patrimonio cultural, que les hace sentir como miembros de un área cultural específica y territorial (paisajes arquitectónicos y naturales, el patrimonio inmaterial). Por esta razón, el documental está a medio camino entre el reportaje y la investigación socio-antropológica, mostrando una mirada irónica a los estereotipos relacionados con el territorio con el fin de deconstruir y darles una nueva clave para la lectura.


Bookmark and Share

Chema Madoz. Ars combinatoria en Sala Vimcorsa

Chema Madoz, S/T

Oliva María Rubio. Comisaria de la exposición  / para Ars Operandi

Su especial modo de interpretar el arte a través de la fotografía y su visión poética han hecho de Chema Madoz (Madrid 1958) uno de los creadores más interesantes de la escena artística contemporánea. Su trabajo muestra las relaciones escondidas entre los objetos e indaga en las trampas de la visión, abriendo una ventana a nuestra mejor comprensión del mundo.

Chema Madoz quiere acentuar el acontecimiento y enfatizar la ironía que subyace en los objetos. Trabaja con los objetos y se enfrenta a ellos de diversas maneras: el objeto encontrado, sin alterar, el objeto manipulado y el objeto inventado y construido por él mismo en su estudio. El artista se considera un escultor de objetos que opera desde el punto de vista de un fotógrafo y señala que la fotografía es el registro de la memoria que le permite fijar sus ideas. En los diversos procedimientos que utiliza: condensaciones, asociaciones, yuxtaposiciones, desplazamientos, ars combinatoria, encuentros fortuitos a los que somete a los objetos, Madoz se emparenta con los surrealistas en esa búsqueda de nuevos significados, nuevos parentescos, nuevos caminos por donde dejar vagar la imaginación. Hay también en estos desplazamientos, metamorfosis, combinaciones o búsqueda de relaciones entre los objetos, una especie de ligereza que se asocia con la idea de juego.

Algunos de los desplazamientos formales de este creador son mínimos, pero de una eficacia extraordinaria. Lo cotidiano le inspira las más curiosas asociaciones y en ellas hay siempre un transfondo de juego. Gestos y construcciones donde consigue que lo más raro parezca normal, como cuando coloca una sandalia sobre una bota. Trata de mostrar cambios sutiles de las cosas, añadidos o sustracciones, desplazamientos o metamorfosis, que generan una singular extrañeza.

La exposición presenta un extenso recorrido por el trabajo de Chema Madoz. Aborda la trayectoria del artista en su conjunto, ofreciendo una amplia panorámica de los diversos estadios por lo que ha pasado su obra hasta el momento, así como de su evolución y el cambio de los objetos que han llamado su atención.

Chema Madoz
Ars combinatoria
Inauguración miércoles 29 de junio, 20:30 horas
Sala Vimcorsa
C/ Ángel de Saavedra, 9
14003 Córdoba
Comisaria: Oliva María Rubio

Bookmark and Share

28 de jun. de 2011

Se acabó el sueño

.


Editorial / Ars Operandi

La más esperada de las intervenciones, la del presidente del Comité de Selección, Manfred Gaulhofer, arrojó al fin un jarro de agua fría para las ilusiones de cientos de miles de cordobeses y de millones de andaluces que habían puesto sus expectativas en la consecución de la Capitalidad Cultural 2016 como el principal factor de desarrollo que hiciera posible para nuestra ciudad encarar con fortuna el siglo XXI. El proyecto de San Sebastián, diseñado para «fortalecer el compromiso social por los derechos humanos y la rebeldía cívica contra cualquier forma de exclusión y de violencia» y para «avanzar hacia un clima de concordia cívica desde la que establecer la arquitectura emocional del futuro» ha sido al fin el elegido en un fallo que a buen seguro arrastrará reacciones de todo tipo. Córdoba, donde la convivencia, la tolerancia, la armonía de culturas es secular y paradigmática, queda fuera de la elección de un jurado que, con un inexplicable optimismo político, desea normalizar una sociedad fracturada cohesionándola a través de la cultura.

Bookmark and Share

27 de jun. de 2011

Proyectos cordobeses en la Quadriennale de Praga

.
 En el video, los actos de inauguración de la Quadriennale 2011

Ayer domingo 26, y desde el 16 de este mes de junio de ha venido celebrando en la ciudad de Praga la Prague Quadriennale of Performance, Design & Space 2011, en la que países de todo el mundo han mostrado los trabajos que se realizan en estos momentos en el campo del diseño espacial, la escenografía y la performance, marcando de este modo la tendencia futura a seguir en este campo creativo, continuamente sujeto a los cambios que, con vertiginosa rapidez, se vienen sucediendo debido al desarrollo de las nuevas tecnologías, en especial de la luz escenográfica, una realidad que permite a los creativos un campo de acción cada vez más amplio y más apasionante.

La Escuela Superior de Arte Dramático de Córdoba ha estado presente en la Quadriennale de Praga -considerado el evento de mayor importancia en su ámbito- formando parte del pabellón de España, junto a las escuelas de Madrid, Sevilla, Vigo y Barcelona. Durante la Quadriennale, el público asistente ha podido comprobar diversos trabajos escenográficos proyectados y llevados a cabo por la Escuela en nuestra ciudad, los cuales han recibido múltiples felicitaciones de profesionales asistentes al evento, tanto por la calidad de los trabajos mostrados como por su originalidad, según ha podido conocer Ars Operandi de fuentes de la Escuela cordobesa. 


Bookmark and Share

25 de jun. de 2011

¿Plata de ley?

TRIBUNA ABIERTA

José Mª Baez / para Ars Operandi

El Consejero de Cultura ha padecido esta semana una afrenta pública: Christine Ruiz-Picasso se negó a inaugurar una exposición en el Museo Picasso de Málaga, provocando una molesta y difícil situación tanto al Consejero como a la propia Junta de Andalucía. Tras soportar esta incidencia, Paulino Plata debería haber aprendido la lección y no actuar de igual forma, groseramente, con nada ni con nadie. Porque ningunear de forma pública y sin contrastar el precio de la Colección Circa XX es agredir a su propietaria, Pilar Citoler, y venirle a decir que no tiene ningún interés en que su colección se quede en Córdoba.

En el mundo del arte hay pocas certezas. Pocos artistas se han mantenido, a lo largo de los siglos, con una permanente valoración crítica. Artistas muy valorados en un momento dado han caido después en el olvido, y viceversa. Sin embargo sabemos que los precios en el mundo del arte suelen mantenerse y, con harta frecuencia incluso, experimentar revaloraciones expectaculares a pesar de las crisis económicas. Hay casos, no obstante, pero que Francesco Clemente haya bajado su cotización recientemente sólo nos habla de la burbuja especulativa sobre la que se apoyaba su obra. Y no son ejemplos trasladables al mercado español. Por eso es alarmantemente infantil el razonamiento de Paulino Plata vinculando el precio de la Colección Circa XX y el coste de la construcción del edificio del C4.

