27/2/2012

16 ASAS en Art Jaen 2012


Aspecto del stand de 16 ASAS en Art Jaén. Fotografía: J.C. Nievas
Redacción / Ars Operandi.

El espacio de arte 16 ASAS participa en estos días en la IV Feria Internacional de Arte Contemporáneo Art Jaén que se celebra hasta el 29 de febrero en el Museo Provincial de la capital jieniense. La feria que retoma su actividad tras dos años de ausencia, cambia de formato y apuesta por uno que  combina a una serie de galerías invitadas que presentan un proyecto de un solo autor. Para su debut en  Art Jaén, el espacio que dirigen Miguel Ángel Moreno y José Carlos Nievas ha seleccionado un proyecto específico del artista rondeño Antonio R. Montesinos. El stand de 16 ASAS incluye también una selección de obras de fondo de galería de los artistas que hasta ahora han pasado por el espacio de La Ribera. Bajo el título Afinidad Visual Operatoria, Antonio R. Montesinos presenta una  colección de imágenes  que forman parte del  proyecto Inopias  que basándose en el montaje y comparación de imágenes heterogéneas "pretende encontrar diferentes patrones urbanos y de organización del espacio, capaces de ofrecer posibilidades alternativas a los modelos actuales". Para ello, Montesinos utiliza unos medios  que buscan "alejarse de la forma en la que se imaginaban las utopías clásicas". Se está trabajando, afirma, "desde una posición íntima que demuestre la capacidad de imaginar unas estructuras diferentes por medio de procesos emergentes - el deseo, lo lúdico y la improvisación. Cuando planteamos una representación de un espacio, un esquema, una cartografía o un diorama normalmente queremos representar una realidad". Esta serie, concluye,   plantea "algo muy diferente, pretende utilizar estas formas de representación para escenificar y reivindicar ficciones posibles. Ficciones que no pretenden construir utopías ideales o modelos donde mirarse, sino micro-ficciones subjetivas: formas personales de ver la realidad". Antonio R. Montesinos (Ronda, 1979) trabaja experimentando, provocando y registrando -por medio de diferentes formas de cartografía- la manera en la que nuestra experiencia cotidiana se desarrolla en diferentes espacios reales, virtuales y de ficción. Su obra ha podido contemplarse en espacios como La Centrale électrique de Bruselas, el Centro Ex-Teresa en México y en nuestro país en La Casa Encenda, el I+CAS  de Sevilla),  Hangar, Centro Andaluz o Santa Mónica. Aparte de su producción individual es miembro fundador del colectivo D_forma y  coordinador del espacio de producción independiente Rampa.

Obra de A. R. Montesisnos en el stand de 16 ASAS
Art Jaen 2012 reúne nueve galerías  invitadas y dos instituciones públicas en una cita que para su director David Martínez Ruiz,  se presenta como "un espacio de intercambio que pretende impulsar el arte emergente e introducir a los jóvenes artistas en un complejo y competitivo contexto profesionalizado". Junto a 16 ASAS acuden a la feria las galerías La Tea de Cáceres, La Zúa de Madrid, Joan Planellas de Girona, Cidi Hiaya de Granada, Unodeuno de Jaén, Espiral de Cantabria, Meca de Almería y la holandesa Part of Arts. Completan la nómina stands comisariados de la Universidad de Jaén y la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de Granada. Pero las propuestas de Art Jaén rebasan en esta edición el propio recinto de la feria. Durante los cinco días que dura la muestra, las calles de la capital son el escenario de Visiones Urbanas, un ciclo de intervenciones y performances que reúne a artistas como Marc Montijano que presenta Tempus Fugit o el proyecto Scarpia que,  en su décimo aniversario, propone una  intervención que hace uso de las nuevas tecnologías para dar a conocer la colección de arte público que se ha ido generando  en El Carpio durante este tiempo. Dek, diez en esperanto, despliega diez vinilos impresos sobre las calles de la ciudad que contienen códigos QR que al ser leídos por dispositivos móviles permiten enlazar con las obras localizadas en diferentes espacios de El Carpio. Dentro del programa de conferencias, ponencias y foros de debate paralelo a Art Jaen, Miguel Ángel Moreno Carretero, director de Scarpia, ha presentado un recorrido por estos diez años de formación y producción de proyectos de intervención artística en el espacio natural y urbano.

