ARS OPERANDI

Superficies. Grabados de Oier Pesquera en la Casa del Inca

2012-01-28T10:21:00.002+01:00

Oier Pesquera Blázquez, S/T

Desde el pasado 21 de enero, y hasta el 28 de febrero, la montillana Casa del Inca acoge en su Sala Alta la exposición titulada Superficies, a cargo del grabador Oier Pesquera Blázquez. Nacido en Éibar en 1972, y residente en Córdoba desde hace dos años, Pesquera es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, con estudios ampliados en la Facultad de Bellas Artes de Berlín H.D.K y en el Taller de Grabado Calcográfico de la Escuela de Enseñanazas Artesanales de Deva. La muestra Superficies está compuesta de grabados calcográficos, serigrafías, collages y técnicas mixtas de obra gráfica tanto seriada como única.

Oier Pesquera Blázquez

Superficies

Casa-museo del Inca Garcilaso de la Vega

C/ Capitán Alonso de Vargas, 3 14550, Montilla (Córdoba)

Teléfono 957 652 354

Del 21 de enero hasta el 28 de febrero

La Semana de Video Iberoamericano en la Filmoteca y en La Fragua

2012-01-26T00:28:00.001+01:00

Por segundo año consecutivo la Filmoteca de Andalucía acoge la Semana de Video Iberoamericano, un encuentro internacional que reúne programas de video seleccionados por cuatro comisariados que muestran trabajos de diecinueve artistas tanto españoles como latinoamericanos. El encuentro, dirigido por el comisario independiente y crítico de arte José Ramón Barbancho, comparte en esta cuarta edición la sede con la Residencia de Artistas La Fragua de Belálcazar donde durante el pasado fin de semana se han podido visionar los seis programas que conforman el ciclo.

Asim'tria, el Festival de nuevas tecnologías para la creación, cultura libre, nuevos medios, democracia y arte contemporáneo radicado en Perú ha conformado el primer programa que cuenta con obras de Cecilia Cerdeña y Luis Monteagudo,Marco Valdivia, Mauricio Sanhueza, Jorge Alejandro Vargas Prado,Mauricio Godoy,Andrea Inocêncio y Marcelí Antúnez. Laura Baigorri , especialista en Arte y Nuevos Medios de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona reúne bajo el título ¡Siempre en la lucha! una selección de trabajos de artistas cubanos entre los que incluye a Luis Gárciga, Javier Castro, Grethell Rasúa, el colectivo Luis o Miguel y José Vieira. Hoy jueves será el turno del programa de artistas españoles confeccionado por Juan Ramón Barbancho que incluye obras de Sandra Carvalho y Felipe Ortega-Regalado, Almalé-Bondía, Marisa González, Joaquín Delgado y Proyecto Videolab. El viernes sesión doble con los ciclos de Ada Azor y Nicolás Dumit Estévez. La coordinadora del Proyecto Circo de Cuba propone un programa con artistas españoles y cubanos de la mano de Duniesky Martín, Henry Eric Hernández, Jenny Brito, Luis Gárciga, Ricardo Miguel Hernández y Rita Rainho. Por su parte el artista y curator Nicolás Dumit Estévez presenta Érase una vez con videoartistas norteamericanos y puertorriqueños como Nayda Collazo-Llorens, Quintín Rivera Toro con Ozzie Forbes,Scherezade García yMigdalia Luz Barens-Vera.

Como ocurriera en la edición de 2010 con Beth Moysés, la Semana de video rinde homenaje este año a una artista latinoamericana de reconocida trayectoria a nivel internacional, Angie Bonino (Lima, Perú, 1974). Bonino es pionera en su país en el uso de los nuevos medios -vídeo, videoinstalación, net.art y performance-. Diseñadora gráfica licenciada en artes plásticas con la especialidad de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Perú, ha cursado una beca de master en sistemas interactivos para el audiovisual en Mecad Escuela de Master de la Escuela de Diseño ESDI y la Universidad Ramón Llull. Comisaria/directora de VIDEOAKT, bienal de vídeo de Barcelona y profesora en diversas universidades e instituciones en su faceta artística tiene en su haber numerosas exposiciones en instituciones como el MEIAC o el Museo de Arte Moderno de Mexico. El ciclo que repasa sutrayectoria incluye obras en video y videoperformances como Evanescer (2010), Habitar (2006), Yo quiero tener un millón de amigos (2007), New world order (2008) y Videodanza (2009).

