ARS OPERANDI

16 ASAS en Art Jaen 2012

2012-02-27T23:07:00.000+01:00

Aspecto del stand de 16 ASAS en Art Jaén. Fotografía: J.C. Nievas

El espacio cordobés 16 ASAS participa en estos días en la IV Feria Internacional de Arte Contemporáneo Art Jaén que se celebra hasta el 29 de febrero en el Museo Provincial de la capital jieniense. La feria que retoma su actividad tras dos años de ausencia, cambia de formato y apuesta por uno que combina a una serie de galerías invitadas que presentan un proyecto de un solo autor. Para su debut en Art Jaén, el espacio que dirigen Miguel Ángel Moreno y José Carlos Nievas ha seleccionado un proyecto específico del artista rondeño Antonio R. Montesinos. El stand de 16 ASAS incluye también una selección de obras de fondo de galería de los artistas que hasta ahora han pasado por el espacio de La Ribera. Bajo el título Afinidad Visual Operatoria, Antonio R. Montesinos presenta una colección de imágenes que forman parte del proyecto Inopias que basándose en el montaje y comparación de imágenes heterogéneas "pretende encontrar diferentes patrones urbanos y de organización del espacio, capaces de ofrecer posibilidades alternativas a los modelos actuales". Para ello, Montesinos utiliza unos medios que buscan "alejarse de la forma en la que se imaginaban las utopías clásicas". Se está trabajando, afirma, "desde una posición íntima que demuestre la capacidad de imaginar unas estructuras diferentes por medio de procesos emergentes - el deseo, lo lúdico y la improvisación.Cuando planteamos una representación de un espacio, un esquema, una cartografía o un diorama normalmente queremos representar una realidad". Esta serie, concluye, plantea "algo muy diferente, pretende utilizar estas formas de representación para escenificar y reivindicar ficciones posibles. Ficciones que no pretenden construir utopías ideales o modelos donde mirarse, sino micro-ficciones subjetivas: formas personales de ver la realidad". Antonio R. Montesinos (Ronda, 1979) trabaja experimentando, provocando y registrando -por medio de diferentes formas de cartografía- la manera en la que nuestra experiencia cotidiana se desarrolla en diferentes espacios reales, virtuales y de ficción. Su obra ha podido contemplarse en espacios como La Centrale électrique de Bruselas, el Centro Ex-Teresa en México y en nuestro país en La Casa Encenda, el I+CAS de Sevilla), Hangar, Centro Andaluz o Santa Mónica. Aparte de su producción individual es miembro fundador del colectivo D_forma y coordinador del espacio de producción independiente Rampa.

Obra de A. R. Montesisnos en el stand de 16 ASAS

Art Jaen 2012 reúne nueve galerías invitadas y dos instituciones públicas en una cita que para su director David Martínez Ruiz, se presenta como "un espacio de intercambio que pretende impulsar el arte emergente e introducir a los jóvenes artistas en un complejo y competitivo contexto profesionalizado". Junto a 16 ASAS acuden a la feria las galerías La Tea de Cáceres, La Zúa de Madrid, Joan Planellas de Girona, Cidi Hiaya de Granada, Unodeuno de Jaén, Espiral de Cantabria, Meca de Almería y la holandesa Part of Arts. Completan la nómina stands comisariados de la Universidad de Jaén y la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de Granada. Pero las propuestas de Art Jaén rebasan en esta edición el propio recinto de la feria. Durante los cinco días que dura la muestra, las calles de la capital son el escenario de Visiones Urbanas, un ciclo de intervenciones y performances que reúne a artistas como Marc Montijano que presenta Tempus Fugit o el proyecto Scarpia que, en su décimo aniversario, propone una intervención que hace uso de las nuevas tecnologías para dar a conocer la colección de arte público que se ha ido generando en El Carpio durante este tiempo. Dek, diez en esperanto, despliega diez vinilos impresos sobre las calles de la ciudad que contienen códigos QR que al ser leídos por dispositivos móviles permiten enlazar con las obras localizadas en diferentes espacios de El Carpio. Dentro del programa de conferencias, ponencias y foros de debate paralelo a Art Jaen, Miguel Ángel Moreno Carretero, director de Scarpia, ha presentado un recorrido por estos diez años de formación y producción de proyectos de intervención artística en el espacio natural y urbano.

6 Exposiciones en Madrid 6

2012-02-25T19:43:00.002+01:00

por A. L. Pérez Villén

Doug Aitken en Helga de Alvear

Coincidiendo con ARCO las galerías madrileñas hacen un esfuerzo suplementario y programan exposiciones de primera línea. No es que el resto del año desatiendan el negocio pero se nota que cuando llega febrero exhiben lo mejor de cada casa. Es lo que ha ocurrido de nuevo este año. En cartel y sólo haciendo una selección rápida y nada rigurosa tenemos la apuesta de Soledad Lorenzo por la pintura del alemán Philipp Fröhlich, que muestra por tercera vez sus trabajos recientes en la galería; la transición de la pintura a la escultura de la mano de la norteamericana Jessica Stockholder, en Max Estrella; la escultura de Blanca Muñoz –también con la querencia por resituarse en el ámbito espacial de la pintura– en Marlborough; amén de una triple oferta de video/instalaciones cuyos autores –el californiano Doug Aitken en Helga de Alvear, la española Cristina Lucas en Juana de Aizpuru y la finesa Eija-Liisa Athila en La Fábrica– concurren en otorgar el protagonismo de la trama narrativa a personajes femeninos. Una casualidad sin mayor importancia pero que concede al público la posibilidad de sopesar afinidades en cuanto a construcción de la identidad se refiere, habida cuenta del diferente contexto cultural del que parten en origen.

Philipp Fröhlich en Soledad Lorenzo

Llama la atención la pintura de Philipp Fröhlich, no pasa desapercibida porque da la impresión de ser el resultado de un ejercicio de extrañeza. Me explico: la iluminación de las escenas, que suelen ser exteriores de una urbanización cualquiera o procedente del interior de un centro comercial –lugares semipúblicos– indican una cierta perversión de la realidad, como si ésta estuviese sometida a una mirada capaz de traspasarla y que ha provocado esa saturación cromática característica de su pintura. Pero la extrañeza aumenta al saber que su autor crea primero la maqueta y después la representa en pintura, lo que añade una vuelta de tuerca al proceso y confiere a la obra ese aura de misterio y acechanza que tanto nos perturba. Se podría citar aquí a su compatriota Neo Rauch pero no sería buena referencia porque a diferencia de éste, Fröhlich no provoca estupor por quienes habitan su obra sino por la cotidianidad que envuelve el apremiante indicio de que algo va suceder de un momento a otro. Pintura asombrosa y delicada en extremo, exótica y sofisticada por más que lo representado sea de una rotunda banalidad. Quizá sea ese el motivo de la desazón, pues nada es lo que parece y todo está dispuesto para sorprendernos.

Blanca Muñoz en Marlborough

No deja de asombrar la capacidad de la madrileña Blanca Muñoz para evidenciar las cualidades de su obra sin renunciar a mostrar las heridas con las que se hace fuerte. Su individual reciente en Marlborough es buena prueba de ello. Quien haya seguido el curso de su obra durante los últimos años podrá compartir opinión al respecto pero lo que resulta indiscutible es su condición fronteriza. Una escultura que aunque no rechaza el plano horizontal sobre el que reposar las formas prefiere el vertical sobre el que reptar raptando el lugar original de la pintura. Frecuente de la obra gráfica es desde hace una década cuando decide abrirse camino en la escultura y lo hace espejeando la mirada sobre el espacio cósmico que busca cobijo y reflejo entre nosotros. Los títulos de sus obras aluden por lo tanto a estrellas y otros astros celestes si bien es el dibujo de la forma en el espacio y su permeabilidad orgánica quienes organizan todo el trabajo. Formas que son líneas que son organismos en flor, conjuntos de formas que se enhebran y parapetan entre el azul ultramar y la fría piel del acero inoxidable. Figuras estelares que despliegan arteramente el oficio de la seducción.

Doug Aitken en Helga de Alvear

Aunque hemos tenido ocasión de poder ver trabajos suyos en muestras colectivas esta es la primera vez que Doug Aitken (1968) exhibe su obra en una galería española. Lo hace Helga de Alvear con la videoinstalación Black mirror, consistente en un set en cuyo interior cubierto de espejos negros se reduplican imágenes que nos hablan de la condición migrante –diríamos en suspenso– del sujeto actual. La globalización, el viaje, la tecnología y el constante cambio aseguran una experiencia vital que tiene mucho de naturaleza muerta. Cualquiera puede verse reflejado en el papel que interpreta la mujer protagonista de la pieza, en perpetua mudanza y sin posibilidad no sólo de echar raíces sino de comunicarse con el entorno debido a la velocidad y el ritmo de cada mutación. La travesía del desierto que la protagonista se ve obligada a realizar –con todas las ventajas y secuelas de la vida moderna– nos recuerda la que efectúa Harry Dean Stanton en París-Texas, que es la misma que cada cual debe realizar en ocasiones –si la causa es similar a la planteada por la cinta de David Lynch– o todos los días, si se trata de un romántico empedernido que no puede prescindir de la melancolía segregada por vivir entre el bruno azogue de los no-lugares. Y además engancha.


Jessica Stockholder en Max Estrella

No es la primera vez que Jessica Stockholder (1959) expone en España pero sí la primera que lo hace en una galería madrileña, por eso las piezas que muestra en Max Estrella tienen esa dimensión doméstica y además son la causa del surtido de lamentos por no tener lo que hay que tener para ser coleccionista y poder llevarse a casa una de sus obras. Heredera de la tradición americana del campo expandido de la pintura (hacia la escultura) y por lo tanto afín a autores tan como dispares como Frank Stella y Robert Rauschenberg, su trabajo se define por un mestizaje blindado de lo mejor de sendas disciplinas; de la pintura la plasticidad de los materiales y el colorido exultante, el gesto y la frescura a la hora de componer; de la escultura el dominio de las tres dimensiones y su arrojo constructivo –casi de collage, de objet trouvè– que le permiten ensamblar elementos tan dispares. El resultado es un conjunto de felices encuentros fortuitos –a la manera del catalán Pazos– carentes de perspectivas semánticas pero henchidos, como nubes, por la pasión momentánea de haberse conocido.

Cristina Lucas en Juana de Aizpuru

Un nuevo conjunto de obras de la andaluza Cristina Lucas (Jaén, 1972) se muestran en la Galería Juana de Aizpuru. Autora de la inolvidable Alicia de Córdoba –que formó parte de las intervenciones del proyecto El patio de mi casa, celebrado por aquí hace un par de años– muestra en Madrid una serie de fotografías y un vídeo fascinante. El planteamiento es común a los dos soportes, si bien el vídeo desarrolla lo que se presenta en las primeras: el momento en que un desnudo (femenino o masculino) interrumpe la paz establecida de un museo. Delinquere hace referencia a eso, a las convenciones al uso y a las normas y leyes que regulan la convivencia, de manera que cuando un individuo decide alejarse de estas normas se le considera delincuente. Un desnudo representado en un lienzo o una fotografía y expuesto en un museo es algo usual, un desnudo real en las salas del mismo edificio es entendido como una trasgresión de dichas normas. El vídeo, de una plasticidad y concisión estremecedoras, relata con una rigurosa dramaturgia el proceso que sigue una mujer que decide voluntariamente apartarse del camino normativo de la ley para rendirse a la vida en la naturaleza.