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25/2/2012

6 Exposiciones en Madrid 6

por A. L. Pérez Villén

Doug Aitken en Helga de Alvear
Coincidiendo con ARCO las galerías madrileñas hacen un esfuerzo suplementario y programan exposiciones de primera línea. No es que el resto del año desatiendan el negocio pero se nota que cuando llega febrero exhiben lo mejor de cada casa. Es lo que ha ocurrido de nuevo este año. En cartel y sólo haciendo una selección rápida y nada rigurosa tenemos la apuesta de Soledad Lorenzo por la pintura del alemán Philipp Fröhlich, que muestra por tercera vez sus trabajos recientes en la galería; la transición de la pintura a la escultura de la mano de la norteamericana Jessica Stockholder, en Max Estrella; la escultura de Blanca Muñoz –también con la querencia por resituarse en el ámbito espacial de la pintura– en Marlborough; amén de una triple oferta de video/instalaciones cuyos autores –el californiano Doug Aitken en Helga de Alvear, la española Cristina Lucas en Juana de Aizpuru y la finesa Eija-Liisa Athila en La Fábrica– concurren en otorgar el protagonismo de la trama narrativa a personajes femeninos. Una casualidad sin mayor importancia pero que concede al público la posibilidad de sopesar afinidades en cuanto a construcción de la identidad se refiere, habida cuenta del diferente contexto cultural del que parten en origen. 

Philipp Fröhlich en Soledad Lorenzo
Llama la atención la pintura de Philipp Fröhlich, no pasa desapercibida porque da la impresión de ser el resultado de un ejercicio de extrañeza. Me explico: la iluminación de las escenas, que suelen ser exteriores de una urbanización cualquiera o procedente del interior de un centro comercial –lugares semipúblicos– indican una cierta perversión de la realidad, como si ésta estuviese sometida a una mirada capaz de traspasarla y que ha provocado esa saturación cromática característica de su pintura. Pero la extrañeza aumenta al saber que su autor crea primero la maqueta y después la representa en pintura, lo que añade una vuelta de tuerca al proceso y confiere a la obra ese aura de misterio y acechanza que tanto nos perturba. Se podría citar aquí a su compatriota Neo Rauch pero no sería buena referencia porque a diferencia de éste, Fröhlich no provoca estupor por quienes habitan su obra sino por la cotidianidad que envuelve el apremiante indicio de que algo va suceder de un momento a otro. Pintura asombrosa y delicada en extremo, exótica y sofisticada por más que lo representado sea de una rotunda banalidad. Quizá sea ese el motivo de la desazón, pues nada es lo que parece y todo está dispuesto para sorprendernos. 

Blanca Muñoz en Marlborough
No deja de asombrar la capacidad de la madrileña Blanca Muñoz para evidenciar las cualidades de su obra sin renunciar a mostrar las heridas con las que se hace fuerte. Su individual reciente en Marlborough es buena prueba de ello. Quien haya seguido el curso de su obra durante los últimos años podrá compartir opinión al respecto pero lo que resulta indiscutible es su condición fronteriza. Una escultura que aunque no rechaza el plano horizontal sobre el que reposar las formas prefiere el vertical sobre el que reptar raptando el lugar original de la pintura. Frecuente de la obra gráfica es desde hace una década cuando decide abrirse camino en la escultura y lo hace espejeando la mirada sobre el espacio cósmico que busca cobijo y reflejo entre nosotros. Los títulos de sus obras aluden por lo tanto a estrellas y otros astros celestes si bien es el dibujo de la forma en el espacio y su permeabilidad orgánica quienes organizan todo el trabajo. Formas que son líneas que son organismos en flor, conjuntos de formas que se enhebran y parapetan entre el azul ultramar y la fría piel del acero inoxidable. Figuras estelares que despliegan arteramente el oficio de la seducción. 

Doug Aitken en Helga de Alvear
Aunque hemos tenido ocasión de poder ver trabajos suyos en muestras colectivas esta es la primera vez que Doug Aitken (1968) exhibe su obra en una galería española. Lo hace Helga de Alvear con la videoinstalación Black mirror, consistente en un set en cuyo interior cubierto de espejos negros se reduplican imágenes que nos hablan de la condición migrante –diríamos en suspenso– del sujeto actual. La globalización, el viaje, la tecnología y el constante cambio aseguran una experiencia vital que tiene mucho de naturaleza muerta. Cualquiera puede verse reflejado en el papel que interpreta la mujer protagonista de la pieza, en perpetua mudanza y sin posibilidad no sólo de echar raíces sino de comunicarse con el entorno debido a la velocidad y el ritmo de cada mutación. La travesía del desierto que la protagonista se ve obligada a realizar –con todas las ventajas y secuelas de la vida moderna– nos recuerda la que efectúa Harry Dean Stanton en París-Texas, que es la misma que cada cual debe realizar en ocasiones –si la causa es similar a la planteada por la cinta de David Lynch– o todos los días, si se trata de un romántico empedernido que no puede prescindir de la melancolía segregada por vivir entre el bruno azogue de los no-lugares. Y además engancha. 

Jessica Stockholder en Max Estrella

No es la primera vez que Jessica Stockholder (1959) expone en España pero sí la primera que lo hace en una galería madrileña, por eso las piezas que muestra en Max Estrella tienen esa dimensión doméstica y además son la causa del surtido de lamentos por no tener lo que hay que tener para ser coleccionista y poder llevarse a casa una de sus obras. Heredera de la tradición americana del campo expandido de la pintura (hacia la escultura) y por lo tanto afín a autores tan como dispares como Frank Stella y Robert Rauschenberg, su trabajo se define por un mestizaje blindado de lo mejor de sendas disciplinas; de la pintura la plasticidad de los materiales y el colorido exultante, el gesto y la frescura a la hora de componer; de la escultura el dominio de las tres dimensiones y su arrojo constructivo –casi de collage, de objet trouvè– que le permiten ensamblar elementos tan dispares. El resultado es un conjunto de felices encuentros fortuitos –a la manera del catalán Pazos– carentes de perspectivas semánticas pero henchidos, como nubes, por la pasión momentánea de haberse conocido. 

