30/3/2012

La visión naturalista y poética de Dorothea von Elbe en Rafael Ortiz

.
Una vista de la exposición de Dorothea von Elbe. Foto: © Galeria Rafael Ortiz 
Redacción / Ars Operandi


Durante estos días y hasta el 4 de abril, puede contemplarse en la galería sevillana Rafael Ortiz la exposición de la artista afincada en Córdoba Dorothea von Elbe, Nunca había sabido que mi paso era distinto sobre tierra roja, titulo que alude a versos del poema Canto del caminar de Claudio Rodríguez. Las referencias poéticas incluyen asimismo a William Blake, quien apuntaba que el mundo de la imaginación es el mundo de la eternidad, contraponiéndose así a la postura que comparten los artistas que eligen la realidad, y que de este modo, "eliminan las secuelas transcendentales en su trabajo". Para Dorothea von Elbe, "la realidad forma parte de nuestra biografía, nos rodea continuamente y provoca a cada instante nuestras zozobras y torpezas. La realidad viene a ser como la pintura, ante la que todo se vuelven dudas e inseguridad. Probablemente ese halo de incertidumbre que desprenden sea la causa de que nuestros anhelos sucumban fascinados ante considerables superficies pintadas. Pero percibir la realidad necesita movimientos precisos y una mirada libre de estereotipos". También recuerda que, "en Letters to a Woman Painter, Max Beckmann anotaba algunas sugerencias. "No te olvides de la naturaleza", decía. Y más adelante desvelaba una metodología práctica: "Haz largos y frecuentes paseos, e intenta evitar al máximo el asfixiante coche, que roba tu visión al igual que las películas y los numerosos y sensacionalistas periódicos". Y añade Von Elbe: "Andar y observar: el territorio como contexto y texto. Andar. Precisar las formas de la realidad, eliminar lo convencional. Trazar entonces el dibujo de las cosas, narrar su identidad", dando de este modo unas interesantes claves con las que abordar su obra.    

La exposición, desplegada en los dos niveles del espacio de la calle Mármoles, muestra en la planta inferior una serie de las últimas pinturas de Dorothea von Elbe, realizadas con diversas técnicas, que van del óleo sobre lienzo y tabla a la acuarela y las tintas. Las piezas expuestas evitan el montaje convencional espaciado y lineal, apostando por una mayor cercanía entre las obras, que se agrupan de forma asimétrica entre ellas, mostrándose a diferentes alturas sin que exista diferenciación ni jerarquía entre técnicas. Sus obras escogen fragmentos vegetales en una interpretación que aúna la precisión de las estampas botánicas con la ligereza del paisajismo oriental. Es en la escultura donde Dorothea von Elbe resume de forma más clara su interés por la economía de formas, como puede verse en el bronce escogido para figurar en la fachada de entrada del recientemente finalizado Centro de Visitantes de Córdoba.

En la planta superior de la galería se exponen, como novedad, una serie de fotografías de formato medio con la naturaleza y el río a su paso por la ciudad de Córdoba como protagonista. El tratamiento del tema, muy próximo al imaginario de von Elbe, está resuelto en base a la disposición de grandes espacios vacíos en la composición, donde surgen motivos presentados a modo de trazo, que dotan de esta forma a las fotografías de un resuelto acabado muy cercano a su obra tanto pictórica como escultórica, poética y naturalista.

Dorothea von Elbe. Guadalquivir (2009). Fotografía, 3 ejemplares, 30 x 40 cm. © Galeria Rafael Ortiz

Dorothea von Elbe nació en Dettmansdorf, Alemania, desde donde se trasladó a los EE. UU., naturalizándose estadounidense. En ese país realiza su Licenciatura en Artes (Universidad de Wisconsin, 1968), tras de lo que amplía estudios en la Skowhegan School of Painting and Sculpture (Skowhegan, Maine), The New School for Social Research (Nueva York) y el Pratt Graphic Center (Nueva York). Reside y trabaja en Córdoba desde 1982. 

Desde su primera exposición estadounidense, en 1968, Dorothea von Elbe ha realizado muestras de forma continuada a partir de mediados de los años 80, en galerías como Rafael Ortiz, Carmen de la Calle, Estampa, Bores & Mallo, Trazos Tres y otras, conservándose su obra en numerosas colecciones particulares y públicas, como Biblioteca Nacional (Madrid), Colección Testimoni-La Caixa, Diputación Provincial de Sevilla o el Museo de Bellas Artes de Córdoba.

Dorothea von Elbe
Nunca había sabido que mi paso era distinto sobre tierra roja
Galería Rafael Ortiz
C/ Mármoles, 12, Sevilla
Hasta el 4 de abril

  Bookmark and Share

28/3/2012

El sector se une en defensa del arte contemporáneo en Andalucía

.Redacción / Ars Operandi.

Respaldo absoluto del sector del arte español a la iniciativa en defensa del arte contemporáneo en Andalucía y por la aprobación de un Pacto Andaluz por la Cultura Contemporánea. La totalidad de asociaciones de profesionales del arte contemporáneo implantadas en el territorio nacional han secundado la propuesta surgida desde los colectivos de arte en Andalucía y  plasmada en un documento enviado a los partidos políticos que han concurrido en las elecciones autonómicas en nuestra comunidad.  

Agentes Artísticos Independientes de Madrid, Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España, Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales, Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo, Instituto de Arte Contemporáneo, Mujeres en las Artes Visuales, Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales, Unión de Artistas Visuales de Andalucía y la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales han suscrito un texto en el que se defiende el diálogo como principio irrenunciable para articular las políticas que afectan al desarrollo de la comunidad artística y al fortalecimiento del sector del arte y la cultura contemporánea en Andalucía. Las organizaciones del sector también reivindican la participación activa en el debate y la construcción de un nuevo tejido sostenible en el ámbito de la investigación, la producción, la exposición y la patrimonialización contemporánea en el ámbito de lo público. Proponen además que, una vez constituido el nuevo gobierno andaluz,se constituya una mesa de trabajo con carácter urgente para la elaboración y aprobación de un Pacto Andaluz por la Cultura Contemporánea, consensuado entre el conjunto de los partidos político con representación en el Parlamento Andaluz y los profesionales representados a través de sus diferentes asociaciones. 

Desde Ars Operandi nos queremos adherir a esta iniciativa en pos del arte actual en nuestra comunidad y para ello reproducimos íntegramente el documento que han consensuado las asociaciones del sector.

------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Carta abierta del sector profesional del arte contemporáneo dirigida a los partidos políticos y a los medios de comunicación* de Andalucía 

Próxima la celebración de los comicios electorales en Andalucía, las organizaciones que articulan el sector del arte contemporáneo en nuestro país, junto a las asociaciones implantadas en Andalucía, se dirigen a los partidos políticos que concurren a las elecciones al Parlamento autonómico para manifestar su opinión acerca de la situación del arte actual en Andalucía y ofrecer su disposición a entablar, en el transcurso de la próxima legislatura, un diálogo constructivo y fértil sobre las políticas que afectan al desarrollo de la comunidad artística en Andalucía. 

Ante la situación de deterioro de las políticas culturales que en el ámbito del arte actual se están produciendo en la comunidad andaluza, las organizaciones que suscriben este documento quieren poner de manifiesto que la falta de apoyo público al arte y la cultura está menoscabando un tejido artístico y cultural construido con gran esfuerzo individual y colectivo a lo largo de los últimos 20 años. En este periodo ha quedado demostrada la dimensión social y económica del arte y la cultura (aporta un 4% al PIB nacional) y además es una fuente importante de generación de empleo. Las mejoras y fortalecimiento del sector garantizan el derecho ciudadano de acceso a la cultura y además el sustento de numerosos autónomos y pymes que han logrado dar una gran solidez a un sector profesional de muy amplio alcance. 

El arte genera empleo a artistas, comisarios, críticos, galeristas, fotógrafos, impresores, diseñadores de catálogos, transportistas de obras de arte, montadores, vigilantes, personal de limpieza... y además aporta una parte significativa de las actividades y contenidos que conforman la oferta de turismo cultural en nuestra Comunidad Autónoma. 