Eija-Liisa Athila en La Fábrica

Los trabajos de Eija-Liisa Athila (1959) comienzan a ser cada vez más frecuentes en la escena española, lo cual siempre es de agradecer aunque se trate de piezas de hace unos años como sucede con The hour of prayer (2005). La suya es una obra vertebrada en torno a los dispositivos de mediación de la imagen –fotografía y vídeo– en el empeño de relatar “dramas humanos”, como los denomina su autora. La dificultad de la comunicación, el dolor, el sexo, la angustia de la muerte, el aprendizaje de la percepción y los fantasmas de la mente suelen ser elementos comunes en casi todas sus propuestas. En La hora de la oración se trata de abordar desde paisajes diferentes –el calmo norte que ansía la explosión de la vida y el caótico sur que ritualiza el pulso de la vida– la soledad de quien pierde al compañero de viaje, en este caso un perro afectado por una enfermedad mortal. Una mujer es la encargada de asumir la representación del drama y lo hace sin renunciar a evidenciar los recursos de la narración, la tramoya que se exhibe sin pudor mientras relata y canta sus pesares. Una obra con el sello característico de la finesa –a mitad de camino entre el cine documental y el cine fantástico– que vuelve a conmovernos sin preguntarnos ya acerca de la disciplina en la que encajar este tipo de propuestas.

Philipp Fröhlich. Remote Viewing.Galería Soledad Lorenzo. Clausura: 1 de marzo

Blanca Muñoz. Superficial.Galería Marlborough. Clausura: 10 de marzo

Doug Aitken. Black Mirror.Galería Helga de Alvear.Clausura: 10 de marzo

Jessica Stockholder. Clouds.Galería Max Estrella.Clausura: 17 de marzo

Cristina Lucas. Delinquere. Galería Juana de Aizpuru. Clausura: 25 de marzo

Eija-Liisa Athila. The Hour of Prayer.Galería La Fábrica.Clausura: 31 de marzo

Andy Warhol, XXV Aniversario

2012-02-22T08:28:00.003+01:00

Andy Warhol, Self Portrait, 1964

Hoy se cumplen 25 años del fallecimiento de Andy Warhol (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928), uno de los más relevantes y controvertidos artistas del siglo XX. Su fallecimiento tuvo lugar a las 6:31 horas de la mañana del 22 de febrero de 1987, domingo, en el New York Hospital, después de una operación de vesícula la que había sido sometido, que se complicó hasta desembocar en un paro cardiorrespiratorio.

Tras graduarse en el Carnegie Institute of Technology en 1949, se mudó a Nueva York y rápidamente comenzó a ganar fama como artista comercial publicitario. El cambio de apellido de (Warhola a Warhol) se debió al siguiente error: la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces decidió utilizar este nuevo apellido. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de Nueva York. En 1960 realizó su primera pintura basada en personajes de comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o estampaciones serigráficas. Fue esta técnica la que le permitió producir una serie de imágenes repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. La introducción del objeto cotidiano llegará a su culmen con la aparición de la serie Brillo Box (1968), que inspirará al filósofo Arthur C. Danto su texto Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia (1997). Su obra, multidisciplinar y prolífica, ha influido enormemente en el desarrollo del arte contemporáneo tanto en el aspecto formal como en el conceptual.

Mercedes Mudarra y Jesús Alcaide hablarán sobre el Espacio Andaluz de Creación Contemporánea

2012-02-21T15:35:00.000+01:00

Fachada este del Espacio de Creación Contemporánea de Córdoba. Foto: Ars Operandi

El miércoles 22 de febrero a las 13 horas, en el Aula Magna de la Facultadde Filosofía y Letras, la jefa de servicios de Museos y Promocióndel arte de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía,Mercedes Mudarra y el comisario de exposiciones y críticode arte Jesús Alcaide, asesor técnico de dicha institución enmateria de arte y creación contemporánea, impartirán unaconferencia donde se irán desvelando las claves para conocerel funcionamiento y modelo conceptual del Espacio Andaluz deCreación Contemporánea, el hasta ahora conocido como C4.Concebido como un espacio integral y holístico para la creacióncontemporánea en sus más diversas manifestaciones, el EspacioAndaluz de Creación Contemporánea, comenzó a gestarse en elaño 2005 y desde entonces se ha convertido en uno de los grandesproyectos de futuro de Andalucía y de nuestra ciudad.

A diferencia del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, consede en Sevilla y asimismo dependiente de la Consejería de Cultura dela Junta de Andalucía, el Espacio Andaluz de Creacióncontemporánea, con sede en Córdoba, se caracterizará por abordartodos los aspectos de la creación artística contemporánea, desde laproducción, la investigación a la difusión y exhibición, en un edificio"que ya se ha convertido en hito de la arquitectura contemporáneanacional", según manifiesta Jesús Alcaide a Ars Operandi.

Para Jesús Alcaide, el nuevo centro, más allá de ofrecer un panorama exclusivo de una seriede prácticas artísticas, "el Espacio Andaluz de CreaciónContemporánea planteará la creación artística como un territoriode inclusión, de suma de experiencias, de interrelación entrelos diversos campos de la cultura postcontemporánea, siemprebuscando conjugar el contexto local y autonómico con el del artecontemporáneo a nivel internacional, convirtiéndose en un foco deatracción para todos aquellos agentes culturales interesados enconocer los nuevos procesos de creación contemporánea." Incidiendo en los planes de uso del centro, Alcaide añade que "más que un museo de arte contemporáneo, con más competenciasque un centro de arte al uso, el Espacio Andaluz de CreaciónContemporánea inventa y construye lo que debería ser unainstitución cultural para conocer y dar cabida a las manifestacionesartísticas de este nuevo siglo. Cambio de tiempo, cambio deparadigmas".

Conferencia:

Espacio Andaluz deCreación Contemporánea

Intervienen Mercedes Mudarra y Jesús Alcaide

Miércoles 22 de febrero, 13 horas

Aula Magna de la Facultad de Filosofía y Letras

Plaza del Cardenal Salazar,Córdoba

Ars Operandi Videos: 1994. Pepe Espaliú. Museo de Bellas Artes. Córdoba

2012-02-20T00:09:00.000+01:00

Ars Operandi Videos suma un nuevo item, y ya hace más de cincuenta, al archivo audiovisual que documenta exposiciones realizadas en Córdoba desde principios de los noventa. Y lo hacemos con una figura de especial relevancia como es la de Pepe Espaliú. La muestra, celebrada en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, presentó una selección de las obras que formaron parte de la primera retrospectiva que se realizó del artista cordobés un año después de su fallecimiento en Córdoba. La exposición, comisariada por Juan Vicente Aliaga con la colaboración de Pepe Cobo, se mostró en su integridad en el Pabellón Mudejar de Sevilla en la primavera de 1994 y en otoño de ese mismo año se pudo contemplar, en parte, en el museo de Córdoba.

Pepe Espaliú nace en Córdoba el 26 de octubre de 1955. Procedente de un entorno familiar de tradición literaria, orfebre y joyera, estudia en su juventud en la Escuela de Artes y Oficios. Se traslada a Sevilla en 1971, donde estudia en la Escuela de Bellas Artes. En 1972 marcha a Barcelona en la que reside, estudia y trabaja durante cinco años. Posteriormente se traslada a París para estudiar arte, psicología, francés, alemán e italiano en la Universidad de Vincennes mientras sigue los seminarios del psicoanalista Jaques Lacan. Durante su estancia en París conoció a Gérard quien seria una persona fundamental en el plano sentimental durante los 10 años que dura su estancia francesa. En 1986 tras recalar en Valencia y el sur de Francia, viaja a Sevilla para colaborar con la revista de arte Figura, un colectivo de artistas como Guillermo Paneque y Rafael Agredano que se agruparon en torno a la galería Lá Máquina Española comandada por Pepe Cobo. De la mano de Cobo la obra de Espaliú recala en los grandes capitales del arte: Basilea, Nueva York, Venecia, Londres. Fue precisamente durante una estancia en Nueva York con el artista Juan Muñoz en 1990 cuando se realiza el test de seropositividad y conoce su estado de enfermo de sida, enfermedad contra la cual desplegó un importante trabajo de gran contenido simbólico y solidario durante sus últimos años. Tras residir una temporada en Amsterdam (ciudad que en esos años representaba la máxima apertura hacia los enfermos de sida y los colectivos gays) e impartir talleres en Arteleku (entidad donostiarra a la que donó su biblioteca de 3.500 volúmenes), volvió a su ciudad natal donde falleció el 2 de noviembre de 1993 a la edad de 38 años.

Aumenta la presencia de artistas cordobeses en las ferias madrileñas

2012-02-15T00:50:00.000+01:00

Como cada año a mediados de febrero, Madrid se convierte en epicentro del arte contemporáneo español. ARCO abre sus puertas y museos, centros de arte y galerías madrileñas aprovechan la ocasión para presentar los platos fuertes de la temporada. Como sucede en Frieze, Basel o Miami, al abrigo de la feria de Madrid se dan cita varias convocatorias como Just Mad o Art Madrid que aumentan la oferta comercial de arte contemporáneo que ofrece la capital durante estos días.

ARCO 2012 reúne 215 galerías, 119 extranjeras, en una edición que tiene a los Países Bajos como invitado de honor en el Programa Focus y Latinoamérica como protagonista de los Solo Proyects. Bajo la dirección de Carlos Urroz la feria ha introducido algunas novedades tendentes a evitar esa imagen de gran bazar que a menudo ofrecen las muestras de arte. Además de la integración de ARCO40 en el programa general, este año se ha propuesto a las galerías que elijan a un artista representativo y le otorgen un protagonismo especial en sus stands. Para su director "destacar un autor por galería permite al gran número de expertos que acuden cada año ir a tiro hecho y valorar mucho mejor la calidad de esta feria, a diferencia de otras más comerciales". La crisis por su parte ha erradicado por completo la presencia de stands institucionales que en ediciones anteriores llegaba a colmatar el recinto de Ifema. La presencia de obras de artistas cordobeses se reduce en esta edición de la feria. Si en años anteriores Dorothea Von Elbe, José María Baez o Manolo Bautista compartían espacio en el stand de Rafael Ortiz, este año el galerista sevillano ha apostado por la vanguardia histórica al incluir lienzos y gouaches realizados por Equipo57. Junto a las obras del Equipo podrán contemplarse trabajos de Patricio Cabrera, Jesús Palomino, Ignacio Tovar o Daniel Verbis.