Cristina Lucas en Juana de Aizpuru
Un nuevo conjunto de obras de la andaluza Cristina Lucas (Jaén, 1972) se muestran en la Galería Juana de Aizpuru. Autora de la inolvidable Alicia de Córdoba –que formó parte de las intervenciones del proyecto El patio de mi casa, celebrado por aquí hace un par de años– muestra en Madrid una serie de fotografías y un vídeo fascinante. El planteamiento es común a los dos soportes, si bien el vídeo desarrolla lo que se presenta en las primeras: el momento en que un desnudo (femenino o masculino) interrumpe la paz establecida de un museo. Delinquere hace referencia a eso, a las convenciones al uso y a las normas y leyes que regulan la convivencia, de manera que cuando un individuo decide alejarse de estas normas se le considera delincuente. Un desnudo representado en un lienzo o una fotografía y expuesto en un museo es algo usual, un desnudo real en las salas del mismo edificio es entendido como una trasgresión de dichas normas. El vídeo, de una plasticidad y concisión estremecedoras, relata con una rigurosa dramaturgia el proceso que sigue una mujer que decide voluntariamente apartarse del camino normativo de la ley para rendirse a la vida en la naturaleza. 

 Eija-Liisa Athila en La Fábrica
Los trabajos de Eija-Liisa Athila (1959) comienzan a ser cada vez más frecuentes en la escena española, lo cual siempre es de agradecer aunque se trate de piezas de hace unos años como sucede con The hour of prayer (2005). La suya es una obra vertebrada en torno a los dispositivos de mediación de la imagen –fotografía y vídeo– en el empeño de relatar “dramas humanos”, como los denomina su autora. La dificultad de la comunicación, el dolor, el sexo, la angustia de la muerte, el aprendizaje de la percepción y los fantasmas de la mente suelen ser elementos comunes en casi todas sus propuestas. En La hora de la oración se trata de abordar desde paisajes diferentes –el calmo norte que ansía la explosión de la vida y el caótico sur que ritualiza el pulso de la vida– la soledad de quien pierde al compañero de viaje, en este caso un perro afectado por una enfermedad mortal. Una mujer es la encargada de asumir la representación del drama y lo hace sin renunciar a evidenciar los recursos de la narración, la tramoya que se exhibe sin pudor mientras relata y canta sus pesares. Una obra con el sello característico de la finesa –a mitad de camino entre el cine documental y el cine fantástico– que vuelve a conmovernos sin preguntarnos ya acerca de la disciplina en la que encajar este tipo de propuestas. 

Philipp Fröhlich. Remote Viewing. Galería Soledad Lorenzo. Clausura: 1 de marzo 
Blanca Muñoz. Superficial. Galería Marlborough. Clausura: 10 de marzo 
Doug Aitken. Black Mirror. Galería Helga de Alvear. Clausura: 10 de marzo 
Jessica Stockholder. Clouds. Galería Max Estrella. Clausura: 17 de marzo 
Cristina Lucas. Delinquere. Galería Juana de Aizpuru. Clausura: 25 de marzo 
Eija-Liisa Athila. The Hour of Prayer. Galería La Fábrica. Clausura: 31 de marzo

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22/2/2012

Andy Warhol, XXV Aniversario

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Andy Warhol, Self Portrait, 1964

Redacción / Ars Operandi.

Hoy se cumplen 25 años del fallecimiento de Andy Warhol (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928), uno de los más relevantes y controvertidos artistas del siglo XX. Su fallecimiento tuvo lugar a las 6:31 horas de la mañana del 22 de febrero de 1987, domingo, en el New York Hospital, después de una operación de vesícula a la que había sido sometido, que se complicó hasta desembocar en un paro cardiorrespiratorio

Tras graduarse en el Carnegie Institute of Technology en 1949, se mudó a Nueva York y rápidamente comenzó a ganar fama como artista comercial publicitario. El cambio de apellido de (Warhola a Warhol) se debió al siguiente error: la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces decidió utilizar este nuevo apellido. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de Nueva York. En 1960 realizó su primera pintura basada en personajes de comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o estampaciones serigráficas. Fue esta técnica la que le permitió producir una serie de imágenes repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. La introducción del objeto cotidiano llegará a su culmen con la aparición de la serie Brillo Box (1968), que inspirará al filósofo Arthur C. Danto su texto Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia (1997). Su obra, multidisciplinar y prolífica, ha influido enormemente en el desarrollo del arte contemporáneo tanto en el aspecto formal como en el conceptual.

