28/9/2011

Daniel Palacios en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín

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Trabajos de Daniel Palacios en la Künstlerhaus Bethanien. Foto: Daniel Palacios

El artista Daniel Palacios (Córdoba, 1981) muestra durante estos días una selección de sus últimos trabajos en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín. Bajo el título de Shelter, Palacios reúne obras realizadas a consecuencia de su estancia como artista becado en el centro de la capital berlinesa. La residencia es fruto de la beca obtenida en 2010 convocada por Iniciarte a través de su Programa de Residencia Internacional para artistas andaluces.

La Künstlerhaus Bethanien de Berlín es una de las entidades más importantes en materia de programas de residencia internacional y está considerado uno de los institutos más prestigiosos en cuanto a desarrollo de proyectos de creación contemporánea debido en gran medida a los rigurosos criterios de selección. Desde su fundación en 1974 han pasado por el centro más de 400 artistas de 30 países en virtud de los convenios de colaboración que mantiene la Künstlerhaus con instituciones como el Australia Council for the Arts, el Conseil des Arts et des Lettres du Québec o el propio programa Iniciarte.

La exposición recoge una serie de trabajos que son la culminación del proyecto Measuring Berlin que el artista cordobés ha desarrollado en el último año en la Künstlerhaus. Para Shelter, Palacios ha reunido una colección de  pequeñas esculturas que toman prestadas  formas propias de la bisutería: joyas, anillos y avalorios que el artista graba con la ayuda de diversas técnicas, incluido el tratamiento con láser, con una "memoria de  información" que puede ser leída digitalmente pero que "se mantienen herméticos al visitante no iniciado de modo que el énfasis está en su atractivo visual". Para Daniel Palacios "nuestra memoria almacena todo, pero eventualmente no recordamos que esos recuerdos están ahi, es entonces cuando vinculamos nuestras experiencias personales a objetos que llevamos con nosotros a diario para no olvidar… no son una visualización, son un enlace". La bisutería más allá de su valor estético, a lo largo de su evolución "no se ha desprendido del valor implicito al objeto, lo que este representa, lo que cuenta sobre nosotros y nuestra experiencia… desde los primeros colmillos que colgaban del pecho o los pendientes piratas a los actuales pines. Con el tiempo algunas de las experiencias de las que hablaban estos objetos ya no forman parte de nuestro tipo de vida, algunos han quedado en desuso, otros simplemente se han conservado con un valor estético destilado de la historia original, otros han evolucionado y reinterpretado… y cada dia siguen apareciendo nuevos; el hombre tiene desde siempre una fuerte relación con el objeto, hasta el punto de poderse catalogar que tipo de objetos suelen vincularse a que tipo de emociones, experiencias, recuerdos"…

La intersección entre arte, ciencia y tecnología es la base sobre la que Daniel Palacios asienta el corpus de su obra. Licenciado en Bellas Artes y con estudios de postgrado en Arte y Tecnología, Palacios ha mostrado sus trabajos en exposiciones como Synthetic Times en el Museo Nacional de Arte de China [NAMOC] y El discreto encanto de la tecnología en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo [MEIAC] en Badajoz, el prestigioso Neue Gallerie de Graz (Austria) y el Zentrum für Kunst und Medientechnologie [ZKM] de Karlsruhe (Alemania).

Daniel Palacios
Shelter

Künstlerhaus Bethanien
Kottbusser Straße 10
10997 Berlín
Hasta el 2 de Octubre de 2011


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27/9/2011

Los históricos de la ilustración española en El Efecto Iceberg

Vista de la exposición en la sala Vimcorsa. Foto: Ars Operandi

José Álvarez / Ars Operandi

Desde ayer, 26 de septiembre, la Sala Vimcorsa acoge la exposición itinerante titulada Colección ABC. El Efecto Iceberg. Dibujo e ilustración españoles entre dos fines de siglo, una importante muestra compuesta por unas 400 obras de los principales ilustradores y dibujantes españoles habidos desde 1891 hasta nuestros días.

Comisariada por Juan Manuel Bonet, la exposición recoge una amplia selección de originales, aunque tan sólo la punta del iceberg con que metafóricamente se designa la colección de ABC y Blanco y Negro, compuesta por unas 200.000 obras pertenecientes a más de millar y medio de autores. La colección se inició en 1891, a resultas de un viaje a Múnich del fundador y editor de Prensa Española, Torcuato Luca de Tena, en el que quedó gratamente complacido de la revista ilustrada Fliegende Blätter, decidiéndose a su vuelta a España por la publicación de una revista ilustrada donde participasen los más renombrados artistas del momento. En 1891 aparece el primer número de la revista Blanco y Negro, cuya portada reproducía un óleo del pintor cordobés Ángel Díaz Huertas, unido desde entonces al desarrollo de la revista, junto a sus paisanos Tomás Muñoz Lucena, Adolfo Lozano Sidro y Juan González Cebrián, entre otros representantes de la edad de oro de la ilustración española, que va desde el último tercio del siglo XIX hasta la mitad del XX, cuando la fotografía se erigió como la protagonista de las imágenes gráficas en la prensa escrita. El estilo de la revista estuvo marcado por las ilustraciones en blanco y negro de su primera época, con preeminecia de la plumilla como técnica seguida por los artistas colaboradores, tras de lo que se pasó a la bicromía en 1897 y a la tricomía en 1899. Blanco y Negro, líder en el sector de semanarios ilustrados, adoptó todas las novedades de impresión a lo largo de su existencia, siendo en la actualidad decano de la prensa ilustrada.  

El Efecto Iceberg ha sido la muestra que el Museo ABC ha elegido para comenzar su andadura expositiva y para, con su itinerancia, llevar al público tan importante muestra artística. El diseño de la exposición -que cuenta con un completo catálogo a cargo de Juan Manuel Bonet, Pablo Llorca y José Luis Santiago Castelo-, se articula por bloques temáticos que siguen un orden cronológico. Los originales se exponen en paneles dispuestos con passepartouts a modo de ventanas donde aparecen los pies de obra, a la vez que se han dispuesto en los tres espacios principales de la Sala Vimcorsa sendos muebles contenedores donde se conservan otras muchas obras protegidas de la luz.

Un primer bloque abarca desde los inicios de la colección, la última década del XIX, hasta los años 20 del pasado siglo. Los artistas de la época cultivaron predominantemente el costumbrismo, el naturalismo y el simbolismo, quedando de entonces un amplio legado artístico en el que, a partir de las ilustraciones, podemos observar el desarrollo de la historia española y cómo los artistas reflejaron con sus lápices y pinceles temas de actualidad como la Guerra de Cuba, la Guerra de África y otros muchos asociados a la convulsa vida política que vivió Europa durante el cambio de siglo, así como visiones más amables de la vida diaria, anónima y doméstica de nuestra sociedad. Es difícil intentar extractar una relación escogida de autores dada la nómina que protagoniza esta exposición, que acoge a la mayoría los más importantes artistas del momento; sin embargo, señalaremos de este bloque a artistas como José Arpa, Mariano Benlliure, Cecilio Pla, Méndez Bringa, Coullaut Valera, un adolescente Juan Gris o los humoristas Sileno, Xaudaró y Apel.les Mestres, entre otros.