Obras de Equipo57 en la galería Rafael Ortiz. Fotografía: Ars Operandi

El arte más emergente se da cita por tercer año en JUSTMAD. Con la dirección artística de Giulietta Speranza la feria surge de "la necesidad de completar las ferias oficiales con otras independientes que se dedican a galerías y artistas emergentes de calidad que podrían pasar desapercibidos en las ferias principales. Una feria pequeña pero a su vez selecta y protagonizada por galerías innovadoras que continúan apostando por la novedad y la internacionalización". Tras el éxito tanto artístico como de público de sus dos primeras ediciones, JUSTMAD3 busca consolidar su posición como la principal feria española dedicada al arte contemporáneo emergente. Tres son los artistas cordobeses que se darán cita en el Hotel Silken Puerta America de Madrid, Fernando M. Romero, Miguel Ángel Moreno Carretero y Jesús Pedraza.

Obras de Fernando M. Romero en el stand de Siboney. Fotografía: Ars Operandi

Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) se estrena con la galería santanderina Siboney. El artista, que actualmente participa en una galería berlinesa en un homenaje a Pollock, presenta trabajos sobre papel, algunos recientes y otros pertenecientes a la serie FeedBackStage, que profundizan en una concepción de la práctica de la pintura como un sistema de naturaleza mestiza cuyas particularidades procesales constituyen un elemento más del lenguaje, incidiendo así en la construcción de la imagen y en los procesos que en la misma intervienen. El artista cordobés inicia de esta manera su colaboración con la galería que dirige Juan González de Riancho. Tras su participación en la feria, Romero volverá para establecerse de nuevo en Berlín y afrontar la preparación de su primera individual en la Egbert Baqué Contemporary Art.

Obras de Miguel Ángel Moreno Carretero en Trinta. Fotografía: Ars Operandi

Por su parte Miguel Ángel Moreno Carretero (El Carpio, Córdoba, 1980) presenta en la galería Trinta de Santiago de Compostela una selección de los trabajos realizados durante su estancia en CRIDA, la residencia de arte de Palma de Mallorca Spai d'Art. El artista señala que en la actualidad se encuentra inmerso en un "proyecto de investigación de la escultura al servicio del comercio algo en lo que llevo trabajando un tiempo y en el que intento aunar valores clásicos del arte como son el lienzo, el pincel, el paisaje y la escultura, tratando de plantear estas cuestiones a través del objeto". Se trata de una colección de piezas de marcado caracter objetual que reafirman el interés de Moreno Carretero por incidir en las consecuencias de la intervención humana en el entorno natural. La participación en JUSTMAD es la primera colaboración del artista carpeño con la galería compostelana y será la antesala de la exposición individual que realizará en Santiago durante el próximo mes de junio.

Obras de Jesús Pedraza en PM8. Fotografía: Ars Operandi

La galería viguesa PM8 debuta en la feria madrileña y lo hace con los trabajos de Olmo Cuña y Jesús Pedraza (Córdoba, 1978). Pedraza presenta una recopilación de trabajos recientes que comparten el mecanismo procesual que los articulan. El artista cordobés interviene en libros, reproduciones de arte, láminas y pósters en un meticuloso proceso que borra las imágenes mediante el lijado de éstas dejando como único referente los nombres de los autores o los títulos de las obras. En esta línea se sitúan obras como Museum für moderne kunst, un libro de arte de un centro alemán que ha sido cuidadosamente lijado, borrando todas las imágenes y dejando como testimonio el polvo resultante de la operación. Muy próxima a la poesía visual y sin renunciar a la querencia habitual en la obra de Pedraza se sitúa La sociedad del espectáculo Guy Debord 2009-2011, un incisivo poema objeto con un cuchillo cuya empuñadura está confeccionada mediante el corte del mítico libro del situacionista francés.
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Obras de Juan Luque en la galería Ansorena

Art Madrid por su parte reúne el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo a 58 galerías, 36 de ellas españolas, dedicadas tanto a vanguardias históricas como a arte moderno y contemporáneo. Nombres clásicos del galerismo español como Ansorena, Bat Alberto Cornejo, Estampa, Joan Gaspar o Juan Gris/Rayuela se dan cita en la feria madrileña. En dos de estas galerías es posible contemplar obras de artistas cordobeses. En Ansorena podemos encontrar las obras del montillano Juan Luque. Luque presenta una serie de trabajos, en la línea de los mostrados recientemente en la galería Carmen del Campo de nuestra ciudad, caracterizados por la presencia de uno de los elementos iconográficos característicos en su obra reciente: los faros. Junto a las obras del pintor montillano el stand de Ansorena en Art Madrid acoge obras de Miquel Barceló, Antoni Tàpies y Oscar Dominguez entre otros.

Pepe Puntas, El avispero (2012), obra presente en la feria

Por su parte, la galería BAT que dirigen Mariam Alcaraz y Alberto Cornejo presenta obras del cordobés Pepe Puntas. Puntas, artista que en nuestra ciudad trabaja con Carmen del Campo, repite en Art Madrid de la mano de la galería madrileña donde ya realizara una exposición individual en 2010. Junto a la obra del artista cordobés, BAT presenta trabajos de Carlos Albert, Carmen Baena, Gustavo Díaz Sosa y Leticia Felgueroso entre otros.

El paisaje electrónico de Robert Cahen en la Posada del Potro

2012-02-12T20:16:00.000+01:00

Paysage d'hiver de Robert Cahen

La Posada del Potro, convertida ahora en virtual Centro de Flamenco Fosforito, abre sus puertas para desplegar a lo largo de seis de sus estancias una retrospectiva de la obra del artista francés Robert Cahen (Valence, 1945). Figura fundamental en la historia del videoarte, Cahen es pionero en la utilización de la tecnología electrónica en el tratamiento y manipulación de la imagen en movimiento. Videoartista, compositor, cineasta y fotógrafo, Robert Cahen posee una dilatada trayectoria repartida por Documentas, Bienales y buena parte de los museos y centros de arte del circuito internacional. Desde finales de los 70 sus trabajos son un paradigma en el campo de la experimentación en el arte sonoro, primero y más tarde en el audiovisual.

Comisariada por Juan Ramón Barbancho para el Ayuntamiento de Córdoba y con la colaboración del Institut Français, la muestra reúne una selección de trabajos fechados entre 1983 y 2005 que comparten el interés del artista por la observación de la naturaleza. Para Juan Ramón Barbancho este acercamiento "no se realiza desde un punto de vista naturalista o como un observador anónimo, sino que busca establecer una relación más personal, podríamos decir que retoma la forma de tratar la naturaleza en el Romanticismo: esos paisajes maravillosos e imponentes en los que, de alguna manera, nos habla de la relación del hombre con la naturaleza, tal vez no una relación hostil, pero sí asombrosa.Ver los paisajes de nieve y hielo de Cahen, por ejemplo, nos puede poner en esa situación de desazón romántica del protagonista del cuadro Monje a la orilla del mar de Friedrich. Es la naturaleza entendida como lugar de inmersión y de experiencia o bien la finitud del hombre frente a la infinitud de aquella. Todo esto se ve muy bien en toda su obra, pero tal vez de una forma especial en la selección de videos que forman parte de este proyecto al que hemos llamado la naturaleza infinita. Infinita tal vez en ese sentido romántico, las imágenes nos envuelven, nos sobrecogen en algunos casos, pero también desde la perspectiva de su trabajo, de la tecnología que ayuda a crear estas imágenes y esta sensación al funcionar la pantalla como una especie de mirilla a través de la cual no sólo vemos lo que hay delante de nosotros, en la proyección, sino un espacio mucho más grande: aquel que se abre a nuestra imaginación".

La naturaleza infinita está compuesta por seis obras en las que, para el comisario de la muestra, "se puede apreciar muy bien este tratamiento de la naturaleza; esa forma de mirar el espacio y el paisaje. Si en el trabajo de muchos autores el acercamiento a la naturaleza consiste en crearla, en intervenir sobre ella dando lugar a una nueva forma de paisaje, como diría Maderuelo, como una construcción cultural, en el caso de Cahen más bien consiste en ponernos frente a éste, no tanto para mirarlo cuanto para que nos mire él, pero también para que con él nos relacionemos porque, como diría Marc Augé, todo paisaje existe únicamente para la mirada que lo descubre y esto es precisamente frente a lo que nos pone obras como H.W.K. Les cicatrices de l’invisible. El sentido de infinito, de inabarcable, volviendo a la concepción romántica, de oposición trágica frente a la finitud del hombre, se ve muy bien en obras como Le cercle y L'etreinte , mientras que en Corps flottants sí está el hombre en relación directa con la naturaleza, con su construcción. En definitiva, lo que las obras -y la exposición- nos piden es que nos relacionemos con aquello que se pone ante nuestros ojos y que, a partir de ahí, hagamos nuestra propia interpretación de la naturaleza y el paisaje, o como diría Marcel Duchamp que nosotros, el público, construyamos la obra".

La naturaleza infinita de Robert Cahen

Del 15 de febrero al 31 de marzo

Posada del Potro. CFF.

Plaza del Potro, s/n.

lunes a viernes de 17:00 a 20:00

sábados de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00

domingos y festivos de 10:00 a 14:00.

Más de 20.000 personas visitan la exposición "Córdoba, reflejo de Roma" durante su primer mes

2012-02-08T08:25:00.002+01:00

Una vista de la Sala Orive. Fotografía: J. D. Vílchez Pérez

Según fuentes consultadas por Ars Operandi, la muestra que acualmente se exhibe en nuestra ciudad, Córdoba, reflejo de Roma, ha alcanzado una cifra total de 20.029 visitantes desde su inauguración, el pasado 4 de enero, hasta el fin del mes, contabilizándose la cifra hasta el día 31 de enero. En su desglose por salas, la proporción es de 5.858 visitantes en el Museo Arqueológico, 6.162 visitantes en la Sala Orive y 8.009 visitantes en la Sala Vimcorsa.

Organizada por el Ayuntamiento de Córdoba, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, la Fundación Viana y la Universidad de Córdoba, la exposición Córdoba, reflejo de Roma se lleva a cabo en tres espacios expositivos: Museo Arqueológico, donde se desarrolla la muestra Urbanismo y poder; Sala Vimcorsa, que acoge La vida en la domus, y, por último, Sala Orive, en la que se exhibe Suburbio y periferia. Cada una de ellas alberga un discurso expositivo que recoge tres de los principales ámbitos vitales en la Córdoba romana y el significado que llevan asociado, como son el urbanismo como reflejo del poder, la vida cotidiana en la intimidad de la casa y los suburbios y periferia de la urbe, según el diseño desarrollado desde el comisariado de la muestra.

Al hilo de esta información señalamos que hoy, a las 20 horas, en el Salón de Actos de la Fundación Prasa (Avda. Gran Capitán, 2, 4º), la directora del Museo Arqueológico de Córdoba y comisaria de la exposición La vida en la domus, Mª Dolores Baena Alcántara, intervendrá en el ciclo de conferencias que bajo el título Museos y desarrollo local, la Fundación Prasa viene desarrollando en colaboración con la Asociación Provincial de Museos Locales.