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21/2/2012

Mercedes Mudarra y Jesús Alcaide hablarán sobre el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea

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Fachada este del Espacio de Creación Contemporánea de Córdoba. Foto: Ars Operandi
Redacción / Ars Operandi.

 El miércoles 22 de febrero a las 13 horas, en el Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras, la jefa de servicios de Museos y Promoción del arte de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, Mercedes Mudarra y el comisario de exposiciones y crítico de arte Jesús Alcaide, asesor técnico de dicha institución en materia de arte y creación contemporánea, impartirán una conferencia donde se irán desvelando las claves para conocer el funcionamiento y modelo conceptual del Espacio Andaluz de Creación Contemporánea, el hasta ahora conocido como C4. Concebido como un espacio integral y holístico para la creación contemporánea en sus más diversas manifestaciones, el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea, comenzó a gestarse en el año 2005 y desde entonces se ha convertido en uno de los grandes proyectos de futuro de Andalucía y de nuestra ciudad. 

A diferencia del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, con sede en Sevilla y asimismo dependiente de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, el Espacio Andaluz de Creación contemporánea, con sede en Córdoba, se caracterizará por abordar todos los aspectos de la creación artística contemporánea, desde la producción, la investigación a la difusión y exhibición, en un edificio "que ya se ha convertido en hito de la arquitectura contemporánea nacional", según manifiesta Jesús Alcaide a Ars Operandi. 

Para Jesús Alcaide, el nuevo centro, más allá de ofrecer un panorama exclusivo de una serie de prácticas artísticas, "el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea planteará la creación artística como un territorio de inclusión, de suma de experiencias, de interrelación entre los diversos campos de la cultura postcontemporánea, siempre buscando conjugar el contexto local y autonómico con el del arte contemporáneo a nivel internacional, convirtiéndose en un foco de atracción para todos aquellos agentes culturales interesados en conocer los nuevos procesos de creación contemporánea." Incidiendo en los planes de uso del centro, Alcaide añade que "más que un museo de arte contemporáneo, con más competencias que un centro de arte al uso, el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea inventa y construye lo que debería ser una institución cultural para conocer y dar cabida a las manifestaciones artísticas de este nuevo siglo. Cambio de tiempo, cambio de paradigmas".

Conferencia: 
Espacio Andaluz de Creación Contemporánea
Intervienen Mercedes Mudarra y Jesús Alcaide
Miércoles 22 de febrero, 13 horas
Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras
Plaza del Cardenal Salazar,Córdoba


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20/2/2012

Ars Operandi Videos: 1994. Pepe Espaliú. Museo de Bellas Artes. Córdoba


Redacción / Ars Operandi

Ars Operandi Videos suma un nuevo item, y ya hace más de cincuenta,  al archivo audiovisual que documenta exposiciones realizadas en Córdoba desde principios de los noventa. Y lo hacemos con una figura de especial relevancia como es la de Pepe Espaliú. La muestra, celebrada en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, presentó una selección de las obras que formaron parte de la primera retrospectiva que se  realizó del artista cordobés un año después de su fallecimiento en Córdoba. La exposición, comisariada por Juan Vicente Aliaga con la colaboración de Pepe Cobo, se mostró en su integridad en el Pabellón Mudejar de Sevilla en la primavera de 1994 y en otoño de ese mismo año se pudo contemplar, en parte,  en el museo de Córdoba.

Pepe Espaliú nace en Córdoba el 26 de octubre de 1955. Procedente de un entorno familiar de tradición literaria, orfebre y joyera, estudia en su juventud en la Escuela de Artes y Oficios. Se traslada a Sevilla en 1971, donde estudia en la Escuela de Bellas Artes. En 1972 marcha a Barcelona en la que reside, estudia y trabaja durante cinco años. Posteriormente se traslada a París para estudiar arte, psicología, francés, alemán e italiano en la Universidad de Vincennes mientras sigue los seminarios del psicoanalista Jaques Lacan. Durante su estancia en París conoció a Gérard quien seria una persona fundamental en el plano sentimental  durante los 10 años que dura su estancia francesa. En 1986 tras recalar  en Valencia y el sur de Francia, viaja a Sevilla para colaborar con la revista de arte Figura,  un colectivo de artistas como Guillermo Paneque y Rafael Agredano que se agruparon en torno a la galería Lá Máquina Española comandada por Pepe Cobo. De la mano de Cobo la obra de Espaliú recala en los grandes capitales del arte: Basilea, Nueva York, Venecia, Londres. Fue precisamente durante una estancia en Nueva York con el artista Juan Muñoz en 1990 cuando se realiza el test de seropositividad y conoce su estado de enfermo de sida, enfermedad contra la cual desplegó un importante trabajo de gran contenido simbólico y solidario  durante sus últimos años. Tras residir una temporada en Amsterdam (ciudad que en esos años representaba la máxima apertura hacia los enfermos de sida y los colectivos gays) e impartir talleres en Arteleku (entidad donostiarra a la que donó su biblioteca de 3.500 volúmenes), volvió a su ciudad natal donde falleció el 2 de noviembre de 1993  a la edad de 38 años.