Juan Gris (José Victoriano González), La conquista del pan, Blanco y Negro, núm. 803, 22 de septiembre de 1906. Tinta, pochoir, grafito y gouache sobre papel.

Un segundo bloque retrata las corrientes más en boga en la década de los veinte y primeros treinta, con predominio del modernismo y las primeras vanguardias, en el que participan entre otros Rafael de Penagos, Salvador Bartolozzi, Rafael Barradas, Vázquez Díaz, Eugenio D'Ors, Ramón Gómez de la Serna, Maruja Mallo, Arturo Souto, Ramón Gaya  o Eduardo Santonja, nieto del simpar Rosales, junto a humoristas como K-Hito, Orbegozo o el inolvidable Tono.

Los años de Guerra Civil están presentes con obras realizadas para los dos ABC que publicaron durante la contienda: el de Sevilla, afín al Movimiento, y el de Madrid, republicano. José Caballero, Sáenz de Tejada, José Bardasano, Ramón Puyol, José Pedraza o Aníbal Tejada fueron algunos de los artistas que vivieron tan trágico momento y de ellos se puede contemplar una amplia selección de combativas portadas.

Los años de posguerra y los 60 son una vuelta a las ilustraciones amables, costumbristas y de sociedad, junto a una gran presencia del humorismo. Encontramos así grandes firmas como Enrique Herreros, Lorenzo Goñi, Mena, y los veteranos Mingote y Gila, junto a lo más granado de la Escuela de Madrid: Benjamín Palencia, Menchu Gal, Álvaro Delgado o el conocido como el pintor de Madrid, Juan Esplandiú. 
 
Por último, los años de transición son reflejados en la exposición por clásicos como Summers, Chumy Chúmez o Martínmorales, quienes dan paso a ilustradores de los movidos años 80 entre los que señalamos a Montesol, Gallardo y Javier de Juan. La muestra se completa con varias pantallas digitales y una videocreación de Juan Carlos Bracho realizada para el Museo ABC, donde a partir del día 30 de septiembre podrá verse su muestra titulada Un mensaje para Anabel, segunda del ciclo Conexiones 02. Colección ABC. El Efecto Iceberg. Dibujo e ilustración españoles entre dos fines de siglo podrá verse hasta el 20 de noviembre.

Colección ABC. El Efecto Iceberg. 
Dibujo e ilustración españoles entre dos fines de siglo
Sala Vimcorsa
C/ Ángel de Saavedra, 9, 14003, Córdoba 
Hasta el 20 de noviembre
Comisario: Juan Manuel Bonet

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26/9/2011

Willem de Kooning: retrospectiva en el MoMA

Desde Nueva York: Fanelo Aguayo


Willem de Kooning. © 2011 The Willem de Kooning Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York

La totalidad de la sexta planta del MoMA de Nueva York está ocupada estos días por uno de los acontecimientos museísticos más importantes de la temporada, de Kooning, a Retrospective. Se trata de la primera exposición dedicada a analizar la totalidad de la trayectoria artística de Willem de Kooning (1904-1997), desde su primera naturaleza muerta a la edad de 12 años, hasta las últimas pinturas de 1987, cuando el Alzheimer ya había hecho acto de presencia en su vida. Como importancia añadida, la muestra, compuesta por casi doscientas piezas de indiscutible relevancia, no se repetirá en ningún otro museo del mundo, lo que la convierte en una oportunidad única –la primera y la última– para poder apreciar y admirar la trayectoria íntegra de este complejo artista,

John Elderfield, comisario jefe de pintura y escultura del MoMA, ha dividido esta vasta exposición en siete salas, cada una dedicada más o menos a una década. Este planteamiento cronológico en apariencia tan simple permite curiosamente al espectador apreciar la notoria complejidad de de Kooning a simple vista, mostrando su obra como un ente dual y al mismo tiempo unitario. Como indica Holland Cotter, del New York Times, en cada sala "vemos pinturas figurativas y abstractas de más o menos la misma fecha, y no sólo unas al lado de las otras, sino interactuando, entretejidas, fusionando identidades; la abstracción respira, sonríe y sangra; las figuras relucen y se estremecen hasta convertirse en color y línea".

Willem de Kooning estudió en la Academia de Bellas Artes de Rotterdam, su ciudad natal. Siendo aún un adolescente comenzó a trabajar para una empresa de diseño comercial, donde aprendió técnicas que dejarían una huella fundamental en su propio modo de operar. En 1926 emigró a los Estados Unidos y se estableció en Nueva York. Por entonces comenzaría a sentir las influencias de Matisse, de Chirico, y de contemporáneos como Gorky, Stuart Davis y John Graham.

A mediados de los años 30 comenzó a trabajar para el Federal Art Project, donde realizó estudios para murales públicos, entre los que se encuentran sus primeros dibujos abstractos. Esta experiencia lo convencería para convertirse definitivamente en pintor a tiempo completo. Empezó a pintar figuras e interiores abstractos, proclamándose contrario a la abstracción geométrica tan popular en el Nueva York de entonces.

En 1945 de Kooning comenzó a ganar notoriedad con su obra Pink Angels, el último cuadro de la primera serie dedicada a mujeres. Pink Angels culmina una evolución evidente dentro de esta serie en la que el cuerpo femenino se transforma y acaba perfectamente disuelto en su entorno. En ella hay guiños a Picasso, Matisse y Miró, pero fue la cabeza de pescado que forma el pie del ángel la que conmocionó al mundillo artístico local.

Sin embargo no sería hasta 1948 cuando su nombre comenzara realmente a resonar a nivel mundial, y lo fue con motivo de su primera exposición individual. Curiosamente en ella no había ni una sóla figura, estando compuesta en su mayor parte abstracciones en blanco y negro.

A partir de entonces de Kooning siguió trabajando en dos direcciones: por una parte, comenzó una nueva serie de composiciones sobre mujeres, más violentas y grotescas que las anteriores; y por otra, no dejó de pintar abstracciones predominantemente en blanco y negro. Sin embargo, en esta última serie la abstración dará un giro de 180º a la polaridad del blanco y negro, de forma que el blanco pasó a dominar la paleta. A esta serie pertenece su obra Excavation, considerada por muchos como su obra maestra hasta esa fecha.

En junio de 1950 comenzó a pintar Woman I, obra que tardó dos años y medio en concluir y que marcaría el cambio artístico más importante de su carrera. Con ella comenzaría la tercera y más celebrada serie sobre mujeres, formada por seis cuadros en total y expuesta en 1953, causando un escándalo y un furor instantáneos entre críticos y amantes del arte.