Antoni Tàpies. In memoriam

2012-02-06T21:54:00.004+01:00

13 de diciembre de 1923 - 6 de febrero de 2012

S. T. T. L.

Cuando el entorno deviene en forma. Daniel Palacios en Alarcón Criado

2012-02-06T00:03:00.001+01:00

Obras de Daniel Palacios pertenecientes a su proyecto Receptive Environments.

El artista Daniel Palacios (Córdoba, 1981) presenta en estos días en la galería Alarcón Criado una selección de sus últimos trabajos que reúne bajo el título de Receptive Environments. Para su estreno en la galería sevillana, el artista cordobés ha retomado alguna de las piezas que formaron parte de Measuring Berlin, el proyecto que realizara para la EnBW showroom de la capital berlinesa. En ellas muestra su interés por la investigación acerca de el entorno receptivo, "ése al que de alguna forma afectamos, que incluye nuestra presencia, cambia, se adapta a nosotros. Un entorno modelado por nosotros sin saberlo". Palacios creó para el proyecto máquinas dotadas de sensores de movimiento, detectores de niveles de ruido y diversos receptores de datos con el objeto de "evaluar e interpretar en tiempo real los flujos de actividad humana que dichos espacios presentan". Los datos capturados fueron posteriormente procesados por el artista y trasladados a formas. El resultado son una serie de dibujos grabados mediante láser sobre láminas de madera y una escultura realizada por medio de una superposición de 300 capas de tablero. El espectador, asegura, "tendrá la sensación de estar frente a una exposición convencional donde las obras son fruto de la creatividad y del proceso de trabajo e investigación de un artista plástico. Sin embargo nada más lejos de la realidad dado que los dibujos llamados Daily Environments, que en apariencia podrían parecer ramificaciones o filamentos extraídos del mundo vegetal, son una traducción visual de los datos procesados por los sensores durante un día y la escultura, cuyo aspecto caprichoso remite a formas orgánicas o geológicas, plasma tridimensionalmente los flujos de movimiento que tuvieron lugar en la sala de Berlin". Mediante un programa creado específicamente para traducir los datos capturados, los entornos devienen en formas, los flujos de actividad humana se tornan en objetos cercanos a la escultura o al dibujo. La transmutación entre flujos de información digital y su concrección en formas que resultan muy orgánicas son para Daniel Palacios "igual que un árbol que toma forma por la acción de factores externos" y continúa "el entorno de la sala modeló la imagen final de las piezas expuestas en ella, tratándose por tanto de gráficos legibles de los cambios del entorno, la sala, con un aspecto tan orgánico como las formas de la naturaleza".

Dibujo grabado mediante láser sobre lámina de madera de Daniel Palacios

La intersección entre arte, ciencia y tecnología es la base sobre la que Daniel Palacios asienta el corpus de su obra. Licenciado en Bellas Artes y con estudios de postgrado en Arte y Tecnología, Palacios ha mostrado sus trabajos en exposiciones como Synthetic Times en el Museo Nacional de Arte de China, NAMOC y El discreto encanto de la tecnología en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, MEIAC, el Neue Gallerie de Graz, Austria y el Zentrum für Kunst und Medientechnologie, ZKM, de Karlsruhe (Alemania). Actualmente ha renovado por un año su estancia en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín donde mostró recientemente los trabajos fruto de la beca obtenida en 2010 y convocada por Iniciarte a través de su Programa de Residencia Internacional para artistas andaluces.

Daniel Palacios comienza de esta manera su colaboración con la galería dirigida por Carolina Alarcón y Julio Criado que iniciara su andadura en 2002 bajo el nombre de Full Art. A partir de 2009 comienzan su proyección internacional que les ha llevado a asistir ferias como Photo Miami, Next Chicago, Arte Lisboa o Arco en Madrid donde debutaron en la edición de 2011. Este año será una de las cuatro galerías andaluzas incluidas en el programa general de la feria madrileña y para ello han preparado una selección de artistas que incluye al reciente Premio Citoler, Jorge Yeregui junto a Alejandra Laviada, Martín Freire y José Guerrero.

Daniel Palacios.

Receptive Environments

Galería Alarcón Criado, Sevilla

Del 20 Enero al 17 de Marzo de 2012

Casa Árabe inicia el ciclo "Fantasías orientales en el cine español"

2012-02-02T10:07:00.000+01:00

Cartel de La canción de Aixa, de FlorianRey (1939)

A partir del viernes, 3 de febrero, Casa Árabe inicia en Córdoba sus viernes decine con la programación del ciclo Fantasías orientalesen el cine español, una panorámica del orientalismo fílmico en el contexto delcine nacional desde principios del siglo XX.

La muestra, comisariada por Alberto Elena, presenta a través de seis películasel Oriente imaginado por Occidente, en este caso España, cargado deestereotipos: exotismo, color y aventura.Los viernes de cine de Casa Árabe se abrirán con la proyección de La secta delos misteriosos, de Alberto Marro (España, 1916, 70 min.), película muda quecontará con el acompañamiento musical en vivo del pianista Richard Krull.Además, el ciclo se compone de los títulos La canción de Aixa, de FlorianRey (España y Alemania, 1939, 107 min.); Los amantes del desierto, deG.Alessandrini, F.Cerchio, G. Vernuccio y L.Klimovsky (España e Italia, 1957,82 min.); Los cien caballeros, de Vittorio Cottafavi (España, Italia y Alemania,1964, 111 min.); La esclava del paraíso, de José María Elorrieta (España eItalia, 1968, 92 min.); y Réquiem por Granada, de Vicente Escrivá (España,Italia y Alemania, 1991, 50 min), serie de la que se proyectarán dos capítulos.

Fantasías orientalesen el cine español

Auditorio de Casa Árabe

C/ Samuel de los Santos Gener, 9

Los viernes a las 20:00 horas

Entradalibre hasta completar aforo

Nueva cabecera: Juanjo Jiménez

2012-02-02T08:44:00.003+01:00

El mes de febrero comienza, como es habitual, con nuestra nueva cabecera, en esta ocasión obra del diseñador aguilarense Juanjo Jiménez, a quien agradecemos cordialmente su colaboración, que hace la quincuagésimo octava de esta iniciativa. Es la segunda cabecera que Juanjo Jiménez realiza para Ars Operandi.

Un amplio programa de actividades celebra el primer aniversario de la ampliación del Arqueológico

2012-01-31T01:00:00.000+01:00

Zona de la cavea o graderío del teatro romano integrada en el Museo Arqueológico. Fotografía: Joaquín Conde

Hoy martes 31 de enero se cumple un año de la apertura al público del edificio de ampliación del Museo Arqueológico de Córdoba, que iniciaba su andadura con el gran aliciente que ha supuesto la integración en el edificio del yacimiento arqueológico correspondiente al antiguo teatro romano de Corduba, visitable en toda la planta sótano. La inauguración del edificio de ampliación y su puesta en funcionamiento es un primer paso previo a la restauración del palacio renacentista de los Páez de Castillejo, sede que será tras su rehabilitación de la colección permanente del Museo, una de las más importantes de España, por la extraordinaria calidad de las piezas y el elevado número de ellas conservadas.

Con motivo del aniversario, el Museo Arqueológico de Córdoba ha diseñado una semana de actividades con un programa de difusión específico para la ocasión, en el que cobra gran importancia la colaboración desinteresada y el patrocinio tanto de particulares como de instituciones públicas y privadas. El programa incluye las colaboraciones de gran variedad de profesionales de las artes y las letras, poetas como Elena Medel, Pablo García Casado,Juan Manuel Prieto y Verónica Moreno, y periodistas como Carmen Lozano (Diario Córdoba), Alfredo Asensi (El Dia de Córdoba), Luis Miranda (ABC de Córdoba), Mª José Martínez (Radio Córdoba - Cadena Ser), Fidel del Campo (Canal Sur Córdoba), Pilar Sanabria (Onda Cero Córdoba), Roberto Loya (RNE) y Marta Jiménez (periodista cultural freelance). En música, intervendrán la instrumentista de guitarra clásica Celia Ruíz Artacho, alumna del Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco, así como el Cuarteto de trompeta SLAP. Asimismo está prevista la realización de un concierto de música vocal a cargo del Coro Ziryab. Por último, una excelente oportunidad para conocer el edificio en profundidad con la conferencia / visita guiada por los arquitectos Pau Soler y Joaquín Lizasoain, autores del proyecto y ejecución del edificio de ampliación. El programa se inicia hoy martes a las 19 horas con la conferencia inaugural a cargo del arquitecto y creativo Jesús Moreno Martínez, director creativo del estudio Jesús Moreno y Asociados, equipo encargado del Proyecto Museográfico del edificio de ampliación del Museo Arqueológico de Córdoba.

CONSULTAR EL PROGRAMA COMPLETO AQUÍ

El Entierro de la Sardina

2012-01-29T21:46:00.002+01:00

Editorial

El entierro de la sardina, Francisco de Goya

Apenas transcurrido medio año desde que el veredicto del jurado cortara de raíz las aspiraciones de ser Capital Europea de la Cultura, comienzan a caer las máscaras y la ciudad nos desvela lentamente su verdadero rostro. Muy poco han durado los discursos que, en el momento de la derrota, reclamaban para Córdoba la capital eterna de la cultura. Tras algunos años de vigencia de la impostura como método de supervivencia política hemos sido abocados directamente al desierto de lo real. Bienvenidos.

Después de los fuegos de artificio y una vez consumado el simulacro, el escenario no puede ser más desolador cuando hablamos de las artes visuales. Las galerías Clave y Tula Prints han cerrado recientemente sus puertas tras comprobar de primera mano la dificultad de llevar a cabo en nuestra ciudad un proyecto galerístico. Desaparecen también las dos salas de exposiciones que la Diputación albergaba en el Palacio de la Merced, la Sala Arpillera y la Galería Alta. A cambio, la única propuesta presentada hasta el momento ha sido instalada a la intemperie del Patio Barroco. Por su parte la Sala Puertanueva, que había llegado a convertirse en un referente a nivel andaluz, ha cesado fulminantemente su actividad después de ocho años de programación ininterrumpida. Sólo abrirá sus puertas en febrero para mostrar el Premio Citoler y, en el mejor de los casos, permanecerá cerrada durante un largo tiempo. La Sala Galatea, que permitía al Ayuntamiento disponer de un espacio de mediano formato para satisfacer la demanda de artistas locales, se encuentra cerrada y sin atisbo alguno de futura programación. Municipal es también el Centro Pepe Espaliú que dormita en la calle Rey Heredia, huérfano de actividad significativa alguna. Peor suerte ha corrido la sala Iniciarte que tutela la Junta de Andalucía, y que se encuentra clausurada desde la exposición de Miguel Ángel Tornero. Este cúmulo de decesos ha abocado a la ciudad a no disponer, en la actualidad, de oferta institucional alguna en materia de arte contemporáneo.

