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30/11/2011

Jacinto Lara y Perry Oliver en la Krabbe de Frigiliana


Anidarse, obra sobre papel de Jacinto Lara en Krabbe
Redacción / Ars Operandi

La Galería Krabbe de Frigiliana (Málaga) que  dirigen al alimón Caroline y Dorthe Krabbe presenta en estos días la muestra conjunta de los artistas Jacinto Lara y Perry Oliver que  reúnen sus trabajos bajo el título de Anidarse en Sleepwatcher. Desde 2004 esta galería "danesa" de la Axarquía malagueña alberga una selección de artistas internacionales y cuenta también con las aportaciones de prestigiosos artistas invitados como el danés Arne Haugen Sørensen. Entre la nómina de artistas de la galería destaca la fuerte presencia de creadores cordobeses como el propio Lara, Hashim Cabrera, Juanjo Caro, José María Córdoba o Hisae Yanase.

Jacinto Lara propone en su serie Anidarse, un camino de vuelta hasta el lugar de la partida. Para el Maestro de Fernán Núñez, anidarse es "regresarse, no caminar hacia atrás, ni mirarse el ombligo, es recomponer la mirada sobre las ramas que un día configuraron el nido”. Se trata de una selección de trabajos recientes en los que los distintos papeles que el artista realiza a mano  a partir de diferentes pastas de papel sirven de paleta para construir delicadas composiciones deudoras, en palabras de Javier Lara, "de la reivindicación más plástica y amanuense a un tiempo". Para Javier Lara, Anidarse es el resultado de una "destilación expresiva, de simplificación desnuda en extremo, donde las formas parecen habitar los parajes que constituyeron su origen. Y en efecto, de revelar o hacer surgir lo contenido u oculto se trata. Formas, trazos, y color conviven inquietos en espacios que parecen intentar construirse a cada golpe de mirada, sobre soportes que interactúan entre sí (lienzo y art-paper), que se resisten a conformarse mediante unos patrones preconcebidos, y que nos invitan a detenernos con ellos y en ellos. Y así, será en ese “anidarse”, refugiarse desnudo de artificio, donde se acerquen los principios formales a los procedimentales para situar la idea en su contexto más fecundo, en los albores de su misma concepción".

Por su parte el escultor y grabador norteamericano Perry Oliver presenta Sleepwatcher, un conjunto de esculturas sobre metal. Para Oliver el argumento de la serie es "el drama sencillo e íntimo de una persona dormida y otra, al lado, despierta. La distancia (poignant and tender and immense) entre dos mundos -consciente y sub-consciente- en contraste de una escena tan íntima en el sentido físico..." Javier Lara expone en el texto de presentación que "como metáfora de la pugna que tiene lugar en el mismo sujeto, Oliver manifiesta ese drama a través de la interacción entre dos universos aparentemente contrapuestos, entre lo consciente y el subconsciente, figurados por un sujeto durmiente y otro despierto. Distancia que define como desgarradora, sensible e inmensa, y que contrasta con la cercanía de una escena figurada por dos personas que comparten lecho".

Jacinto Lara & Perry Oliver
Anidarse en Sleepwatcher
Galería Krabbe. Frigiliana. Málaga
Inauguración jueves 1 de diciembre con la presencia de los artistas


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29/11/2011

Todo sobre papel en Arte21


Aspecto de la colectiva sobre papel en Arte21. Foto: Ars Operandi
Redacción / Ars Operandi

La galería Arte21 encara su temporada navideña a partir del próximo día 1 de diciembre con una exposición colectiva que tiene a la obra sobre papel como principal protagonista. ¿Papel? es el interrogante que se lanza desde la galería en una muestra que pretende "fomentar el coleccionismo desde la base". Para su director, Antonio Jiménez, se trata de "reivindicar el consumo de arte como un producto totalmente asequible". En este sentido, asegura, es posible encontrar obra de reconocidos autores  por un precio que ronda los trescientos euros. De esta manera se pretende crear el hábito de comprar arte "desde su escalón más pequeño, la obra sobre papel". La versatilidad que ofrece este soporte permite desplegar un amplio registro de técnicas y procedimientos, desde el papel hecho a mano al collage, el grabado, el aguafuerte o la fotografía.

¿Papel? cuenta en su nómina con tres grandes exponentes de la plástica nacional que han desarrollado gran parte de su obra con el papel como soporte. Un aguafuerte de Tàpies del 73, una litografía de Hernández Pijuán del 68 y una estampación de Canogar de 1982 aportan quilates a una muestra que permite también conocer trabajos recientes de artistas habituales de la galería. Así podemos encontrar los papeles hechos a mano de Jacinto Lara (Anidarse), los esgrafiados de Juanjo Caro o los dibujos sobre libros de José Luis Muñoz. Inéditos, aunque fechados en 1994 son los Papeles de Don Adolfo que presenta José María García Parody mientras que Rafael Navarro aporta a la muestra dibujos de la serie de 1996, Erotomanías. Completan la muestra acuarelas y pasteles de Victor Pulido y Pablo Orellana y dos de las recientes incorporaciones de la galería, Tete Álvarez, que presentará individual en enero y Fernando M. Romero, que comienza con esta colectiva su colaboración con Arte21 .

¿Papel?
Inauguración jueves 1 de diciembre, 20:30 h
Galería Arte21
Manuel María de Arjona 4,  Córdoba
De lunes a viernes de 17:30 a 20:30 h.
Sábados de 11 a 13:30 h. 
Hasta el 5 de enero de 2012

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27/11/2011

Ecos londinenses de Rothko


Mark Rothko, Light Red Over Black, 1957 
© Kate Rothko Prizel and Christopher Rothko/DACS 1998
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A. L. Pérez Villén/ Ars Operandi
No es cuestión de memorabilia, se trata de simple economía. Es más fácil y más barato tirar de los fondos cercanos que convocar una macromuestra con préstamos de todo el mundo. Sea como fuere enfrentarse a una tela de Mark Rothko (Letonia, 1903–Nueva York, 1970) siempre es una experiencia casi religiosa, de manera que quienes estén cerca de Londres no pueden perdérselo, eso sí, sabiendo que se trata de una muestra eminentemente documental –escritos, fotografías, documentos– con una sola pintura del artista, concretamente Light Red Over Black (1957). Pues eso, que la Whitechapel Art Gallery hace un ejercicio de memoria y nos muestra cómo fue la exposición que hace medio siglo realizó en sus salas el artista norteamericano. Antes de seguir hay que apuntar que la Whitechapel es una institución centenaria, pues se funda nada más comenzar el siglo pasado con la intención de acercar el arte a la población del Este de Londres. El edificio original sufrió una remodelación y posterior ampliación hace un par de años, confirmándose con su programación como un centro de arte muy activo y singular.  

Rothko in Britain es por tanto una exposición celebratoria y documental, una muestra que evoca la realizada en 1961, que sirvió –entre otras cosas– para que el expresionismo abstracto desembarcase en Europa sin contratiempos. Hace años cuando algunos historiadores insistían en aquello de que la política norteamericana durante la guerra fría empleaba el expresionismo abstracto como arma arrojadiza (libertad creativa absoluta) frente a la barbarie represiva de los soviéticos, asentíamos sin mayor importancia. Hoy, después de numerosos estudios que confirman el diseño de la estrategia política norteamericana, volvemos a asentir con mayor conocimiento de causa y –no obstante–seguimos adorando a artistas como Mark Rothko por brindarnos la posibilidad de elevarnos sobre los pies ante sus pinturas. 

Digamos que el expresionismo abstracto es la primera tendencia genuinamente americana en el arte contemporáneo, pues aunque hay estilos similares en otros contextos artísticos –arte otro europeo, informalismo español– sus rasgos lo hacen singular y diferente al resto. Por regla general los expresionismos abstractos surgen como evolución de un cierto tipo de surrealismo –escritura automática en imágenes que dirían sus paladines– que rompe amarras con cualquier tipo de referencia figurativa para acceder a un territorio ignoto donde la única temática a desarrollar es la de la pintura. Este es el campo de operaciones de la pintura norteamericana a comienzos de los años 50, cuando una serie de autores han definido un lenguaje propio que ya no tiene dependencia alguna con las tendencias europeas de las vanguardias. Son los años en que Nueva York usurpa el rango de capital del arte contemporáneo a París, son por tanto los años de la Escuela de Nueva York, un banderín de enganche en el que tienen cabida un numeroso grupo de artistas norteamericanos que trabajan dentro de la abstracción gestual, de la pintura all–over, del action painting... 