Pero el problema no se reduce a este ingenuo planteamiento. Plata, llevado de su histrionismo, no ha reparado en las contradicciones que ponen al descubierto sus declaraciones y tampoco ha advertido que, negando la ubicación de la Colección Citoler en el C4, se evidencian aún más las extrañas circunstancias que desde su origen han gravitado sobre este edificio. Un edificio, no lo olvidemos, surgido tras un concurso restringido de arquitectos, y publicitado antes de su construcción desde las páginas de papel cuché de las revistas pijas de arquitectura. Si no se contemplaba la exhibición de obras ¿era necesaria la especialización en espacios museológicos como se pidió en las bases del concurso? ¿Tanta desmesura para albergar unos simples talleres de artistas? ¿Tanta espectacular fachada para una idea tan básica? ¿27 millones de euros por unos locales de trabajo? Algo huele a podrido en todos estos delirios de grandeza y sin duda alguien habrá sacado tajada de la operación. Porque si lo que se pretendía era un centro de creación, un laboratorio de reflexión e ideas, el modelo estaba ya perfectamente definido. Los técnicos de la Junta de Andalucía sólo tenían que visitar Arteleku, una ejemplar institución que lleva bastantes años cumpliendo la función de semillero de los artistas vascos. Arteleku está situado en la periferia de San Sebastian y apartado de los reclamos turísticos. El edificio que lo alberga tiene la modestia externa de un instituto de barrio y el coste de su construcción fue modélico. No se precisa nada más, a menos que haya algunas cartas que no se hayan desvelado.

Sospecho que algo debe permanecer oculto y tapado. A principios de marzo pasado tuve un encuentro en Sevilla con Bartolomé Ruiz, secretario general de Políticas Culturales de la Consejería de Cultura e, imagino, superintendente de la casa. Le recriminé la posibilidad de que Córdoba perdiera la colección Citoler por el obstrucionismo encubierto de su Departamento. Nada de eso, me dijo, yo estoy dispuesto a ir a Córdoba y explicar las alternativas de la Consejería. Mira, ¿por qué no organizas una posible mesa de personas interesadas y celebramos un debate? El día 5 de marzo le remití una lista de personas suficientemente diversa y contrastada, para evitar polémicas de instrumentalización política e intereses personales. Bartolomé Ruíz, uno de los grandes especialistas en vender humo del PSOE andaluz, por supuesto ni me contestó. El millón y medio de euros que Plata dice dispondría para habilitar el Teatro Cómico era también la propuesta estrella con la que el secretario general de la Consejería deseaba sorprender. En estos tiempos de penuria económica por parte del Estado ¿de qué, sino de humo, estamos hablando?

Bookmark and Share

24 de jun. de 2011

A escena la "Novena promoción" de la Fundación Gala

.
Hoy viernes 24 de junio, la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores celebra los actos de clausura del curso 2010/2011, durante el cual ha acogido a la novena promoción de jóvenes artistas en su sede, sita en el antiguo convento del Corpus Christi de nuestra capital. El broche final, que cierra una semana de actos, será la exposición titulada Novena promoción, en la que mostrarán sus trabajos los alumnos pertenecientes al ámbito de las artes plásticas. Los alumnos becarios de este año en este ámbito han sido Al Fernández, Ana Bidart, Antonio Barahona, Carmen Fonseca, Daniel Franca, José Enrique Porras y Lara Pintos, algunos de los cuales han cosechado varios premios en diferentes concursos artísticos a lo largo del curso. En la foto, los alumnos de la novena promoción posan junto al patrono titular.

Fundación Antonio Gala
Acto de clausura e inauguración de la exposición colectiva de artes plásticas Novena Promoción
Viernes 24 de junio, 13:00 horas
Fundación Antonio Gala
C/ Ambrosio de Morales, 20
14003 Córdoba

Bookmark and Share

22 de jun. de 2011

Plata descarta el C4 como espacio para la colección Citoler

.
Redacción / Ars Operandi

El Consejero de Cultura Paulino Plata ha afirmado esta mañana, durante una visita al C4  de miembros de la Comisión de Cultura del Parlamento de Andalucía, que el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía no albergará la colección Circa XX, propiedad de la coleccionista Pilar Citoler. Plata ha desestimado así la petición de la coleccionista que el pasado lunes afirmó que el C4 sería el "lugar idóneo" para la instalación de su colección.

Recordemos que esta misma semana la Universidad de Córdoba y la propia Citoler han suscrito un protocolo de intenciones para albergar en Córdoba con caracter permanente la colección Circa XX. Las partes firmantes establecen en él un compromiso "para desarrollar cuantas actuaciones conjuntas sean necesarias para que la ciudad de Córdoba albergue la colección Circa XX, en un espacio que reúna las condiciones adecuadas para su conservación y exhibición". Un anexo al protocolo indica que "el valor estimado de esta colección superaría los 8 millones de euros, sin considerar el valor añadido de tener reunidas estas piezas en una única colección". El protocolo establece que "durante 20 años Pilar Citoler reciba un 2% anual del valor de la colección actual, que en parte Pilar Citoler pueda utilizar para complementar, según su criterio, el programa de adquisición de la colección"

En este sentido el consejero ha indicado que "la colección de arte Pilar Citoler es una colección muy diversa que están evaluando técnicamente. La información que me llega de los expertos es que esa colección puede tener una valoración en torno a los 2 millones de euros o algo más". Plata ha afirmado que el C4 será "un lugar de encuentro de los creadores andaluces y con los nuevos lenguajes en los que se expresa el arte" y ha añadido que el centro de creación "además de responder a estos principios, va a suponer un esfuerzo presupuestario en torno a los 27 ó 28 millones de euros cuando esté finalizado. Ustedes mismos hagan las cuentas y reflexionen si tiene sentido que este edificio, que cuesta casi 30 millones de euros, se dedique a ser el continente de una colección que tiene valor de 2 millones de euros. Me parece que es una cosa un poquito desproporcionada".

El Consejero de Cultura cree que la inclusión de la colección Circa XX "alteraría de manera sustancial cuál es la filosofía y cuáles son los principales objetivos que debe cumplir este centro, no sólo en relación a Córdoba, sino en relación a la creación contemporánea en el conjunto de la comunidad autónoma". Plata ha manifestado que "está por la labor de que la colección se quede en Córdoba" y que desde la Consejería de Cultura han propuesto soluciones "muy interesantes, que están más en concordancia con la colección y también con el impulso al turismo cultural". Plata ha señalado que "no estamos desatendiendo nada" y ha recordado la oferta de Consejería para incluir los fondos de la colección en una futura ampliación del Museo de Bellas Artes que se realizaría en el Teatro Cómico Principal mediante un proyecto de acondicionamiento por valor de 1,5 millones de euros.

Bookmark and Share

Marcial Gómez y el realismo mágico español en la muestra "Im Schatten der Träume"

.