A esta inhibición se suma el hecho de que las políticas culturales de apoyo a la creación contemporánea han sido desterradas por completo de los programas institucionales. Ni Ayuntamiento, ni Junta, ni Diputación cuentan en la actualidad con programa alguno de fomento de las prácticas artísticas. La Consejería de Cultura ha anunciado que no convocará en 2012 el programa Iniciarte y la Fundación Botí hizo lo propio ya en 2011 con su política de becas. La Beca de Artes Nobles auspiciada por el Ayuntamiento y que permitió la formación en el extranjero de artistas cordobeses forma ya parte de la historia.

Lejos han quedado los tiempos en los que Córdoba iba a convertirse en la Florencia del siglo XXI, en los que la cultura estaba llamada a ser el motor de transformación necesaria para la ciudad. El argumento de la crisis no resulta suficiente para justificar tales inhibiciones. Los poderes públicos son los encargados constitucionalmente de promover y tutelar el acceso a la cultura. Nuestra obligación como ciudadanos pasa por reclamarlo como uno de nuestros derechos fundamentales.

Esta drástica reducción de la oferta cultural sólo puede acarrear un no deseado descenso en su consumo. El éxito de visitas que está cosechando la exposición Córdoba, reflejo de Roma demuestra que existe un gran interés por parte de la ciudadanía cuando se ofrecen productos de calidad. Mucho nos tememos que incluso, este formato de magna exposición, ejemplo de colaboración institucional, esté también llamado a desaparecer.

El pasado es un prólogo. Agredano en el CAAC

2012-01-29T01:01:00.001+01:00

Post clarissimum virum clarissima femina semper est, fotografía de Rafael Agredano

La obra de Rafael Agredano (Córdoba, 1955) llega al museo treinta años después de que protagonizara una de los capítulos más significativos de la historia del arte español reciente, la irrupción del denominado Grupo de Sevilla. Agrupados en torno a la revista Figura y con el sustento de la Máquina Española de Pepe Cobo, el colectivo, formado entre otros por Guillermo Paneque, Pepe Espaliú, Curro González o Abraham Lacalle, aportó la dosis de modernidad al arte contemporáneo en Andalucía y abrió sus fronteras para conectarlo con el panorama internacional. Fue precisamente en el número 0 de la revista sevillana donde Agredano publica en 1983 un texto, Titanlux y moralidad, que con el paso del tiempo ha adquirido rango de manifiesto: "…los estudios no están para clavarse puñales, sino para pintar. Dejadnos abrir ventanas para que entre la contaminación artística y dejadnos ser frívolos, eclécticos, dialécticos: que conciliemos el internacionalismo con el localismo, la tradición con la innovación…".

Una de las salas incluye material documental, textos y publicaciones sobre el Grupo de Sevilla. Fotografía: Ars Operandi

Pero Prólogos significa mucho más que una revisión de lo que se vino a llamar la década del entusiasmo. Comisariada por Esther Regueira, la muestra que ocupa el Claustrón Sur del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, no puede ser considerada una retrospectiva al uso, sino más bien "una lectura singular realizada a través de una selección histórica de obras junto con nuevas producciones, cuyo hilo conductor es la Memoria, (y por tanto, el olvido), y abordada desde la peculiar manera que tiene el artista de trabajar la iconografía, el lenguaje, los ritos y las representaciones, el juego de los opuestos y las relecturas de grandes mitos". Desde sus primeras obras irreverentes e iconoclastas hasta sus trabajos más recientes sobre el Polo Químico de Huelva la muestra nos revela a un artista "pionero en la representación plástica de algunos de los debates más candentes en estos momentos como son la disolución de barreras entre la alta y baja cultura o diversos aspectos que plantean las teorías trans y queer sobre identidad. Se trata de cuestiones que Agredano aborda desde hace años de una manera rabiosamente personal, completamente desinhibida, visionaria, contundente y vanguardista, consciente, desde los comienzos de su trabajo, de que, como dice el historiador francés Georges Didi-Huberman, “…las imágenes son un espacio de lucha…”."

A la izqda.: Avignon People. El apropiacionismo de Picasso es una constante en la obra de Agredano. Fotografía: Ars Operandi

Como capítulos de una novela, Prólogos va engarzando obras de diferentes etapas enlazadas mediante la inclusión en cada una de las salas de una obra perteneciente a la serie Jesuitas. La muestra se abre con Escenas pastorales del sur galante, la serie de fotografías que el artista presentó en 2007 en la galería Alfredo Viñas, en las que, sobre fotografías nocturnas tomadas en el Polo Químico de Huelva, sobreimpresiona párrafos de Platero y yo que aluden al vergel que constituían los terrenos sobre los que se asienta ahora la industria petroquímica. La sala dedicada a la obra más temprana de Agredano incluye material documental, textos y publicaciones sobre el Grupo de Sevilla así como algunos ejemplares de la revista Figura. Dos de los aspectos más determinantes de la obra de Agredano, la relectura de las vanguardias -en especial Picasso- y las cuestiones de género e identidad se dan cita en Avignon People, una mordaz composición que auna la puesta en escena de Las señoritas de Avignon con la estética gay de los Village People. En la misma linea se sitúa La chambre en noir, en la que Agredano vuelve a hacer una apropiación del artista malagueño, esta vez desde la ambientación bondage. La música forma parte de dos de los capítulos de Prólogos; la callada, presente en Corpus Christi en Sevilla, Rafael Albéniz Remixed, una serie de dibujos sobre partituras en braille da paso a la melodía de La belle excentrique, dibujos de sexo explícito realizados sobre una partitura de la obra homónima del compositor Erik Satie. Un retrato del Agredano más camaleónico flanquea la entrada de la última sala donde se muestra la opus nigrum, la serie L’esprit de l’escalier en Andalousie, un paseo por la iconografía kitsch de la muerte presente en los cementerios de Andalucía con visitas a las tumbas de Manolete o Joselito El Gallo, realizada en 1991, actualizada con obras recientes sobre Camarón y Bambino.

La serie L’esprit de l’escalier en Andalousie cierra la exposición de Agredano en el CAAC. Fotografía: Ars Operandi

Nacido en Córdoba aunque formado artísticamente en Sevilla, Rafael Agredano no mantuvo en el principio de su carrera un especial contacto profesional con su ciudad natal. Apenas cabe reseñar la colectiva de los por entonces Jóvenes Pintores Sevillanos que llevó a la Posada del Potro en 1984 a buena parte de los integrantes del Grupo de Sevilla. Veinte años más tarde vuelve de la mano de Mariano Navarro para inaugurar la sala Puertanueva con Arte dentro del Arte. Ese mismo año forma parte de CO'04, colectiva de artistas cordobeses en el 40 aniversario de la celebración del Salón Córdoba. Pero no será hasta un año más tarde cuando, mediante una retrospectiva, su figura se reivindica desde la ciudad que lo vio nacer. Epílogo sin confirmar, comisariada por Oscar Fernández y Jesús Alcaide para la Fundación Rafael Botí, significó la primera revisión en profundidad de la obra de Agredano y su catálogo constituye la única monografía editada hasta el momento sobre el conjunto de su obra. Más recientemente, trabajos suyos formaron parte de La enfermedad, la muerte. Reflejos y visiones en el arte cordobés, comisariada en 2009 por José Mª Baez para la sala Vimcorsa de nuestra ciudad.

Rafael Agredano
Prólogos

Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla Del 26 de enero al 13 de mayo de 2012

Comisariada por Esther Regueira.

Superficies. Grabados de Oier Pesquera en la Casa del Inca

2012-01-28T10:21:00.002+01:00

Oier Pesquera Blázquez, S/T

Desde el pasado 21 de enero, y hasta el 28 de febrero, la montillana Casa del Inca acoge en su Sala Alta la exposición titulada Superficies, a cargo del grabador Oier Pesquera Blázquez. Nacido en Éibar en 1972, y residente en Córdoba desde hace dos años, Pesquera es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, con estudios ampliados en la Facultad de Bellas Artes de Berlín H.D.K y en el Taller de Grabado Calcográfico de la Escuela de Enseñanazas Artesanales de Deva. La muestra Superficies está compuesta de grabados calcográficos, serigrafías, collages y técnicas mixtas de obra gráfica tanto seriada como única.

Oier Pesquera Blázquez

Superficies

Casa-museo del Inca Garcilaso de la Vega

C/ Capitán Alonso de Vargas, 3 14550, Montilla (Córdoba)

Teléfono 957 652 354

Del 21 de enero hasta el 28 de febrero

La Semana de Video Iberoamericano en la Filmoteca y en La Fragua

2012-01-26T00:28:00.001+01:00

Por segundo año consecutivo la Filmoteca de Andalucía acoge la Semana de Video Iberoamericano, un encuentro internacional que reúne programas de video seleccionados por cuatro comisariados que muestran trabajos de diecinueve artistas tanto españoles como latinoamericanos. El encuentro, dirigido por el comisario independiente y crítico de arte José Ramón Barbancho, comparte en esta cuarta edición la sede con la Residencia de Artistas La Fragua de Belálcazar donde durante el pasado fin de semana se han podido visionar los seis programas que conforman el ciclo.

Asim'tria, el Festival de nuevas tecnologías para la creación, cultura libre, nuevos medios, democracia y arte contemporáneo radicado en Perú ha conformado el primer programa que cuenta con obras de Cecilia Cerdeña y Luis Monteagudo,Marco Valdivia, Mauricio Sanhueza, Jorge Alejandro Vargas Prado,Mauricio Godoy,Andrea Inocêncio y Marcelí Antúnez. Laura Baigorri , especialista en Arte y Nuevos Medios de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona reúne bajo el título ¡Siempre en la lucha! una selección de trabajos de artistas cubanos entre los que incluye a Luis Gárciga, Javier Castro, Grethell Rasúa, el colectivo Luis o Miguel y José Vieira. Hoy jueves será el turno del programa de artistas españoles confeccionado por Juan Ramón Barbancho que incluye obras de Sandra Carvalho y Felipe Ortega-Regalado, Almalé-Bondía, Marisa González, Joaquín Delgado y Proyecto Videolab. El viernes sesión doble con los ciclos de Ada Azor y Nicolás Dumit Estévez. La coordinadora del Proyecto Circo de Cuba propone un programa con artistas españoles y cubanos de la mano de Duniesky Martín, Henry Eric Hernández, Jenny Brito, Luis Gárciga, Ricardo Miguel Hernández y Rita Rainho. Por su parte el artista y curator Nicolás Dumit Estévez presenta Érase una vez con videoartistas norteamericanos y puertorriqueños como Nayda Collazo-Llorens, Quintín Rivera Toro con Ozzie Forbes,Scherezade García yMigdalia Luz Barens-Vera.