Términos que designan prácticas artísticas derivadas del expresionismo abstracto. Rótulos, estilos y tendencias que nos valdrían para hablar de la pintura de Jackson Pollock, Arshile Gorky, Willem De Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, William Baziotes, Robert Motherwell, Hans Hofmann... Sin embargo, la pintura de Mark Rothko es muy distinta a la del resto de sus compañeros. Es una obra ensimismada, de una concentración extrema y a la vez tremendamente abierta a su recepción. Como ellos, Rothko había partido de una serie de motivos, de los que fue alejándose para centrarse en el tratamiento de las masas de color y en el ritmo de la aplicación sobre el soporte. La suya es una pintura muy musical, de una sorda reverberancia interna que se modula mediante franjas de color, primero verticales y finalmente horizontales. El eco vibrante y en permanente retroalimentación de una rutilante hoguera en la que se acrisola el espíritu.

Una instantánea de la exposición de Mark Rothko en la Whitechapel Gallery (1961) © Whitechapel Gallery
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Pero volvamos a Londres para rastrear la conexión Rothko–Gran Bretaña. En su momento se habló del espíritu romántico, tan inglés, como elemento de conexión; de hecho el artista mencionaba a menudo a William Turner como uno de sus autores de referencia. Y es cierto que los convulsos paisajes atmosféricos del inglés tienen mucho que ver con esa vibración constante que tienen las masas cromáticas del americano. Las dimensiones de las obras –algo mayores las de Rothko– y la intensidad emocional puesta en juego son muy parecidas en ambos casos. Pero hay más conexiones, sabemos que Rotkho pasa una temporada en Gran Bretaña durante el verano de 1959. Rastros de este viaje quedan documentados en la exposición, fotografías que muestran al artista y su familia en distintas localidades británicas. Por otra parte Gran Bretaña tiene un buen legado de la obra de Mark Rothko. Fue el propio artista quien un año antes de su muerte –se suicidó a finales de febrero de 1970– legó a la Tate Gallery de Londres nueve de las pinturas que había realizado para los salones del Four Season. Un encargo realizado ex profeso por los arquitectos Ludwig Mies van der Rohe y Philip Jonson, quienes habían diseñado el edificio Seagram y querían que el restaurante tuviese unas pinturas murales de categoría. Aunque Rothko acepta el encargo, conforme pasa el tiempo y realiza las pinturas termina por entender que dichas obras no podían encajar en un ambiente de frivolidad y mundanidad como el del restaurante, por lo que decide no entregarlas y en cambio las lega a la Tate Gallery, que las conserva desde entonces en su colección.

Los documentos que testimonian la decisión del artista de entregar a la institución británica los murales Seagram forman parte de Rothko in Britain. También se exhiben fotografías de la exposición original de 1961, en las que se puede reconocer la pintura que practicaba el artista a finales de los años 50, la que le ha hecho célebre y la que tantos entusiastas ha cosechado desde entonces. Asimismo se puede releer buena parte de la correspondencia entre el artista y el entonces director de la institución (Bryan Robertson) cerrando aspectos diversos de la exposición a celebrar. En especial destacan las anotaciones respecto a la colocación de las obras –la iluminación y posición y altura de las pinturas– así como las impresiones de visitantes de excepción, como las del crítico de arte David Silvestre –conocido por ser entre otras cosas el biógrafo de referencia de Francis Bacon– quien reconoce la empatía desbordante de las obras de Rothko y la consecuente energía emocional que activaban en quien las contemplaba. 

Rothko in Britain 
Whitechapel Gallery, Londres
Hasta el 26 de febrero de 2012

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24/11/2011

Córdoba inicia una nueva "romanización"

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Redacción / Ars Operandi


El viernes 25 de noviembre Córdoba acogerá la inauguración de la muestra Romanorum Vita, una exposición interactiva organizada por la Obra Social ”la Caixa” en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba en la que se podrá asistir a una recreación de la vida cotidiana en una ciudad romana de hace 20 siglos. La muestra, que estará en nuestra ciudad hasta el 17 de enero de 2012, coincidirá en el tiempo con la exposición Córdoba, reflejo de Roma, a celebrarse en tres salas de nuestra capital, y en la que se mostrará al público la importancia adquirida por Corduba sobre todo a partir del siglo I y a raiz de la transformación del Imperio que llevó a cabo Augusto. Son por tanto dos excepcionales ocasiones para conocer el pasado de la ciudad y la pervivencia de los usos y costumbres latinas a través de los tiempos, presentes en todas las culturas superpuestas a nuestra ciudad. 

Romanorum Vita. Una historia de Roma es un proyecto de divulgación histórica para todos los públicos de la Obra Social ”la Caixa” que permite conocer la vida cotidiana de los habitantes de una ciudad del Imperio Romano. En la muestra, el público podrá pasear por una calle y visitar una domus, mientras contempla los objetos cotidianos que llenaban calles y casas. Romanorum Vita sitúa al visitante en el año 79 d. C, en plena época imperial y poco antes de la destrucción de Pompeya. Escenografías, proyecciones audiovisuales y textos informativos se complementan con elementos sonoros e incluso olores, configurando así una experiencia museográficamente innovadora. 

Comisariada por Enric Seritjol y Magí Seritjol, gestores culturales y relacionados con la difusión del patrimonio, que ocupa alrededor de 400 metros cuadrados, permitirá recrear cuál fue la vida en Corduba o cualquier otra ciudad romana gracias a las reproducciones, arquitecturas y escenificaciones que se proyectarán, integrándose el espectador durante unas horas en la vida cotidiana de los romanos, con una fidelidad que los historiadores pueden conocer con exactitud gracias a los hallazgos arqueológicos y los textos literarios. 

La muestra, ideada eminentemente con un sentido didáctico, y con la voluntad de acercar la exposición tanto al público conocedor como al curioso de todas la edades, ha preparado diversos recursos de accesibilidad y ha editado la guía de la exposición en lenguaje braille. Asimismo se ha preparado un amplio programa didáctico para los escolares y profesores que la visiten y se han puesto en marcha diversos recursos en red que incluyen una visita virtual y la posibilidad de descarga del catálogo de la exposición

Romanorum Vita. Una historia de Roma 
Inauguración 25 de noviembre, 13 horas 
Vial Norte. Av. de la Libertad, Córdoba 
Del 25 de noviembre de 2011 al 17 de enero de 2012 

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El andar de las ciudades


José Miguel de Prada Poole. Sea Colony (La isla viajera o Atlántida 2000), 1986. Colección del CAAC.

Redacción / Ars Operandi
El escenario de la ciudad se ha convertido de un tiempo a esta parte en uno de los  más fértiles terrenos para el cultivo de las prácticas artísticas contemporáneas. En las últimas décadas, la ciudad ha ido difuminando aún sus límites hasta convertirse en "un ente expandido que todo lo abarca. Esta expansión no sólo ha sido física, sino especialmente conceptual y emocional, hasta ocupar virtualmente todo el imaginario colectivo". Bajo el telón de fondo del análisis del fenómeno de lo urbano, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo viene desarrollando en el último año la sesión Margen y Ciudad, un programa que ha traído hasta el Monasterio de la Cartuja de Sevilla a artistas como Lara Almarcegui, Andreas Fogarasi o Alejandro Sosa. Como continuación del ciclo hoy abre sus puertas A las ciudades se las conoce como a las personas, en el andar. La exposición que toma como título una cita de Robert Musil recoge una ordenación de parte de la colección permanente que "transita desde el concepto de metrópolis al de ciudades imaginadas, de la vida ordinaria en la ciudad al espectáculo, de las periferias en construcción a lo natural domesticado".