Costurero (1978), de Marcial Gómez, es la obra elegida para el cartel de la exposición Im Schatten der Träume

Redacción / Ars Operandi

Magischer Realismus aus Spanien. Im Schatten der Träume (A la sombra de los sueños. Realismo mágico en España), es el título de la exposición que el Panorama Museum de Bad Frankenhausen (Turingia, Alemania), tiene previsto inaugurar el próximo día 9 de julio, en la que se mostrará una amplia selección de obras con el realismo mágico como nexo. El cordobés Marcial Gómez protagonizará la muestra junto a los artistas Dino Valls, José Hernández, José Viera, Eduardo Naranjo, Vicente Arnás, Urbano Lugrís y Luis Sáez, quienes llevarán al Panorama Museum un total de 65 obras. Im Schatten der Träume nace a partir de una anterior exposición titulada Im Licht der Wirklichkeit (A la luz de la realidad), realizada en el Museo en el pasado año de 2007, bajo el comisariado de Gerd Lidner y Michael Nungesser, y en la que se reunieron 80 obras pertenecientes a 19 artistas de tres generaciones diferentes de pintores realistas. Para los comisarios, lo importante de Im Schatten der Träume es el recurso a la magia del que hacen gala los pintores participantes, y que alejan su discurso del plano de la realidad inmediata, mostrando al espectador diferentes planos de significado.

Marcial Gómez Parejo nació en Hinojosa del Duque, en 1930. Sus inicios artísticos están ligados al dibujante de comic norteamericano Alex Raymond, creador del mítico personaje Flash Gordon, con el que mantiene amistad y una continuada correspondencia entre 1949 y 1953, una influencia que se establece como su único contacto con las artes visuales de la época. Durante los años 60 comienza a trabajar para la industria textil en Barcelona, donde crea continuadas series de gouaches con influencias de la geometría heredera del constructivismo, así como motivos vegetales y otros de las artes ornamentales del norte de Europa y la entonces Unión Soviética, países que visitó el pintor en la década de los sesenta. A partir de los 70 el lenguaje de Marcial Gómez se decanta por una personal pintura figurativa que se encuadra entre el surrealismo y el realismo mágico, realizando numerosas exposiciones individuales. Marcial Gómez es padre del también pintor Miguel Gómez Losada.

Magischer Realismus aus Spanien. Im Schatten der Träume
Inauguración 9 de julio
Panorama Museum
Am Schlachtberg 9
06567 Bad Frankenhausen
Hasta el 23 de octubre


Bookmark and Share

21 de jun. de 2011

Actividades en el Arqueológico

.
 El Museo Arqueológico de Córdoba programa para esta semana diversas actividades, encuadradas dentro de los ciclos Músicas en el Museo, Ciclo de conferencias y La pieza del mes. En conmemoración del Día Europeo de la Música, para hoy se tiene prevista la actuación de Carmen Gómez del Pulgar, intérprete de guitarra clásica, quien ejecutará su concierto a las 19:30 horas en el vestíbulo del Museo. Por su parte, Belén Vázquez Navajas, arqueóloga becaria de la Universidad de Córdoba, impartirá la conferencia titulada La zona septentrional de la ciudad, en la que dará a conocer algunas de sus últimas investigaciones sobre el tema. El acto tendrá lugar el próximo jueves 23, a las 19:00 horas, en la Biblioteca del Museo.

En tercer lugar, el domingo 26 a las 13 horas, y como colofón de la semana, la veterana actividad La pieza del mes tendrá como invitado al Prof. Alberto Canto García, quien disertará sobre el dirham emiral de Abd al-Rahman I, primera moneda del emirato independiente conservada en el Museo. Abd Ar-Rahman ibn Mu'awiya ibn Hisham ibn Abd al-Malik (en árabe, عبدالرحمن بن معاوية بن هشام بن عبد الملك), conocido como Abd al-Rahmán I al-Dājil (الداخل: el Inmigrado) (Damasco, 731 - Córdoba, 788), príncipe de la dinastía omeya, se convirtió en el primer emir independiente de Córdoba en el 756, donde estableció ceca. El conferenciante, Alberto Canto, Profesor Titular de la Universidad Autónoma de Madrid centra sus líneas de investigación en Arqueología y Numismática medieval, sobre todo en el mundo andalusí. Dentro de la moneda andalusí el periodo más estudiado ha sido el del mundo omeya , siglos VIII-XI, con especial atención a los análisis de monedas, leyes y aleaciones, así como los problemas de fabricación en moneda medieval y al estudio de hallazgos monetarios y circulación de monedas en al-Andalus.


Bookmark and Share

19 de jun. de 2011

El cuerpo, territorio de Scarpia X

.
Manuel Domínguez Gómez durante la producción de la fotografía para el cartel de Scarpia X

El cuerpo como territorio y el territorio como cuerpo son los ejes sobre los que se articula la décima edición de Scarpia, las Jornadas de intervención artística en el medio natural y urbano que se celebran en El Carpio. Desde el 16 y hasta el 27 de agosto, El Carpio se convierte en un laboratorio donde la creación actual establece vínculos y diálogos con el paisaje y el paisanaje de esta localidad cordobesa. Talleres, intervenciones, conferencias, presentaciones de proyectos de arte conforman un programa que este año intenta conjugar dos de las vertientes más experimentales en la creación arística contemporánea, el body y el land art.

Para su director, el artista cordobés Miguel Ángel Moreno Carretero "el cuerpo humano ha sido y seguirá siendo un medio para las artes visuales. En el Renacimiento el cuerpo se representaba con unas connotaciones divinas. Miguel Ángel y la Capilla Sixtina son un claro ejemplo de lo que supuso una revolución artística en aquel momento en la representación del cuerpo. El arte y los artistas actuales trabajan en la actualidad con el cuerpo como una herramienta de creación: el cuerpo como soporte artístico o representado ha sido un exponente claro desde los primeros artistas de la performance. La enfermedad, el sexo, la religiones, la anatomía, la doble identidad o la arquitectura, en su relación con el cuerpo son algunos de los apartados a los que dedicaremos algunas de las intervenciones y conferencias de esta edición".

El componente didáctico y formativo es una de las bases sobre la que se asientan, un año más, las jornadas carpeñas. A través de los talleres de creación actual, artistas de reconocida trayectoria comparten sus experiencias y proyectos con alumnos que elaboran a su vez sus propias propuestas artísticas. Dos parejas de artistas, las formadas por MP&MP Rosado Garcés y por Bestué y Vives, serán los encargados de dar cuerpo a los talleres de creación. Mientras los Rosado Garcés analizarán y desarrollarán propuestas en torno  a "las situaciones generadas a través del cuerpo como volumen y el espacio",  el tándem formado por  Bestué y Vives "nos lleva a realizar un análisis desde el cuerpo y la acción con una tipología arquitectónica muy peculiar presentes en El Carpio. Se trata de más de una veintena de viviendas de la localidad, construidas en la década de los setenta, que presentan unas fachadas y unas estructuras arquitectónicas muy avanzadas para la época y que han hecho que hoy en día tengan una cualidad muy especifica y disímil de la arquitectura popular".