La situación, compartida con el resto del Estado, se agrava más en Andalucía, donde el tejido cultural ha acusado de manera especial los sucesivos recortes que se han llevado a cabo especialmente en los ámbitos de la creación y difusión de las manifestaciones artísticas contemporáneas. El ejemplo más significativo es la erradicación del programa Iniciarte, puesto en marcha en 2006 con el objetivo de impulsar la creación y difusión del arte contemporáneo en Andalucía. Iniciarte ha pasado de disponer de un presupuesto de casi un millón de euros en su primer año, a contar con cero euros en la convocatoria del año en curso. Las instituciones culturales tampoco se han visto ajenas a estos drásticos recortes. El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo ha visto sucesivamente reducido su presupuesto hasta el extremo de contar en el ejercicio presente con sólo 350.000 €, destinados al programa expositivo. En los ámbitos de competencia municipal la situación tampoco escapa de esta desmesurada política de recortes y cancelaciones. En los últimos meses hemos asistido en diferentes capitales andaluzas a una sucesión de anuncios de suspensión de programas relacionados con las artes visuales. A ello se suma la indefinición, cuando no la parálisis, de centros dedicados al arte actual como el I+CAS de Sevilla. 

Las asociaciones que aglutinan el sector en Andalucía defienden el diálogo como principio irrenunciable para articular y fortalecer los sectores del arte y la cultura actuales. Reivindicamos nuestra participación activa en el debate y la construcción de un nuevo tejido sostenible para el arte y la cultura contemporáneos en el ámbito de lo público. Este proceso ha de formularse desde la profesionalidad y la responsabilidad compartida entre la sociedad civil y las instituciones. 

DEFENSA DE UN PACTO ANDALUZ POR LA CULTURA CONTEMPORÁNEA 

Los agentes culturales de Andalucía, así como las asociaciones de profesionales vinculadas con las artes instamos a los diferentes partidos políticos con representación en Andalucía a que adquieran el compromiso de elaborar y secundar un Pacto Andaluz por la Cultura Contemporánea que tenga en cuenta las prácticas contemporáneas, esto es: que determine unas líneas maestras en defensa de la cultura del siglo XXI, el patrimonio contemporáneo y la creación artística actual en Andalucía. Ello significa construir un futuro irrenunciable, apostando con fuerte determinación por el presente. 

La identidad de la Comunidad Andaluza se ha forjado a lo largo de los siglos gracias a la dedicación y entusiasmo de un brillante elenco de intelectuales, que generación tras generación han ido realizando aportaciones de extraordinaria calidad en todos los campos de las artes. 

En los albores del S. XXI, Andalucía se puede enorgullecer de sus artistas, de su riqueza creativa y de su patrimonio. Un legado que, además de figurar entre los más destacados patrimonios de la humanidad, es una responsabilidad de todos los andaluces, que tenemos la obligación de tutelar y conservar para las futuras generaciones. Los profesionales de la cultura y los responsables políticos tenemos también la responsabilidad de su difusión y su puesta al alcance de toda la comunidad para su disfrute y enriquecimiento cognitivo. 

Asimismo, tenemos la imperiosa obligación de incrementar tal patrimonio, de manera que realicemos una aportación a las generaciones futuras. Acorde con el legado entregado por nuestros antecesores, tenemos la obligación de fomentar el incremento de las colecciones públicas, la puesta en marcha de centros de creación contemporánea y estimular la producción artística desde la diversidad de espacios y formas en las que se genera el arte contemporáneo en nuestros días. 

La Cultura Andaluza no puede estar expuesta a recortes presupuestarios constantes y vaivenes políticos que no hacen sino desestabilizar los logros anteriormente conseguidos. No se pueden seguir desarrollando planes puntuales de apoyo carentes de continuidad que no contribuyen al estímulo de la creación sino más bien a la inestabilidad del sector. Los profesionales del arte contemporáneo (hombres y mujeres críticos, artistas, comisarios, galeristas, directores de museos...) nos vemos expuestos siempre a la consideración de que la cultura es prescindible y de que se trata de una frivolidad dedicarle recursos en tiempos de depresión económica, cuando consideramos que, precisamente, en estos momentos de dificultad es cuando más hay que apoyar la creación por la repercusión que ésta tiene en el avance de la sociedad. 

Los andaluces debemos ser consecuentes con la responsabilidad que se nos ha encomendado y tenemos que ser capaces de acordar un Pacto Andaluz por la Cultura Contemporánea en el que colaboremos profesionales, políticos y usuarios. Un pacto andaluz que sea suscrito por todos y para todos. Creemos que es posible, más allá de ideologías o planteamientos, establecer un compromiso marco en torno a unas actuaciones continuadas e irrenunciables, de manera que no se vean condicionadas ante situaciones particulares, o intereses personales y fluctuantes. En Andalucía el apoyo a la cultura debe ser incondicional. Se lo debemos a tantas y tantos andaluces que han dado a conocer nuestro territorio y que han sentado los cimientos de lo que ahora somos. Para ello apelamos a la elaboración de planes estratégicos que apliquen las perspectivas de cambio planteadas en el programa Europa 2020, conforme con sus parámetros de crecimiento inteligente, sostenible e integrador. 

Para ello y como punto de partida proponemos adquirir los siguientes compromisos: 

1º.- La constitución de una mesa de trabajo con carácter urgente para la elaboración y aprobación de un Pacto Andaluz por la Cultura Contemporánea. 

2º.- La constitución de una comisión permanente formada por expertos independientes y representantes designados por las asociaciones de profesionales del sector para mantener un diálogo fluido y constante con los distintos gestores públicos. La mesa de trabajo deberá dotar de forma jurídica a dicha comisión y asignarle competencias, quedando expresamente perfiladas su composición y funciones, así como el reconocimiento de la participación vinculante de los profesionales de nuestro sector en los órganos de decisión dependientes de las instituciones públicas implicadas en la marcha del arte contemporáneo, con una presencia entre el 30 y el 50% tal como recomienda el “Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo”. 

3º.-El compromiso de mantener reuniones periódicas con el objeto de consensuar acciones y planes culturales antes de su implantación además de supervisar su desarrollo posterior y evaluar resultados. 

4º.- El compromiso de que los Museos y Centros de Arte existentes en Andalucía sean ejemplares en sus actividades y programación (en muchos de estos centros ya se aplica el “Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte Contemporáneo” y el Artículo 26 sobre arte y cultura de la Ley de Igualdad 3/2007 y esperamos que en un futuro próximo se haga extensivo a todos), que cuenten con unas asignaciones constantes y progresivas y que palien la precariedad y deficiencias que buena parte de dichos centros presenta en la actualidad. A este compromiso no habrían de sustraerse las instituciones que, aunque financiadas con fondos públicos, son gestionados desde la iniciativa privada. En este sentido sería necesario articular mecanismos que garanticen la transparencia y la aplicación de estas buenas prácticas mediante la inclusión en las condiciones concursales de procedimientos que las aseguren. Los poderes públicos habrán de velar, también cuando se apliquen estos modelos de gestión, por el cumplimiento de las obligaciones emanadas del documento de buenas prácticas en cuanto al papel social de los museos y centros de arte. El mantenimiento de relaciones con artistas y comisarios basadas en las buenas prácticas profesionales que contemplen honorarios por los servicios prestados y el respeto a los derechos de autor y la atención al contexto artístico local mediante programas de fomento de la producción, educativos y de formación y atención a los distintos públicos y sus segmentos son objetivos del documento suscrito por el sector que resultan irrenunciables independientemente de cuál sea el modelo de gestión de los centros. 

5º.- El compromiso de poner en marcha unos planes de formación para dotar a los andaluces de las herramientas para el conocimiento y la comprensión del arte y la cultura contemporáneos, estableciendo acuerdos entre las Consejerías competentes (Cultura y Educación) 

Este documento ha sido redactado y firmado el día 20 de marzo de 2012 por: Agentes Artísticos Independientes de Madrid Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo Instituto de Arte Contemporáneo Mujeres en las Artes Visuales Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales Unión de Artistas Visuales de Andalucía Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

*Para no interferir en el proceso electoral, este documento se envió a los partidos políticos en fecha 20 de marzo, pero no se ha hecho público por los medios de comunicación hasta estos momentos.