Comisariada por Luisa López Moreno y Juan Antonio Álvarez Reyes, la muestra reúne más de 250 obras de cerca de cincuenta artistas, la mayoría de la colección del CAAC, acompañadas de otras que han servido para completar el discurso que plantean. Para sus comisarios la polisemia de la frase de El hombre sin atributos "puede señalar al menos tres direcciones diferentes pero conectadas. La primera dirección pone el énfasis en la acción, en el andar en sí como práctica estética. La segunda hace hincapié en la cuestión temporal, puesto que es en el transcurrir de los años como se construye la identidad humana y urbana. Y la tercera, más evangélica, señala que “por sus hechos los conoceréis”, en el sentido de que se necesita experimentar cómo actúa una ciudad o una persona para conocerla. Recorrer, observar y vivir resultan, por tanto, acciones esenciales para el conocimiento". A las ciudades... toma como referencias de partida el concepto de "no lugar" acuñado por el antropólogo francés Marc Augé y la teoría de la deriva alumbrada por el movimiento situacionista. En base a ello se aglutina una importante parte de la colección que "tiene a la ciudad y al tránsito de lo rural a lo urbano como protagonistas. Las periferias urbanas hablan, como muy pocos lugares pueden hacerlo, sobre lo que acabamos de ser, sobre lo que por el momento continuamos siendo y, también, sobre lo que inmediatamente seremos. Los fenómenos especulativos y el crecimiento insostenible en ellas se representan sin maquillaje, aflorando las contradicciones del capitalismo tardío".

Tete Álvarez. Confines IV, 2005. Colección del CAAC

La nómina de autores atraviesa numerosas épocas y disciplinas. Así, encontramos cineastas como Fritz Lang, arquitectos como Rem Koolhaas, escritores como Lorca o Juan Ramón Jiménez, dibujantes como El Roto o Nazario, fotógrafos y videoartistas como Nan Goldin o Dan Graham. Completan la muestra obras de Olivo Barbieri, Sergio Belinchón, Juan Sebastián Bollaín, Miguel Brieva, Santiago Cirugeda, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Peter Downsbrough, Peter Frield, Paco Gómez, José Manuel Guerrero Sánchez, Gervasio Iglesias, Juande Jarillo, Francesco Jodice, Gonzalo Juanes, Zoe Leonard, Rogelio López Cuenca, Alex MacLean, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Ryuji Miyamoto, Luis Molina Pantin, Pedro Mora, Daido Moriyama, MP&MP Rosado, Francisco Ontañón, Jesús Palomino, José Miguel Pereñiguez, Carlos Pérez Siquier, Guillermo Pérez Villalta, José Miguel de Prada Poole, Xavier Ribas, Juan Carlos Robles, Francesc Ruiz, Alberto Schommer, Miguel Trillo, Julio Ubiña, Madelon Vriesendorp, Jorge Yeregui y Claudio Zulián. Especial relación con nuestra ciudad mantiene la serie de Tete Álvarez Confines, una colección de fotografías a color realizadas en 2005 que muestran en un trabajo documental los límites de la ciudad de Córdoba. Para Tete Álvarez "el imparable proceso de extensión de las áreas urbanas hace de los terrenos limítrofes un escenario transitorio, un paisaje efímero marcado por las leyes especulativas del mercado inmobiliario y los planes de desarrollo urbanístico. Se trataba de documentar una desaparición; cartografiar unos confines que pronto habrían sido rebasados, que pronto habrían dejado de serlo. Marcados por un signo que traza la línea fugaz del aquí-ahora, los límites nos hablan de un tiempo y un lugar determinado en el proceso de urbanización infinita, de construcción del espacio público".

Completan el ciclo Margen y Ciudad sendas muestras de Libia Castro y Ólafur Ólafsson y Julie Rivera. Castro y Ólafsson presentan Tu país no existe que incluye proyectos como Constitution of the Republic of Iceland, donde analizan el proceso de reforma constitucional que ha experimentado recientemente Islandia, o la provocadora campaña Your Country Doesn't Exist que realizaron por primera vez en 2003, a raíz de la invasión de Irak, y que desde entonces han ido promoviendo en diferentes lugares y contextos. Por su parte Julie Rivera ha preparado un proyecto específico para el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo bajo el título La arquitectura de la felicidad. Se trata de una serie de vídeos de performances, fotografías y maquetas en torno a los que Rivera articula una reflexión acerca de la relación entre el individuo y su contexto arquitectónico y urbanístico.

A las ciudades se las conoce como a las personas, en el andar.
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo
Monasterio de la Cartuja de Santa María de Las Cuevas, Sevilla
Martes a sábado de 11,00 a 21,00 horas.  
Domingos: de 11,00 a 21,00 horas.
Entrada  gratuita: Martes a viernes de 19,00 a 21,00 horas. Sábados de 11,00 a 21,00 horas.
Hasta el 4 de marzo de 2012

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23/11/2011

Jornadas en Madinat al-Zahra celebran el centenario de las primeras excavaciones

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Redacción / Ars Operandi


El centenario de Madinat al-Zahra. Una joven ciudad milenaria es el título de las jornadas que el Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra, con la colaboración de Casa Árabe, ha organizado con motivo del centenario de las primeras excavaciones realizadas en el yacimiento de la que fuera capital del Califato Omeya.

Los actos se inciarán el jueves, 24 de noviembre en el Auditorio del Conjunto Arqueológico, con la actuación del grupo Zoobazar, músicas del Mediterráneo, quienes interpretarán un repertorio compuesto por música andalusí y árabe. La jornada siguiente, del viernes, se inicia a las 10:30 horas, con el recorrido temático por la ciudad palatina titulado Viaje al futuro de una ciudad del siglo X, a cargo de Andrés García Cortés y Antonio J. Portero Moreno, conservadores de Madinat al-Zahra. La tarde tendrá como lugar de reunión Casa Árabe, en cuyo recién estrenado auditorio se llevará a cabo la presentación de la edición en árabe de la Guía Oficial de Madinat al-Zahra y del libro Madinat al-Zahra: capital del califato omeya de al-Andalus, a cargo de Gema Martín Muñoz, directora general de Casa Árabe y de Miguel Castellano Gámez, director general de Museos y Promoción del Arte de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Posteriormente, Antonio Vallejo Triano, director del Conjunto Arqueológico de Madinat al-Zahra, dictará la conferencia titulada Historia de la recuperación de Madinat al-Zahra. La jornada se cerrará con una mesa redonda en la que intervendrán Manuel Acién Almansa, profesor de Historia Medieval de la Universidad de Málaga y miembro de la Comisión Técnica de Madinat al-Zahra, Eulalio Fernández Sánchez, decano de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Córdoba, Ángel Rebollo Puig, de la Gerencia de Urbanismo del Ayuntamiento de Córdoba y Pau Soler Serra Tosa, arquitecto y redactor de Proyectos de Restauración en Madinat al-Zahra, moderados por Eduardo Manzano Moreno, director del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC y miembro de la comisión Técnica de Madinat al-Zahra. 

El cierre de las jornadas será en el Museo de Madinat al-Zahra, donde a partir de las 10:00 horas se sucederán las conferencias La arqueología española en los inicios de la recuperación de Madinat al-Zahra, por Vicente Salvatierra Cuenca, catedrático de Historia Medieval de la Universidad de Jaén; Madinat al-Zahra: modalidades y espacios de escritura en una ciudad de fundación califal, por Mª Antonia Martínez Núñez, profesora de Estudios Árabes de la Universidad de Málaga y Madinat al-Zahra. Una ceca legendaria, por Alberto Canto García, profesor de Arqueología Medieval de la Universidad Autónoma de Madrid, tras de lo que se llevará a cabo un coloquio previo a la clausura oficial de las jornadas.