Una vista de las salas. Foto: Bruce Barton

En 1960 de Kooning comenzó a visitar East Hampton, en Long Island, donde se mudaría definitivamente en 1963, y donde completaría una serie de ¨escenarios pastorales abstractos¨. En su estudio junto al mar trabajará en obras con un tono radicalmente diferente a todo lo que había hecho con anterioridad, un tono marcadamente bucólico, con referencias a Homero, impregnado por un plácido espíritu de satisfacción. Según Cotter, en esta época predominan "los azules del bluebird, el amarillo de los junquillos y los rosas de Tiépolo".

En 1969 de Kooning se interesa por la escultura en Roma, donde realizó un grupo de pequeñas esculturas de arcilla que más tarde se llegarían a forjar en bronce. Entre 1972 y 1974 llevó a cabo maquetas para esculturas que tenían casi las mismas dimensiones que las esculturas para las que estaban destinadas. También por esta época y tras un viaje a Japón, donde quedó fascinado por la caligrafía y la técnica de pintura a brocha Sumi, de Kooning comenzó a interesarse por la impresión. No dejó por ello de pintar, y en la segúnda mitad de los 70 realizó una ambiciosa serie de composiciones que fusionaba la abstracción y el cuerpo femenino.

En 1981, el arte de de Kooning vuelve a cambiar una vez más dejando atrás las pesadas líneas de los 70 y concentrándose en superficies suaves y en el uso de colores ligeros y transparentes. En 1983 este cambio se radicalizó, los cuadros se volvieron más y más simples hasta convertirse, como indica el catálogo de la exposición en ¨extensas áreas de diversos blancos atravesados por estrechas bandas y líneas móviles, dando la impresión de que las superficies se abrochan entre sí y se retuercen en el espacio mientras dan forma a una figuración elusiva¨.

Esta vasta y única retrospectiva está teniendo un significativo éxito de público y crítica, y permanecerá abierta hasta el próximo 9 de enero.

 de Kooning, a Retrospective
Museum Of Modern Art, Nueva York
Del 18 de septiembre de 2011 al 9 de enero de 2012
Comisario: John Elderfield


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24/9/2011

La sala Iniciarte arranca el curso con Sebastián Conejo

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Aspecto de la exposición de Sebastián Conejo en la sala Iniciarte. Foto: Ars Operandi

La sala Iniciarte de nuestra ciudad inicia su segunda temporada con una exposición de fotografías del artista onubense (Valverde del Camino, 1974) Sebastián Conejo. Se trata de una serie de once imágenes que documentan interiores de algunas de las 180 mezquitas situadas en el área metropolitana de Barcelona. Para Jordi Moreras, antropólogo y profesor de la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona, estos espacios invisibles hacia el exterior son algo más que lugares de expresión religiosa, "devienen también epicentros de la vida comunitaria". Moreras afirma que "quizás debido a la forma de sus espacios de culto, el islam de Cataluña es un islam tradicional, modesto, de raíz y transmisión familiar, humilde y profundamente vivencial, que se aleja de cualquier artificio institucional externo, y que sigue hoy en día reclamando un reconocimiento en clave de dignidad. Es un islam de oratorios y no de mezquitas y minaretes, construido sobre cemento y no sobre mármol, de locales y garajes transformados en exiguas salas de plegaria y no en relucientes edificios de nueva planta, de proximidad comunitaria antes que de recreación elitista. Y es en base a ello, que el islam se inserta en nuestra sociedad de manera discreta, apenas identificada socialmente. O al menos así parecía, antes de ver cómo en los últimos años la apertura de mezquitas en Cataluña se ha convertido en una cuestión polémica, tanto en lo social como en lo político".

Con la exposición de Sebastián Conejo, Iniciarte retoma la actividad de una sala, que al igual que el resto del programa, están siendo sometidas a una reelaboración que pretende optimizar esta iniciativa de apoyo a la creación artística contemporánea andaluza. Desde su creación en 2006, Iniciarte canaliza todas las políticas de apoyo al sector del arte actual a través de convocatorias de ayudas para artistas, galerías, comisarios y críticos de arte.  Según fuentes de la propia Consejería el programa Iniciarte ha dedicado entre 2006 y 2010 más de 3.000.000 euros para ayudas a las que se acogieron 667 proyectos. Ayudas a la producción, formación e investigación de artistas, apoyo a galerías de arte para realización de exposiciones de creadores andaluces, un programa de residencia internacional en colaboración con el Künstlerhaus Bethanien de Berlín o una bolsa de adquisición de obras conforman el grueso de un programa cuya gestión, a pesar del montante económico de su partidas presupuestarias, ha sido muy cuestionada desde los diferentes colectivos dedicados a creación contemporánea. En estos seis años los sucesivos recortes presupuestarios han ido mermando considerablemente la dotación de los programas. De los 926.000 euros asignados en su primera edición se ha pasado a los 279.000 de 2010 y actualmente a la suspensión total de la convocatoria para las ayudas del año en curso.

Pero la crisis de Iniciarte no ha sido sólo económica. El actual equipo director de  Cultura elabora en estos días una nueva redefinición del programa que propicie un cambio de rumbo en cuanto a prioridades y procedimientos. Así se puso de manifesto en la reunión celebrada recientemente entre el director general de Museos y Promoción del Arte, Miguel Castellano y miembros de colectivos de arte en Andalucía. Durante el encuentro, al que asistieron representantes de la Unión de Artistas Visuales de Andalucía, Instituto de Arte Contemporáneo, Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales, Asociación de Comisarios (en constitución), Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo, Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales, Plataforma por el Centro Guerrero y Plataforma de Profesionales de Arte Contemporáneo de Córdoba, la Consejería de Cultura explicó que en estos momentos está trabajando en la reglamentación del programa para la convocatoria del año próximo. Su intención es abrir un diálogo con los colectivos para elaborar de manera conjunta la redefinición del programa Iniciarte. Por su parte los representantes del sector expusieron la necesidad de abrir cauces de participación y propusieron la creación de un comité asesor formado por los propios profesionales del sector que se conforme como órgano consultivo de cara a elaborar las políticas culturales relacionadas con el arte contemporáneo en Andalucía.




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23/9/2011

Marta F. Jódar inicia la temporada de 16 Asas



Dos de las obras que Marta F. Jódar presentará en su nueva exposición Chances. En el centro, retrato por María Moya

16 Asas comienza el próximo domingo 25 su nueva temporada con la exposición titulada Chances, en la que la artista cordobesa Marta F. Jódar mostrará una selección de obras realizadas expresamente para este proyecto, en el que ya han participado anteriormente artistas como Hisae Yanase, Antonio Blázquez, Joaquin Rodero, Pilar Roca, Rafael Bioque o Michal Araszewicz. La exposición se completa con un retrato fotográfico de la artista participante, realizada en esta ocasión por María Moya.