La vertiente expositiva de Scarpia se configura alrededor del principal emblema arquitectónico de la localidad, La Torre de Garci Méndez. Noelia Centeno y Miguel Ángel Moreno comisarían Doble Figura "un recorrido a lo largo y ancho de las estancias de la Torre donde podremos ver un resumen de la obra de diferentes artistas que trabajan con la dualidad en distintos aspectos, desde lo más directo o el uso del espejo como representación mimética del otro, pasando por una situación ridícula organizada por dos idénticos que aplauden". Doble Figura contará con obras de Los Dobles, José Manuel Belmonte, David Bestué, Marc Vives y la pareja  Rosado Garcés. Al hilo de la exposición la historiadora del arte Noelia Centeno abordará el tema del body art en una conferencia titulada El cuerpo en la historia del arte. Las intervenciones en el territorio tanto urbano como natural constituyen cada año uno de los platos fuertes de Scarpia. La edición X de Scarpia contará con intervenciones de la mano de Ruben Barroso, Rafael Bioque, Jacinto Lara, Isidro López Aparicio, Isabel León, Out Side Bonus, Mariflor Ortega Ramos, Manuel A. Domínguez y Juan Zamora. Un espacio que forma parte ya de la historia de Scarpia como el kiosko de la Plaza de la Constitución albergará una intervención permanente realizada por Juan Carlos Herrero y Francisco Cuellar en la que pretenden reflejar una década de creación contemporánea en El Carpio.

El premio nacional de Diseño en 2002 y actual presidente de Surgenia, Centro Andaluz del Diseño, Quim Larrea, será el encargado de 14620, el diseño de la camiseta oficial de Scarpia X, que toma como motivo el código postal de la localidad cordobesa. Los mayores y pequeños de la localidad también tienen su sitio en Scarpia. Bajo el título Scarpia Plus, el artista polaco Michal Araszewicz y la gaditana Mercedes de Alba impartirán un taller para mayores en el que "introducirán un estudio práctico basado en el juego entre la fisonomía polaca y la española a través de experiencias plásticas y ejercicios de autobiografía donde la memoria de las personas mayores de esta localidad sea un valor principal". Por su parte, Scarpia Junior "introducirá a los niños en el mundo del cuerpo humano a través de la performance y los nuevos soportes del arte" de la mano de los artistas Antonio Blázquez, Lara Lanceta y Paloma Montes.

Scarpia es también el lugar donde cada año se concitan  proyectos en torno a las prácticas artísticas contemporáneas llevados a cabo en diversos puntos de la geografía nacional. Así, miembros del Cementerio del Arte de Morille de Salamanca, de La Fragua de Belalcázar en Córdoba y del Pan festival de poesía Morille en Salamanca expondrán sus actividades en diferentes campos de la creación actual. El canal de televisión local también se suma a la experiencia scarpiana. El Canal de Arte emitirá un programa de diez capítulos que revisará ediciónes anteriores de las jornadas.

Las incripciones se pueden formalizar hasta el 13 de agosto y sus precios oscilan entre los 80 y los 150 euros. Una cantidad bastante asequible para los estudiantes pero que no cubre la totalidad del presupuesto de las jornadas. El Ayuntamiento de El Carpio, La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí y el Instituto Andaluz de las Artes y las Letras patrocinan Scarpia X.

Bookmark and Share

15 de jun. de 2011

Verónica Ruth y Cyro García en Palma Photo 2011

.
Una de las obras que conforman Narraciones(Extra)Ordinarias, original de Verónica Ruth y Cyro García
 .
Los artistas Verónica Ruth Frías y Cyro García inauguran mañana en la galería ABA art de Palma de Mallorca la exposición Narraciones(Extra)Ordinarias. La muestra forma parte de la programación de Palma Photo ´2011 que concita en la capital mallorquina una amplia oferta expositiva de la mano de diecisiete espacios públicos y privados de la ciudad.

Narraciones(Extra)Ordinarias, comisariada por Fernándo Gómez de la Cuesta, reúne una serie de trabajos realizados en los últimos años por Frías y García como Zoo Habitat, Tonto el que lo lea, Pájaros o Te presto mi cuerpo. Para Gómez de la Cuesta son "cinco fábulas con moralejas, tantas como personas quieran oírlas, cinco cuentos fantásticos que alimentan nuestra ética y, sin duda, nuestra estética, cinco narraciones (extra)ordinarias, reales como la vida misma". Según el comisario la obra de los artistas andaluces muestra "la inquietud de ambos por metamorfosear todo lo vivo, por fabular, (con)fabulando, una peculiar disección que conecta lo imaginario con la realidad más flagrante, trascendiendo lo plástico y exquisito, para penetrar, sin tapujos y sin ornamentos, en el ámbito de lo filosófico, y esto fue lo que le dijo, sin titubear, la hormiga a la cigarra". Gómez de la Cuesta reivindica también para los espectadores un activo papel: "Seamos porosos, seamos sensibles, seamos tacto, gusto, olfato y vista, seamos todo oídos, amemos los sonidos y huyamos del ruido, y de la estupidez, y de la indolencia".

El trabajo colaborativo de Verónica y Cyro arranca en 2002 en Saint Henri (Francia) donde ambos artistas habían sido invitados a participar en un workshop. Durante esta estancia, además de realizar sus piezas individualmente, como venían haciendo en años anteriores, nace la que será su primera pieza conjunta Les Escargots. Hasta 2008 no volverían a firmar otra obra juntos. Se trató de Pájaros en la cabeza, una obra en video que consigue ese mismo año el 2º Premio en el Certamen de Artes Plásticas Pepe Espaliú. Esta obra participa en numerosos festivales como en el II Festival Internacional de Videoarte de Camagüe, Cuba en 2009, el Festival Art Tech Media, en Tenerife y Córdoba o en el Bienal de la Habana, Proyecto Circo, en Cuba 2010, además de ser adquirida por el Programa INICIARTE. En 2010 acometen Tonto el que lo lea, una obra en soporte video y también en soporte fotográfico que formó parte de la exposición La palabra visual comisariada por Margarita Aizpuru para la Sala Puertanueva de nuestra ciudad.

Palma Photo 2011 está organizado por la asociación de galeristas Art Palma y reúne un amplio programa de exposiciones y actividades relacionadas con la fotografía en los principales  espacios institucionales y privados mallorquinos como la Fundación Pilar y Joan Miró, el Centre de Cultura Sa Nostra, Es Baluard , el Casal Solleric o las galerías Maior, Pelaires  o Xavier Fiol.

Bookmark and Share

14 de jun. de 2011

Bourriaud: "El artista del siglo XXI es un semionauta"

.
Nicolas Bourriaud durante su intervención en la UNIA, esta mañana. Foto: Ars Operandi

El comisario y crítico de arte Nicolas Bourriaud ha abierto esta mañana en la sede de la Universidad Internacional de Andalucía el Encuentro Franco-Español de Arte y Nuevas Tecnologías. El exdirector del Palais de Tokio y actual jefe de Creación Artística del Ministerio de Cultura Francés ha compartido con Rosina Gómez-Baeza, directora de LaBoral, reflexiones sobre el uso de las nuevas tecnologías en la creación y difusión de las prácticas artísticas contemporáneas.