Jornadas El centenario de Madinat al-Zahra. Una joven ciudad milenaria 
Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra y Casa Árabe (c/ Samuel de los Santos Gener, 9, 14003 Córdoba) 
Días 24, 25 y 26 de noviembre 
Entrada libre hasta completar aforo

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20/11/2011

Juan Luque: Where I end and you begin


Juan Luque, Adventure, O/L, 2011 (de la serie Circos)
 
José Álvarez / Ars Operandi

De los alicientes del arte, uno de los más interesantes de abordar por el espectador es su carácter de búsqueda continua, de superación de las fronteras que (vanamente) pretenden estar establecidas. El artista se vale de sus recursos técnicos para desplegar ante sí y ante todos un lenguaje propio en continua evolución. Lo sugestivo en esta exploración es justamente su carácter de descubrimiento, de la apertura que supone la revelación. Where I end and you begin, el título bajo el que Juan Luque ha agrupado su última producción pictórica, participa de este continuum vital como materialización de su proceso de análisis de la realidad, una realidad que no tiene por qué ser una realidad física, pero que sí lo es circundante, aunque rodee al pintor en un plano que va más allá de lo visible e inmediato, y que encuentra sus fuentes en la memoria íntima. La memoria, esa mezcla de vivencias que a muchos son comunes, se configura a través de una iconografía propia dotada del poder de la evocación. Un poder que nos hace ver un paisaje de Richard Estes en el reflejo de un escaparate, mientras atravesamos una avenida, o hace surgir un turner en una mañana brumosa. Los paisajes de Juan Luque participan en gran parte de este poder desde el momento en que los asimilamos como algo reconocible o incluso propio. Ejemplo de ello es la serie Moteles, en la que el espectador no sólo identifica la forma a primera vista –los moteles de carretera estadounidenses–, sino que es capaz de revestirlo de un significado añadido, tomado de su bagaje personal, existencial. El paisaje representado se convierte así en algo vivo, en el que puede sonar música de fondo: be-bop, si nuestro referente es On the Road, de Kerouac; Born To Be Wild, si la imagen que asociamos parte de Easy Rider… La fuente es inagotable. Del mismo modo, su capacidad narrativa deja abierto un guión en el que podemos escribir nuestra propia road movie. Where I end and you begin pretende justamente este juego entre la obra de arte y el espectador: donde yo acabo y tú empiezas.

Juan Luque, Steak & Snake, O/L, 2011
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Los paisajes de Juan Luque tienen otras peculiaridades. A diferencia de otros artistas, que hacen síntesis de lo figurativo para expresarse en un lenguaje no referencial, Juan Luque ya hacía sentir la presencia del paisaje en etapas anteriores, en las que el resuelto informalismo dejaba atisbar un interés que se hace plenamente visible en la muestra La disciplina del horizonte (2002), en la que –curiosamente– la serie predominante era titulada Paisajes sin memoria. Es en 2004 cuando Océanos de tiempo revela uno de los elementos iconográficos característicos de Juan Luque: sus faros. No son precisamente estos vigías de las costas parte del paisaje que el pintor divisa desde su estudio, ni los horizontes bajos y extensos donde el mar se pierde, sino la campiña montillana en su más pura esencia de tierra y viña. Sin embargo, nada se asocia en su obra a su entorno inmediato, si no fuera –como hemos visto– y, una vez más, por la reminiscencia de lo vivido. El pintor altera de forma sustancial la realidad porque no se conforma –porque no es su deseo– con la mera verosimilitud. Los colores terrosos, los ocres polvorientos, la poética vallecana, tan cercana y vigorosa –diríamos que, natural– dejan paso por el contrario a una paleta absolutamente personal donde los colores se revisten con una capacidad de reivindicación del deseo pictórico del artista. Su presencia pareciera discreta. La técnica de Juan Luque –pintar, frotar, arrastrar, borrar, repintar– es engañosamente diferente a la que utiliza el pintor colorista que gusta del resultado vibrante. Basta contemplar obras como Adventure para deleitarse con las más puras luces crepusculares, que inundan el lienzo mientras bañan la superficie de la carpa. Faros y circos aparecen en la intemperie desnuda como surgidos de la nada. Son vastos espacios que el espectador atraviesa formando parte de la narración que en ellos hay implícita, y que sirve al artista para convertir lo inmenso en íntimo. Enhiestos y vigilantes, o nómadas y solitarios, faros y circos –o una casa solitaria de luz titilante– son la coartada elegida por el pintor para resolver su interés por el espacio y la perspectiva y por aprehender la atmósfera presente en cada situación. Su forma de trabajo, los barridos, los borrados, el uso de las lijas, espátulas y cuchillas, añaden a la atmósfera un ruido particular, una superficie que registra todos y cada uno de los pasos que Juan Luque decide en el proceso. Es una no huella que precisamente en su contradicción sirve como el surco que registra los sonidos de la memoria vivida.



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19/11/2011

George Condo, Pintura Burlesque


George Condo. Portrait of a Woman, 2002,
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 A. L. Pérez Villén/ Ars Operandi

Compartiendo las salas con Pipilotti Rist en la Hayward Gallery, la retrospectiva de George Condo nos permite una excelente aproximación a la obra del norteamericano, que hasta hace unos días doblaba su presencia en Londres con una exposición de dibujos en la Galería Spruth Magers. Mental States, que así se llama la antológica, se compone de unas 60 obras que van de mediados de los 80 –cuando el artista sitúa su residencia en Nueva York– a la actualidad. La muestra partió del New Museum de Nueva York, después pasó por el Museo Boijmans van Beuningen de Rotterdam y después de su estancia en la capital británica viajará al Schirn Kunsthalle de Frankfurt. Una retrospectiva que relee la tradición de la pintura -a la cita acuden maestros como Velázquez, Picasso, El Greco, Rembrandt, Saura...– y que combina ingredientes muy diversos: un singular expresionismo derivado de la estética del comic, la banalidad del pop, la estridencia de la psicodelia, el mestizaje de la posmodernidad y la decadencia de lo grotesco. 

George Condo. Jesus, 2002
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George Condo se dio a conocer en los años 80 como uno de los pintores más activos en la escena norteamericana de la posmodernidad. Desde entonces su obra, que hacía gala de un febril escoramiento por el dibujo, era huésped de la estela picasiana y se trufaba de similares intereses por la inmediatez de la resolución y los préstamos de la baja cultura, que compartía con autores como Keith Haring y Jean Michel Basquiat amén de Warhol. También casi desde entonces ha sabido dotar a su pintura de una doble cualidad que la hace especialmente atractiva. Su parasitismo hacia la tradición que no reprime la tentativa de matar al padre en cualquier momento y la veneración más exquisita por todo aquello que sea capaz de hilvanar lujo, distinción y gore (y punk y provocación y abyección). Una estética que quizás resuma una filosofía de vida, caracterizada por el glamour y las sustancias estupefacientes, la sofisticación y los amores perros. En cualquier caso nada a mitad de camino, siempre hasta el fondo, ya sea en las nubes o bajo el barro. 

Aspecto de la exposición de Condo en la Galería Spruth Magers de Londres. Fotografia: ars operandi
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La clausurada muestra en la Galería Spruth Magers reunía una serie de dibujos recientes de gran formato con las célebres aglomeraciones del artista. Acumulación de trazos, figuras y huellas de aproximación que desvelan su renovado interés por la representación. Un mosaico de fragmentos, de rostros y cuerpos desmembrados que nos vuelve a acompañar en las salas de la Hayward Gallery como si de un abigarrado graffiti se tratara. Un sedimento gestual resuelto con una solicitud expresa del trazo para sugerir formas y tensar rostros y figuras. Este es el territorio primordial de la pintura de Condo durante los años 80 y los 90. A partir de entonces el gesto se hace más taciturno, el colorido, más áspero, incluso llega a herrumbrarse y la pasta pictórica como contrapartida se diluye. Las cabezas declinan poco a poco la aceptación de lo grotesco como seña de identidad. Estamos en el cambio de siglo y la pintura de Condo permanece viva y anhelante por marcar rumbos nuevos. 

Aspecto de la exposición de George Condo en la Hayward Gallery
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Sin embargo no emprende aventuras que no tengan que ver con revisitar los orígenes; es decir, volver a inquirir a los maestros acerca de la pertinencia de la pintura. Y a esta cita acude, de nuevo, como no, Picasso, pero también los fantasmas de Antonio Saura y Rafael Alberti, así como la presencia ominosa de El Greco. No obstante, es Picasso el más revisitado. Otro núcleo importante de la retrospectiva lo componen los retratos imaginarios. Para ello el artista ha montado una suerte de retablo barroco compuesto de una veintena de telas –en su mayoría retratos, como no podía ser de otra manera- con las que se podría realizar una magnífica y completa recensión sobre su obra. Bajo la licencia de la relectura de la historia del arte conviven los rostros deformes –recurso común en el expresionismo y derivados, así como en sus precedentes (Goya)– la minuciosidad preciosista del ornato, la extravagancia figurativa y el colorido festivo. 