El proyecto 16 Asas, puesto en marcha por el fotógrafo José Carlos Nievas y el artista y activista cultural Miguel Moreno Carretero, que este domingo inicia su segunda temporada, pretende, según sus promotores "una nueva forma de exponer, de comprar, de coleccionar, de disfrutar del arte". Un domingo de cada mes las puertas del estudio de la Ribera se abren al público para exponer dieciseis obras originales o seriadas que, introducidas en bolsas de papel, desvelan a través de una ventana circular parte de su contenido. Las dieciseis obras son puestas a la venta a un precio de 50 euros, exposiciones que han contado en todos los casos con un respaldo masivo del público, llegándose en ocasiones a agotar las ediciones puestas a la venta. La iniciativa 16 Asas ha sido reconocida, además de por el público, desde instituciones como FACBA´11, la tercera Feria de Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de Granada, en la que el proyecto fue presentado el pasado mes de marzo. 

La artista protagonista de esta primera muestra, Marta F. Jódar, se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, prosiguiendo su formación en la Universidad de Atenas, donde se especializó en la técnica del grabado, realizando con posterioridad numerosos talleres y cursos. Ha expuesto su obra individualmente y ha participado en diversas exposiciones colectivas. Su trabajo abarca el grabado, la ilustración y la pintura, así como la docencia artística. Es la autora de la presente cabecera de Ars Operandi.

16 Asas presenta:
Marta F. Jódar
Chances
Domingo 25 de septiembre, 13:00 horas
Ronda de Isasa, Local 2, 
Paseo de la Ribera (Estudio NUR Comunicación)
Córdoba

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21/9/2011

Ana Martínez lleva sus "Anhelos suspendidos" a Carmen del Campo

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Ana Martínez será la artista que inicie la temporada en la Galería Carmen del Campo con su muestra individual titulada Anhelos suspendidos, que se inaugurará el jueves 22 de septiembre, una vez finalizada la exposición Primo pensiero, en la que la artista asimismo ha participado.

Ana Martínez (Córdoba, 1970) estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, tras de lo que se trasladó en 1997 a Ámsterdam, en cuya Academia de Arte Gerrit Rietveld amplió sus trabajos de pintura con otras técnicas como la videocreación o la instalación. La actividad expositiva de Martínez se remonta a principios de los noventa en salas como el Instituto Cervantes de Milán, de París, Pabellón Mudéjar del Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam, Sala Triángulo de Madrid, Sala de Exposiciones de Cajasur de Córdoba, etc. Para esta muestra, la artista ha realizado un mural de 270 x 350 cm en el escaparate de la galería y la instalación Ventanas privadas. En torno a dichas intervenciones se suceden varias obras sobre tabla y papel agrupadas en las series Figuras, Animalario, Paraísos introspectivos y Pequeño formato. Ana Martínez es autora de la cabecera de Ars Operandi correspondiente al mes de junio.


Ana Martínez
Anhelos suspendidos
Inauguración jueves, 22 de septiembre, 20:30 h
Galería Carmen del Campo
C/ Conde de Robledo, 5
14008 Córdoba
Hasta el 31 de octubre





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Un brocal mudéjar, protagonista del inicio de "La pieza del mes" en el Arqueológico

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Galería de los brocales del Museo. Foto: MAECO

La veterana actividad La pieza del mes, que cada domingo convocado congrega a numeroso público interesado en los pormenores de la colección del Museo, se inicia en la nueva temporada con la intervención del fotógrafo cordobés Francisco González, quien disertará sobre un espléndido brocal de pozo mudéjar datado entre los siglos XIV-XV. El Museo Arqueológico de Córdoba posee una extensa colección de brocales de pozo que abarcan desde época romana hasta la renacentista, incluyendo importantes muestras califales, almohades y mudéjares.

Francisco González (Córdoba, 1960), es responsable de fotografía de Diario Córdoba, trabajo que alterna con publicaciones en distintos medios de comunicación nacional y la fotografía de viajes, cuyas fotos, protagonistas de libros y publicaciones especializadas, muestran la geografía y las gentes de un buen número de países.

La pieza del mes
Presenta Francisco González
Domingo 25 de septiembre de 2011, 13:00 horas.
Museo Arqueológico de Córdoba
Plaza de Jerónimo Páez, s/n


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Hoy se cumplen 420 años de la muerte de Ambrosio de Morales

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Del Castillo, Josef (dib.); Muntaner, Francisco (grab.). Ambrosio de Morales. (Córdoba, 1513-1591) Retratos de los españoles ilustres con un epítome de sus vidas, de orden superior, en la Imprenta de Madrid, siendo su regente D. Lazaro Gayguer, Madrid, 1791.

Tal día como hoy, 21 septiembre del año 1591, fallecía en Córdoba el humanista Ambrosio de Morales, escritor, historiador, arqueólogo y cronista real de Felipe II. Nacido en Córdoba en 1513, Ambrosio de Morales fue hijo de Antonio de Morales, médico y catedrático de la Universidad de Alcalá de Henares, y sobrino de Fernán Pérez de Oliva, catedrático y rector de la Universidad de Salamanca. En esta institución estudió Morales hasta la muerte de su tío en 1531, año en el que regresó a Córdoba, para ingresar en la Orden de los Jerónimos dos años después.

Desde 1550 enseñó en la Universidad de Alcalá de Henares como catedrático de Retórica, hasta que en 1559 recibió el encargo por parte de Felipe II para realizar un viaje de estudio por León, Galicia y Asturias, durante el que fue reuniendo libros, documentos, objetos y manuscritos para las colecciones reales del monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Tras el viaje publicó su Relación del viaje que Ambrosio de Morales Chronista de S.M. hizo por su mandato el año de 1572 a Galicia, Asturias y León. Persuadido el monarca de la importancia de esta empresa, habilitó a Morales para su prosecución, dando a la imprenta un total de ocho Relaciones.

Nombrado Cronista de Castilla en 1563, Ambrosio de Morales prosiguió en su estudio histórico y arqueológico, publicando la continuación de la Crónica de Florián de Ocampo y otras obras como Antigüedades de las ciudades de España, Discurso sobre las antigüedades de Castilla y otros títulos de carácter hagiográfico como La vida, el martyrio, la invención, las grandezas y las translaciones de los gloriosos niños martyres San Iusto y Pastor y el solemne triumpho con que fueron recebidas sus santas reliquias en Alcalá de Henares. Como historiador y filólogo buscó en las fuentes antiguas para escribir la historia de Hispania, consultando los textos de Polibio, Estrabón, Livio, Valerio Máximo, Plinio, Frontino, Plutarco, Apiano, Juan de Bíclara, Gregorio Magno o Isidoro, así como a la arqueología, sobre todo las fuentes epigráficas, inscripciones y monedas. En su magna obra Las Antigüedades de las Ciudades de España que van nombradas en la Coronica, con la averiguación de sus sitios, y nombres antiguos, publicada en Alcalá de Henares en 1575,  expuso los principios a tener en cuenta en el estudio de las antigüedades; marcando las pautas para estudiar con rigurosidad las inscripciones, un modus operandi que con posterioridad fue utilizado por los historiadores españoles durante siglos.

Tras diversos cambios de destino, regresó a Córdoba por problemas de salud en 1582, donde residió hasta su muerte.