Bookmark and Share

Montañaislaglaciar, correspondencias en torno a la idea de Europa


Montañaislaglaciar, un proyecto editorial de Correspondencia desde Eyjafjällajökull
Redacción / Ars Operandi

La Filmoteca de Andalucía acoge hoy la presentación del libro Montañaislaglaciar, un proyecto editorial surgido como consecuencia del trabajo de investigación llevado a cabo por Correspondencia desde Eyjafjällajökull, un grupo integrado por artistas, teóricos, activistas e investigadores cuyas líneas de investigación y procesos creativos se cruzan en el análisis de la identidad, la pertenencia y los códigos de representación. El proyecto nace de un trabajo de reflexión conjunto sobre la idea de Europa, estableciendo relaciones entre la morfología del paisaje y el entramado geopolítico. Su punto de partida es la erupción del volcán islandés Eyjafjällajökull y sus consecuencias sociológicas en el contexto de la Europa Unificada. Este acontecimiento, como objeto de estudio, permite a sus autores "establecer y plantear las conexiones entre historia, prácticas artísticas, política o estética en busca de puntos calientes para las categorías: Comunidad, Resistencia, Archivo..."

Los trabajos del proyecto de investigación se han articulado en torno a la convocatoria de unos encuentros periódicos, la publicación de una web  y la edición del libro que hoy se nos presenta, "un soporte que dota al proyecto de un esqueleto teórico, visual y literario". Para el proyecto editorial han contado además con las aportaciones de una serie de colaboradores seleccionados en virtud "al tipo de reflexión que queremos producir". De esta colaboración resulta un grupo de textos que contemplan la cuestión europea desde diferentes perspectivas, "comparten una voluntad crítica y un estudio situado en la periférico para desde ahí, abordar las problemáticas estructurales que acompañan la conformación de una identidad creada de forma artificial".  A  la hora de abordar la publicación la intención de sus autores ha sido "utilizar la propia fisicidad del libro", "emplearlo como un objeto que desarrolle un juego conceptual más allá del propio contenido visual y textual que albergue". Pensar el libro como una experiencia performativa – además de como contenedor y contenido – concluyen, "resulta especialmente relevante en el contexto de un proyecto tan intelectualizado como es el europeo".

La nueva tierra, proyecto de Antonio R. Montesinos
Entre las colaboraciones que recogen Montañaislaglaciar se encuentran las aportadas por Paula Ascher, Santiago Eraso, Juan Freire, Emanuele Guidi, John Holten, Nicolas Malevé, Markus Miessen, Laurence Rassel, Alan Pauls, Maria PTQK y Urzsula Wozniak. Entre los textos figura un diccionario compuesto por diferentes citas de expertos que analizan la problemática europea, un escrito de ficción literaria sobre una mujer inmigrante alemana en Argentina o el estudio de Santi Eraso acerca de la Capitalidad Europea desde la perspectiva de lo social, lo colaborativo y los derechos humanos. Las aportaciones de los artistas vienen de la mano de Carlos Fernández Pello, Lorenzo Sandoval, Javier Fresneda, Edu Hurtado, Regina de Miguel y Antonio R.Montesinos. En ellas podemos encontrar propuestas como Berliner Olympiastadion,  un recorrido fotográfico por el complejo  olímpico de Berlín o El Clima Interior, un relato que traza "una línea de reflexión sobre los principios fundacionales - geológicos, industriales y económicos - del espacio comunitario y de las ficciones perdidas que de ellos se derivan". 

Europa como síntoma, proyecto de Regina de Miguel
Por su parte los artistas andaluces Antonio R. Montesinos y Regina de Miguel, que acudirán hoy al acto de presentación, contribuyen con La nueva tierra y Europa como síntoma. Montesinos establece relaciones entre su entorno más íntimo y cercano y el contexto europeo a través de encuestas que dan lugar a seis gráficas que relacionan de forma semi-aleatoria contestaciones a diferentes preguntas. El ejercicio que planteo, afirma el artista rondeño es "un extrañamiento del proceso normal de una recolección y representación de datos. Los datos representados finalmente no atienden a una lógica clara, o simplemente vislumbran realidades que en un principio no nos parecen relevantes cuando hablamos de Europa". Por su parte, Regina de Miguel traza en su reflexión sobre Europa "una línea de tiempo asociada a diferentes estados psicológicos y físicos a través del paralelismo entre las líneas sismográficas y la polisomnografía empleada para el estudio de las fases del sueño. El tiempo abarcado a lo largo de los distintos sismogramas corresponde a los primeros del presente siglo. Los sucesos mostrados corresponden para la artista malagueña con "instantes radicales en diferentes lugares dentro de Europa que pueden ser tomados como punto de inflexión: Huelgas, manifestaciones, protestas etc. que han producido cambios o han surgido con el ánimo de realizarlos".

El programa de la presentación de Montañaislaglaciar se completa con el estreno en España del  documental de Haukur Már Helgason, Ge9n.  Tomando como punto de referencia las revueltas políticas y sociales acaecidas en los últimos años en Islandia, Ge9n presenta de  manera colectiva diferentes visiones sobre la crisis económica y cómo está afectado a la situación actual en el país.

Presentación del libro Montañaislaglaciar
Estreno  del  documental de Haukur Már Helgason, Ge9n
Filmoteca de Andalucía
Miércoles, 28 de marzo. 20 horas

Bookmark and Share

25/3/2012

Morder la mano sin pesar. Hans Haacke en el Reina Sofía



A. L. Pérez Villén / Ars Operandi

Tengo una duda, ¿cuando el arte político entra en el museo se desactiva? Es una cuestión a la que vuelvo cada cierto tiempo y que ahora con la exposición del germano-estadounidense Hans Haacke en el Reina Sofía emerge de nuevo. Os pongo en antecedentes. Haacke es el tipo de artista incómodo para el sistema que se mete donde no lo llaman y que suele andar investigando y sacando a la luz información comprometedora de personas vinculadas con el mundo del arte. Información que se adapta al formato del archivo y que es susceptible de ser expuesta y considerada como obra de arte conceptual. Información sobre casos si no delictivos sí al menos inmorales, como sus célebres trabajos de finales de los 60 y primeros 70 en los que evidencia los negocios inmobiliarios de una persona relacionada con el arte contemporáneo en Manhattan. 

Por otra parte, Haacke es el artista al que han abortado más exposiciones en un museo antes de la inauguración. El motivo, nunca hecho público por la dirección, es que el artista mete el dedo en el ojo de algunos de los patronos del museo, exhibiendo sus trapos sucios o denunciando los intereses comerciales de la franquicia museística. Pues eso, que Haacke tiene en Madrid una excelente muestra que testimonia su celebridad y que yo vuelvo a preguntarme ¿queda el arte de Haacke inerme al ser expuesto en un museo? Para que la pregunta sea más explícita hay que aclarar que podría darse el caso, que se ha dado, de que algunos de los patrocinadores de las exposiciones del artista sean el blanco de la crítica de sus obras. Y cuesta creer que quien ofrece su dinero para hacer posible la exhibición de los trabajos de Haacke esté dispuesto como contrapartida a recibir la crítica y la denuncia del artista. Si esto es así  –no es ninguna novedad en el caso de Haacke y otros artistas que muerden la mano de quien sufraga la exposición–  hay que pensar que los patrocinadores son personas ejemplares en la labor del mecenazgo artístico, a quienes no importa cualquier tipo de intromisión en sus negocios con tal de favorecer la creación o bien que están lo suficientemente curtidos en el medio artístico como para saber que las acometidas de Haacke  –y otros artistas críticos (políticos)–  resultan inocuas para sus intereses comerciales y además les otorgan la plusvalía de la cultura. 