George Condo. The Insane Queen, 2006. 
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Es evidente que la pintura de George Condo en la última década es inconfundible. Sus rostros habitados por lo grotesco y deformes hasta la comicidad, representados con toda la naturalidad que otorga la pintura le han servido para rescatarla de la condición servil a la que se había entregado cuando hace unos años decoraba la experiencia de la posmodernidad. No es que estemos abogando por la defensa de la obra de Condo como una propuesta política, que también, pero lo cierto es que en la actualidad su pintura ha acentuado su habitual repertorio expresivo. Y lo hace cargando las tintas en la decrepitud de una existencia robotizada y condenada a elegir entre la animalidad de los personajes que la habitan y la distante elegancia de la perversión a la que gustosamente se someten. 

George Condo. Mental States 
Hayward Gallery. Southbank Centre, London 
Hasta del 8 de enero de 2012 

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18/11/2011

Exterior noche. M.A. Tornero en la sala Iniciarte

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Vista de la instalación de M.A. Tornero en la sala Iniciarte de Córdoba. Fotografía: ars operandi

Redacción / Ars Operandi

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La sala Iniciarte de nuestra ciudad se ha convertido en el único espacio institucional que alberga actualmente alguna exposición de arte contemporáneo. La interrupción de la temporada de la Sala Puertanueva, la desaparición física de las salas Arpillera y Galería Alta en el Palacio de la Merced, el cese en la programación de la sala Galatea, han situado al espacio de la calle Capitulares como el único con programación estable de arte actual. Y todo ello cuando el programa Iniciarte, de promoción de la creación contemporánea en Andalucía, no atraviesa su mejor momento. Tal como informábamos recientemente, el desarrollo del programa ha visto reducido sustancialmente su actividad hasta el punto de suspender la convocatoria de ayudas para el año en curso. La Consejería de Cultura quiere redefinir el programa en su totalidad y para ello ha recabado la opinión de los colectivos de arte que desarrollan su labor en Andalucía.

Así las cosas, entrar en la sala Iniciarte es acceder a un oasis dentro del páramo artístico en que la consabida crisis ha convertido no sólo a nuestra ciudad. Un oasis en el que aún florecen propuestas como la que nos viene de la mano del artista Miguel Ángel Tornero (Baeza, 1978). Tornero ha compilado una serie de collages sobre cartón  que comparten  interés por una construcción fotográfica del paisaje, un paisaje emocional que habita siempre en la periferia y que surge en la noche oscura a golpe directo de flash. Camino a Cortijo Maravillas es para su autor "una continuidad evolutiva de las fotografías y collages digitales que he venido mostrando desde mis inicios, donde aparecía una peculiar fascinación por los descampados, las carreteras secundarias, las laderas, los arcenes, la botánica salvaje y periférica… donde recreaba inquietantes situaciones pobladas de personajes a la deriva que parecían no entender cómo habían llegado allí. Otras veces, simplemente documentaba –en un intencionado fracaso de objetividad– la peculiar belleza que encontraba en cardos borriqueros, pitas y otras especies botánicas supervivientes, de las que crecen a la contra, en condiciones adversas y sin recibir ningún tipo de atención".

Collage fotográfico sobre cartón de M. A. Tornero en la sala Iniciarte de Córdoba. Fotografía: ars operandi
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Con Camino a Cortijo Maravillas, Tornero muestra su voluntad de utilizar la fotografía "cada vez menos como simple vehículo contenedor de imágenes y cada vez más como una herramienta expresiva protagonista; de estirar las posibilidades y jugar con los soportes, de no limitar el disfrute de la obra al sentido de la vista, de explicitar el proceso, de transgredir la manera habitual de trabajar con la foto –aludiendo a veces a un espíritu amateur– convirtiendo en virtud la fragilidad del medio". Para llevar a cabo este proceso de deconstrucción y posterior construcción de la imagen Tornero habla de la necesidad de "merodear, ir a lo desconocido –o a los márgenes de lo familiar– con la intención de disfrutar, de recrearse en la contemplación, agudizando los sentidos, permaneciendo atentos a lo que sucede, cruzando incluso los dedos pidiendo no llegar al que se supone el destino deseado".

Formado artisticamente en Granada, Miguel Ángel Tornero actualmente vive y trabaja en Madrid después de disfrutar una beca de residencia en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín. Fruto de esta residencia Tornero presentó The Random Series –berliner trato– (2010)  en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín.  Además ha presentado sus trabajos de manera individual en la galería Cubo Azul de León, en la galería Luis Adelantado, Catástrofes para Bien (2009), Por Ahora (todo va bien) (2007) y Pretérito Imperfecto Compuesto (2004)  y  en el Palacio de los Condes de Gavia, Conspiración (2004). De manera colectiva Tornero posee un extenso currículum jalonado de ferias internacionales –MACO, ARCO, FIAC, Paris Photo, Art Basel Miami– de la mano de la galería Luis Adelantado de Valencia. También ha participado en numerosas exposiciones comisariadas como From Here On (comisariada por Clément Chéroux, Joan Fontcuberta, Erik Kessels, Martin Parr y Joachim Schmid) en Les Rencontres d’Arles Photographie (2011), 25 Años Muestra de Arte Injuve (comisariada por María y Lorena de Corral) Círculo de Bellas Artes de Madrid (2010), Un No por Respuesta (comisariada por Tania Pardo) en MUSAC de León o AQUÍ –cuatro fotógrafos desde Madrid– en la Sala del Canal de Isabel II de Madrid (2009). La exposición en la sala Iniciarte de Córdoba coincide con la concesión a Miguel Ángel Tornero del  Premio de Arte Grünenthal de fotografía dotado con 10.000 euros.

Miguel Ángel Tornero.  
Camino a Cortijo Maravillas 
Espacio Iniciarte Córdoba. C/ Capitulares, 2
16 de noviembre al 23 de diciembre 2011
Lunes a viernes de 12 a 14 y de 18 a 21h. Sábados de 12 a 14h.

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16/11/2011

Juan Luque presenta su nueva individual en Carmen del Campo

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Juan Luque, El faro de la cantera, O/L, 2011 (de la serie Solos)

Redacción / Ars Operandi

El próximo viernes, 18 de noviembre, la Galería Carmen del Campo presenta la nueva producción de Juan Luque, titulada When I end and you begin, una colección que abarca una veintena de obras realizadas en óleo sobre lino, y en la que el pintor montillano prosigue su experimentación con las luces y las formas a través de motivos referenciales concretos. El título hace alusión al proceso continuo que va asociado a la obra de arte: cuando el artista acaba su obra, se abre un momento en el que el espectador completa la fruición artística mediante la interpretación y el deleite de la obra. 

De las varias series que se presentarán, las tituladas como El hogar y el refugio, Horizonte para un faro, Solos o Nieve, tienen como protagonistas a los faros y otras construcciones anejas, que se yerguen en paisajes inhóspitos dotando a la composición de un sólido referente visual. De ellos ha dicho: "El encuentro con los faros fue algo casual, nada intencionado, pero yo creo que estaba predestinado a sensibilizarme con este tipo de cosas. Luego empecé a meterme en Internet y descubrí que había mucha gente aficionada a los faros, que coleccionan piezas, imágenes..., y me aficioné yo también. Además el faro encierra desde símbolos históricos, como el faro de Alejandría, hasta esa sensación de hogar o refugio". 

Por su parte, la serie A new end explora el tema circense, muy cercano compositivamente a sus faros, y en la que las carpas son asimismo elementos aislados en paisajes desolados, mientras que la serie Motel se compone de una serie de obras que se insertan, por su iconografía, en la gran tradición paisajista estadounidense de la que formaron parte pintores como Charles Sheeler, Edward Hopper o Richard Estes, cada uno con sus particularidades técnicas. En el caso de Juan Luque, su procedimiento técnico se inicia con la creación de sus propios soportes, lino pegado a tabla, sobre el que pinta tras una somera preparación que gusta de dejar zonas con la trama visible. Sus composiciones parten de imágenes encontradas a través de fuentes diversas, reestructuradas y sintetizadas, imágenes que son el inicio del desarrollo pictórico posterior. Los acabados al óleo son manipulados de diversas formas, las cuales proporcionan el acabado final característico de Juan Luque, un pulido a base de sucesivos frotamientos que dota a la obra de un rastro continuo como valor añadido, irreproducible fotográficamente. 