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15/2/2012

Aumenta la presencia de artistas cordobeses en las ferias madrileñas

Redacción / Ars Operandi


Como cada año a mediados de febrero, Madrid se convierte en epicentro del arte contemporáneo español. ARCO abre sus puertas y  museos, centros de arte y galerías madrileñas aprovechan la ocasión para presentar los platos fuertes de la temporada. Como sucede en Frieze, Basel o Miami, al abrigo de la feria de Madrid se dan cita varias convocatorias como Just Mad o Art Madrid que aumentan la oferta comercial de arte contemporáneo que ofrece la capital durante estos días.

ARCO 2012 reúne 215 galerías, 119 extranjeras, en una edición que tiene a los Países Bajos como invitado de honor en el Programa Focus y Latinoamérica como protagonista de los Solo Proyects. Bajo la dirección de Carlos Urroz la feria ha introducido algunas novedades tendentes a evitar esa imagen de gran bazar que a menudo ofrecen las muestras de arte. Además de la integración de ARCO40 en el programa general, este año se ha propuesto a las galerías que elijan a un artista representativo y le otorgen un protagonismo especial en sus stands. Para su director "destacar un autor por galería permite al gran número de expertos que acuden cada año ir a tiro hecho y valorar mucho mejor la calidad de esta feria, a diferencia de otras más comerciales". La crisis por su parte ha erradicado por completo la presencia de stands institucionales que en ediciones anteriores llegaba a colmatar el recinto de Ifema. La presencia de obras de artistas cordobeses se reduce en esta edición de la feria. Si en años anteriores Dorothea Von Elbe, José María Baez o Manolo Bautista compartían espacio en el stand de Rafael Ortiz, este año el galerista sevillano ha apostado por la vanguardia histórica al incluir lienzos y gouaches realizados por Equipo57. Junto a las obras del Equipo podrán contemplarse trabajos de Patricio Cabrera, Jesús Palomino, Ignacio Tovar o Daniel Verbis.
Obras de Equipo57 en la galería Rafael Ortiz. Fotografía: Ars Operandi
 El arte más emergente se da cita por tercer año en JUSTMAD. Con la dirección artística de Giulietta Speranza la feria surge de "la necesidad de completar las ferias oficiales con otras independientes que se dedican a galerías y artistas emergentes de calidad que podrían pasar desapercibidos en las ferias principales. Una feria pequeña pero a su vez selecta y protagonizada por galerías innovadoras que continúan apostando por la novedad y la internacionalización".  Tras el éxito tanto artístico como de público de sus dos primeras ediciones, JUSTMAD3 busca  consolidar su posición como la principal feria española dedicada al arte contemporáneo emergente. Tres son los artistas cordobeses que se darán cita en el Hotel Silken Puerta America de Madrid, Fernando M. Romero, Miguel Ángel Moreno Carretero y Jesús Pedraza.
Obras de Fernando M. Romero en el stand de Siboney. Fotografía: Ars Operandi
Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) se estrena con la galería santanderina Siboney. El artista, que actualmente participa en una galería berlinesa en un homenaje a Pollock, presenta trabajos sobre papel, algunos recientes y otros pertenecientes a la serie FeedBackStage, que profundizan en una concepción de la práctica de la pintura como un sistema de naturaleza mestiza cuyas particularidades procesales constituyen un elemento más del lenguaje, incidiendo así en la construcción de la imagen y en los procesos que en la misma intervienen. El artista cordobés inicia de esta manera su colaboración con la galería que dirige Juan González de Riancho. Tras su participación en la feria, Romero volverá para establecerse de nuevo en Berlín y afrontar la preparación de su primera individual en la Egbert Baqué Contemporary Art.
Obras de Miguel Ángel Moreno Carretero en Trinta. Fotografía: Ars Operandi
Por su parte Miguel Ángel Moreno Carretero (El Carpio, Córdoba, 1980) presenta en la galería Trinta de Santiago de Compostela una selección de los trabajos realizados durante su estancia en CRIDA, la residencia de arte de Palma de Mallorca Spai d'Art. El artista señala que en la actualidad se encuentra inmerso en un "proyecto de investigación de la escultura al servicio del comercio algo en lo que llevo trabajando un tiempo y en el que  intento aunar valores clásicos del arte como son el lienzo, el pincel, el paisaje y la escultura,  tratando de  plantear estas cuestiones a través del objeto". Se trata de una colección de piezas de marcado caracter objetual que reafirman el interés de  Moreno Carretero por incidir en las consecuencias de la intervención humana en el entorno natural. La participación en JUSTMAD es la primera colaboración del artista carpeño con la galería compostelana y será la antesala de la exposición individual que realizará en Santiago durante el próximo mes de junio.