Aunque a la vista de las obras expuestas en Madrid ya no estoy tan seguro de lo anterior. Porque la guerra abierta con el fundador de los museos Ludwig –a la sazón industrial chocolatero alemán y mecenas, que revertía su filantropía en la consecución de negocios, la evasión de impuestos y la satrapía en la gestión de sus museos– o con la firma tabaquera Philip Morris –patrocinadora de exposiciones en museos estadounidenses–  cuyo único interés en el arte, según manifiesta el artista citando a uno de sus directivos, es su propio interés... no es precisamente algo que se olvide con facilidad. Como digo, la muestra madrileña, con un título tremendo, Castillos en el aire, no tiene desperdicio. No es nada inocua y se articula en dos capítulos, uno que se centra en una selección de instalaciones significativas y memorables –las que le hicieron célebre como artista vinculado al arte conceptual y la crítica institucional–  y un proyecto específico para la exposición, que mantiene el título de ésta y en el que el artista se luce. Recurriendo a la metodología del archivo, Haacke vuelve a sorprendernos con un despliegue de medios –documentación sobre escrituras de propiedad, hipotecas, concesiones urbanísticas, planos de construcción, fotografías, vídeos– que testimonian la existencia de una burbuja inmobiliaria en una zona de Madrid. 

Por si fuese insuficiente la documentación (artística) que el artista pone a nuestra disposición, resulta que el azar ha querido añadir no una nota sino una melodía surrealista al proyecto. Y es que la urbanización de esta zona de Vallecas está rotulada con vías que tienen por nombre el de artistas españoles y tendencias internacionales, como la Calle del Arte Pop, la Calle del Arte Minimalista, del Arte Hiperrealista, del Arte Conceptual... En fin, que se lo han servido en bandeja. Con su proverbial ironía, ha montado una selección de tendencias artísticas haciendo coincidir piezas del museo, rótulos explicativos que definen el estilo y documentación fotográfica de la vía así intitulada. ¡Ver para creer! Una ciudad fantasma (con un sesgo artístico indudable como lo atestigua la nomenclatura de sus vías), con edificios en medio de páramos, eso sí urbanizados pero despoblados, fruto de la especulación y el crecimiento sin control de los últimos años. No sé cual será vuestra opinión, la mía es que la obra de Haacke es tremendamente válida y necesaria, aunque siga planteándome dudas sobre su financiación, alcance o repercusión social, lo que no es razón suficiente para invalidarla. 


La pretensión del artista (y de su obra) queda satisfecha en el momento de su recepción, si su intención fuese otra  –encausar a los patrocinadores o las instituciones artísticas con las que éste colabora– habría utilizado medios distintos y más eficaces para conseguir dicho fin. Respecto a los museos que acogen sus trabajos, es de suponer que estén al tanto de los intereses del autor, que reconozcan que la autonomía del arte ya no se preserva entre sus muros y que admitiendo ser un eslabón más de la cadena entre creación, reflexión y comercio artístico apuesten por el rearme de su misión actualizando el compromiso ilustrado de cobijar en su seno la crítica institucional. No queda otra, bueno sí, también se puede seguir pensando que el arte se mantiene incólume a cualquier tipo de contaminación que no sea la puramente estética. Y marcharse al extremo opuesto tampoco es de recibo, no se trata de entronizar ni canonizar el arte crítico como prueba de que la contrición ha hecho efecto, que todos nos sentimos culpables de colaborar con un sistema (el capitalista) y un medio (el artístico) en los que todo está perdido. Algo así sería aceptar que si nos acercamos a autores como Balthus, Joel-Peter Witkin, David Hamilton, Hermann Nitsch o Chris Burden, estamos ponderando respectivamente la bondad de la misoginia, la perversión, la pederastia, la violencia sanguinaria o la demencia. Y tampoco es eso. 

Hans Haacke 
Castillos en el aire 
MNCARS, Madrid 
Hasta el 23 de julio

  Bookmark and Share

23/3/2012

Juan Gris. CXV Aniversario


Juan Gris (23 marzo 1887 – 11 mayo 1927), Autorretrato, 1912

  Bookmark and Share

22/3/2012

Juan Serrano y Gómez Losada inauguran con "Ensamble" la nueva sala de exposiciones de Filosofía y Letras

.
Vista de las maquetas de Juan Serrano. Foto: Ars Operandi
Redacción / Ars Operandi

Ensamble, un proyecto conjunto de los artistas Juan Serrano y Miguel Gómez Losada, ha sido la muestra elegida para acompañar la inauguración de un nuevo espacio expositivo en la ciudad, Las Galerías del Cardenal Salazar, situado en la Facultad de Filosofía y Letras. La creación de este espacio es un paso más en el camino emprendido desde el decanato de Eulalio Fernández destinado a hacer del antiguo Hospital de Agudos un activo centro generador de cultura además de transmisor del conocimiento. 

Las Galerías del Cardenal Salazar forman parte de un proyecto destinado a crear un espacio de confluencia entre la investigación y la difusión de la creación contemporánea abierto tanto al ámbito universitario como especialmente a la ciudadanía, dirigido por Pablo Rabasco, profesor del Departamento de Historia del Arte, Arqueología y Música de la Universidad de Córdoba, junto a un Consejo Asesor del que forman parte profesores del mismo centro y de otras facultades además de artistas y profesionales del mundo del arte y la cultura. Para Pablo Rabasco, el proyecto "pretende ser un espacio flexible, abierto y dinámico, que desde la Facultad de Filosofía y Letras, desde el centro histórico de la ciudad, se acerque a expresiones novedosas y valientes de la cultura contemporánea".

Ensamble, de los artistas Juan Serrano y Miguel Gómez Losada, es una producción específica para la inauguración de Las Galerías del Cardenal Salazar, conformada por diversas obras, algunas de ellas realizadas conjuntamente por ambos artistas. Para Rabasco, uno de los atractivos de esta colaboración es comprobar cómo "dos formas distintas de entender el arte asumen sus diferencias para crear un lugar de encuentro".  

Bookmark and Share

19/3/2012

Nicaragua a través de la cámara de Rafael Trobat

.
Una vista de la Sala Vimcorsa. Foto: Sonia Corzo
Sonia Corzo / Ars Operandi 

Desde el 15 de marzo se puede contemplar en la Sala Vimcorsa de nuestra ciudad la exposición Aquí junto  al agua. Nicaragua, del fotógrafo cordobés Rafael Trobat. Conformada a modo de revisión de la obra del artista, la exposición muestra la producción realizada a lo largo de dieciocho años de estancias temporales en el país centroamericano. 

 Rafael Trobat (1965) se inició en la fotografía en 1988, viajando a Nicaragua por primera vez a mediados de 1990, donde inició un proyecto a largo plazo sobre la vida cotidiana de Nicaragua y su evolución tras el fin del periodo revolucionario. En la primavera de 1991 llegó al Círculo de Bellas Artes de Madrid un portafolio de Rafael Trobat con imágenes de Nicaragua, con el que optaba a la selección de jóvenes autores que habrían de exponer en la Sala Minerva de Fotografía de ese mismo año. El jurado que examinaba las propuestas decidió apostar por esta serie de fotografías, trabajo que en 2005 presentó como tesis doctoral, obteniendo el título de Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su formación como fotógrafo se desarrolla junto a Cristina García Rodero, mientras que paralelamente realiza encargos fotográficos para diferentes medios internacionales. En 1994 es premiado por la Fundación Banesto con la Beca Banesto de Creación Artística y en 1996 es seleccionado por World Press Photo para participar en su masterclass en Rotterdam, Holanda. Recibe la Beca Fotopress’99 de la Fundación La Caixa y es premiado por la Fundación Caja de Madrid en 1998. Su trabajo ha sido expuesto en España, Italia, Francia, Alemania, Holanda, Inglaterra, Suiza, Austria, Rusia, Estados Unidos, Nicaragua y en la mayoría de los países de América Latina. 