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20/9/2011

Retiran la placa del general Varela

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 Momento en el que los operarios descuelgan la placa conmemorativa. Foto: Ars Operandi
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La placa conmemorativa dedicada al general Varela en la Casa de los Guzmanes, sita en la calle Realejo, ha sido retirada sobre las 9:00 horas de esta misma mañana por operarios contratados por la propiedad del inmueble. La placa, cuya exhibición contravenía la Ley de Memoria Histórica 52/2007, de 26 de diciembre, se une así a otros símbolos franquistas recientemente retirados u ocultados como son el escudo de la sede central de Correos en Cruz Conde o el que coronaba la entrada del Edificio López de Alba, antiguo Rectorado de la Universidad, así como las inscripciones de la Cruz de los Caídos existente frente a la Subdelegación del Gobierno.

La placa, de cuyo emplazamiento ilegal habían sido advertidos por el Ayuntamiento los propietarios del inmueble, ostentaba la leyenda "En esta casa vivió el general, dos veces laureado, José Enrique Varela e Iglesias, en los días de su mando militar en Córdoba y su vigilante defensa de la ciudad amenazada por el enemigo en septiembre de 1936". La Casa de los Guzmanes, propiedad que fue de la condesa de Hornachuelos, fue habilitada por el Ayuntamiento para alojar a Varela cuando se hizo cargo de la plaza como Gobernador Militar, en los primeros meses del inicio de la Guerra Civil. Según fuentes consultadas, el inmueble podría pasar a convertirse en hotel de lujo próximamente.

El general Enrique Varela Iglesias (San Fernando, Cádiz, 17 de abril de 1891 - Tánger, Marruecos, 24 de marzo de 1951), tras sublevarse contra la República el 18 de julio en África, pasó a la ciudad de Cádiz, desde donde prosiguió las operaciones militares de sometimiento y represión en Sevilla, Córdoba, Antequera y Málaga, en un primer momento, tras de lo que continuó la campaña avanzando por Extremadura hasta Madrid. Finalizó la guerra civil como general de división y fue nombrado ministro del Ejército en el primer gobierno de la dictadura del general Francisco Franco.


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16/9/2011

El Ministerio de Cultura refrenda a San Sebastián como Capital Cultural 2016

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La investigación llevada a cabo por el Ministerio de Cultura en relación a la designación por el jurado de San Sebastián como Capital Europea de la Cultura ha finalizado con el refrendo del fallo por parte del Ministerio, que hace pública su postura por medio de la siguiente nota de prensa:

- "La Comisión Europea ha confirmado al Ministerio de Cultura que representantes de dicha Comisión no constataron ninguna conducta parcial por parte de los miembros del Comité de Selección de la Capitalidad Europea de la Cultura 2016. Asimismo, la Comisión considera que los criterios seguidos por el Comité se han ceñido a los que deben regir todo el proceso de designación.

- El procedimiento que ha determinado la capital cultural europea se ha realizado correctamente y se han evaluado los proyectos exclusivamente con criterios técnicos. Todo ello de conformidad con lo previsto con la Decisión 1622/2006/CE del Parlamento Europeo y del Consejo de 24 de octubre de 2006 y la Orden del Ministerio de Cultura CUL/2394/2009 de 31 de julio por la que se establecía la convocatoria de presentación de solicitudes para la designación de la Capital Europea de la Cultura 2016.

- La selección se ha realizado con una total transparencia y objetividad, realizándose tanto la preselección inicial como la selección final con mayorías claras y suficientes.

- En la determinación de los miembros del Comité de Selección se comprobó que los mismos no tuvieran ningún conflicto de intereses con ninguna de las ciudades candidatas.

- Una de las personas de dicho Comité, Cristina Ortega Nuere, cuya actuación ha sido objeto de alegaciones, ha reiterado mediante declaración firmada que no tiene ni ha tenido ningún conflicto de interés con ninguna de las ciudades candidatas durante todo el proceso de selección.

- Su participación en el Consejo Vasco de la Cultura no supone ningún impedimento en relación con su condición de miembro del Comité de Selección.

- La citada miembro del Comité no ha tenido participación en el Convenio Marco de Colaboración entre el Ayuntamiento de San Sebastián y la Universidad de Deusto. Según manifestación del vicerrector de la Universidad de Deusto, ésta no ha tenido ninguna participación activa en la candidatura de la ciudad de San Sebastián.

- De todo ello y conforme a la información de la que se dispone, sin perjuicio de otros hechos y circunstancias que puedan ponerse de manifiesto, cabe concluir que no se puede establecer un nexo causal entre las notas sustraídas del ordenador personal de la jurada, objeto de las alegaciones en su contra, y la candidatura de la ciudad de San Sebastián.

- El Ministerio de Cultura, a través de la Dirección General de Política e Industrias Culturales, ha remitido estas conclusiones a la Comisión Europea para su conocimiento".

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13/9/2011

Angel García Roldán. "The man who never was" en Óptica Festival-La Casa Encendida

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The man who never was es el título de la videocreación de Ángel García Roldán seleccionada para la edición Óptica Festival 2011, que arrancará su itinerancia en La Casa Encendida los días 16, 17 y 18 de septiembre, para recalar posteriormente en Gijón (20 al 23 octubre, Centro de Cultura Antiguo Instituto), Israel (8 noviembre, Cinematecas Haifa, Tel Aviv y Jerusalén), Buenos Aires (16 al 18 diciembre, Palais de Glace) y Nueva York (marzo 2012, World Financial Center).

Óptica Festival, una iniciativa de la Asociación Cultural Colectivo Interferencias, ofrece al espectador "un espacio de interrelación y divulgación de la experimentación en la cultura audiovisual contemporánea". En la presente edición, bajo el título Cuando todo se termine… propone "un profundo análisis de la irracional conducta autodestructiva del ser humano, desarrollada desde el inicio de su existencia hasta la actualidad; una reflexión sobre el lado más oscuro y miserable de la historia del hombre, en la que cabe una visión particular de la desmedida explotación de los recursos del planeta que han permitido su supervivencia a lo largo del tiempo".

La obra The man who never was, que ya fue exhibida en el festival InCineRación de Granada el pasado mes de junio es una vídeo-perfomance en el que un plano secuencia se ralentiza con el objetivo de "extender el tiempo y estructurar una escena pictórica que retrate a un humano contemporáneo en plena deriva existencial", según incluye Ángel García Roldán en el texto que acompaña a la obra.

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A escena dos nuevas colectivas

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Desde el próximo sábado día 17 de septiembre, la casa-museo del Inca Garcilaso de Montilla presenta al público la exposición colectiva de arte contemporáneo titulada 7 miradas son 7 maneras, en la que participan los artistas Antonio Algaba, Marta Campos Calero, Luis M. García Cruz, Manuel Méndez, Rafael Ocaña, Manolo Portero y Tony Soto. La muestra se podrá visitar hasta el 16 de octubre.