Juan Luque, Estudio nº 3, O/L, 2011 (de la serie Motel)

Juan Luque (Montilla, 1964), es Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla. Desde 1989 ha realizado numerosas exposiciones colectivas y una veintena de individuales en países diversos. Su carrera, que ha ido evolucionando del informalismo hacia un realismo onírico, ha sido distinguida con numerosos premios y menciones, de entre los que destacamos el Premio Garnelo (1999), Premio Maestro Mateo (2000), Premio Rafael Zabaleta (2001) o dos Medallas de Honor consecutivas en el prestigioso Premio BMW de Pintura (2006 y 2007).  Igualmente su obra se encuentra en numerosas colecciones, tanto públicas como privadas.

Juan Luque 
When I end and you begin 
Inauguración viernes 18 de noviembre, 20:00 h 
Galería Carmen del Campo 
C/ Conde de Robledo, 5 14008 Córdoba 
Hasta el 7 de enero de 2012

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Fernando Baena, cuerpo y memoria en "La Batalla de Madrid"



Redacción / Ars Operandi

El artista Fernando Baena (Fernán Núñez, 1962) presenta esta tarde en Matadero, dentro del programa de AcciónMad11, su último trabajo en video, La Batalla de Madrid. Estrenado el pasado 4 de noviembre en la sede de la Confederación Nacional del Trabajo dentro de las jornadas "Nuestra Memoria, Nuestra Lucha", La Batalla de Madrid es para su autor "una obra de historia, cuerpo y paisaje grabada en lugares donde sucedieron hechos importantes relacionados con la batalla, símbolo de la resistencia del pueblo ante el fascismo". Para Baena la cinta "no es un documental sino un trabajo de performance y videodanza. O sí". El resultado es una obra que orilla los límites de géneros como el documental histórico, el video de creación y la videodanza y en la que la narración fluye a través de la interacción entre cuerpo y paisaje puesta en escena de la mano de la performer Marianela León. Para sus autores se trataba de "revisitar" los lugares donde acaecieron los hechos históricos de la defensa de Madrid "desde la intuición, la inmediatez y la actualidad. Bailamos en la calle y registramos el acontecimiento de manera que cada sesión de grabación se convierta en una performance nueva. El sentido de la narración final surge en el montaje".

Pero en La Batalla de Madrid no sólo el montaje resulta determinante para concretar el sentido de la obra. El conflicto latente entre tiempo histórico y tiempo presente significado por la presencia de escenarios cargados de memoria como la Ciudad Universitaria, la Casa de Campo o el Puente de los Franceses; la fértil dialéctica mantenida por cuerpo y escenario o el contrapunto sonoro que proporcionan piezas como la ejecutada por el Coro del Ejercito Rojo son los sustentos de una obra que, en la línea de trabajos recientes de Baena, tienen al cuerpo y la memoria como principales referentes.

La Batalla de Madrid es la cuarta colaboración entre el videoasta Fernando Baena y la danzarina experimental Marianela León que en su haber tienen trabajos como El sueño de Courbet, Duende, Muerte y Geometría y Malas posturas. Fernando Baena también ha presentado recientemente en el C.S.A La Tabacalera la performance Barricada de la que ofrecemos a nuestros lectotres su registro en video.

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14/11/2011

Aptitudes 2011 enfila su segunda semana

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 Redacción / Ars Operandi


Aptitudes 2011, el Encuentro de Cultura Contemporánea “Alfonso Ariza” de La Rambla enfila su segunda semana de desarrollo, en la que se proseguirá el trabajo en torno a tres áreas de trabajo: arte y terapia, educación creativa y cultura digital. En esta ocasión, Aptitudes ha preparado un programa de talleres y propuestas creativas cuyo eje principal se centra "en las terapias del arte entendidas como proceso que utiliza la persona para comunicar su interioridad trascendiendo lo puramente estético, siendo en esta posibilidad de crear donde reside la gran fuerza terapéutica del arte. Sabido es que el arte estimula las capacidades propias del individuo, que desarrolla su creatividad y expresión individual como medio de lograr satisfacción y mejorar personalmente. También que la cultura digital permite proyectar conflictos internos y ofrece la posibilidad de poder visibilizarlos y resolverlos. Y que toda persona es capaz de ser creativa, siendo el arte una necesidad, un impulso innato en el individuo", según refleja el programa de los Encuentros, que organizan el Ayuntamiento de La Rambla (Concejalía de Cultura) y la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí.

En la pasada semana tuvo lugar el taller titulado Arte, Terapia y Alzheimer, a cargo del artista Esteban Ruiz Moral, con la participación de la Asociación de Familiares de Alzheimer de La Rambla. El taller tuvo como propósito "el desarrollo de la creatividad en enfermos de Alzheimer de AFA La Rambla, de modo que se profundice en la capacidad de inventar soluciones para situaciones problemáticas a partir del descubrimiento y la búsqueda de respuestas a partir de un proceso creativo completo". Asimismo se llevo a cabo el taller titulado Activación sonora rural, mapas y paisajes sonoros, a cargo de Chinowski Garachana (El Sueño de Tesla, Málaga), quien implicó a la Escuela de Música de La Rambla en su desarrollo, implicación que es el núcleo participativo de los Encuentros. El taller tuvo como objetivo "dotar al municipio de registros sonoros que recojan las actividades sociales, económicas, culturales, lingüísticas y naturales, hasta componer una identidad sonora rambleña a través de una cartografía o mapa para ofrecer un panorama más amplio del patrimonio cultural inmaterial de La Rambla". 

En esta semana se finalizará el taller Cocina creativa, a cargo de Celia Jiménez Caballero, la primera mujer andaluza en conseguir una estrella Michelin en 2005 como jefa de cocina del restaurante marbellí El Lago. En la actualidad forma parte del grupo de empresas Bodegas Campos como responsable del departamento I+D, donde desempeña el cargo de Directora Técnica de Cocina de la Escuela de Hostelería y de la Cátedra de Gastronomía de Andalucía. Con este taller de cocina creativa se pretende "enseñar más que novedosas técnicas una filosofía de experimentación y revalorización de nuestros ingredientes locales de siempre para asignarles nuevos usos y una vocación internacional". 

A partir del día 23 será el turno del taller Educación creativa y creación audiovisual, a cargo de Pablo Domínguez, miembro de Zemos98, un colectivo ubicado en Sevilla que desde hace años viene trabajando bajo los conceptos de "cultura libre, procomún y remezcla, en pos de la educación expandida, la mediación tecnológica y la experimentación de contenidos y formatos para una sociedad en red". El taller servirá para, en síntesis, "cómo contar una historia utilizando medios audiovisuales como apuesta por el pensamiento crítico ante una sociedad fascinada por la velocidad de las cosas y una sobrecarga informativa que desorienta a la ciudadanía, donde el papel que juegan los medios de comunicación se pueda entender como “escuela paralela”. Los participantes serán un grupo de alumnos y alumnas del IES Profesor Tierno Galván de La Rambla. 

El cierre de los Encuentros será el día 26 de noviembre, en el que Las Naves de Cerámica acogerán la obra titulada Ejercicios de amor: teatro sin límites, una pieza teatral "resultado de un trabajo de creación colectiva, caracterizado por una clara voluntad de búsqueda y reflexión a propósito de nuevas formas de comunicación y expresión teatrales contemporáneas", a cargo de la Compañía El Pont Flotant (Valencia).

DESCARGAR EL  
Aptitudes 2011 
Encuentro de Cultura Contemporánea “Alfonso Ariza” 
Artistas: Esteban Ruiz Moral, El Sueño de Tesla, Celia Jiménez Caballero, Pablo Domínguez, miembro de Zemos98, y El Pont Flotant 
Comisario: Juan López López 
Del 7 al 26 de noviembre 
La Rambla (Córdoba)

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Comienza el ciclo "Encuentros con el Arte. Córdoba siglos XVII y XVIII"

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Redacción / Ars Operandi


Organizado por la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, y con la colaboración de Vimcorsa, el próximo miércoles 16 de noviembre se inicia una nueva edición del ciclo de conferencias que el Aula de Historia, Arte y Cultura viene programando anualmente. En esta ocasión, el ciclo, que tendrá lugar en la sala de conferencias de Vimcorsa los días señalados, a las 20:00 horas, lleva como título Encuentros con el Arte. Córdoba siglos XVII y XVIII. 