Obras de Jesús Pedraza en PM8. Fotografía: Ars Operandi
La galería viguesa PM8 debuta en la feria madrileña y lo hace con los trabajos de Olmo Cuña y Jesús Pedraza (Córdoba, 1978). Pedraza presenta una recopilación de trabajos recientes que comparten el mecanismo procesual que los articulan. El artista cordobés interviene en libros, reproduciones de arte, láminas y pósters en un meticuloso proceso que borra las imágenes mediante el lijado de éstas dejando como único referente los nombres de los autores o los títulos de las obras. En esta línea se sitúan obras como Museum für moderne kunst, un libro de arte de un centro  alemán que ha sido cuidadosamente lijado, borrando todas las imágenes y dejando como testimonio el polvo resultante de la operación. Muy próxima a la poesía visual y sin renunciar a la querencia habitual en la obra de Pedraza se sitúa La sociedad del espectáculo Guy Debord 2009-2011, un incisivo poema objeto con un cuchillo cuya empuñadura está confeccionada mediante el corte del mítico libro del situacionista francés.
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Obras de Juan Luque en la galería Ansorena
Art Madrid por su parte reúne el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo a 58 galerías, 36 de ellas españolas, dedicadas tanto a vanguardias históricas como a arte moderno y contemporáneo.  Nombres clásicos del galerismo español como Ansorena, Bat Alberto Cornejo, Estampa, Joan Gaspar o Juan Gris/Rayuela se dan cita en la feria madrileña. En dos de estas galerías es posible contemplar obras de artistas cordobeses. En Ansorena podemos encontrar las obras del montillano Juan Luque. Luque presenta una serie de  trabajos, en la línea de los mostrados recientemente en la galería Carmen del Campo de nuestra ciudad, caracterizados por la presencia de uno de los elementos iconográficos característicos en su obra reciente: los faros. Junto a las obras del pintor montillano el stand de Ansorena en Art Madrid acoge obras de Miquel Barceló, Antoni Tàpies y Oscar Dominguez entre otros.

Pepe Puntas, El avispero (2012), obra presente en la feria
Por su parte, la galería BAT que dirigen Mariam Alcaraz y Alberto Cornejo presenta obras del cordobés Pepe Puntas. Puntas, artista que en nuestra ciudad trabaja con Carmen del Campo, repite en Art Madrid de la mano de la galería madrileña donde ya realizara una exposición individual en 2010. Junto a la obra del artista cordobés, BAT presenta trabajos de Carlos Albert, Carmen Baena, Gustavo Díaz Sosa y Leticia Felgueroso entre otros.

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12/2/2012

El paisaje electrónico de Robert Cahen en la Posada del Potro


 Paysage d'hiver de Robert Cahen
Redacción / Ars Operandi

La Posada del Potro, convertida ahora en virtual Centro de Flamenco Fosforito, abre sus puertas para desplegar a lo largo de seis de sus estancias una retrospectiva de la obra del artista francés Robert Cahen (Valence, 1945). Figura fundamental en la historia del videoarte, Cahen es pionero en la utilización de la tecnología electrónica en el tratamiento y manipulación de la imagen en movimiento. Videoartista, compositor, cineasta y fotógrafo, Robert Cahen posee una dilatada trayectoria repartida por Documentas, Bienales y buena parte de los museos y centros de arte del circuito internacional. Desde finales de los 70 sus trabajos son un paradigma en el campo de la experimentación en el arte sonoro, primero y más tarde en el audiovisual. 

Comisariada por Juan Ramón Barbancho para el Ayuntamiento de Córdoba y con la colaboración del Institut Français, la muestra reúne una selección de trabajos fechados entre 1983 y 2005 que comparten el interés del artista por la observación de la naturaleza. Para Juan Ramón Barbancho este acercamiento "no se realiza desde un punto de vista naturalista o como un observador anónimo, sino que busca establecer una relación más personal, podríamos decir que retoma la forma de tratar la naturaleza en el Romanticismo: esos paisajes maravillosos e imponentes en los que, de alguna manera, nos habla de la relación del hombre con la naturaleza, tal vez no una relación hostil, pero sí asombrosa. Ver los paisajes de nieve y hielo de Cahen, por ejemplo, nos puede poner en esa situación de desazón romántica del protagonista del cuadro Monje a la orilla del mar de  Friedrich. Es la naturaleza entendida como lugar de inmersión y de experiencia o bien la finitud del hombre frente a la infinitud de aquella. Todo esto se ve muy bien en toda su obra, pero tal vez de una forma especial en la selección de videos que forman parte de este proyecto al que hemos llamado la naturaleza infinita. Infinita tal vez en ese sentido romántico, las imágenes nos envuelven, nos sobrecogen en algunos casos, pero también desde la perspectiva de su trabajo, de la tecnología que ayuda a crear estas imágenes y esta sensación al funcionar la pantalla como una especie de mirilla a través de la cual no sólo vemos lo que hay delante de nosotros, en la proyección, sino un espacio mucho más grande: aquel que se abre a nuestra imaginación".