El periodo que abarca este trabajo comienza en 1990 con la derrota electoral de la Revolución Popular Sandinista y termina en 2008 tras el regreso al poder de Daniel Ortega, uno de los líderes del movimiento armado que, tras derrocar al dictador Somoza en 1979, gobernó el país durante más de una década. Trobat utiliza esta etapa histórica para realizar un retrato de la sociedad nicaragüense, imagen que se aleja voluntariamente de los avatares políticos. La suya es "una aproximación a la idiosincrasia de un pueblo que celebra la vida por encima de las catástrofes naturales y conflictos bélicos", según el comisario de la exposición, Alejandro Castellote; una narración estructurada a partir de escenas cotidianas, donde conviven el histrionismo, la ternura, el dolor y la euforia. 

La voluntad de Trobat es compartir su experiencia sobre Nicaragua, para lo que se sirve de fotografías en blanco y negro que revelan una mirada inteligente y muy personal. Ha sido una experiencia que se ha ido haciendo más compleja conforme su conocimiento del país se ha enriquecido. Aquello que podría parecer partir de una de las miradas europeas sobre lo diferente, se ha convertido en parte de su biografía, junto a su mujer nicaragüense y su hija, que comparte ambas nacionalidades. En esencia, para Castellote, "sus fotografías toman como principal tema la vida, con el mundo como escenario y el ser humano como protagonista". 

Rafael Trobat 
Aquí junto al agua. Nicaragua 
Sala Vimcorsa 
C/ Ángel de Saavedra 9, Córdoba 
Lunes a sábados de 10:30 a 13:30 h. y 18:30 a 20:30 h. 
Domingos y festivos de 10:30 a 14:30 h. 
Hasta el 6 de mayo de 2012
Comisario: Alejandro Castellote

  Bookmark and Share

16/3/2012

Mapas y gárgaras


Abb. Michelin, Départements France № 325: Creuse, Haute-Vienne, Abschn. E/F-7/8. Fotografía de Sinaida Michalskaja

A. L. Pérez Villén/ Ars Operandi

Me comenta un amigo que leyendo la última novela de Houellebecq se ha sentido como si el protagonista, Jed Martin, le hubiese usurpado su personalidad: un artista que se dedica a hacer mapas y que utiliza las mismas herramientas, soportes y procesos que él. Una amiga me dice que El mapa y el territorio no arroja la imagen de un autor en exceso misógino, como sucedía en sus anteriores novelas. A mí ya no me interesa como antaño, cuando cada libro suponía tomar partido en la polémica que se planteaba en sus páginas. No es que el francés haya bajado la guardia en cuanto a temas y enfoques –que también– es que me he dado cuenta de que no me gusta como escribe. Antes tampoco me gustaba pero me quedaba fascinado con lo que contaba. La cuestión es que ahora lo que más me llama la atención es lo deficiente de su escritura.

De manera que estoy hecho un lío porque siempre he pensado que lo importante de un artista no es lo que cuenta sino cómo lo expresa. No obstante he reconocido que me gustaba Houellebecq porque sus primeras novelas te obligaban a replantearte muchas cosas, pero también he dicho que ya no me gusta como escribe. Entonces qué es lo que importa en una obra de arte. Insisto en que lo canónico durante el siglo pasado era primar la manera sobre el contenido pero ya no lo tengo tan claro. Creo que ambas cosas venían de la mano. La importancia que el impresionismo y el resto de los ismos tienen para el arte del siglo XX no es sólo por el lenguaje que emplean –absolutamente novedoso en cuanto a técnicas– sino también por lo que transmiten: una impresión moderna de la naturaleza y de la arritmia caótica de la urbe y sus habitantes. 

Así que lo mejor para una obra de arte debería ser la equilibrada combinación de un discurso atractivo y una tesis penetrante. Esta es la razón por la que ya no me interesan tanto Houellebecq ni algunas creaciones artísticas contemporáneas, porque el método que emplean hace aguas cuando no gárgaras y tras el ruido de éstas se escucha la misma canción de siempre. Más de lo mismo y además mal resuelto. Ya no lo creo, confirmo que me hago mayor, cada vez tengo menos paciencia y soy menos tolerante con lo que no me interesa. ¿Tenéis la misma impresión? ¿Hay alguien por ahí?

Bookmark and Share

15/3/2012

La uavA se presenta en Córdoba


Asamblea informativa de la uavA celebrada en el CAAC. Foto: uavA
Redacción / Ars Operandi.

La Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA) realiza el próximo sábado a las 11,30, en la Sala Josefina Molina de la Filmoteca de Andalucía, una reunión informativa abierta a toda  la comunidad artística cordobesa. El encuentro forma parte de las actividades que se están desarrollando para dar a conocer la asociación ante los artistas visuales de las distintas provincias andaluzas. La uavA se constituye como asociación sin ánimo de lucro con los objetivos de representar a los artistas visuales andaluces, defender y promover sus intereses, contribuir a la cohesión y a la profesionalización del colectivo de creadores y a la promoción del arte contemporáneo en nuestra comunidad.

La Unión viene a suplir las carencias que en materia asociativa ha venido padeciendo la comunidad artística andaluza y que han impedido secularmente la representación del sector como un colectivo homogéneo y estructurado. Esta situación de falta de cohesión contrasta con la tradición asociativa de otras comunidades como la catalana donde la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña (AAVC) posee una dilatada trayectoria de más de 30 años y cuenta en la actualidad con más de 1.300 asociados, un 24.5% del censo de artistas en Cataluña. Ambas asociaciones forman parte de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV), la federación estatal que agrupa a las asociaciones profesionales de artistas visuales de Asturias, Castilla y León, Islas Balears, Islas Canarias, Comunidad Valenciana y Aragón, además de las citadas Andalucía y Cataluña.

Desde su constitución en diciembre de 2010 desde la uavA se han iniciado trabajos para plantear mejoras posibles en  las condiciones profesionales del sector, una mediación eficaz con instituciones públicas y agentes privados, así como el desarrollo de actividades que permitan fortalecer el tejido cultural andaluz. De esta manera la asociación ha formado parte de las mesas de trabajo que puso en marcha la Consejería de Cultura para abordar asuntos relacionados con las políticas culturales que afectan al sector. La Unión cuenta para el asesoramiento de sus asociados con los servicios de una consultoría jurídica especializada en temas fiscales y de propiedad intelectual. Los asociados a la uavA  disponen de una tarjeta de identidad que les facilita el acceso gratuito a los principales museos, y centros de arte españoles entre los que se encuentran el MACBA, MNCARS, IVAM, ARTIUM, CGAC. De igual manera es posible acceder de manera gratuita a la ferias de arte como ARCO, Estampa o ArtMadrid los días reservados para visitas profesionales. Dentro de las actividades iniciadas por uavA destaca la puesta en marcha un portal web que pretende ser una referencia para la actividad profesional en el campo de las artes visuales en nuestra comunidad. La web recoge información y documentación de interés para el sector así como el acceso a una base de datos donde se difunde el trabajo artístico de los asociados. A través del portal es posible acceder también al canal  que permite realizar consultas online a la asesoría jurídica.

Al tratarse de una comunidad tan extensa como la andaluza, los estatutos de la uavA recogen que en los ámbitos geográficos donde haya un mínimo de quince afiliados  se podrán constituir  comisiones territoriales que tendrán las funciones de representar, defender y mejorar las condiciones sociales, profesionales y culturales de los artistas de su entorno más próximo. Además de la figura de socio de número se contemplan también las figuras de socios colaboradores, benefactores y honoríficos además de una categoría especial que dispondrá de cuotas reducidas para menores de 30 años y estudiantes. Actualmente la cuota de socio de número se establece en 60 euros anuales y 30 en la cuota reducida para jóvenes. La aportación para los socios colaboradores será de 200 euros, mientras que la de socios benefactores se sitúa en 3.000 euros.

La uavA está presidida por el artista Curro González, ocupando las dos vicepresidencias Blanca Montalvo y Jesús Palomino respectivamente. Como secretaria de la asociación figura Gloria Martín mientras que José Miguel Pereñiguez lo hace como tesorero. La Junta Directiva se conforma además con la presencia de diecisiete vocales  entre los que se encuentran los artistas Carlos Miranda, Celia Macías, Fernando Clemente, Isidro López-Aparicio, Jacinto Lara, Jesús Algovi, Juan Ángel González de la Calle, Juan del Junco, Manuel Antonio Dominguez, Manuel Pedro Rosado Garcés, Marina Rodriguez Vargas, Miguel Pablo Rosado Garcés, Paka Antúnez, Ramón David Morales, Simón Zabell y Tete Álvarez.