El miércoles 16 será la conferencia inaugural, a cargo de Fuensanta García de la Torre, directora del Museo de Bellas Artes de Córdoba, quien tratará el tema Las artes plásticas en la Córdoba del siglo XVII. La siguiente intervención, el miércoles 23 de noviembre, será llevada a cabo por María Yllescas, historiadora del arte, técnica de la Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía, con el título La arquitectura cordobesa durante el siglo XVII. Cerrará el ciclo José Mª Palencia Cerezo, historiador del arte y conservador del Museo de Bellas Artes de Córdoba, quien dictará la conferencia titulada Entre el Barroco y la Ilustración: El arte cordobés en el siglo XVIII



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El cine escolar en la Córdoba de los años 50

por Manuel Toribio
Historiador
Director del IES Sta Catalina de Siena

 

En la cordobesa barriada de Cañero comenzó a funcionar en Enero de 1956 el Colegio de niñas Santa Catalina de Siena por iniciativa del Obispo Fray Albino y dentro del Patronato San Alberto Magno. El 5 de septiembre de 1956 el Obispo se dirige a los colegios que formaban el Patronato para poner en marcha esta experiencia pedagógica, que estaría abierta también a las familias de las niñas. En esos cinco años de vigencia que tuvo el cine en el colegio se proyectaron fundamentalmente películas de contenido religioso, folclóricas, de historia, o bien específicamente infantiles de dibujos animados. Ahora cincuenta años después hemos encontrado la documentación que generaron las proyecciones cinematográficas :contratos y facturas de alquiler de las películas con las diferentes distribuidoras, de compra de la máquina de proyección, pagos al operador, reparaciones y correspondencia en torno al cine, con los mismos hemos tenido durante este curso una exposición en el actual instituto heredero de aquel colegio al objeto de mostrar esta curiosidad pero también reflexionar sobre el valor pedagógico de la cinematografía, mostrando la riqueza iconográfica de algunos de los documentos generados por las empresas del séptimo arte. Presentamos a continuación una muestra de los más significativos que se comentan por sí solos.

Una de las principales novedades del proyecto pedagógico de Fray Albino será la utilización del cine como complemento a la tarea educativa, aceptando la realidad de que la cinematografía se había convertido en esos años en un auténtico fenómeno de masas. El 5 de septiembre de 1956 se dirige la siguiente carta firmada por el Obispo a todos los centros del Patronato: ”fue siempre una de nuestras preocupaciones... la creación en las escuelas del Cine Escolar. Con este fin deseábamos ardientemente verlo implantado en nuestro Patronato y hemos luchado hasta conseguirlo. Su triunfo dependerá en gran parte de la simpatía con que los Directores de Grupo y los Maestros le acojan y del apoyo, que fiados de sus frutos, le presten. Con tal motivo, el Consejo de mi Presidencia ha dispuesto, que todos los Sres. Directores y Maestros de él dependientes den cumplimiento a los siguientes extremos:

1º-Todos los niños asistentes a nuestras Escuelas abonarán, durante el curso 1956-1957, la cantidad de UNA PESETA MENSUAL en concepto de ayuda al cine escolar (...)
4º-Los Grupos Escolares dispondrán de un Salón apto para las proyecciones, si bien puede ser utilizado con otros fines durante los días de no proyección. Así mismo deben procurar por los medios a su alcance el oscurecimiento total del citado salón durante las horas de proyección, la adquisición de una pantalla blanca de 5 por 4 metros, si el local no tuviera una pared lisa con estas condiciones, y disponer un enchufe de energía eléctrica de alumbrado en la pared opuesta a aquella en que haya de proyectarse.
5º-Los Grupos Escolares de varones escogerán tres parejas de niños mayores para que, siguiendo las instrucciones de la Sección de Cine Escolar, transporten el aparato de uno a otro Grupo en el vehículo que a tal efecto se pondrá a disposición.
6º-En cada Escuela se harán dos proyecciones mensuales, cuyos programas señalará la Sección de Cine Escolar. Estas proyecciones tendrán lugar siempre dentro del horario de clases y serán consideradas como parte integrante del programa escolar.
7º-Si algún Grupo deseara hacer proyecciones especiales, deberá dirigirse a la Sección de Cine Escolar, a quien facultamos para señalar cuantía, programas, frecuencia, etc.”

El 15 de septiembre de 1956 el Presidente de la Junta de la Asociación Católica de Padres de Familia del colegio le comunica al Secretario del Patronato San Alberto Magno, don Francisco Gracia, la intención de proyectar dos veces al mes cine para las niñas del centro, que tendrían que abonar la cuota mensual fijada. La Asociación ha contratado su propio aparato de cine, tal y como se le notificó al Ministro de Educación Nacional, don Jesús Rubio en la visita que realizó al centro acompañando al Obispo. En efecto, la Asociación había suscrito un contrato con don Esteban Suárez Pérez, de Peñarroya-Pueblonuevo, operador oficial en la provincia de Cinematografía Marín de Barcelona para adquirir una Máquina de proyección de cine por 3.700 pts. de anticipo y 24 giros aceptados por valor de 1.000 pts. cada uno a partir del 30/11/1956 y hasta el 30/10/1958. En l959, la Asociación intentaría desprenderse de dicho aparato, quizás porque remitiera la frecuencia de su uso, para lo que durante tres días en el diario local apareció el siguiente anuncio: ”SE VENDE MÁQUINA DE CINE MARÍN” y desde 1960 no hemos encontrado más noticias de proyecciones.


En cuanto a las películas proyectadas, la mayoría tendría un contenido religioso (sobre todo, films basados en la historia sagrada), documentales, dibujos animados, folclóricas y comedias junto con alguna de ciencia ficción. Las principales casas suministradoras fueron Hispano Fox Film, Brepi Films, Pax Films y la filial española de Metro Goldwyn Mayer. Entre los títulos, destacamos los siguientes:

El Pórtico de la Gloria (prestada por el Colegio Santa Victoria), 18/11/1956
Ultimátum a la Tierra y Hablan campanas, 30/12/1959
Todo es posible en Granada y Sueños de Aventuras, 27/11/1959
Las llaves del Reino, 05/12/1959
El sueño de Andalucía,10/12/1959
Torero y Sangre andaluza,14/11/1959
Canela en rama y Deportes y figuras, 30/10/1959
El milagro del Cristo de la Vera y Falsificadores de oro, 15/10/1959
Bandido generoso, 01/10/1959
Brindis a Manolete y Meta de Peregrinos, 17/10/1959
Agustina de Aragón y Gran cosecha, 24/09/1959
Ocho asuntos cortos, 18/03/1959
La calle del delfín verde, 20/04/1959
Cinco dibujos Tom y Jerry, 20/04/1959
Indianápolis y Siesta gatuna, 01/03/1959
Mujercitas y Para que otros vuelen, 21/02/1959
La ciudad de oro y Lo que no se borra, 27/02/1959

Algunas de estas proyecciones tendrían lugar fuera del horario escolar, los sábados por la tarde, asistiendo también familiares de las alumnas. La Asociación de Padres tuvo que dirigirse por escrito al alcalde Cruz Conde para solicitar la presencia de dos guardias municipales que pusieran orden a la entrada los días de cine, pues en el barrio se concitaba revuelo y expectación así como algún que otro alboroto. Imaginamos que por este motivo e igualmente para no competir con el Cine Osio de la cercana Plaza de Cañero, las proyecciones dejaría de realizarse, aunque si tenemos noticias de que, al menos durante un verano –después pasarían a proyectarse al patio del Colegio San Vicente Ferrer-, continuaban al aire libre en los meses del estío en el patio del colegio (...)

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11/11/2011

Pipilotti Rist: visiones animadas de ayer y de hoy


A. L. Pérez Villén/ Ars Operandi

Pipilotti Rist nace en 1962 en uno de los múltiples valles del Rhin a su paso por Suiza y debe su nombre artístico al célebre personaje literario de Astrid Lindgren, Pipi Calzaslargas, de quien se siente en alguna manera deudora por su desenfado y alegría vital. Habitual de cualesquiera de las citas internacionales del arte a partir de los años 90 que se precien de tal cosa, su obra, siempre energética y revitalizante, colorista y agradable –por más que con ello no pierda un gramo de crítica y denuncia– se mueve en el ámbito de los media tecnológicos y alterna la videoinstalación con la instalación a secas. Formada como ilustradora, fotógrafa y diseñadora, primero en Viena y más tarde volcada en el video –en Basilea– trabaja como operadora gráfica en distintos medios y estudios hasta que decide dedicarse en exclusiva a la creación artística. Una decisión que contempla no sólo el video y las instalaciones sino también el cine y la música. Hace unos años fue docente en una universidad americana pero en la actualidad vive y trabaja en distintas localidades suizas. En España han sido exhibidas obras suyas en la Fundación Tàpies de Barcelona, el MUSAC de León y el Reina Sofía de Madrid.