La naturaleza infinita  está compuesta por seis obras en las que, para el comisario de la muestra, "se puede apreciar muy bien este tratamiento de la naturaleza; esa forma de mirar el espacio y el paisaje. Si en el trabajo de muchos autores el acercamiento a la naturaleza consiste en crearla, en intervenir sobre ella dando lugar a una nueva forma de paisaje, como diría Maderuelo, como una construcción cultural, en el caso de Cahen más bien consiste en ponernos frente a éste, no tanto para mirarlo cuanto para que nos mire él, pero también para que con él nos relacionemos porque, como diría Marc Augé, todo paisaje existe únicamente para la mirada que lo descubre y esto es precisamente frente a lo que nos pone obras como H.W.K. Les cicatrices de l’invisible. El sentido de infinito, de inabarcable, volviendo a la concepción romántica, de oposición trágica frente a la finitud del hombre, se ve muy bien en obras como Le cercle y L'etreinte , mientras que en Corps flottants  sí está el hombre en relación directa con la naturaleza, con su construcción. En definitiva, lo que las obras -y la exposición- nos piden es que nos relacionemos con aquello que se pone ante nuestros ojos y que, a partir de ahí, hagamos nuestra propia interpretación de la naturaleza y el paisaje, o como diría Marcel Duchamp que nosotros, el público, construyamos la obra".

La naturaleza infinita de Robert Cahen
Del 15 de febrero al 31 de marzo
Posada del Potro. CFF. 
Plaza del Potro, s/n.
lunes a viernes de 17:00 a 20:00
sábados de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00
domingos y festivos de 10:00 a 14:00.

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8/2/2012

Más de 20.000 personas visitan la exposición "Córdoba, reflejo de Roma" durante su primer mes

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Una vista de la Sala Orive. Fotografía: J. D. Vílchez Pérez
 Redacción / Ars Operandi


Según fuentes consultadas por Ars Operandi, la muestra que acualmente se exhibe en nuestra ciudad, Córdoba, reflejo de Roma, ha alcanzado una cifra total de 20.029 visitantes desde su inauguración, el pasado 4 de enero, hasta el fin del mes, contabilizándose la cifra hasta el día 31 de enero. En su desglose por salas, la proporción es de 5.858 visitantes en el Museo Arqueológico, 6.162 visitantes en la Sala Orive y 8.009 visitantes en la Sala Vimcorsa.

Organizada por el Ayuntamiento de Córdoba, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, la Fundación Viana y la Universidad de Córdoba, la exposición Córdoba, reflejo de Roma se lleva a cabo en tres espacios expositivos: Museo Arqueológico, donde se desarrolla la muestra Urbanismo y poder; Sala Vimcorsa, que acoge La vida en la domus, y, por último, Sala Orive, en la que se exhibe Suburbio y periferia. Cada una de ellas alberga un discurso expositivo que recoge tres de los principales ámbitos vitales en la Córdoba romana y el significado que llevan asociado, como son el urbanismo como reflejo del poder, la vida cotidiana en la intimidad de la casa y los suburbios y periferia de la urbe, según el diseño desarrollado desde el comisariado de la muestra.

Al hilo de esta información señalamos que hoy, a las 20 horas, en el Salón de Actos de la Fundación Prasa (Avda. Gran Capitán, 2, 4º), la directora del Museo Arqueológico de Córdoba y comisaria de la exposición La vida en la domus, Mª Dolores Baena Alcántara, intervendrá en el ciclo de conferencias que bajo el título Museos y desarrollo local, la Fundación Prasa viene desarrollando en colaboración con la Asociación Provincial de Museos Locales.

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6/2/2012

Antoni Tàpies. In memoriam

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Antoni Tàpies © 2005, Gemma Mercader

13 de diciembre de 1923 - 6 de febrero de 2012
S. T. T. L.


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Cuando el entorno deviene en forma. Daniel Palacios en Alarcón Criado


Obras de Daniel Palacios pertenecientes a su proyecto Receptive Environments.
Redacción / Ars Operandi