Reunión informativa uavA
Sala Josefina Molina, Filmoteca de Andalucía
Sábado 17 de marzo, 11,30 horas

Bookmark and Share

14/3/2012

Karen Knorr. Premio Citoler en la Sala Puertanueva

 .
Una vista de la exposición de Karen Knorr. Foto: Sonia Corzo

Sonia Corzo / Ars Operandi.  

La Sala Puertanueva enfila sus dos últimas semanas de exhibición de la muestra dedicada al VI Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler, que incluye la exposición dedicada a la ganadora del V Premio (2010), Karen Knorr, junto a la de los diez seleccionados como finalistas para el VI Premio (2011). 

Karen Knorr (Frankfort, 1954), vive y trabaja en Londres, donde es profesora en el Goldsmith College. Desde la década de los 70 ha venido trabajando en series fotográficas con la relación del hombre con la sociedad, su cultura y patrimonio como eje argumental. La fotógrafa alemana ha utilizado la puesta en escena fotográfica a lo largo de su carrera y asimismo ha incorporado a su trabajo textos, vídeos e instalaciones. Knorr está representada por las galerías Les Filles du Calvaire de París, Eric Franck y James Hyman, ambas de Londres y la Valerio Tazzetti de Turín. Su obra forma parte de colecciones como The Cartier Foundation, Centre Pompidou, Paris, y el londinense The Victoria & Albert Museum entre otras. Es autora de varios libros monográficos y recibió el apoyo del Arts Council of England en 2001; de Hasselblad Foundation Reaserch Grant en 1998 y de Nacional Endowments for the Arts en 1986. 

En la muestra que presenta en la Sala Puertanueva, la artista ha seleccionado una amplia representación de las diversas series en las que ha trabajado, como Punk (1976-1977, en colaboración con Olivier Richon); Gentlemen (1981-1983); Connoisseurs (1986-1990); Academies (1994-2005); Fables (2003-2008) e India Song (2008-2011), serie a la que pertenece la obra ganadora del V Premio Citoler, titulada Flight to Freedom. En las ediciones anteriores fueron Begoña Zubero, Felix Curto, Manuel Sonseca y Juan del Junco los que se alzaron con el galardón. 

La obra ganadora de la VI edición ha sido El Valle. Piscina Municipal. Lobres, de Jorge Yeregui (Santander, 1975). Según declaraciones de Jorge Yeregui, la propuesta Paisajes mínimos “conforma una exploración conceptual sobre el valor simbólico que adquiere la naturaleza en la ciudad contemporánea”. Para el artista, la serie Paisajes mínimos “documenta nuevos espacios naturales cuya presencia urbana admite múltiples y contradictorias interpretaciones que oscilan entre el compromiso medioambiental y el “greenwashing”. 

Los nueve finalistas, cuyas obras se exponen junto a la fotografía ganadora de la VI edición son Wendy McMurdo, con la fotografía The Tent, Edimburg 2011; Joana Nieto Luinaráes Pimentel, (13ft/3m) serie Ilha Preta 2011; Paco Valverde Gámez, La casa de Fernán González. Libertador de Castilla; Paula Rubio Infante, Los trapos sucios se lavan en casa; Ricardo Ramón Jame y Marina García Burgos, Estaremos siempre unidos; Esteban Pastorino Díaz, Matadero. Carhue; Paloma Polo Carreño, Stills from others views; Alvaro Laíz García, Vanity, y Anne Fox, Untitled.  La exposición estará abierta al público hasta el 23 demarzo.

Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler 
Karen Knorr 
Finalistas del VI Premio 
Comisario: Alfonso de la Torre 
Sala Puertanueva 
Ronda de Andújar, s/n, Córdoba.
De lunes a viernes de 18:00 a 21:00 h
Sábados y domingos de 10:00 a 14:00 h. 
Hasta el 23 de marzo de 2012

 Bookmark and Share

11/3/2012

Cuestiones de arte. Verónica Ruth y Cyro García en la Filmoteca




Redacción / Ars Operandi

 Los artistas Verónica Ruth Frías (Córdoba, 1978) y Cyro García (Ubrique,Cádiz, 1978) presentan mañana lunes en la Filmoteca de Andalucía la obra en video Tonto el que lo lea. Preguntas y respuestas. Se trata de una cinta documental en la que, a través de una serie de entrevistas, se plantean cuestiones relacionadas con diferentes ámbitos de la creación contemporánea. El proyecto forma parte de un trabajo que desarrollan entre 2010 y 2011 sobre "la creciente teorización de la obra plástica en el arte contemporáneo y si eso beneficia, y de qué manera a las creaciones", un estudio, afirman "a medio camino entre lo artístico y lo sociológico; entre el artista, el crítico, el galerista y el público; un mostrar lo que está sucediendo". Para la pareja de artistas el proyecto que se presenta "se constituye como un trabajo de creación donde el concepto, el proceso y la obra, nos deben servir para intentar poner de manifiesto, de alguna manera, lo que está sucediendo en la actualidad e intentar tender puentes de entendimiento entre la obra y el espectador, cuyo divorcio necesita ser atendido. Partiendo del tatuaje, explican, "Verónica  se tatúa tonto el que lo lea en la zona de la escápula con una intención clara: convertir su propio cuerpo en soporte y marco para la creación, poniendo su cuerpo al servicio del arte. El tatuaje sobre la piel de la artista es el comienzo de este trabajo que ha sido grabado en vídeo para dejar constancia de la propia acción. Esta grabación, una vez montada, se ha mostrado a críticos, galeristas, artistas, y personas de público en general que, a través de esta entrevista, indagarán en cuestiones del arte contemporáneo que se desprenden de la propia obra".  

En el documental, de casi una hora de duración, se plantean a los entrevistados una serie preguntas acerca de la obra de arte y de "las trampas y perversiones de la contemporaneidad". Los siete personajes responden a un cuestionario de preguntas tales como: ¿Piensa que el artista, realizando o encargando textos que acompañan a su obra, en muchas ocasiones, tiene el objetivo de dotarla de un contenido teórico, intelectual, del que a veces adolecen sus piezas en el momento de su concepción?, ¿Cuáles son las principales trampas que la contemporaneidad va tendiendo a los sujetos de la plástica actual?, ¿Y cuáles son las principales perversiones en las que éstos sujetos incurren?. Los encargados de contestar a las preguntas son los artistas María Cañas y Marcelo Viquez , la comisaria de arte Margarita Aizpuru, el crítico Carlos Jover, los galeristas Rafael Ortíz y Alejandra Bordoy y en representación de las personas que no tienen relación con el arte, el empleado de banca Jaume Campaner. Las respuestas, este lunes a las 7 de la tarde en la Filmoteca de Andalucía.

Tonto el que lo lea. Preguntas y respuestas.
Verónica Ruth Frías y Cyro García
Filmoteca de Andalucía, 19 h.
Calle Medina y Corella, 5 

Bookmark and Share

8/3/2012

Chagall y las vanguardias


Gólgota, 1912. Calvary, obra de Marc Chagall

A. L. Pérez Villén/ Ars Operandi

Dividida entre dos sedes -en el Museo Thyssen y la Fundación Caja Madrid- la muestra antológica de Marc Chagall es reclamo suficiente para regalarse un viaje a Madrid. Más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo el mundo ha logrado reunir su comisario, Jean-Louis Prat, que ha contado con préstamos del MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern de Londres, el Centre Pompidou de París… y todo ello para mostrar la primera retrospectiva del artista ruso en nuestro país. Un artista en extremo singular y que es clave para entender el devenir del arte en la centuria pasada. Un artista que parte de su Vitebsk natal a la conquista de París y que comienza a adquirir de manera casi inmediata un éxito espontáneo, lo que unido a su empatía personal le hicieron habitual de quienes habían de ser protagonistas de la creación artística durante la primera mitad del siglo XX: Léger, Modigliani, Soutine, Picasso y los poetas André Salmon, Max Jacob, Blaise Cendrars y Guillaume Apollinaire entre otros. 