Pipilotti Rist en la Hayward Gallery. Foto: Ars Operandi
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En la Hayward Gallery –inserta en un conjunto cultural, el Southbank Centre, que alberga teatros y salas de conciertos en uno de los meandros del Támesis, junto a la Tate Modern– presenta una veintena de piezas bajo el rótulo Eyeball Massage, título que no puede ser más explícito, pues si de algo se trata en la obra de la artista suiza es de masajear la vista. Un masaje implementado por su particular universo y que pretende activar una respuesta cuando la información sea procesada debidamente y en cada caso por el espectador. Porque una cosa sí que es que irrenunciable en este tipo de dispositivos artísticos. Lo es con otros más tradicionales como la pintura, lo sigue siendo con la escultura, que impone la masa presencial de un objeto en nuestra trayectoria, pero es sustancial en todo tipo de instalaciones, en particular en las de vídeo y especialmente en las de Pipilotti Rist. La experiencia adquirida en la visita de una de sus obras –porque algunas casi son habitables no ya por las dimensiones como por la disposición que ofrecen a penetrar en ellas– es algo irrenunciable. No se puede traducir la experiencia, dada la cantidad y complejidad de elementos que intervienen en ella. No obstante nos prestamos a relatar la nuestra, por si sirve de algo.

Administrating Eternity, inatalación de audio y video de Pipilotti Rist. Foto: Ars Operandi
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Al comienzo de su carrera realizó una larga serie de vídeos monocanal que pasado el tiempo, cuando a finales de los 90 su obra era solicitada por centros de arte, museos y galerías privadas de todo el mundo, pasaron a formar parte de ese inmenso caudal de imágenes en movimiento (pinturas animadas) que constituye el banco icónico de sus instalaciones. Este es el motivo de que se hable de su obra como de un artefacto que se retroalimenta, pues es evidente que algunas de las imágenes y secuencias que vimos en sus cintas monocanal volvamos a reconocerlas en las instalaciones actuales. Otra seña de identidad es su lenguaje, muy próximo al de los medios de comunicación de masas –la televisión y la publicidad (videoclips)– de los que se sirve para evidenciar lo que ocultan: una determinada concepción de la realidad que distorsiona y pretende sustituir la experiencia directa de la vida por sucedáneos, falsas expectativas, prejuicios, promesas e ideas preconcebidas. Sin llegar a ser del todo autobiográfico, el trabajo de Pipilotti Rist debe mucho a sus propias experiencias vitales como a su memoria, pero no se trata de vertebrar un universo particular mediante una especie de cuaderno de viaje, como si de un diario se tratase.

Massachusetts Chandelier, instalación con ropa usada de Pippilotti Rist. Foto: Ars Operandi
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Aun a sabiendas de que es ella misma la que aparece en sus vídeos –lo que otorga una plusvalía autobiográfica indudable– no hay intención de transmitir sentimientos ni de describir maneras de enfrentarse a situaciones, pues las obras aunque sean reflejos (background) de las vivencias e intereses de su autora no reflejan en ningún momento el perfil de una descripción determinada ni mucho menos la narración de un suceso. Y no lo es porque la obra de Rist es todo menos descriptiva y aunque se considera muy narrativa no lo es en el sentido que comúnmente tiene el término. Quien haya leído al japonés Murakami entenderá a qué me refiero. Los temas de sus obras no se viven (leen, experimentan, asimilan) como sucesos aislados y anclados en el pasado sino que –por mucho que estén trufados de elementos fantásticos e imposibles– nos remiten al presente inmediato, esos instantes que discurren entre antes y después de ahora. Y como ocurre con las novelas de Murakami (perdón por volver a utilizar el símil) la acción está muy ligada al deseo y al cuerpo, a las formas que flotan en un espacio y/o que fluyen en un ambiente.

Lobe of The Lung, instalación de audio y video. Foto: Ars Operandi
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Una de las críticas habituales a la obra de Rist es su aparente sencillez, la superficialidad, belleza, simpatía y afabilidad de sus propuestas, lo cual es cierto pero también lo es que destila buenas vibraciones, que no hace leña del desaliento y la desidia y que trabaja por presentar otra realidad desde la que vislumbrar las posibilidades de rescatar la vida de la rutina. Y en dicho empeño pone grandes dosis de imaginación, en muchos casos procedente del mundo de la fantasía y de los sueños pero también de la subversión, distorsión y libre interpretación de los elementos que conforman nuestra existencia. No es de extrañar que gran parte del atrezzo que nos acompaña a diario esté presente en sus instalaciones, pero lo que es seguro es el desplazamiento que se habrá operado en su funcionalidad y comportamiento. Además de estos elementos de la cotidianidad descontextualizados –en muchos casos proyectados sobre las paredes de las salas de exposición o tapizándolas como una segunda piel– también son frecuentes los cambios de escala, la acidez saturada del cromatismo que llega a otorgar otra condición a las figuras que habitan sus narraciones –aquí tendríamos que acudir a la psicodelia y el pop– y... la música, siempre presente en sus obras, pues no podemos olvidar que la artista formó parte de una banda femenina, Les Reines Prochaines, y que aún le otorga un papel importante en su trabajo.

Your Space Capsule, maqueta con proyección de video. Foto: Ars Operandi
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Como anticipio a lo que nos depara la visita, la Hayward Gallery ofrece gratis el visionado de algunas piezas monocanal y la videoinstalación Ever is over all (1997), en su Project Space. Vista en España en la exposición del Reina Sofía y adquirida por el MOMA de Nueva York, se trata de una doble proyección en paredes contiguas sobre las que se despliega el paseo de una mujer por una calle blandiendo el tallo espigado de una flor-fruto exótico, con el que arremete contra los automóviles aparcados en la calzada, como si de un acto desinhibido de expresión afectiva se tratase. Nadie objeta nada a la conducta, al contrario, los paseantes celebran la acción como algo natural y positivo. La inversión de la norma, la ruptura y la trasgresión revestidas de belleza y sensualidad nos previenen de lo que nos aguarda más abajo. Mucho nos tememos que no será sólo un masaje visual lo urdido por Pipilotti Rist sino que gracias a ello logre penetrar hasta el fondo. Lo primero que nos atrapa al entrar en las salas de la Hayward Gallery es la semipenumbra que contrasta con la luz que nos precede en el vestíbulo, después el ambiente sosegado y la música leve y las imágenes que danzan sobre las paredes y se fijan en la escalera de acceso a otro nivel.
 
Ocupando la sala principal de la Hayward,  Suburb Brain. Foto: Ars Operandi
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Es el dominio de Suburb brain (1999-2011), un conjunto de piezas que incluye la proyección solapada sobre un vasto paramento cubierto de enseres domésticos de procedencia diversa (abundan los embalajes y la ropa interior) y una maqueta de una vivienda de la periferia en un amplio espacio de parcelación y en cuyo extremo se simula un horizonte que a su vez cobija narraciones de difícil aprehensión. Es la antesala a un conjunto de una veintena de obras –desde mediados los ochenta a la actualidad– que recuperan piezas emblemáticas como Lóbulo pulmonar (2009), versión artística del filme Pepperminta y que utiliza tres gigantescas pantallas adyacentes ante las que el público puede tumbarse cómodamente y quedar atrapado entre el flujo de imágenes que le envuelve. Pero también hay otras obras más modestas en cuanto a dimensiones y no por ello menos atractivas, como The Litlle Circle (1993), con la infancia como virus necesario; o la inquietante maqueta de una habitación invadida por la luna, en Your Space-Capsule (2006); o los micro-relatos –Yoghurt on Skin-Velvet on TV (2009)- que se desarrollan en el fondo de objetos cotidianos como bolsos, accesorios de cocina, ropa interior o conchas marinas. Y todo ello enhebrado por luces transeúntes, cortinajes y la intuición de que la experiencia será inolvidable.

Pipilotti Rist. Eyeball Masage
Hayward Gallery. Southbank Centre, London
Hasta del 8 de enero de 2012 

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