Freijo Fine Art presenta en Madrid una de las épocas menos conocidas de José Duarte

2012-01-23T19:27:00.000+01:00

Una de las obras que componen la muestra El Romanticismo en José Duarte

Desde el pasado 19 de enero, la galería madrileña Freijo Fine Art presenta al público la última exposición individual de José Duarte, titulada El Romanticismo en José Duarte. La muestra presenta una selección de quince pinturas y cinco dibujos, realizados entre 1980 y 1986. Para la reconocida galerista Angustias Freijo, comisaria de la exposición, el criterio seguido para dar unidad a la muestra ha sido "el de seleccionar aquellas obras que nos recuerdan al Romanticismo, y que dentro de la figuración aportan una lectura interesante de analizar en su contexto histórico y también en su aspecto plástico, pues se trata de lenguajes que internacionalmente, en ese mismo momento desarrollan también, autores de gran importancia", según nos comunica la comisaria. Freijo Fine Art, galería fundada en 2010, y que dirigen Angustias Freijo y Manuel Gonzalez Freijo, veteranos marchantes y coleccionistas, está especializada en pintura y escultura contemporánea internacional, con especial predilección por el arte mexicano y latinoamericano, entre los que han de incluirse los grandes autores del exilio español junto a la obra de los artistas mexicanos contextualizados con las vanguardias históricas europeas y la pintura de entreguerras.

José Duarte (Córdoba, 1928), miembro fundador del Equipo 57, es autor de una extensa obra artística que le ha llevado a situarse entre los más relevantes nombres del arte contemporáneo, con exposiciones ininterrumpidas desde su primera individual en 1950. La época seleccionada por Angustias Freijo para mostrar la evolución de Duarte durante la primera mitad de los ochenta se configura como un importante momento del pintor cordobés, en el que abandona algunas temáticas relacionadas con su trayectoria en Estampa Popular, aunque prosiguiendo en el campo de la figuración. En 1982 Duarte expone en Madrid la muestra titulada Duarte. Óleos recientes, que sería el fin de la colaboración con la galería Ramón Durán. En este mismo año, Duarte estuvo presente en Córdoba exponiendo en la Posada del Potro. Es un momento de cambio donde, a la vez que sigue su labor de grabador, se va redefiniendo como pintor, con nuevas propuestas como las que se mostraron al público en la galería Studio 52 de nuestra ciudad, centrada en una temática paisajista, con vistas urbanas madrileñas. A partir de este momento, Duarte inicia una profunda reflexión creativa que le llevará a estar ausente de las exposiciones hasta 1989, por lo que la muestra El Romanticismo en José Duarte nos ofrece la oportunidad de indagar por vez primera en las creaciones realizadas en tan importante periodo vital del pintor.

José Duarte

El Romanticismo en José Duarte

Galería Freijo Fine Art
General Castaños 7, 1º izq

28004 Madrid

Comisaria: Angustias Freijo

El Huerto de Venancio

2012-01-23T18:28:00.000+01:00

TRIBUNA ABIERTA

por Luis M. García Cruz

Escultor, profesor de la Escuela de Arte Dionisio Ortiz

Una de las obras de Venancio Blanco presentes en la muestra. Foto: Luis M. García

El pasado doce de enero se celebró en la sala de exposiciones de la Escuela de Arte La Palma de Madrid una interesante exposición de escultura, acompañada del dibujo como es habitual al hablar del maestro Venancio Blanco. Espacio, materia y reflexión creadora como temas permanentes en la obra artística, pero también en el particular enfoque pedagógico del escultor que nos ocupa, y por ende de los autores de la muestra.

La exposición cuyo originalísimo título es, El Huerto de Venancio, responde a la iniciativa colectiva de un grupo de antiguos alumnos de artes y oficios, procedentes de la madrileña Escuela de Moratalaz donde Venancio ejerció, constituyendo un sentido homenaje desde su pluralidad al maestro que en su día los iniciara en la andadura profesional de la escultura, impulsado el hecho desde las antiguas escuelas de artes y oficios junto con los cuatro cursos que paralelamente impartió, sobre fundición entre otras técnicas, en Salamanca, Peñaranda de Bracamonte y Navas del Marqués, en una década como fue la de los ochenta, en la que el panorama de oferta docente no reglada en nuestro pais resultaba prácticamente inexistente.