Después de su desembarco en París vuelve a Rusia, se casa y le sorprende la 1ª Guerra Mundial, permanece durante la revolución bolchevique pero finalmente regresa a Francia a comienzos de los años veinte, donde seguirá viviendo el resto de sus días, a excepción de una estancia de varios años en Estados Unidos motivada por el peligro que para un judío representaba permanecer en suelo francés durante la ocupación nazi. Tan dilatada existencia (1887-1985) ha dado lugar a un generoso cuerpo de obra, compuesto de dibujos, pinturas, obra gráfica, cerámica y escultura, así como otro tipo de piezas vinculadas al teatro y la ópera: frescos, vestuario, decorados... Un cuerpo de obra que conserva la huella inconfundible de su autor, la delicada filigrana de un diseño tan moroso como pródigo, el esplendor rutilante de un cromatismo sensual y lírico, la apoteosis de un espíritu creativo que se permitía todo tipo de licencias compositivas y formales. Y una trama discursiva que aún en los momentos más trágicos destila esperanza y afecto. 

 Si por la razón que fuese sólo tuviésemos acceso a la obra última de Chagall –la que se enseñorea a partir de finales de los sesenta– podría decirse que se trata de la pintura de alguien que permanece ligado a la estética desvaída de las vanguardias del siglo XX, la obra de un anacronista que realiza su trabajo más allá del bien y del mal, alguien voluntariamente apartado del curso del arte contemporáneo. Si esta es la percepción que se desprende del último Chagall, la impresión que causa su obra precedente es la opuesta. Una obra imbuida del espíritu de las vanguardias de comienzos del XX. Por esta razón recomendaría al que vaya a visitar las exposiciones comenzar por la de la Casa de las Alhajas, que es la del artista en plena madurez, la que contiene su obra última, para de esta manera hacer el recorrido hacia atrás y terminar con el Chagall originario y más apremiante, que es el que se muestra en el Museo Thyssen. 

Los amantes en el poste, lienzo de Marc Chagall
Hay algo en la configuración de su pintura que está ahí casi desde el principio. Y no es tanto concebir la representación como una ventana abierta al mundo sino como un tapiz en el que tejer diferentes capas y dejarlas superpuestas para que afloren desde el fondo las formas refulgentes de las cosas menudas, los detalles más insignificantes de la decoración, las luces incombustibles del cromatismo autónomo (ese que no debe simular verosimilitud alguna para saberse imprescindible). Licencias que también hallamos en Kandinsky, incluso en Matisse, en Gorky más tarde. Es la obra de Chagall un compendio de las pinturas de las vanguardias. Apenas unos años después de que aparezca en escena el cubismo -de la mano de Picasso y Braque- la tendencia es asimilada y reconvertida a su peculiar lenguaje en obras como Las tres y media (el poeta), (1911). Pero también está el fauvismo y el expresionismo en A Rusia, a los asnos y a los demás, (1911); incluso el orfismo y un preludio del surrealismo mediante la pervivencia de las sagas y las narraciones tradicionales rusas en Gólgota, (1912). Y todos los ismos reunidos en piezas emblemáticas como El soldado bebe, (1911-1912) que antecede las figuraciones expresionistas de Grosz. Los paisajes nimbados de la atmósfera aterciopelada y el colorido encendido de quienes pintan bajo la advocación del grupo El Jinete Azul, los hallamos en obras como Maternidad (1913), donde también resuenan los ecos del simbolismo de Odilon Redon. Obras en las que nos evoca la figuración atormentada de Van Gogh, como sucede en Montchauvet (1925).

Y de inmediato se nos presenta esa cohorte de animales mágicos, gallos, ranas y pavos (ilustraciones de las fábulas de La Fontaine) pero también y después todo tipo de aves, caballos y cabras, todos ellos metamorfoseados y con cualidades fantásticas que les permiten volar, comunicarse e incluso confundirse con las personas que se relacionan. De ahí que ya a finales de los años veinte a nadie extrañe la fantasiosa figuración de su pintura, los atributos de sus personajes que les capacita para permanecer suspendidos en el aire, a veces cabeza abajo o torneando su cuerpo como una cuerda, lo que le brinda al artista la posibilidad de presentar partes de su cuerpo que no están en el mismo plano. Un recurso que ya estaba en el cubismo pero que Chagall incorpora con absoluta naturalidad a su pintura y que le faculta para mostrarnos a sus figuras desde distintos planos. Por ello no es inusual que muchos de sus personajes posean pecho y nalgas, dos cabezas o que tañan un instrumento en una posición imposible. 

 Es la pervivencia de lo mágico, de lo sobrenatural en la pintura de Chagall, es la sangre que nutre a sus amantes, lo que les mantiene unidos en una sugerente unión física y en permanente estado de alerta emocional. Nunca son amantes indolentes que se dejan llevar, muy al contrario siempre están entregados a un frenesí de sentimientos en el que también tienen cabida la nostalgia y la melancolía. Pero no todo son buenas vibraciones en la pintura de Chagall, también encontramos dramatismo y dolor: los desastres de la guerra, el daño tremendo que desencadena la pérdida y el obligado éxodo, abandonando el origen. 

Chagall
Museo Thyssen-Bornemisza y Casa de las Alhajas, Fundación Caja. Madrid
Clausura: 20 de mayo de 2012

Bookmark and Share

7/3/2012

La Filmoteca acoge el VIII Encuentro Internacional de Arte y Género



 Miss nudies y el diente azul, obra en video de Beatriz Sánchez

Redacción / Ars Operandi

La Filmoteca de Andalucía acoge durante este fin de semana un ciclo de video y una mesa de debate sobre la perspectiva de género en el ámbito de las artes visuales. Ambas actividades forman parte del programa de la octava edición de los Encuentros Internacionales de Arte y Género que este año recalan en Córdoba para plantear "la interrelación del arte, el género y el contexto y situación de discriminación de las mujeres en las sociedades contemporáneas, y en particular en el ámbito de la creación y las artes". Para la directora de los encuentros, Margarita de Aizpuru es posible constatar "un persistente machismo y una misoginia soterrada que intenta enmascarar una realidad aún sangrante para las mujeres y los discursos de género, intentando marginar las líneas de pensamiento y las prácticas artísticas feministas, y ello, más aún, en la situación de crisis en la cual nos encontramos, en la cual, si sufre la promoción y financiación de la cultura en general, de forma más acentuada aún sucede con las mujeres, sus proyectos y sus creaciones". Aizpuru considera que a pesar de las dificultades de la situación actual, "hemos de seguir en la línea emprendida con esfuerzo y energía, siguiendo promocionando y difundiendo los enfoques tanto teóricos como prácticos, las líneas de actuación y los trabajos artísticos que desde perspectivas de género las mujeres vienen desarrollando a nivel nacional e internacional, recorriendo distintas temáticas que les afectan en las sociedades contemporáneas"

El encuentro se inicia el día 9 con un ciclo de video formado por las obras seleccionadas en la tercera edición del concurso nacional de vídeos de mujeres artistas desde perspectivas de género, FEMINIS-ARTE. El premio valora "trabajos artísticos que se basen y traten, desde sus personales ópticas, pero con un enfoque de género y/o feminista, sobre las discriminaciones de las mujeres en la sociedad, los roles sexistas y/ o comportamientos estereotipados o machistas en las relaciones humanas". Se trata de hacer visible la eclosión de mujeres artistas en el contexto de las artes visuales y concretamente en el ámbito del vídeo, que con sus obras ponen de manifiesto "el condicionante que ha supuesto para las mujeres la pertenencia a una identidad genérica construida socio-culturalmente e impuesta a las mujeres, es decir lo femenino oficial como norma generalizada del comportamiento de aquellas".