Por otro lado el artista cordobés Antonio Castilla Portillo participa en la exposición colectiva Obras premiadas, que la madrileña galería Movart inaugura el jueves 15 y que podrá visitarse hasta el 24 de septiembre. Antonio Castilla participa con Paisaje s/t, obra sobre papel perteneciente a la serie en que trabaja en estos momentos y para la que prepara una próxima individual en la misma galería. Completan la relación de participantes Ángel Rodríguez Robles, Isabel Gómez, Javier Rodríguez Quesada, Mikel Garate y Óscar Cabana.


7 miradas son 7 maneras
Casa-museo del Inca Garcilaso de la Vega
C/ Capitán Alonso de Vargas, 3 14550, Montilla (Córdoba)
Teléfono 957 652 354
Del 17 de septiembre al 16 de octubre

Obras premiadas
Galería Movart
C/ Conde Duque, 28
28015 Madrid

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12/9/2011

Casa Árabe estrena sede y expone a los principales calígrafos árabes contemporáneos

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Obra de Munir al-Shaarani ©

El próximo viernes 16 de septiembre, un día después de la inauguración de su nueva sede, Casa Árabe presenta al público la exposición titulada Libertad e innovación. Caligrafía árabe contemporánea, que reúne obra de algunos de los calígrafos plásticos de mayor relevancia en el panorama artístico árabe contemporáneo. De este modo, podrán contemplarse obras de Rima Farah, Nja Mahdaoui, Hassan Massoudy, Jalid al-Saai y Munir al-Shaarani, en una muestra comisariada por José Miguel Puerta Vílchez, profesor titular del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada y licenciado en Filología Árabe, especializado en el estudio del arte de la caligrafía árabe.

Los artistas -calipintores (de cálamo) o calígrafos plásticos- elegidos son promotores de una nueva estética tanto en el ámbito de la caligrafía árabe como de la plástica general, campo en el que trabajan Jalid al-Saai (Siria, 1970) y el veterano Naj Mahdaoui (Túnez, 1937), cuyas obras se encuentran en el British Museum, el Smithsonian Institute o el Museo Ohsaki de Arte de Tokio, entre otras importantes instituciones. La jordana Rima Farah (1955) es grabadora y calipintora especializada en obra gráfica, autora con una importante trayectoria que incluye la colaboración artística con Kevin Jackson durante los años 1979-2002. Por su parte, el sirio Jalid al-Saai (1970) une en su obra la pintura contemporánea y la caligrafía árabe clásica con influencias literarias y filosóficas sufí. Hassan Massoudy (Iraq, 1944), es autor de decorados para la Ópera de París y desde 1972 participa en el espectáculo Arabesque, en el que Massoudy improvisa caligrafías proyectadas en una pantalla de cine, acompañandas de música y poemas. Sus acciones en directo se han realizado de forma multitudinaria, como en Osaka en 2004, donde su espectáculo Calligraphie d'ombre et de lumière congregó a miles de personas. Cierra la relación de artistas Munir al-Shaarani (Siria, 1952), quien realizó abundante arte político en los 70 bajo el seudónimo de Imad Halim. Desde mediados de los 80 presenta su nueva estética en favor de la renovación de la caligrafía árabe, un trabajo que acompaña de una continuada labor didáctica.

La exposición está organizada por Casa Árabe e Instituto Internacional de Estudios Árabes y del Mundo Musulmán, instituciones ambas de cooperación cultural que se han establecido en la llamada Casa Mudéjar, situada en la calle Samuel de los Santos Gener, un edificio resultado de la unión de cinco casas diferentes, unidas por diversas galerías, pasadizos y escalinatas. La casa, con una altura de dos plantas, se organiza en torno a cuatro patios, en uno de los cuales se levanta un torreón. La edificación más antigua se podría fechar en el siglo XIV, siendo que la mayor parte de lo que hoy forma el complejo pertenecen a los siglos XV y XVI. Se ubica en la antigua zona sur de la Medina, próxima a la Mezquita, dentro del ámbito declarado Patrimonio de la Humanidad. La Casa Mudéjar es uno de los más importantes ejemplos del mudéjar en Córdoba, y posee algunas de las más antiguas pinturas murales conservadas en la ciudad. Su rehabilitación, recientemente finalizada, ha llevado al Ayuntamiento a presentar el proyecto a dos prestigiosos premios en el panorama de la conservación del patrimonio: el Premio Ciudades Patrimonio de la Humanidad y el Premio Jean Paul L´Allier para el Patrimonio, que se fallarán antes de fin de año.

Libertad e innovación. Caligrafía árabe contemporánea
Casa Árabe
C/ Samuel de los Santos Gener 9, Córdoba
Del 16 de septiembre al 11 de diciembre de 2011
Comisario: José Miguel Puerta Vílchez


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10/9/2011

Avance de temporada

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En la imagen, fotografía de Sebastián Conejo perteneciente a la muestra Mezquitas, a celebrarse en la Sala Iniciarte a partir del 22 de septiembre

Comienza la temporada 2011-2012 en un paisaje lleno de dificultades económicas, traducibles en unos anunciados recortes presupuestarios en las Administraciones que han hecho posponer proyectos cuando no eliminarlos hasta unas mejores perspectivas. No obstante, la realización de eventos y exposiciones por parte de los entes públicos sigue su curso y la cita más cercana es el festival Eutopía, a inaugurarse el próximo día 16, una muestra que este año cumple su sexta edición, ofreciendo una amplia relación de actividades. En lo que respecta a las artes plásticas, Eutopía ha programado la exposición Desencaja, que se desarrollará del 17 de septiembre al 17 de octubre en la Sala de Exposiciones del Albergue Inturjoven, una muestra que contará con la participación de Alejandro Díaz, Gregorio Toral, Antonio Jiménez, Irene Coll, Daniel Diosdado, Antonio Miñán, Abelardo Aguado, Pablo López, Luisa Rech, Susana Ibáñez, Eugenio Rivas y Paola Villanueva. De entre las otras muchas actividades de Eutopía, señalar una nueva edición del Mercado de Arte Joven, del sábado 17 viernes 23 de septiembre en la Sala Victoria.

Uno de los proyectos estrella de la temporada será la muestra Córdoba, reflejo de Roma, magna exposición a celebrarse en tres sedes de la capital -Museo Arqueológico, Sala Vimcorsa y Sala Orive-, organizada por el Ayuntamiento de Córdoba, Universidad de Córdoba, Fundación Rafael Botí y la Fundación Viana. La exposición, comisariada Mª Dolores Baena, directora del MAECO , y los profesores Desiderio Vaquerizo y Carlos Márquez, de la UCO, pretende visibilizar al espectador la importancia que tuvo Córdoba a apartir del siglo I y cómo la ciudad se transformó urbanísticamente a semejanza de la urbs romana. Para ello se contará con una escogida selección de piezas arqueológicas procedentes de los principales museos arqueológicos nacionales. La exposición, que ha sufrido un aplazamiento en su inauguración, se espera pueda desarrollarse a partir de diciembre de 2011.