Autor de ensayos de cabecera como Estética Relacional o Post producción, Bourriaud ha desentrañado en su intervención la relación que, a su juicio, existe entre arte y tecnología y cómo el desarrollo de las tecnologías de la comunicación e información ha modificado tanto la relación del artista con el público como la del propio artista con la obra de arte. Para Bourriaud la revolución digital ha transformado la percepción del espacio-tiempo proporcionando nuevas formas de pensar el mundo  permitiendo la coexistencia de varias temporalidades en la experiencia vivida: "Cada obra es un proceso que sólo es visible si lo vemos desplegarse en el tiempo y en el espacio". Para el teórico francés el artista de los nuevos medios se configura como "un navegador de los signos, un semionauta". La capacidad de navegar por el saber "releyendo los signos entre sí, demostrando conexiones entre diversos puntos del espacio cultural" constituye, a su parecer, el mayor potencial del artista del siglo XXI.

Durante los dos días que dura el encuentro los participantes intercambiarán experiencias sobre centros de arte y tecnología de Francia y España y afrontarán algunas de las problemáticas que plantean este tipo de instituciones. La sesión de la mañana ha concluido con la ponencia Pistas para futuras experiencias inovadoras a cargo de Franck Bauchard, director de la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon y próximo director del nuevo centro de creación visual en Montpellier, y Juan Freire, experto en cultura digital en redes sociales, en la que se ha abordado el impacto de la cultura digital en los nuevos espacios de producción. Esta tarde, James Giroudon, director artístico de GRAME, Centro Nacional de Creación Musical en Lyon y Laurence Rassel, directora de la Fundació Antoni Tàpies, disertarán acerca de la fusión o integración entre las artes y los nuevos planteamientos en la difusión de las prácticas artísticas contemporáneas. El programa concluye mañana con un encuentro entre Vincent Cavaroc, coordinador artístico de la Gaité Lyrique de París y Juan Martin Prada, director de InclusivaNet en MedialabPrado de Madrid, que afrontarán los resultados, problemas y perspectivas de estos dos espacios dedicados a las nuevas tecnologías.

Bookmark and Share

Pintar el tiempo. BoaMistura en la Fundación Gala

.
Intervención del colectivo BoaMistura en uno de los patios de la Fundación Gala. Fotografía: BoaMistura

El colectivo BoaMistura ha pasado recientemente por la Fundación Gala para mantener un encuentro con los creadores allí residentes y realizar una intervención mural en uno de los patios del antiguo Convento del Corpus Christi.

BoaMistura es un colectivo multidisciplinar creado en Madrid  a finales de 2001 compuesto por cinco  artistas: ARKOH, DERKO, PAHG, PURONE y rDICK. Su obra se desarrolla  en diversos campos, desde las tendencias más evolucionadas del graffiti y la pintura mural en las calles, a ilustración, diseño gráfico o pintura de estudio. BoaMistura, del portugués "buena mezcla", hace referencia a la diversidad de estilos y puntos de vista que confluyen en la obra de  estos cinco artistas que proceden de campos tan variados como la ingeniería, la publicidad, la arquitectura, las Bellas Artes  o el diseño gráfico.

La intervención toma como punto de partida la frase del escritor Antonio Gala "Callar es gritar intensamente"  para plantear una obra que reclama el silencio a la vez que se convierte en metáfora del paso del tiempo. Sobre un lienzo de pared han preservado una parte de la pintura original pintando de blanco el resto hasta componer las palabras del escritor cordobés. Para los miembros del colectivo BoaMistura se trata de un "particular homenaje al silencio que ha consistido en respetar la pared original para que conforme el interior de las letras pintando sólo el resto. Blanco sobre blanco. Entre ambas capas, encerrado el tiempo".

Bookmark and Share

13 de jun. de 2011

Primo pensiero. Dibujo en la Galería Carmen del Campo

.
 Secuencias del proceso de realización del mural de Ana Martínez, en fotos de Salud Ortega Losada
.
La Galería Carmen del Campo presenta, a partir del jueves 16 de junio, la exposición que cerrará la temporada 2010-2011, titulada El dibujo. Primo pensiero. La muestra es una exhibición colectiva en la que participan los artistas Ángeles Alcántara, Antonio Bujalance, Calo Carratalá, Luis Javier Gayá, Miguel Gómez Losada, Ana Martínez, Salvador Montó, Blanca Muñoz de Baena, María Ortega, Juanma Pérez e Isidre Sabater. La exposición "pretende ofrecer una perspectiva contemporánea de esta ancestral técnica". La elección de este procedimiento se debe a que "el dibujo ahora es más que nunca un lenguaje que incita a la reflexión, rejuveneciéndose gracias a los avances técnicos que nos rodean", según comunica la galería en nota de prensa.

Paralelamente a la muestra, la artista cordobesa Ana Martínez está realizando una intervención in situ de carácter efímero, con unas dimensiones de 2'70 de alto por 3'50 metros de ancho. Para Martínez, el dibujo “nunca fue espejo de la realidad. Es evidente, muestra sus entrañas, cómo fue hecho", manifestando su predilección por esta técnica. Ana Martínez es la autora de la cabecera que actualmente aparece en Ars Operandi.

El dibujo. Primo pensiero
Inauguración jueves 16 de junio, 20:30 h
Galería Carmen del Campo
C/ Conde de Robledo, 5
Pasaje José Aumente Baena
14008 Córdoba
Hasta el 30 de julio de 2011



Bookmark and Share

El IAPH restaura una tabla renacentista de Bernardino Luini, discípulo de Leonardo da Vinci

 .

 La tabla tras su restauración. Fotografía: IAPH

El Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico ha finalizado el proyecto de investigación y conservación–restauración de la tabla renacentista italiana denominada Madonna con el Niño, San Sebastián y San Roque. La actuación del IAPH corresponde a un encargo de la Dirección General de Bienes Culturales.

Desde que el historiador Elías Tormo la descubriera en 1925 en Utrera (existen datos documentales desde 1679 que la vinculan a esta localidad), la crítica artística especializada ha atribuido de forma unánime la pintura al círculo más directo de Leonardo da Vinci y, en concreto, al pintor milanés Bernardino Scapi, llamado Bernardino Luini. Este artista, nacido cerca de la localidad de Luino, de la que toma su sobrenombre, fue un prominente pintor de principios del siglo XVI.

Luini siguió la técnica y estilo de Leonardo da Vinci, pintando varios frescos en palacios e iglesias de la ciudad. Es conocido en especial por sus figuras femeninas con ojos ligeramente estrábicos, llamados “luinescos”, por la forma especial de pintarlos. La obra Madonna con el Niño, San Sebastián y San Roque presenta gran calidad de ejecución, asimilación del lenguaje de Leonardo da Vinci (modelado refinado de las figuras y juego delicado de luces y sombras) y rigidez compositiva (líneas paralelas verticales), que entroncan con la tradición lombarda cuatrocentista.