La muestra está representada por la obra de 15 artistas en su totalidad, si tenemos en cuenta que también Venancio Blanco participa con obra propia entre la de sus alumnos, y a veces también colaboradores. Este hecho expositivo viene a confirmar la cercanía, identificación y compromiso permanente de Venancio y de la fundación que lleva su nombre, con todos aquellos que han compartido y comparten quehaceres, diciendonos mucho del estrecho vínculo personal entre profesor-alumno del que hace gala Venancio, y que en esta ocasión demuestra una vigencia prolongada y estable durante nada menos que una treintena de años.

El grupo de artistas participantes está compuesto por escultores con un dilatado curriculum profesional como Pedro Sanz Labajos, Eleuterio Gordo, Marisol Gómez Nieto, o Jose Luis Yebra, que en la actualidad son profesores en distintas Escuelas de Arte y que también han llevado a cabo no solamente su labor escultórica sino la docente fuera de dichas escuelas, como es el caso de Pedro Sanz (precursor de la fundición artistica dentro de Artes y Oficios) en la Casa Gitana de Oficios de Madrid, los Cuadernos Didácticos en el salmantino Museo de Bellas Artes de Eleuterio Gordo, el grabado a cargo de Marisol Gómez, o la cerámica en el caso de Eduardo Steinko, cuya magnífica medalla conmemorativa en porcelana del pasado año, dedicada al fundador de la Escuela de Cerámica de Madrid, Francisco Alcántara, nos hace reflexionar sobre la necesaria recuperación y puesta en valor de este insigne cordobés, también en su provincia natal, siendo originario de la vecina población de Pedro Abad, con la que también Venancio Blanco mantiene un estrecho vínculo.Otros de los artistas fueron Isabel Martínez, Miguel Reyes, Jose Luis Morales, Raquel Fernández Santos, Jose Alberto de Santos, Miguel Reyes, Emilio Velilla, Angelines Gil, Luisa Rodríguez y Marta Salto, pudiéndose apreciar en las obras expuestas un rico panorama escultórico y dibujístico de muy diversa temática, contando básicamente con un lenguaje entre la figuración expresionista basada en la simplificación de las formas, la construcción abstracta pura, y en ocasiones la obra de contenido simbólico pasando por el paisaje y el retrato. Con un total de 4 dibujos y 24 esculturas y un relieve, realizadas con materiales y técnicas que van desde el modelado directo con escayola, la terracota, la fundición con diversos procedimientos y aleaciones, la construcción directa en metal casi siempre conjugada con diversos materiales (resinas, morteros...), o la talla en madera.

Dibujo de Venancio Blanco

Pese a la complejidad que siempre conlleva una muestra colectiva tan amplia, el conjunto de la obra mantiene una justa unidad, sin apreciarse disonancias ni estridencias excesivas, lo que permite su percepción general como un rico conjunto, perteneciente a una generación bien definida en sus principios estéticos y técnicos, con itinerarios muy distintos, pero iguales en cuanto al criterio de honestidad con la propia obra.Como es lógico mención aparte merece la representacion expuesta a cargo de Venancio Blanco, que aquí cuenta tanto con obra de momentos anteriores como El pastor o el relieve en madera Paisaje de Priego, frente a obra más reciente como el dibujo Suerte de varas, la escultura Juego con el mar, la versión en aluminio de la obra Sinfonía, o el ultimísimo y rotundo Retrato de Irene, realizado solo veinticuatro horas antes, que manifiesta mediante la atenta mirada del niño, lo que por parte del autor resulta un interés, si cabe más acentuado que nunca en los últimos tiempos, por todo lo vinculado al terreno del arte y la infancia, recordándonos su famoso discurso de Ingreso en la Academia de Bellas Artes: El Taller. Baste decir que como siempre nos tiene acostumbrados, aporta lo mejor posible de si mismo, el Venancio coherente y sincero en la obra, siempre didáctico, siempre escultor y dibujante, por encima de todo hombre a la vez que artista.