Por el contrario, otro proyecto de colaboración entre instituciones de gran importancia como es el programa expositivo de la Sala Puertanueva, en el que participan regularmente Ayuntamiento de Córdoba, Universidad de Córdoba, Fundación Rafael Botí y la Fundación Cajasol, se encuentra en estos momentos a la espera de poder concretar su viabilidad en lo que resta de año, quedando por tanto en suspenso las exposiciones previstas, de entre las cuales señalaremos la retrospectiva de la pasada edición de Periféricos. Es de hacer notar que la entidad bancaria prosigue su colaboración un año más cifrando su aportación en 20.000 euros de un presupuesto total para 2012 de 240.000, por lo que es de esperar que la programación se reanude con normalidad.

En lo que respecta a la programación del Ayuntamiento, el proyecto estrella del segundo semestre es la antes aludida muestra Córdoba, reflejo de Roma, que se complementará con la colaboración del Consistorio y la Obra Social La Caixa para traer a nuestra ciudad la muestra titulada Romanorum Vita, lo que convertirá a Córdoba en el centro de atención sobre tan importante pasado patrimonial. Romanorum Vita es un proyecto de divulgación histórica para todos los públicos de la Obra Social La Caixa, que permite conocer la vida cotidiana de los habitantes de una ciudad del Imperio Romano en la época Imperial (s. I d. C), y su inauguración está prevista para el 24 de noviembre. La programación sobre artes plásticas se completa con la exposición Premios de Pintura Axerquía, a partir del 5 de octubre, y el Premio Nacional de Fotografía Ciudad de Córdoba-Premio Mezquita, cuyo fallo tendrá lugar el día 11 de noviembre.

La Sala Iniciarte, por su parte, programa para el 22 de septiembre la muestra Mezquitas, un proyecto fotográfico del onubense Sebastián Conejo.

También se encuentra cerrada la programación para la Sala Mateo Inurria, que contará en primer lugar con la exposición El sur de Marruecos, de Manuel Luna Baena y Rafael Barrios, a la que sucederán las dedicadas a Mª Dolores Jiménez Valiente, Julio Silva, Rita Rutkowski y Gómez Losada (Colección Cabezas Romero), Carlos Montaño y una muestra colectiva, Homenaje a Lope de Vega, así como algún proyecto más pendiente de concretar.

El inicio de la temporada para la Fundación CajaSur tendrá lugar el día 16 de septiembre, en el que se inaugurará en las salas CajaSur Gran Capitán y Reyes Católicos la exposición de arte contemporáneo alemán Premio de Arte 2011 del Diario Nürnberger Nachrichten, una actividad que se enmarca dentro del acuerdo de hermanamiento de Córdoba con la ciudad alemana de Núremberg. En la muestra participan setenta artistas del sur de Alemania, Franconia y Núremberg, con nombres como Philipp Findeisen, Axel Voss y Yin Ren. La exposición se llevará a cabo hasta el 15 de octubre.

En cuanto a las galerías privadas, la veterana sala montillana José Pedraza ofrece una más que interesante programación que se incia con José Mª García Parody abriendo la temporada el próximo 14 de octubre, y al que sucederán Francisco Escalera, Ángel Corral y Paco Luque.

Carmen del Campo, en cuyas paredes podemos contemplar aún la muestra Primo pensiero, tiene prevista como primera entrega la exposición de Ana Martínez, mientras que Arte21 mostrará al público la titulada Afinidades, a cargo de Paco Salido. Carlos Bermúdez ofrecerá otro valor seguro como es Ginés Liébana, señalado para el 30 de septiembre. Por último -que no los últimos- Galería Clave ha de concretar aún su programación, toda vez que su inicio de temporada es ligeramente más tardío, una información que haremos llegar oportunamente a nuestros lectores.

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"Preta luz", nueva exposición de Antonio I. González


La malagueña Sala Alfajar presentó ayer al público la nueva exposición de Antonio I. González, titulada Preta luz, en la que el artista montillano muestra una selección de obras recientes realizadas en diferentes técnicas cerámicas, dentro de un lenguaje abstracto que explora las posibilidades que ofrecen las superficies planas así como la tridimensionalidad. Series como Casi flores de Lorca atienden a requerimientos pictóricos del mismo modo que a la continua exploración sobre texturas de la que hace gala Antonio I. González. Preta luz sucede en este mismo espacio malagueño a la anterior exposición de Hisae Yanase titulada Abisal. La muestra estará abierta al público hasta el próximo día 7 de octubre.

Antonio I. González
Preta luz
 Sala Alfajar
C/ Císter 13 (Centro histórico)
29015 Málaga

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3/9/2011

Gómez Losada ultima su obra "Atlas Nocturna"



 Gómez Losada ante Atlas Nocturna. Foto: Ars Operandi

José Álvarez / Ars Operandi

Miguel Gómez Losada ultima en estos días su obra titulada Atlas Nocturna, una espectacular pintura sobre vidrio de 20 metros de longitud y más de 2 metros y medio de alto, con un panel central de 6 metros de altura. Situada en la zona de la Facultad de Filosofía y Letras recientemente remodelada según proyecto del arquitecto Arturo Ramírez, Atlas Nocturna se establece en la intersección de las intervenciones de Rafael de La-Hoz Arderíus -un vestíbulo historicista anexo a la primitiva fábrica del Cardenal Salazar- y la ampliación contemporánea de Gerardo Olivares. Para Gómez Losada este hecho no es casual, pues señala que "es la representación de la naturaleza la que hace de nexo histórico", a modo de continuum en el que el concepto de estilos se ve superado, pues para el artista "pensar en estilos siginifica sustraerme de mis orígenes, de mi verdad". Y es que Atlas Nocturna, una inextricable sucesión de elementos vegetales de cambiante iluminación, retrotrae la memoria de Gómez Losada a escenas de su infancia. "Recuerdo que mi padre poseía un telescopio por el que observábamos las estrellas a través de un claro del bosque en nuestra casa de campo. Era un continuo descubrimiento de sensaciones". El efecto nocturno es núcleo de la obra que el artista está llevando a cabo. Las luces, y más que las luces, las sombras, son las protagonistas en una pintura en la que la profundidad se duplica por la utilización de un doble acristalamiento, y en la que las graduales capas de óleofabricado de manera artesanal por el pintor en el propio lugar de trabajo, se suceden revelando claridades emergentes en un paisaje velado y brumoso. Gómez Losada prefiere revelar poco a poco. Busca el misterio, lo que no se ve. El resultado es un paisaje sobrecogedoramente evocativo de la verdad en la pintura que busca Gómez Losada, que nos hace recordar a Heidegger: "Nosotros decimos verdad y no pensamos mucho al decir esta palabra. Si lo que pasa en la obra es un hacer patentes los entes, lo que son y cómo son, entonces hay en ella un acontecer de la verdad".