Como ocurriera en la edición de 2010 con Beth Moysés, la Semana de video rinde homenaje este año a una artista latinoamericana de reconocida trayectoria a nivel internacional, Angie Bonino (Lima, Perú, 1974). Bonino es pionera en su país en el uso de los nuevos medios -vídeo, videoinstalación, net.art y performance-. Diseñadora gráfica licenciada en artes plásticas con la especialidad de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Perú, ha cursado una beca de master en sistemas interactivos para el audiovisual en Mecad Escuela de Master de la Escuela de Diseño ESDI y la Universidad Ramón Llull. Comisaria/directora de VIDEOAKT, bienal de vídeo de Barcelona y profesora en diversas universidades e instituciones en su faceta artística tiene en su haber numerosas exposiciones en instituciones como el MEIAC o el Museo de Arte Moderno de Mexico. El ciclo que repasa sutrayectoria incluye obras en video y videoperformances como Evanescer (2010), Habitar (2006), Yo quiero tener un millón de amigos (2007), New world order (2008) y Videodanza (2009).

Freijo Fine Art presenta en Madrid una de las épocas menos conocidas de José Duarte

2012-01-23T19:27:00.000+01:00

Una de las obras que componen la muestra El Romanticismo en José Duarte

Desde el pasado 19 de enero, la galería madrileña Freijo Fine Art presenta al público la última exposición individual de José Duarte, titulada El Romanticismo en José Duarte. La muestra presenta una selección de quince pinturas y cinco dibujos, realizados entre 1980 y 1986. Para la reconocida galerista Angustias Freijo, comisaria de la exposición, el criterio seguido para dar unidad a la muestra ha sido "el de seleccionar aquellas obras que nos recuerdan al Romanticismo, y que dentro de la figuración aportan una lectura interesante de analizar en su contexto histórico y también en su aspecto plástico, pues se trata de lenguajes que internacionalmente, en ese mismo momento desarrollan también, autores de gran importancia", según nos comunica la comisaria. Freijo Fine Art, galería fundada en 2010, y que dirigen Angustias Freijo y Manuel Gonzalez Freijo, veteranos marchantes y coleccionistas, está especializada en pintura y escultura contemporánea internacional, con especial predilección por el arte mexicano y latinoamericano, entre los que han de incluirse los grandes autores del exilio español junto a la obra de los artistas mexicanos contextualizados con las vanguardias históricas europeas y la pintura de entreguerras.

José Duarte (Córdoba, 1928), miembro fundador del Equipo 57, es autor de una extensa obra artística que le ha llevado a situarse entre los más relevantes nombres del arte contemporáneo, con exposiciones ininterrumpidas desde su primera individual en 1950. La época seleccionada por Angustias Freijo para mostrar la evolución de Duarte durante la primera mitad de los ochenta se configura como un importante momento del pintor cordobés, en el que abandona algunas temáticas relacionadas con su trayectoria en Estampa Popular, aunque prosiguiendo en el campo de la figuración. En 1982 Duarte expone en Madrid la muestra titulada Duarte. Óleos recientes, que sería el fin de la colaboración con la galería Ramón Durán. En este mismo año, Duarte estuvo presente en Córdoba exponiendo en la Posada del Potro. Es un momento de cambio donde, a la vez que sigue su labor de grabador, se va redefiniendo como pintor, con nuevas propuestas como las que se mostraron al público en la galería Studio 52 de nuestra ciudad, centrada en una temática paisajista, con vistas urbanas madrileñas. A partir de este momento, Duarte inicia una profunda reflexión creativa que le llevará a estar ausente de las exposiciones hasta 1989, por lo que la muestra El Romanticismo en José Duarte nos ofrece la oportunidad de indagar por vez primera en las creaciones realizadas en tan importante periodo vital del pintor.

José Duarte

El Romanticismo en José Duarte

Galería Freijo Fine Art
General Castaños 7, 1º izq

28004 Madrid

Comisaria: Angustias Freijo

El Huerto de Venancio

2012-01-23T18:28:00.000+01:00

TRIBUNA ABIERTA

por Luis M. García Cruz

Escultor, profesor de la Escuela de Arte Dionisio Ortiz

Una de las obras de Venancio Blanco presentes en la muestra. Foto: Luis M. García

El pasado doce de enero se celebró en la sala de exposiciones de la Escuela de Arte La Palma de Madrid una interesante exposición de escultura, acompañada del dibujo como es habitual al hablar del maestro Venancio Blanco. Espacio, materia y reflexión creadora como temas permanentes en la obra artística, pero también en el particular enfoque pedagógico del escultor que nos ocupa, y por ende de los autores de la muestra.

La exposición cuyo originalísimo título es, El Huerto de Venancio, responde a la iniciativa colectiva de un grupo de antiguos alumnos de artes y oficios, procedentes de la madrileña Escuela de Moratalaz donde Venancio ejerció, constituyendo un sentido homenaje desde su pluralidad al maestro que en su día los iniciara en la andadura profesional de la escultura, impulsado el hecho desde las antiguas escuelas de artes y oficios junto con los cuatro cursos que paralelamente impartió, sobre fundición entre otras técnicas, en Salamanca, Peñaranda de Bracamonte y Navas del Marqués, en una década como fue la de los ochenta, en la que el panorama de oferta docente no reglada en nuestro pais resultaba prácticamente inexistente.

La muestra está representada por la obra de 15 artistas en su totalidad, si tenemos en cuenta que también Venancio Blanco participa con obra propia entre la de sus alumnos, y a veces también colaboradores. Este hecho expositivo viene a confirmar la cercanía, identificación y compromiso permanente de Venancio y de la fundación que lleva su nombre, con todos aquellos que han compartido y comparten quehaceres, diciendonos mucho del estrecho vínculo personal entre profesor-alumno del que hace gala Venancio, y que en esta ocasión demuestra una vigencia prolongada y estable durante nada menos que una treintena de años.

El grupo de artistas participantes está compuesto por escultores con un dilatado curriculum profesional como Pedro Sanz Labajos, Eleuterio Gordo, Marisol Gómez Nieto, o Jose Luis Yebra, que en la actualidad son profesores en distintas Escuelas de Arte y que también han llevado a cabo no solamente su labor escultórica sino la docente fuera de dichas escuelas, como es el caso de Pedro Sanz (precursor de la fundición artistica dentro de Artes y Oficios) en la Casa Gitana de Oficios de Madrid, los Cuadernos Didácticos en el salmantino Museo de Bellas Artes de Eleuterio Gordo, el grabado a cargo de Marisol Gómez, o la cerámica en el caso de Eduardo Steinko, cuya magnífica medalla conmemorativa en porcelana del pasado año, dedicada al fundador de la Escuela de Cerámica de Madrid, Francisco Alcántara, nos hace reflexionar sobre la necesaria recuperación y puesta en valor de este insigne cordobés, también en su provincia natal, siendo originario de la vecina población de Pedro Abad, con la que también Venancio Blanco mantiene un estrecho vínculo.Otros de los artistas fueron Isabel Martínez, Miguel Reyes, Jose Luis Morales, Raquel Fernández Santos, Jose Alberto de Santos, Miguel Reyes, Emilio Velilla, Angelines Gil, Luisa Rodríguez y Marta Salto, pudiéndose apreciar en las obras expuestas un rico panorama escultórico y dibujístico de muy diversa temática, contando básicamente con un lenguaje entre la figuración expresionista basada en la simplificación de las formas, la construcción abstracta pura, y en ocasiones la obra de contenido simbólico pasando por el paisaje y el retrato. Con un total de 4 dibujos y 24 esculturas y un relieve, realizadas con materiales y técnicas que van desde el modelado directo con escayola, la terracota, la fundición con diversos procedimientos y aleaciones, la construcción directa en metal casi siempre conjugada con diversos materiales (resinas, morteros...), o la talla en madera.

Dibujo de Venancio Blanco

Pese a la complejidad que siempre conlleva una muestra colectiva tan amplia, el conjunto de la obra mantiene una justa unidad, sin apreciarse disonancias ni estridencias excesivas, lo que permite su percepción general como un rico conjunto, perteneciente a una generación bien definida en sus principios estéticos y técnicos, con itinerarios muy distintos, pero iguales en cuanto al criterio de honestidad con la propia obra.Como es lógico mención aparte merece la representacion expuesta a cargo de Venancio Blanco, que aquí cuenta tanto con obra de momentos anteriores como El pastor o el relieve en madera Paisaje de Priego, frente a obra más reciente como el dibujo Suerte de varas, la escultura Juego con el mar, la versión en aluminio de la obra Sinfonía, o el ultimísimo y rotundo Retrato de Irene, realizado solo veinticuatro horas antes, que manifiesta mediante la atenta mirada del niño, lo que por parte del autor resulta un interés, si cabe más acentuado que nunca en los últimos tiempos, por todo lo vinculado al terreno del arte y la infancia, recordándonos su famoso discurso de Ingreso en la Academia de Bellas Artes: El Taller. Baste decir que como siempre nos tiene acostumbrados, aporta lo mejor posible de si mismo, el Venancio coherente y sincero en la obra, siempre didáctico, siempre escultor y dibujante, por encima de todo hombre a la vez que artista.

Al margen de la obra expuesta no queremos dejar de destacar varios capítulos importantes, uno tal vez sea el valor no meramente plástico o afectivo de la muestra, sino el profesional y didáctico en un mismo sentido, al responder a una motivación generosa respecto de los participantes frente a la figura de Venancio, “Exposición homenaje de sus alumnos por su inestimable aportación a las Escuelas de Arte” reza el subtítulo del cartel. Grande es por tanto el valor pedagógico para los actuales alumnos de estas mismas escuelas, partiendo de ellas desde otro momento y materializandose en el presente de las mismas, cuyos profesores y alumnos actuales también nutrieron la inauguración.

En el acto inaugural el propio Director del centro tuvo palabras de reconocimiento y gratitud, como cabeza visible de una Escuela de Arte que demostró estar volcada en el acontecimiento. Resultaba impactante la expresión de los asistentes frente a la proyección de imágenes de los cursos de verano de los ochenta, pero especialmente notoria fue la clara admiración manifestada por todos, así como el entrañable afecto, no exento de sentido del humor, de las palabras que el Maestro dedicó en la presentación.Como siempre, El Maestro demostró públicamente el especial vínculo que mantiene entre otros con la población de Priego de Córdoba, desde sus actuales cursos de verano, a los que lleva asistiendo ininterumpidamente 21 años durante todos los meses de agosto.Como portavoz de los artistas del colectivo Eleuterio Gordo puntualizó que los presentes no son sino una pequeña muestra del extenso conjunto total de alumnos que han recibido clase con Venancio, máxime si tenemos en cuenta que a las alturas profesional y vital del escultor, este continúa, como aquí atestigua, concediendo atención prioritaria al ámbito de la docencia, con especial acento con las promociones más jóvenes. Verdadero ejemplo pues de tenacidad y entusiasmo docente. Y es que ya lo dijo María Zambrano en su ensayo titulado La vocación de maestro: el alumno se yergue. Y es ese segundo instante cuando el maestro con su quietud, ha de entregarle lo que parece imposible, ha de transmitirle, antes que un saber, un tiempo, un espacio de tiempo, un camino de tiempo. El maestro ha de llegar, como el autor, para dar tiempo y luz, los elementos esenciales de toda mediación”.Y tendríamos que añadir que en todo este tiempo, esa voluntad de hacer crecer la amistad y la luz en Venancio nunca ha cesado.