Al margen de la obra expuesta no queremos dejar de destacar varios capítulos importantes, uno tal vez sea el valor no meramente plástico o afectivo de la muestra, sino el profesional y didáctico en un mismo sentido, al responder a una motivación generosa respecto de los participantes frente a la figura de Venancio, “Exposición homenaje de sus alumnos por su inestimable aportación a las Escuelas de Arte” reza el subtítulo del cartel. Grande es por tanto el valor pedagógico para los actuales alumnos de estas mismas escuelas, partiendo de ellas desde otro momento y materializandose en el presente de las mismas, cuyos profesores y alumnos actuales también nutrieron la inauguración.

En el acto inaugural el propio Director del centro tuvo palabras de reconocimiento y gratitud, como cabeza visible de una Escuela de Arte que demostró estar volcada en el acontecimiento. Resultaba impactante la expresión de los asistentes frente a la proyección de imágenes de los cursos de verano de los ochenta, pero especialmente notoria fue la clara admiración manifestada por todos, así como el entrañable afecto, no exento de sentido del humor, de las palabras que el Maestro dedicó en la presentación.Como siempre, El Maestro demostró públicamente el especial vínculo que mantiene entre otros con la población de Priego de Córdoba, desde sus actuales cursos de verano, a los que lleva asistiendo ininterumpidamente 21 años durante todos los meses de agosto.Como portavoz de los artistas del colectivo Eleuterio Gordo puntualizó que los presentes no son sino una pequeña muestra del extenso conjunto total de alumnos que han recibido clase con Venancio, máxime si tenemos en cuenta que a las alturas profesional y vital del escultor, este continúa, como aquí atestigua, concediendo atención prioritaria al ámbito de la docencia, con especial acento con las promociones más jóvenes. Verdadero ejemplo pues de tenacidad y entusiasmo docente. Y es que ya lo dijo María Zambrano en su ensayo titulado La vocación de maestro: el alumno se yergue. Y es ese segundo instante cuando el maestro con su quietud, ha de entregarle lo que parece imposible, ha de transmitirle, antes que un saber, un tiempo, un espacio de tiempo, un camino de tiempo. El maestro ha de llegar, como el autor, para dar tiempo y luz, los elementos esenciales de toda mediación”.Y tendríamos que añadir que en todo este tiempo, esa voluntad de hacer crecer la amistad y la luz en Venancio nunca ha cesado.

Para finalizar tal vez nos quede aclarar, de cara a aquellos que no conozcan directamente a Venancio, el propio título de la exposición, con el que pensamos que los autores de la colectiva lanzan un guiño de complicidad al profesor suyo que fue y sigue siendo. Y es que así son las cosas de Venancio Blanco, enseñando siempre con rigor pero desenfadamente, abundando en metáforas y símiles que siempre dejan al alumno pensando antes de responder. Como nosotros nos quedamos también pensando tal vez en este huerto prodigioso donde hay de todo y además bueno, posiblemente porque como todo hombre apegado a la tierra sabe, todo aquello que se cuida y trabaja con constancia prolongada, con dedicación, con buenas manos, acaba fructificando. Ya lo apuntó también Voltaire, uno de los padres de La Enciclopedia y otro de los grandes pedagogos, en el final de su célebre Cándido: “tenemos que cultivar nuestro pequeño jardín... aunque bien podría valer aquí nuestro símil hortícola: toda la pequeña sociedad entró por este loable propósito; cada cual se puso a ejercitar sus talentos. La tierrecilla produjo mucho.”

There is no end. Fernando M. Romero vuelve a Berlín

2012-01-22T13:04:00.001+01:00

Unexpected_03, obra de Fernando M. Romero en la galería Egbert Baqué de Berlín

El artista Fernando M. Romero (Córdoba, 1978) participa en estos días en There is no end - A tribute to Jackson Pollock, exposición colectiva que se celebra en la galería berlinesa Egbert Baqué Contemporary Art. La muestra pretende rendir homenaje a una de las figuras fundamentales del arte del siglo XX justo cuando se va a cumplir el primer centenario de su nacimiento. La obra del artista norteamericano reviste especial importancia en la plástica de la segunda mitad de siglo y es posible rastrear aún su notable influencia en el trabajo de numerosos artistas. There is no end reúne obras de Selket Chlupka,Yago Hortal, Wolfgang Neumann, Tim Plamper además de el propio Romero que, desde diferentes posicionamientos - la figuración, la abstración, la pintura o el video-, aluden a determinados aspectos de la vida y de la obra de Pollock.