Bernardino Luini tiene obras en grandes museos del mundo, destacando La Virgen con el Niño y San Juanito del Museo del Prado; Virgen con el Niño, San Sebastián y San Roque del Museo de Sarasota, Estados Unidos; Sagrada Familia, Santa Isabel y San Juanito de la Pinacoteca Ambrosiana, Milán, Italia; Virgen con Niño, San Antonio Abad y Santa Bárbara, Pinacoteca Brera, Milán, Italia; y Virgen con el Niño, San Sinisio y San Martín, Colección Privada Turín, Italia.

La tabla, propiedad del Arzobispado de Sevilla, llegó al Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico en 2009 en un estado de conservación alarmante, tanto en el soporte de madera como en la capa pictórica y el barniz. Se apreciaban grietas y pérdidas de pintura considerables por lo que los trabajos de investigación y conservación del IAPH se han prolongado dos años. Además, existían daños ocasionados por intervenciones anteriores que había sufrido la obra a lo largo del tiempo, contraproducentes por la utilización de técnicas y materiales inadecuados.

La intervención integral en el IAPH, con un coste total de 20.624 euros, se ha abordado bajo los principios de conservación material de la obra, actuando sobre los factores de deterioro y permitiendo la puesta en valor de esta joya del renacimiento italiano, que podrá contemplarse en el Museo de Bellas Artes de Sevilla hasta el 17 de julio.


Bookmark and Share

12 de jun. de 2011

La Fragua de Belalcázar, un espacio para la forja del arte actual

.
Panorámica del Convento de Santa Clara de Belálcazar. Fotografía: La Fragua

Redacción / Ars Operandi

Desde diciembre de 2010, una propuesta llevada a cabo en la comarca cordobesa del Valle de los Pedroches, se suma a las iniciativas ya existentes en la provincia que trabajan por difundir las prácticas artísticas contemporáneas y hacerlas extensivas a los medios rurales. Se trata de La Fragua/The Forge, un proyecto que desarrolla un programa de arte contemporáneo en torno a la puesta en marcha de una residencia de artistas en el Convento de Santa Clara en la localidad de Belalcázar. La Fragua se articula como una asociación cultural comandada por Javier Orcaray y Gabrielle Mangeri "concebida para el desarrollo de las artes visuales en el medio rural con el ánimo de contribuir al fomento de un mundo rural vivo y dinámico". A través del proyecto de residencia de artistas el colectivo quiere generar "un espacio integral para la producción, estudio y exposición del arte contemporáneo fuera del ámbito urbano, así como generar un espacio de reflexión donde los proyectos artísticos nos acerquen a cuestiones sobre la identidad, individual y/o colectiva, en relación con el territorio". El ambicioso programa contempla además de la residencia, programas formativos, galería, servicio de laboratorio multimedia y asesoramiento de proyectos artísticos y de comisariado. Para ello cuenta con  varios espacios localizados  en el Convento de Santa Clara,  donde se llevarán a cabo los talleres y las actividades divulgativas, y la residencia situada en La Casa de Manolo, que es un inmueble donado al Ayuntamiento de Belalcázar por Manuel Moreno Vigara,  profesor durante años de la Sorbona de Paris, que al morir legó todos sus bienes al pueblo que le vió nacer para que fueran destinados a fines benéficos y culturales.

Obra en proceso de Paco Castaño. Fotografía: La Fragua

La convocatoria de selección de proyectos para residencia contempla  un periodo de estancia de uno a seis meses. Durante este tiempo La Fragua les ofrece apoyo material para poder llevar a cabo sus obras, alojamiento, un espacio de trabajo, la visita periódica de profesionales de las artes visuales y una exposición que dé cuenta de su paso por el centro. Desde su reciente fecha de puesta en marcha la residencia ha albergado ya a diferentes artistas internacionales como Jackie Maloney o Caren Beilin quienes han elegido la quietud y el recogimiento que se respira en el convento como el espacio desde el que desarrollar sus proyectos artísticos. Así mismo La Fragua ha contado hasta el momento con talleres como el impartido por Rosana Cámara sobre el proceso fotográfico Van Dycke o Liliya Lifanova quien desarolla Flying Carpet en colaboración  con niños de la localidad.

Monjas clarisas del convento contemplan la exposicion Photomobile. Fotografía: La Fragua

Presentaciones de artistas como Chico Pereira, Jesús Olmo o el colectivo fotográfico Baum, trabajos colaborativos como el llevado a cabo entre Damián Flores y Toki, el concurso Photomobile de fotografías realizadas mediante teléfonos móviles o la obra en proceso basada en la permacultura que se realiza en el huerto por Paco Castaño constituyen hasta el momento un programación que anuncia para junio un taller de escritura creativa que correrá a cargo de la profesora de Literatura en el Bates College, Francisca López. Especial interés ha concitado la presencia del bailaor Israel Galván que el próximo 16 de julio pondrá en escena su obra Solo. Solo es un ejercicio de baile sin adornos, desnudo, sin música ni acompañamiento de ningún tipo, en palabras del artista "sin un guión, sin nada. Es mi laboratorio personal, mi ensayo íntimo. Verdaderamente, soy yo pues no hay nadie más". Las entradas para el espectáculo de Galván se pueden  reservar a través del correo electrónico de La Fragua o en el teléfono 957 147 003.

Bookmark and Share

7 de jun. de 2011

Feedbackstage presenta la última producción de Fernando M. Romero

.

 Feedbackstage es el título de la exposición que Fernando M. Romero presentará al público en la Sala Galatea a partir del jueves 9 de junio. La muestra comprende la última producción pictórica del artista, iniciada durante su estancia en Berlín, ciudad a la que se trasladó a resultas de ser ganador de la Beca Córdoba Artes Nobles 2009.

Feedbackstage está compuesta de una veintena de obras de gran formato en soportes de papel y lienzo, a lo que hay que añadir una intervención mural in situ de gran formato y de carácter efímero, visible hasta la clausura de la exposición.

Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) se formó en la Escuela de Arte de Valladolid tras de lo que cursó la Licenciatura en Bellas Artes en Granada, especialidad Pintura. Desde 1997 ha participado en diversas exposiciones individuales en galerías como Laberinto (Granada), Jesús Puerto (Granada), Cobalto (Córdoba), Carmen del Campo (Córdoba), Diàlegs (Barcelona), Infantas (Madrid), Ginza Tanaka Hall (Tokio), y numerosas colectivas, así como en ferias como Arco, Art Madrid, ArtExpo (Barcelona) y Arte+Sur (Granada). Ha recibido la Beca de Creación de la Fundación Talens (Barcelona), la Beca el Paular de Segovia, la Beca Fundación Rodríguez-Acosta (Granada) y la última, la Beca Córdoba Artes Nobles 2009, junto a diversos premios como el Premio Pepe Espaliú.