La Niebla, obra en video de Verónica Ruth-Frías

Dentro del ciclo de video FEMINIS-ARTE destaca la presencia de dos artistas cordobesas. El segundo premio ha recaído sobre Beatriz Sánchez que vuelve a la Filmoteca tras exponer su Top Manta en el Espacio 3. La obra galardonada, Miss nudies y el diente azul, es una pieza de 6 minutos que incluye cinco obras con acciones y clips de la artista que tienen al desnudo como común denominador. Se trata de una versión monocanal de la instalación homónima que incluía un dispositivo bluetooth que permitió a los visitantes reproducir los videos en sus dispositivos móviles. Explica Beatriz Sánchez que el video surgió tras haber   estado trabajando para una productora de contenidos eróticos para móvil en Barcelona, "me pasé cuatro meses editando decenas de clips de estriptis de grandes artistas como Two Yupa o Sophie Evans, entre otras. Tras esta increíble experiencia finalizó mi curro, fue entonces cuando pensé en seguir trabajando con la idea, realizando mis propias versiones de estriptis, vídeo y sonido". Entre las obras seleccionadas en FEMINIS-ARTE  figura La Niebla, de la también artista cordobesa Verónica Ruth Frías. La Niebla forma parte del proyecto artístico que actualmente desarrolla, SuperM en el que asume el papel de heroína del comic para plantear cuestiones que tienen que ver con el arte, la maternidad y la condición femenina. Verónica plantea de esta manera la inconveniencia de tener que ser a la vez "mujer, madre y artista". La artista entiende que para compaginar y lograr con éxito sus pretensiones "debe convertirse en Supermamá, es decir, en una mamá por encima del simple hecho de ser madre". Completan el programa  videos de Fátima Miranda, ganadora de la edición con la obra Albórbolas, y de una decena de artistas entre las que se encuentran la sevillana  María Cañas, la onubense Rocío López o la madrileña Julia Bonanni.

El encuentro se completa el sábado con una mesa de debate introducida y dirigida por Aizpuru que contará con la presencia de las artistas Virginia Villaplana y  Cristina Lucas. Virginia Villaplana es artista y escritora. En su trabajo explora la escritura como negociación entre la memoria e historia, los relatos de ficción y documentales, las narrativas de género, junto a las nociones de identidad, autoridad, y comunidad desarrollando estrategias como la Mediabiografía del “Do it yourself” al “Do it together (DIT)” palimpsesto, y participación. Por su parte Cristina Lucas, recordada en nuestra ciudad por su Alicia de Córdoba,  desarrolla un trabajo que plasma en fotografías, videoperformances y videocreaciones, que mantiene una línea sarcástica y deconstructiva de las herencias culturales y representaciones artísticas patriarcales, desde una mirada irónica y a la vez ácida, repleta de tonos críticos. El Encuentro Internacional de Arte y Género tendrá continuidad el próximo 14 de marzo  con la mesa de debate Performance, performatividad y género que reunirá en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo a la sevillana Pilar Albarracín con una de las artistas más radicales dentro de las prácticas artísticas vinculadas al cuerpo, la francesa Orlán.

Bookmark and Share

4/3/2012

Ars Operandi Videos: 2011. Paco Salido. Arte21.


Redacción / Ars Operandi.

Ars Operandi Videos aumenta el catálogo del archivo documental de exposiciones realizadas en Córdoba en las dos últimas décadas. Y lo hace con Afinidades, una muestra individual del artista Paco Salido realizada en la galería Arte21 en 2011. Salido  reunió una selección de obras, en total 20 piezas escogidas de un periodo comprendido entre 2006 y 2011 elaboradas sobre distintos soportes como lienzo, aluminio, papel o cristal, y realizadas con técnicas diversas que incluían óleo, gouache, impresión digital o cinta aislante.

Afinidades muestra obras que ilustran frases y en las que "la belleza reside en los textos que ilustran", una suerte de viaje interior en que el artista Francisco Salido, al igual que en los viajes físicos, descubre lugares y sensaciones, que "nos descubre Afinidades y nos apacigua vanidades". Las afinidades son diversas: los libros, las ciudades, el arte, los amigos  que para Salido "siempre serán un bálsamo en esta sociedad nuestra del espectáculo y la apariencia". Algunas obras transmiten la evocación de ciertos lugares afines al pintor: Siracusa, Nápoles... Una foto tomada en 1998 en el transbordador que une Asia con Europa en el Bósforo o un dibujo de José Piñera que a su vez fue inspirado por una fotografía de Piñero y Salido compartiendo taller en 1980 junto al recuerdo de otras obras, obras sobre obras que relacionan original y copia y que se unen en Afinidades mediante un tenue hilo basado en el tratamiento simple y desnudo del color y la forma.

Nacido en Montilla en 1956, Francisco Salido realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla. Compagina su actividad docente con la pintura, siendo autor de numerosas exposiciones colectivas e individuales. De éstas, las últimas han sido Pintura (Galería Carmen del Campo, Córdoba y Granada), Límites claros (galería José Pedraza, Montilla) y Pinturas limpias (Galería Arte21, Córdoba). Su obra se encuentra en diversas colecciones como Universidad de Sevilla, Universidad de Córdoba, Parlamento Andaluz, Fundación Rafael Botí o CIATESA. 

Bookmark and Share

3/3/2012

Antonio Castilla en Movart Madrid

.
Antonio Castilla, Sin título (det.), mixta sobre papel, 100 x 70 cm
Redacción / Ars Operandi

La madrileña galería Movart acoge, desde el 8 hasta el 31 de marzo, la exposición individual del artista cordobés Antonio Castilla. Castilla presenta una selección de trabajos realizados entre 2009 y 2011. La ordenación de la muestra se ha realizado de forma cronológica, para así poner en evidencia la relación continuada entre las obras a través del proceso creativo. 

La muestra consta de dos bloques; una primera serie de obras de formato medio, estructuradas por parejas con similares conclusiones formales y técnicas, y un grupo de piezas de gran formato a modo de conclusión del desarrollo expositivo. La técnica pictórica de Antonio Castilla, tras trabajar lo matérico hace unos años, ha girado en otro sentido más cercano a la experimentación del color y la profundidad a través de sus obras sobre papel, en las que la abstracción no oculta su interés por la forma. De Antonio Castilla dijo el maestro Povedano que "es por encima de todo pintor por naturaleza y vocación".

Según se apunta en el texto de presentación de la exposición, el artista cordobes "pretende mostrar el marcado caracter individual de cada imagen por un lado, poniendo de manifiesto a su vez las variaciones formales que existen dentro de un mismo proceso técnico. A su vez, el artista pondrá el punto de atención en las dualidades existentes en el conjunto de su creaciones: obras muy austeras cromáticamente, frente a obras más ricas en color; piezas muy ligeras frente a otras muy densas... Todo ello desarrollándose en función de los estados emocionales, que van a originar las diferentes metamorfosis formales que presenta la obra de Antonio Castilla".

Nacido en Córdoba en 1973, Antonio Castilla se formó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, ciudad en la que reside actualmente. Sus trabajos se han podido contemplar en nuestra ciudad en los últimos años en individuales realizadas en la Galería Carlos Bermúdez (2008) y Sala Cajasur Gran Capitán (2009).

 Bookmark and Share

Nueva cabecera: Juan Pablo Lucena

.

 Redacción / Ars Operandi.

Hoy presentamos a nuestros lectores/as la nueva cabecera que nos acompaña desde el día 1, obra del diseñador cordobés Juan Pablo Lucena, a quien agradecemos cordialmente su colaboración, que hace la quincuagésimo novena de esta iniciativa. La imagen que encabezará Ars Operandi durante el mes de marzo es una composición hecha a partir de fotos tomadas durante el montaje de la señalética de la Sala Orive de nuestra ciudad. 

 Juan Pablo Lucena ha realizado estudios de diseño industrial y delineación artística, dedicándose al diseño de mobiliario desde 1999, tras una amplia experiencia como delineante en proyectos de arquitectura e ingeniería. En la actualidad dirige una empresa dedicada a la ejecución de diseños de locales comerciales y viviendas, en la que trabaja la fotografía de gran formato, para murales decorativos, siempre con montajes y fotos propias
Bookmark and Share