Para finalizar tal vez nos quede aclarar, de cara a aquellos que no conozcan directamente a Venancio, el propio título de la exposición, con el que pensamos que los autores de la colectiva lanzan un guiño de complicidad al profesor suyo que fue y sigue siendo. Y es que así son las cosas de Venancio Blanco, enseñando siempre con rigor pero desenfadamente, abundando en metáforas y símiles que siempre dejan al alumno pensando antes de responder. Como nosotros nos quedamos también pensando tal vez en este huerto prodigioso donde hay de todo y además bueno, posiblemente porque como todo hombre apegado a la tierra sabe, todo aquello que se cuida y trabaja con constancia prolongada, con dedicación, con buenas manos, acaba fructificando. Ya lo apuntó también Voltaire, uno de los padres de La Enciclopedia y otro de los grandes pedagogos, en el final de su célebre Cándido: “tenemos que cultivar nuestro pequeño jardín... aunque bien podría valer aquí nuestro símil hortícola: toda la pequeña sociedad entró por este loable propósito; cada cual se puso a ejercitar sus talentos. La tierrecilla produjo mucho.”

There is no end. Fernando M. Romero vuelve a Berlín

2012-01-22T13:04:00.001+01:00

Unexpected_03, obra de Fernando M. Romero en la galería Egbert Baqué de Berlín

El artista Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) participa en estos días en There is no end - A tribute to Jackson Pollock, exposición colectiva que se celebra en la galería berlinesa Egbert Baqué Contemporary Art. La muestra pretende rendir homenaje a una de las figuras fundamentales del arte del siglo XX justo cuando se va a cumplir el primer centenario de su nacimiento. La obra del artista norteamericano reviste especial importancia en la plástica de la segunda mitad de siglo y es posible rastrear aún su notable influencia en el trabajo de numerosos artistas. There is no end reúne obras de Selket Chlupka,Yago Hortal, Wolfgang Neumann, Tim Plamper además de el propio Romero que, desde diferentes posicionamientos - la figuración, la abstración, la pintura o el video-, aluden a determinados aspectos de la vida y de la obra de Pollock.

Fernando M. Romero se ha enfrentado con el elemento gestual de la pintura de Pollock a la hora de abordar su cometido. Con la intención de "capturar o congelar el gesto", ha recopilado muestras de los patrones abstractos resultantes del trabajo de Pollock y ha generado la obra a partir de la acumulación, deformación y distorsión de todos estos fragmentos de información visual. Según se afirma en el texto de presentación de la exposición "a lo largo de este proceso también ha abordado el problema del espacio en la pintura abstracta, un problema para el que ha encontrado soluciones fascinantes". Tres de las cuatro obras que el artista cordobés presenta en la muestra han sido creadas expresamente para la ocasión. En ellas ha sometido fragmentos e imágenes del trabajo de Pollock a su habitual proceso de reconstrucción a partir de imágenes ya existentes. De esta manera, afirma, "a través de la repetición del mismo proceso una y otra vez sobre los mismos referentes (generando así un bucle), doy lugar a nuevas imágenes resultantes en las que se ponen de manifiesto los artificios de la representación y de la propia pintura. Así, estas imágenes oscilan entre la abstracción y el referente, entre la superficie bidimensional y la simulación de la tercera dimensión, entre la retórica visual desplegada y sus referentes originales. El resultado de este difícil equilibrio es una pintura en la que las contradicciones inherentes a su propia práctica pasan al primer plano. Así, las fallas en la representación se magnifican con el fin de acotar un terreno en el que poder lidiar con los interrogantes que la práctica de la pintura nos sigue planteando hoy día".

Obras de Fernando M. Romero en la colectiva There is no end. A tribute to Jackson Pollock

La exposición, abierta al público desde el pasado sábado, tendrá una segunda inauguración el próximo 28 de enero, día en el que se conmemora el centenario de Pollock y que coincide con la celebración de la Noche de los Museos de Berlín. La galería fue fundada en otoño de 2005 por Egbert Baqué quien desde principios de los noventa ha trabajado como autor independiente, traductor, curador y como gerente de proyectos en el ámbito del intercambio cultural internacional.Fundó su primera galería en 1991 y posteriormente desarrolló su trabajo en París en la organización de exposiciones de artistas como Georg Baselitz , Markus Lüpertz y Helmut Middendorf entre otros. La galería, dedicada fundamentalmente a la pintura y a la fotografía, está situada en el centro occidental de Berlin junto a laKurfürstendamm.

There is no end prologa el regreso de Fernando M. Romero a la capital alemana, ciudad en la que ya residiera con motivo de la Beca Córdoba Artes Nobles, convocada por el Ayuntamiento de Córdoba desde 2003 hasta su desaparición en 2009. En la actualidad el artista prepara la cita que inicia su colaboración con la galería Siboney de Santander con la que acudirá a JUSTMAD, la feria de creación contemporánea especializada en arte emergente que celebrará su tercera edición del 16 al 19 de Febrero. Con la dirección de Giulietta Speranza y un equipo comisarial formado por Javier Duero, Martí Manen y Luiza Teixeira de Freitas, JUSTMAD3 aumenta su participación y albergará este año más de 70 expositores que se darán cita en el parking del Hotel Silken Puerta América de Madrid. Tras su participación en la feria, Romero volverá para establecerse de nuevo en Berlín y afrontar la preparación de su primera individual en la Egbert Baqué Contemporary Art.

There is no end. A tribute to Jackson Pollock

Egbert Baqué Contemporary Art

Fasanenstrasse 3710719 Berlin

Hasta el 25 de febrero

Ha muerto Emilio Serrano

2012-01-21T21:34:00.005+01:00

Emilio Serrano. Foto: R.A.C.

Emilio Serrano, director que fue de la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Córdoba, maestro grabador, artista insigne, ha fallecido hoy a la edad de 67 años, en la plenitud de sus facultades.

Emilio Serrano, nacido en Córdoba, comenzó en 1960 sus estudios artísticos en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de nuestra ciudad. Tras cursar tres años pasó a la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla, terminando su Licenciatura en Barcelona, donde obtuvo en 1968 el Título de Profesor de Dibujo, especialidad Pintura. En 1965 es Diplomado en la Escuela Internacional de Pintura Mural de San Cugat del Vallès, en Barcelona. De 1979 a 1981 es Profesor Titular de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. En los años de 1985 a 1998 desarrolla su labor docente como Profesor Numerario en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Córdoba (hoy Escuela de Arte Dionisio Ortiz). En 1992 creó la Asociación de Grabadores de Córdoba, ingresando en 2006 como Académico Numerario de la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba.

La obra de Serrano se desarrolló siempre dentro del campo realista, donde trabajó un estilo minucioso, que creó escuela. Maestro indiscutible del grabado, cuyo profundo conocimiento técnico le permitió creaciones de una enorme expresividad, es en el dibujo donde sus creaciones se acercaron más al hiperrealismo. Lejos de ser una copia fotográfica de la realidad, la obra de Serrano muestra una suerte de prospección psicológica en paisajes intimistas y familiares, en la que se complementan bodegones y retratos. Su enorme legado ha de ponderarse más allá de la necrológica que Ars Operandi, como tributo a su memoria, ahora publica. El funeral se realizará el domingo 22 de enero a las once de la mañana en la Iglesia de Santiago de nuestra ciudad.

S T T L

"Haced mapas", Tete Álvarez en Arte21.

2012-01-18T17:09:00.000+01:00

Transurbancias, I. Tete Álvarez

El interés por los sistemas de representación no es nuevo en la obra de Tete Álvarez (Cádiz,1964), la asunción del espacio público como territorio de negociación le ha llevado a desarrollar un trabajo que investiga sobre las tramas urbanas y las derivas, la representación del territorio a través del mapa y de dispositivos de geolocalización. En Topografías, la muestra que presenta en la galería Arte21 a partir del 20 de enero, Tete Álvarez ofrece tres series fotográficas Transurbancias, Ciudades Líquidas y Vértices que responden a estos intereses.

La transurbancia es el método que propone el colectivo de investigación urbana Stalker para atravesar, recorrer y mapear los terrain vague. En Transurbancias, Tete Álvarez propone cartografiar una configuración urbana construida a partir de lo que Castells denomina “una nueva lógica espacial basada en flujos de información, frente a la lógica de la organización social arraigada en la historia de los lugares y territorios locales inmediatos”. Otra cartografía que permita realizar una deriva que gracias a los flujos nos desplace, por ejemplo, desde el barrio porteño de Mataderos hasta el sevillano del Tiro de Línea. Sobre un collage formado por numerosos fragmentos de imágenes satelitales –de tramas urbanas de diferentes lugares del mundo como paradigma de la calidad heterotópica del espacio urbano moderno– se superponen mapas de distintas épocas y procedencias, en alusión al tiempo de la historia, y planos sobreimpresionados de sistemas de comunicaciones, flujos de transportes, líneas de metro, etc. que tienen que ver con la nueva espacialidad de los flujos. Estos flujos forman parte de un sistema global y determinan un tiempo distinto, el de la atemporalidad, el de la aceleración y la simultaneidad, frente al tiempo de las estaciones o de la historia. Los espacios de conexión, vías de transporte o puntos de intercambio telemático son los verdaderos soportes de la identidad metropolitana. Mapas ácronos y heterotópicos y al igual que los de los situacionistas, ajenos a las fronteras administrativas de las ciudades que homogeneizan el espacio.

Ciudades Líquidas. Tete Álvarez

La metáfora de lo líquido y del fluir define la experiencia urbana actual. Tanto es así que está minando todos los resortes de la ciudad haciendo que la propia idea de urbe se desmorone y sea sustituida por núcleos de población más o menos informes. Lo más interesante de este proceso hacia lo líquido es que está afectando incluso a las viejas ciudades. Mientras la memoria de los lugares se fija cada vez más gracias al fenómeno turístico, la realidad de estos lugares se diluye cada vez más rápido. Ciudades líquidas toma como punto de partida imágenes satelitales de cascos urbanos de ciudades históricas para metamorfosear su trazado y convertirlo en un líquido denso pero a la vez fluido. Como apunta Pérez Villén en el texto editado con motivo de la muestra, “el proceso comienza con la elección de una determinada ciudad histórica –Estambul, Córdoba, Jerusalén– para centrarse en la herida que representa su trama. El tiempo se cobra la recompensa de su lento discurrir y facilita la emergencia de un tatuaje, siempre luctuoso. A la vez que se objetiva una imagen del caos –ese retrato a contraluz que representa la cicatriz de la historia– de forma paulatina fermenta la impresión de que los lugares ya no importan y que los límites no marcan pues todo se desborda. La ciudad se extralimita y sólo consigue transpirar la imagen líquida de lo que fue su pulso".