 Feedbackstage  
Fernando M. Romero
Inauguración jueves 9 de junio, 20 h
Sala Galatea (casa Góngora)
C/ Cabezas, 3, Córdoba
Hasta el 10 de julio

Bookmark and Share


4 de jun. de 2011

El jurado de la CEC mantiene un encuentro en el C4

.
Un aspecto del auditorium del C4 en la reunión con el jurado de la CEC. Fotografía: FCCC. Braulio Valderas.

Redacción / Ars Operandi

El auditorium del futuro Centro de Creación Contemporánea de Córdoba albergó ayer el encuentro que el comité de selección que evalúa a las ciudades candidatas a Capital Cultural de Europa en 2016 mantuvo con miembros de la comunidad artística cordobesa. Manfred Gaulhofer, Danuta Glondys, Emilio Cassinello y Jordi Pascual Ruiz pudieron realizar con anterioridad un recorrido por las instalaciones del centro y  conocieron detalles tanto del proyecto arquitectónico.

En la reunión, presidida por los miembros del patronato de la Fundación, estuvieron también presentes miembros del Grupo de Trabajo de Consultores Andaluces integrado por representantes de instituciones como el Museo Picasso de Málaga, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o la Fundación Arquitectura Contemporánea entre otros. En su nombre intervino Elvira Saints-Gerons, de la Fundación Tres Culturas del Mediterráneo, quién explicó a los miembros del jurado la estrategia de trabajo territorial que ha desarrollado el proyecto y mostró a los miembros del Comité de Selección las 85 cartas de compromiso que ha recibido la candidatura, procedentes de prestigiosas entidades e instituciones andaluzas, españolas e internacionales.

Durante el transcurso del acto, al que asistieron miembros de distintas generaciones del arte actual en Córdoba  así como comisarios de exposiciones y críticos de arte, tomó la palabra el artista Tete Álvarez quien destacó que el "excesivo peso de la tradición en una ciudad milenaria como Córdoba resulta a menudo un lastre que ha dificultado secularmente la asunción de los postulados de la contemporaneidad". Álvarez expresó ante los miembros del jurado que "la carencia de infraestructuras dedicadas a las artes visuales, el escaso apoyo a la creación y difusión de las prácticas artísticas contemporáneas han obligado a no pocos creadores a tener que elegir lugares más receptivos para poder llevar a cabo sus proyectos". En este sentido manifestó que la aspiración de la ciudad de convertirse en Capital Europea de la Cultura en el año 2016 "significa para todos nosotros la mejor oportunidad que se nos presenta de poner en marcha un nuevo modelo de ciudad en el que la cultura sea la base para la construcción de un proyecto común, sostenible y participativo". Tete Álvarez finalizó su intervención remarcando el apoyo de la comunidad artística al proyecto de ciudad al afirmar que "en la construcción de ese nuevo presente, la ciudad sabe que cuenta con el apoyo decidido de los creadores. Debemos y queremos formar parte activa de este proyecto colectivo de construir ciudad, de construir presente, de poder soñar con el futuro".

Un momento de la intervención de Óscar Fernández. Fotografía: FCCC. Braulio Valderas
.
Posteriormente, a preguntas de los miembros del jurado, se realizaron sendas intervenciones por parte de la artista y profesora de la Universidad de Sevilla, Marisa Vadillo y del comisario y crítico de arte, Óscar Fernández. Vadillo puso de manifiesto el enorme potencial creativo intrínseco que posee la ciudad de Córdoba que a lo largo del tiempo se ha visto incrementado por artistas como Rita Rutkoswky o Hisae Yanase que también eligieron esta ciudad para realizar sus proyectos. Óscar Fernandez, por su parte, resaltó la dificultad que historicamente ha tenido la ciudad para integrarse en el discurso de la modernidad y reivindicó el proyecto de la capitalidad para situar a Córdoba en primera linea de la contemporaneidad.

Al termino del encuentro, Manfred Gaulhofer manifestó a Marisa Vadillo su interés por profundizar en la opinión que mantienen los creadores cordobeses respecto al proyecto. Como la planificación de la jornada impedía un posterior encuentro, se habilitó una cita fuera de agenda entre Vadillo y Gaulhofer que finalmente se produjo aprovechando un traslado en microbús al Palacio de Orive. Según Vadillo, el jurado "quería la verdad y conocer nuestra realidad, cómo nos tratan las instituciones, en qué condiciones trabajamos, cómo vemos el proyecto, si están o no escuchándonos o cómo se habían gestado las propuestas de proyectos, si apoyaban a los jóvenes... nos quería escuchar".

Bookmark and Share

Hisae Yanase y Antonio I. González en CERCO

.
Del 26 al 29 de mayo se ha celebrado en Zaragoza la 11ª edición de CERCO, la Feria Internacional de Cerámica Contemporánea, el mayor evento alrededor de esta disciplina artística que tiene lugar en España y que incluye el Premio Internacional de Cerámica Contemporánea. En torno a ellos y coincidiendo en las fechas, tienen lugar diversas exposiciones que muestran tanto los valores emergentes como los ya consolidados.

En CERCO XI, junto a los principales artistas del panorama de la cerámica contemporánea europea, han estado presentes los artistas Hisae Yanase y Antonio I. González, quienes han presentado las obras Crisálida de aire (2011) y Cuadernos borradores (2010), respectivamente.

Crisálida de aire es una instalación realizada con cerámica (gres, arcilla coloidal y reducción parcial), papel, hierro y algodón, de aspecto fusiforme, de 190 cm de altura y 100 cm de diámetro, presentada al público por vez primera en CERCO, mientras que la serie Cuadernos borradores (porcelánico, óxidos metálicos y engobes, en piezas de 100x 250 cm) formó parte de la exposición Palabras, perteneciente al ciclo Páginas de barro.

La mujer, protagonista en la muestra fotográfica "Fuente de vida"

.

Organizada por Espacio A_ Rojo junto con blipoint, la muestra fotográfica Fuente de vida se presentará al público el próximo jueves 9 de junio en el Teatro Cómico Principal. La exposición consta de una colección de fotografías a cargo de una selección de creadores internacionales que incluye a Tuna Akcay (Turquía), Habbed Ali (Arabia Saudí), Stefano Grassi (Italia), Mircea Marinescu (Rumanía), Rodolfo Mejías (Venezuela), Navid Bin Sakhawat (Bangladesh), Fernando de Otto (España), Gian Luca Palazzolo (Italia), Tareq Rahman (Bangladesh), Ivo Rafailov (Bulgaria), Raúl Sánchez (España), Marco Simola (Perú), Debashish Tarafder (India) y Kate Tye (Australia). En la inauguración, alumnos de de gráfica publicitaria de la Escuela de Arte Mateo Inurria realizarán una performance.

La exposición, dedicada a la mujer, "símbolo de fuerza y de belleza", según la organización, la forman 14 imágenes que han sido publicadas en la comunidad blipoint a través de un concurso en red, de las cuales se han seleccionado las que conforman la presente muestra. Asimismo participan en calidad de invitados con dos obras más los fotógrafos Aaron Sosa (Venezuela) y Roger Anis (Egipto). Fuente de vida es una invitación a contemplar a la mujer "en sus diversos roles, desde ama de casa, hasta líderes políticas, atletas, empresarias, y madres".