El proyecto Atlas Nocturna, que ha perdido durante su proceso de creación el primitivo título de Tierra Nueva, a la vez que se transformaba el propio concepto final de la obra, se remonta al año 2008, cuando se sentaron las bases de la intervención bajo los auspicios del entonces decano Joaquín Mellado. Tras unos años de paréntesis, la llegada al Decanato de Eulalio Fernández ha supuesto la cristalización del proyecto, inmerso en un profundo aggiornamiento de la Facultad de Filosofía y Letras con el que la institución pretende visibilizarse socialmente como un referente cultural necesario y obligatorio en nuestra ciudad. Atlas Nocturna comenzó a concretarse sobre el cristal en enero de 2011, un largo proceso creativo que ha contado durante su desarrollo con la exposición Te recuerdo al sol, un compendio de dibujos preparatorios del mural realizada en la Galería Aba Art Ibiza. La obra se presentará al público coincidiendo con la inauguración del curso universitario, el próximo 21 de septiembre.


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1/9/2011

Colaborativa mapea la creación cordobesa en Creativosencordoba.com

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De la mano de Colaborativa, la empresa de creativos cordobeses que ha llevado a cabo esta iniciativa, Creativosencordoba.com permite conocer la fisonomía de la comunidad creativa local, un estudio que revela que una de cada tres iniciativas creativas se dedica profesionalmente al diseño. Para Colaborativa, el proyecto se ha diseñado con el propósito de fomentar el protagonismo de las industrias creativas en Córdoba. La nueva web representa gráficamente las actividades creativas y culturales por unos rectángulos en un mapa de árbol o treemap, siendo el tamaño de cada rectángulo proporcional al número de creativos que se engloban dentro de cada actividad. El mapa es dinámico y cambia según se van sumando nuevas iniciativas a la web a través de un formulario abierto a los interesados.

Creativosencordoba.com incluye un espacio que recopila lo que dicen y hacen los creativos y creadores en la plataforma social twitter, para facilitar que puedan conocerse entre sí y que surjan oportunidades para la colaboración, con el propósito de reforzar el sentido de comunidad entre los creativos y creadores locales.

El trabajo de Colaborativa se enfoca hacia el fomento del protagonismo de las industrias creativas en Córdoba, para lo que ha impulsado el proyecto del Espacio Creativo Independiente, unos espacios de trabajo para emprendedores de la industria creativa junto con espacios comunes para el intercambio de ideas y una programación cultural asociada, un proyecto presentado al concurso de concesión de uso de la Pérgola de los Jardines de la Victoria, pendiente aún de resolverse.

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Hisae Yanase muestra en Málaga sus últimos trabajos

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 Una vista de la exposición Abisal. Foto: Sala Alfajar

Desde el pasado día 5 de agosto, la Sala Alfajar, de Málaga, acoge la exposición Abisal, en la que Hisae Yanase muestra una selección de su última obra, compuesta por trabajos tanto en técnica cerámica como en pintura. La muestra se compone de piezas pertenecientes a las series tituladas Sango, Palimpsesto y Reino de Fungi, así como la serie Cnida, presentada anteriormente en la Galería Arte21. Abisal reúne medio centenar de obras que indagan en el organicismo explorado por Hisae Yanase en los últimos años, piezas técnicamente magistrales que nos muestran a una creadora en la plenitud de su carrera artística. La exposición estará abierta al público hasta el 9 de septiembre.

Hisae Yanase
Abisal
Sala Alfajar
C/ Císter 13 (Centro Histórico)
29015 Málaga
Hasta el 9 de septiembre

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Se inician los Cursos de Otoño en la Escuela Artística Antonio Povedano

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Uno de los anteriores cursos de la Escuela. Fotografía: EAAPB

Continúan los talleres de creación de la Escuela Artística Antonio Povedano Bermúdez, una vez finalizados los correspondientes a los meses de verano, en los que se han impartido los cursos Pintamos los patios de Viana, a cargo de Manuel Garcés, Falso Grabado con Fernanda Romero, Video Experimental, con Beatriz Sánchez y Paisaje Nocturno, en julio con Manuel Garcés y en agosto con Fernando Martínez. El calendario de talleres para el curso 2010-2011 incluye los cursos El retoque fotográfico con Photoshop, a cargo de Manuel Torres, La línea en el arte, con Fernando M. Romero, Estudio del arte abstracto a través de las obras del Grupo El Paso, con Mamen Domínguez, La perspectiva cónica y el paisaje tonal y El modelo del natural y el cuerpo humano, con Manuel Garcés, El bulto redondo, con Sofía Ostos y, por último, El niño es un constante creador (dirigido a niños de 5 a 10 años) y Arteterapia, ambos talleres a cargo de María Ortega Estepa. Los talleres, cuyo plazo de matrícula está abierto, se desarrollarán de septiembre a diciembre en la sede de la Escuela Artística Antonio Povedano Bermúdez, sita en la calle Pintor Pedro Bueno 5,1º (Córdoba).


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Tras los pasos de Capa y Taro

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 Antonio Jesús González, Pozoblanco 2011. Monumento de Igael Tumarkin en el cruce del camino de Los Molinos de la Loma y la carretera CO 6411

Tras los pasos de Capa y Taro es el título de la exposición que el fotógrafo cordobés Antonio Jesús González presenta a partir del 5 de septiembre en la Galería Ignacio Barceló (sede de AFOCO). La muestra se plantea como un homenaje a la pareja de fotógrafos, ambos testigos de la Guerra Civil española y autores de algunos de sus principales iconos visuales, como Muerte de un miliciano, cuya fecha y lugar son el 5 de septiembre de 1936 en la provincia de Córdoba.

Antonio Jesús González ha realizado para esta exposición un recorrido fotográfico por las localidades cordobesas que Robert Capa y Gerda Taro inmortalizaron con sus cámaras: Cerro Muriano, Obejo, Espejo, La Granjuela y Pozoblanco, población esta última que no visitaron, aunque alberga un monumento en su memoria y de la de todos los combatientes que participaron en la guerra española. Según los organizadores, Antonio Jesús González "ha buscado su presencia en estos pueblos, reinterpretando 75 años después estos lugares de una forma totalmente libre, mostrando una Córdoba y unas gentes muy distintas, para recordar así una parte esencial de nuestra historia". La exposición estará abierta al público hasta el 7 de noviembre.




Antonio Jesús González
Tras los pasos de Capa y Taro
Inauguración 5 de septiembre, 21 horas
Galería Ignacio Barceló (sede de AFOCO)
Antonio Maura, 49, 1º izqda, Córdoba

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Nueva cabecera: Marta F. Jódar

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Tras el paréntesis agosteño, Ars Operandi vuelve a la actualidad del arte y la cultura presentando a nuestros lectores la nueva cabecera correspondiente al recién llegado mes de septiembre, obra de la artista cordobesa Marta F. Jódar, a quien agradecemos cordialmente su amable colaboración, la quincuagésimo tercera de esta iniciativa.

Marta F. Jódar se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, prosiguiendo su formación en la Universidad de Atenas, donde se especializó en la técnica del grabado, realizando con posterioridad numerosos talleres y cursos. Ha expuesto su obra individualmente y ha participado en diversas exposiciones colectivas. Su trabajo abarca el grabado, la ilustración y la pintura, así como la docencia artística. En la actualidad se encuentra preparando una nueva exposición individual de la que daremos cuenta a nuestros lectores próximamente.


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