El artista Daniel Palacios (Córdoba, 1981) presenta en estos días en la galería Alarcón Criado  una selección de sus últimos trabajos que reúne bajo el título de Receptive Environments. Para su estreno en la galería sevillana, el artista cordobés ha retomado alguna de las piezas que formaron parte de Measuring Berlin, el proyecto que  realizara para la EnBW showroom de la capital berlinesa. En ellas  muestra su interés por la investigación acerca de el  entorno receptivo, "ése al que de alguna forma afectamos, que incluye nuestra presencia, cambia, se adapta a nosotros. Un entorno modelado por nosotros sin saberlo".  Palacios creó para el proyecto máquinas dotadas de sensores de movimiento, detectores de niveles de ruido y diversos receptores de datos con el objeto de "evaluar e interpretar en tiempo real los flujos de actividad humana que dichos espacios presentan". Los datos capturados fueron posteriormente procesados por el artista y trasladados a formas. El resultado son una serie de dibujos grabados mediante láser sobre láminas de madera y una escultura realizada por medio de una superposición de 300 capas de tablero. El espectador, asegura, "tendrá la sensación de estar frente a una exposición convencional donde las obras son fruto de la creatividad y del proceso de trabajo e investigación de un artista plástico. Sin embargo nada más lejos de la realidad dado que los dibujos llamados Daily Environments, que en apariencia podrían parecer ramificaciones o filamentos extraídos del mundo vegetal, son una traducción visual de los datos procesados por los sensores durante un día y la escultura, cuyo aspecto caprichoso remite a formas orgánicas o geológicas, plasma tridimensionalmente los flujos de movimiento que tuvieron lugar en la sala de Berlin". Mediante un programa creado específicamente para traducir los datos capturados, los entornos devienen en formas,  los flujos de actividad humana se tornan en objetos cercanos a la escultura o al dibujo. La transmutación entre flujos de información digital y su concrección en formas que resultan muy orgánicas son para Daniel Palacios "igual que un árbol que toma forma por la acción de factores externos" y continúa "el entorno de la sala modeló la imagen final de las piezas expuestas en ella, tratándose por tanto de gráficos legibles de los cambios del entorno, la sala, con un aspecto tan orgánico como las formas de la naturaleza".

Dibujo grabado mediante láser sobre lámina de madera de Daniel Palacios

La intersección entre arte, ciencia y tecnología es la base sobre la que Daniel Palacios asienta el corpus de su obra. Licenciado en Bellas Artes y con estudios de postgrado en Arte y Tecnología, Palacios ha mostrado sus trabajos en exposiciones como Synthetic Times en el Museo Nacional de Arte de China, NAMOC y El discreto encanto de la tecnología en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, MEIAC, el  Neue Gallerie de Graz, Austria y el Zentrum für Kunst und Medientechnologie, ZKM, de Karlsruhe (Alemania). Actualmente ha renovado por un año su estancia en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín donde mostró recientemente los trabajos fruto de la beca obtenida en 2010 y convocada por Iniciarte a través de su Programa de Residencia Internacional para artistas andaluces.

Daniel Palacios comienza de esta manera su colaboración con la galería dirigida por  Carolina Alarcón y Julio Criado  que iniciara su andadura en 2002 bajo el nombre de Full Art. A partir de 2009 comienzan su proyección internacional que les ha llevado a asistir ferias como Photo Miami, Next Chicago, Arte Lisboa o Arco en Madrid donde debutaron en la edición de 2011. Este año será una de las  cuatro galerías andaluzas incluidas en el programa general de  la feria madrileña y para ello han preparado una selección de artistas que incluye al reciente Premio Citoler, Jorge Yeregui junto a Alejandra Laviada, Martín Freire y José Guerrero.

Daniel Palacios. 
Receptive Environments 
Galería Alarcón Criado, Sevilla
Del 20 Enero al 17 de Marzo de 2012

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2/2/2012

Casa Árabe inicia el ciclo "Fantasías orientales en el cine español"

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Cartel de La canción de Aixa, de Florian Rey (1939)
Redacción / Ars Operandi

A partir del viernes, 3 de febrero, Casa Árabe inicia en Córdoba sus viernes de cine con la programación del ciclo Fantasías orientales en el cine español, una panorámica del orientalismo fílmico en el contexto del cine nacional desde principios del siglo XX. 

La muestra, comisariada por Alberto Elena, presenta a través de seis películas el Oriente imaginado por Occidente, en este caso España, cargado de estereotipos: exotismo, color y aventura. Los viernes de cine de Casa Árabe se abrirán con la proyección de La secta de los misteriosos, de Alberto Marro (España, 1916, 70 min.), película muda que contará con el acompañamiento musical en vivo del pianista Richard Krull. Además, el ciclo se compone de los títulos La canción de Aixa, de Florian Rey (España y Alemania, 1939, 107 min.); Los amantes del desierto, de G.Alessandrini, F.Cerchio, G. Vernuccio y L.Klimovsky (España e Italia, 1957, 82 min.); Los cien caballeros, de Vittorio Cottafavi (España, Italia y Alemania, 1964, 111 min.); La esclava del paraíso, de José María Elorrieta (España e Italia, 1968, 92 min.); y Réquiem por Granada, de Vicente Escrivá (España, Italia y Alemania, 1991, 50 min), serie de la que se proyectarán dos capítulos. 

Fantasías orientales en el cine español
 Auditorio de Casa Árabe
C/ Samuel de los Santos Gener, 9
Los viernes a las 20:00 horas
Entrada libre hasta completar aforo

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Nueva cabecera: Juanjo Jiménez

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 Redacción / Ars Operandi


El mes de febrero comienza, como es habitual, con nuestra nueva cabecera, en esta ocasión obra del diseñador aguilarense Juanjo Jiménez, a quien agradecemos cordialmente su colaboración, que hace la quincuagésimo octava de esta iniciativa. Es la segunda cabecera que Juanjo Jiménez realiza para Ars Operandi.

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