Fuente de vida
Inauguración jueves 9 de junio, 20:00 h
Teatro Cómico Principal
C/ Ambrosio de Morales, 15
14003 Córdoba 

 Bookmark and Share

3 de jun. de 2011

Editorial

.
Córdoba, capital Europa

Bookmark and Share

2 de jun. de 2011

Manuel Muñoz en el Festival Off de PHotoEspaña'11


Berquerencia, 2010. Obra fotográfica de Manuel Muñoz

Redacción / Ars Operandi

Una exposición individual del artista cordobés Manuel Muñoz forma parte  del festival Off de PHotoEspaña'11  que se celebra en estos días en la capital madrileña en Madrid. Se trata de Escenarios de una memoria. Presentes ocultos y pasados presentes, una selección de su más reciente producción que se podrá contemplar desde el 9 de junio en la Galería Metta de Madrid. La muestra aglutina dos de los últimos trabajos realizados en torno a la recuperación de la memoria sobre La Guerra Civil Española realizados por Muñoz,  Los establos del General y La Serena, escenarios de una memoria.

Ya desde el año 2005 Manuel Muñoz viene de trabajando en proyectos fotográficas que aluden a temas relacionados con la memoria social y colectiva. Las seleccionadas para su cita madrileña muestran una serie de fotografías tomadas en Andalucía y Extremadura en las que el artista ha retratado espacios utilizados en la última contienda española. Según información suministrada por  la galería "gracias a una labor de información y estudio sobre estos acontecimientos históricos ha podido fotografiar lugares que nos acercan a la historia española, de los cuales algunos ya han desaparecido, como los fabulosos grafitos de milicianos de la torre del Carpio, y otros abocados a la desaparición y que milagrosamente a pesar del tiempo se han mantenido, como La casa de la Sierra en donde Miguel Hernandez leyó sus poemas a las tropas republicanas. Los trabajos de Manuel Muñoz deben visualizarse como un ejercicio fotográfico cuyo fin responde al deseo de ilustrar este relato oficial de la historia que queda aún por llegar y no se deben entender nunca como la facilidad de un arte limitado con una mera aportación documentalísta, ya que sus fotos conjugan a parte de la historia, el tiempo presente y pasado. Para ello, utiliza la metáfora como único pretexto a la hora de elegir sus temas y mediante sus encuadres presenta una imagen intelectual que nos invita a la reflexión sobre el tiempo y la ambivalencia de la vida, mostrándonos imágenes bellas y al mismo tiempo transportándonos a la crudeza de los acontecimientos".


La XIV edición de PHotoEspaña cuenta como comisario general al cubano Gerardo Mosquera, comisario entre otras muchas exposiciones de El patio de mi casa que pudimos contemplar en nuestra ciudad en Otoño de 2009. Desde ayer hasta el 24 de junio el Festival de la fotografía y  las artes visuales ofrecerá un programa de 68 exposiciones: 21 en la Sección Oficial, 6 en OpenPHoto, 9 en otras salas y 32 en el Festival Off,  en 61 sedes entre museos, galerías, centros de arte y salas de exposiciones. Participarán en el Festival 370 artistas y creadores de 55 nacionalidades. PHE11 organiza más de 60 actividades: talleres de fotografía, visionados de porfolios, debates, clases magistrales, visitas guiadas, programas educativos, talleres familiares, proyecciones y acciones en la calle con el fin de  fomentar la participación del público con actividades fuera de las salas de exposiciones.

Bookmark and Share

1 de jun. de 2011

Con C de Cultura (y de Córdoba)

.
Una vista de la instalación. Foto: Ars Operandi

Redacción / Ars Operandi

Un año más, el proyecto de arte público Calle Imágenes ofrece a los cordobeses y visitantes una muestra de arte participativo en el que la colaboración de los vecinos hace posible que la calle Imágenes y sus alredededores sea uno de los lugares más visitados de la primavera cordobesa. Festiva y reivindicativa, la intervención de este año tiene a la C de Cultura como protagonista, en una apuesta clara por la Capitalidad Cultural 2016. El Proyecto Imágenes, que este año cumple su séptima edición, se conforma como "foro de encuentro vecinal", y una "escultura social", en palabras del factótum de la iniciativa, el artista y agitador cultural Goval. Los vecinos han reciclado, manipulado y colgado numerosos carteles anunciadores de eventos culturales que han acontecido en la ciudad recientemente. Para sus organizadores el proyecto surge "como una bateria de acciones de encuentro grupal entre vecinos del entorno de la calle Imágenes, con el objetivo de modelar las relaciones vecinales de manera alternativa a la forma en que el sistema social actual imperante lo hace, y que percibimos como excluyente, autista, e insolidario, dentro de una sociedad presidida por el espectáculo y el consumo, donde el ciudadano queda relegado al papel de "espectador-consumidor". Y continúan: "Es por lo que este proyecto plantea la interrelación entre vecinos y la participación, en la creencia que dichas acciones mejoran la comunicación, la integración, el trato cotidiano, así como la visión del papel de "actor-partícipe" de quienes comparten un mismo espacio geográfico como es la calle del barrio".

En las anteriores ediciones, los títulos fueron Imágenes de flores (2005), Imágenes del río (2006), Imágenes ausentes (2007), Imágenes del agua (2008), Imágenes del querer (y no poder) (2009), e Imágenes de colores (2010). La particularidad de la intervención, el compromiso vecinal, abierto y participativo, como valor a tener en cuenta en nuestra reivindicación de la capitalidad, ha situado al Proyecto Imágenes en el foco de atención, encontrándose previsto sea uno de los lugares visitados por el comité de evaluación de la capitalidad que visitará nuestra ciudad el próximo viernes 3 de junio. 

Bookmark and Share

Nueva cabecera: Ana Martínez

.
 El mes de junio nos sirve de presentación para la nueva cabecera, en esta ocasión una colaboración original de Ana Martínez (1970), artista cordobesa a la que podremos ver próximamente en la galería Carmen del Campo, dentro de la colectiva titulada El dibujo. Primo pensiero, en la que participarán una docena de artistas con obras realizadas en esta técnica.

Ana Martínez es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Desde hace diez años se dedica a la pintura mural de diferente formato en emplazamientos públicos y privados. La actividad expositiva de Martínez comenzó a principios de los años noventa en salas como el Instituto Cervantes de Milán o París, Pabellón Mudéjar del Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam, Sala Triángulo de Madrid, Sala de Exposiciones Cajasur de Córdoba, etc. En 1998 la Junta de Castilla y León le concedió una beca de creación artística para realizar su proyecto visual Cunas.

La colaboración de Ana Martínez, a quien agradecemos cordialmente su cabecera, nos llena de satisfacción, además de por su calidad, por ser la que alcanza el número cincuenta desde que comenzó esta interesante iniciativa.

Bookmark and Share