Cerro Trapero. Tete Álvarez

Las redes geodésicas están formadas por un conjunto de puntos materializados sobre el terreno, los vértices geodésicos, de los cuales se ha medido su posición con una gran precisión y que se han materializado sobre el terreno con hitos o señales. Esta materialización se hizo, por lo general, con cilindros de 1,20 metros de altura sobre un dado de hormigón cilíndrico o cuadrangular. Encima de la señal se instalaba el instrumento topográfico para hacer las mediciones necesarias, y desde cada una se deben ver varias, por lo que están situados en los lugares más altos y despejados. Vértices trabaja en el orden de interrogar acerca de la percepción del espacio, del territorio que permanece en la época del fin de la geografía, cuando las distancias han quedado reducidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real. Para Pérez Villén estos Vértices conforman “una suerte de paisajes involuntarios. Y lo son porque cada fotografía de la serie –las imágenes incorporan las coordenadas exactas de su localización– además de señalar la aleatoriedad de la elección y el caprichoso artificio que otorga a cada lugar la singularidad y la virtualidad de la naturaleza, se debe en exclusiva al precepto de informar sobre la contingencia de un dispositivo determinado de la trama topográfica”.

Tete Álvarez realiza desde principios de los noventa obras en las que toma como soporte la instalación, el vídeo y la fotografía. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales en las galerías Cavecanem (Sevilla), Trama (Barcelona y Madrid), Valle Ortí (Valencia) y T20 (Murcia), además de instituciones como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla) y el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca. Desde 1998 sus trabajos han estado presente en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, así como en exposiciones colectivas en distintos países de Europa y América. Seleccionado por Okwui Enwezor para participar en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, sus trabajos han podido verse entre otros en el Salón Internacional de Fotografía, Paris Photo de la mano de la galería T20. Cuenta con obra en museos y colecciones como la Ordóñez-Falcón, la colección Testimoni de La Caixa, el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca o el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La exposición en la galería Arte21 supone la primera ocasión en la que se pueden contemplar los trabajos de Tete Álvarez en una galería privada de Córdoba, ciudad en la que habitualmente reside. Con motivo de la cita se ha publicado un catálogo con una edición limitada con texto a cargo del crítico de arte y comisario de exposiciones, Ángel Luis Pérez Villén. La muestra de Tete Álvarez coincide con dos exposiciones colectivas en las que participa, A las ciudades se le conoce como a las personas, en el andar , comisariada por Luisa López Moreno y Juan Antonio Álvarez Reyes en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y Mundos propios. Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de Hoy, comisariada por Sema D'Acosta para la Fundación Madariaga de las que hemos dado ya cumplida referencia a nuestros lectores en ediciones anteriores.

Tete Álvarez. Topografías

Del 20 enero al 29 febrero 2012

Galería Arte21

Manuel María de Arjona, 4

Inauguración: viernes 20 de enero, 20 h.

Catálogo online

Mundos Propios. Fotografía contemporánea andaluza en la Fundación Madariaga

2012-01-16T00:32:00.001+01:00

Manolo Bautista. Natural Portrait, 2009.

Sema D'Acosta vuelve a tomarle el pulso a la fotografía andaluza contemporánea. Si ya en AfterPost (Espacio Iniciarte, Sevilla. 2010) confrontaba la obra de artistas andaluces con nombres como los de Sherrie Levine, Casabere, Baldessari, Gonnord o Vik Muniz para reflexionar sobre los difusos límites lo fotográfico, ahora centra su estudio en elucidar los itinerarios por los que transita la fotografía andaluza en los umbrales del siglo XXI. Una fotografía andaluza como paradigma de los significados que toma la imagen en nuestro tiempo que vive un momento "especialmente próspero" y que debido a su "variedad, profusión y viveza" sería imposible acotar en un único territorio. En Mundos propios. Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de Hoy, D'Acosta plantea "un horizonte abierto que pueda ser representativo de una globalidad dinámica y en extremo permeable" a través de ocho capítulos característicos en la práctica fotográfica. Paisaje, La vida alrededor, Paradojas e ironías, Variaciones, El Cuerpo, Imagen y Concepto, Lugar y Foto-instalación conforman el andamiaje sobre el que se despliega la obra de 24 artistas que con sus trabajos ponen en evidencia la pureza de la fotografía como medio. Son artistas que valoran especialmente la importancia del proceso y que consideran la fotografía no como punto final sino más bien "un método de experimentación que ayuda a fijar una imagen-sensación en el tiempo". En este sentido, afirma el comisario de la muestra, "las cuestiones que rodean a cualquier hecho fotográfico son las que verdaderamente lo enriquecen, unos bordes porosos que favorecen la interacción con otras disciplinas y la emanación hacia otros campos".

Tete Álvarez. Cerro Trapero, 2010

En cuanto al planteamiento expositivo, Mundos Propios pretende posicionarse más allá de los simples objetos artísticos o las prácticas museográficas habituales "asumiendo que el significado de la fotografía en nuestros días no encaja con ciertos parámetros comúnmente establecidos. No tanto en el modo de plantear las piezas en el espacio, sino en el de comprender las obras como trabajos conceptuales implicados en un proceso creativo-expresivo que supera la simple lógica de los objetos museables". De esta manera en algunos casos se exhiben piezas acabadas y cerradas; en otros trabajos todavía sin finalizar, "ensayos que nos descubren la trascendencia de un recorrido que permite modificaciones de manera orgánica. Pretendemos mostrar el haz y el envés de la fotografía, tanto el escenario como el backstage, dando igual protagonismo -o más- a las etapas previas que a su estado final".

M. A. Moreno Carretero. Azul vertical I, 2011.

En Mundos Propios se dan cita varias generaciones de creadores andaluces. Desde artistas nacidos en los sesenta con trayectorias ya dilatadas como Dionisio González, José María Mellado o Jesús Micó hasta la más nueva hornada que representan José Guerrero, Karmelo Bermejo, Fernando Bayona y Clara González Ortega. Entre ambos polos se sitúan nombres bien conocidos de la fotografía en Andalucía como Carlos Aires, Juan del Junco, Noelia García Bandera, Asunción Lozano o Carlos Miranda junto a otros que empiezan a sonar con fuerza como Celia Macías, Miguel A. Tornero, recientemente en la sala Iniciarte de nuestra ciudad o Jorge Yeregui, flamante ganador de la V edición del Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler. Completan la nómina de fotógrafos andaluces Aaron Lloyd, Paco Mesa Lola Marazuela, David Jiménez, Camino Laguillo, Lucas Gómez y Paco Peregrín. Cabe destacar, por último, una importante presencia en Mundos Propios de autores cordobeses o establecidos en nuestra ciudad. Manolo Bautista, Miguel Ángel Moreno Carretero y Tete Álvarez completan una lista de artistas que reflejan desde distintos ángulos la heterogeneidad de una disciplina sumida en continuos procesos de cambio.

Dionisio González. Halong VI, 2008.

La Fundación Valentín de Madariaga hace patente con este proyecto su apuesta decidida por la difusión de las manifestaciones artísticas contemporáneas que será completada en los próximos meses con la publicación de una guía de la fotografía andaluza contemporánea, dirigida por Sema D’Acosta, en la que se incluyen referencias de 70 autores de nuestra comunidad. Cabe reseñar que Mundos Propios se imbrica con el curso de Comisariado y Desarrollo de Proyectos Expositivos en Arte Contemporáneo impartido por el propio D’Acosta en la Fundación Valentín de Madariaga durante los últimos tres meses, en el que ha llevado a cabo un planteamiento didáctico que ha conseguido involucrar a 30 alumnos en la preparación real de una exposición de arte contemporáneo.

Mundos propios.Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de Hoy

Comisario:Sema D’Acosta

Del 19 de enero al 20 de marzo de 2012

Fundación Valentín de Madariaga

Avenida María Luisa, s/n - Sevilla

López Espí presenta sus cómics originales en la exposición Superhéroes Vértice

2012-01-13T21:31:00.001+01:00

Una de las portadas de López Espí para Ediciones Vértice

Superhéroes Vértice. López Espí y el origen de Marvel es el títiulo de la exposición que la sala Cajasur Reyes Católicos presenta el próximo miércoles 18 de enero, con la presencia del autor, quien dará una conferencia como parte del acto inaugural. Comisariada por Fernando González Viñas, la muestra exhibirá originales de López Espí utilizados en diferentes portadas Vértice, incluyendo los cómics originales y con anotaciones del artista. Asimismo habrá un ciclo de cine sobre Superhéroes Marvel con inicio el 19 de enero, y se editará un completo catálogo con información técnica de las ediciones expuestas.

Rafael López Espí, nacido en Barcelona en 1937, comenzó profesionalmente su carrera artística en el año 1953, en la Editorial Símbolo. En el terreno profesional cubrió diferentes etapas hasta diversificar su creación artística. López Espí trabajó de forma continuada para editoriales del Reino Unido, Francia, Suecia, México, Italia, Alemania y EEUU, sin abandonar España. La mayoría de la obra realizada por López Espí para las editoriales extranjeras continúan en la actualidad inéditas en nuestro pais, series de westerns como Rex Raven, Billy McGregor o Riffle, entre otras.

Superhéroes Vértice. López Espí y el origen de Marvel

Inauguración miércoles 18 de enero, 20:00 h

Sala Cajasur Reyes Católicos

Reyes Católicos 6, Córdoba

Hasta el 2 de marzo

Comisario: Fernando González Viñas

La Córdoba monumental y artística de Romero Barros: cita en el Bellas Artes el próximo domingo

2012-01-13T20:58:00.001+01:00

Córdoba monumental y artística, la obra de Rafael Romero Barros caligrafiada e ilustrada por su hijo Rafael, será el domingo 15 de enero protagonista en el Museo de Bellas Artes de Córdoba de una nueva edición de La obra del mes, ciclo que esta institución lleva realizando ininterrumpidamente durante años con un constante éxito de público, que sigue fielmente unas citas dominicales que congregan a gran cantidad de amantes de las bellas artes.

En esta ocasión, la obra a tratar será presentada por Mercedes Mudarra Barrero, Jefa de Servicio de Infraestructuras Museísticas de la Junta de Andalucía, y autora del estudio editado en 1991 junto a una edición facsímil de la obra. Córdoba monumental y artística pretendió ser una guía completa del acervo patrimonial de la ciudad, empeño que quedó inconcluso en 1884, y cuyo manuscrito estuvo inédito hasta 1991. La obra contiene diversos escritos de Romero Barros que inician con la historia de la ciudad, las basílicas de San Vicente y San Acisclo y dos capítulos dedicados a la Mezquita, estudio que quedó sin terminar. Abundantes notas y exquisitos apuntes a plumilla de Rafael Romero de Torres hacen del original una de las más interesantes obras historiográficas del XIX cordobés.

La obra del mes

Córdoba monumental y artística, de Rafael Romero Barros

Presenta Mercedes Mudarra Barrero

Museo de Bellas Artes de Córdoba

Plaza del Potro, 1

Domingo 15 de enero, 13 h