Fernando M. Romero se ha enfrentado con el elemento gestual de la pintura de Pollock a la hora de abordar su cometido. Con la intención de "capturar o congelar el gesto", ha recopilado muestras de los patrones abstractos resultantes del trabajo de Pollock y ha generado la obra a partir de la acumulación, deformación y distorsión de todos estos fragmentos de información visual. Según se afirma en el texto de presentación de la exposición "a lo largo de este proceso también ha abordado el problema del espacio en la pintura abstracta, un problema para el que ha encontrado soluciones fascinantes". Tres de las cuatro obras que el artista cordobés presenta en la muestra han sido creadas expresamente para la ocasión. En ellas ha sometido fragmentos e imágenes del trabajo de Pollock a su habitual proceso de reconstrucción a partir de imágenes ya existentes. De esta manera, afirma, "a través de la repetición del mismo proceso una y otra vez sobre los mismos referentes (generando así un bucle), doy lugar a nuevas imágenes resultantes en las que se ponen de manifiesto los artificios de la representación y de la propia pintura. Así, estas imágenes oscilan entre la abstracción y el referente, entre la superficie bidimensional y la simulación de la tercera dimensión, entre la retórica visual desplegada y sus referentes originales. El resultado de este difícil equilibrio es una pintura en la que las contradicciones inherentes a su propia práctica pasan al primer plano. Así, las fallas en la representación se magnifican con el fin de acotar un terreno en el que poder lidiar con los interrogantes que la práctica de la pintura nos sigue planteando hoy día".

Obras de Fernando M. Romero en la colectiva There is no end. A tribute to Jackson Pollock

La exposición, abierta al público desde el pasado sábado, tendrá una segunda inauguración el próximo 28 de enero, día en el que se conmemora el centenario de Pollock y que coincide con la celebración de la Noche de los Museos de Berlín. La galería fue fundada en otoño de 2005 por Egbert Baqué quien desde principios de los noventa ha trabajado como autor independiente, traductor, curador y como gerente de proyectos en el ámbito del intercambio cultural internacional.Fundó su primera galería en 1991 y posteriormente desarrolló su trabajo en París en la organización de exposiciones de artistas como Georg Baselitz , Markus Lüpertz y Helmut Middendorf entre otros. La galería, dedicada fundamentalmente a la pintura y a la fotografía, está situada en el centro occidental de Berlin junto a laKurfürstendamm.

There is no end prologa el regreso de Fernando M. Romero a la capital alemana, ciudad en la que ya residiera con motivo de la Beca Córdoba Artes Nobles, convocada por el Ayuntamiento de Córdoba desde 2003 hasta su desaparición en 2009. En la actualidad el artista prepara la cita que inicia su colaboración con la galería Siboney de Santander con la que acudirá a JUSTMAD, la feria de creación contemporánea especializada en arte emergente que celebrará su tercera edición del 16 al 19 de Febrero. Con la dirección de Giulietta Speranza y un equipo comisarial formado por Javier Duero, Martí Manen y Luiza Teixeira de Freitas, JUSTMAD3 aumenta su participación y albergará este año más de 70 expositores que se darán cita en el parking del Hotel Silken Puerta América de Madrid. Tras su participación en la feria, Romero volverá para establecerse de nuevo en Berlín y afrontar la preparación de su primera individual en la Egbert Baqué Contemporary Art.

There is no end. A tribute to Jackson Pollock

Egbert Baqué Contemporary Art

Fasanenstrasse 3710719 Berlin

Hasta el 25 de febrero

Ha muerto Emilio Serrano

2012-01-21T21:34:00.005+01:00

Emilio Serrano. Foto: R.A.C.

Emilio Serrano, director que fue de la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Córdoba, maestro grabador, artista insigne, ha fallecido hoy a la edad de 67 años, en la plenitud de sus facultades.

Emilio Serrano, nacido en Córdoba, comenzó en 1960 sus estudios artísticos en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de nuestra ciudad. Tras cursar tres años pasó a la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla, terminando su Licenciatura en Barcelona, donde obtuvo en 1968 el Título de Profesor de Dibujo, especialidad Pintura. En 1965 es Diplomado en la Escuela Internacional de Pintura Mural de San Cugat del Vallès, en Barcelona. De 1979 a 1981 es Profesor Titular de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. En los años de 1985 a 1998 desarrolla su labor docente como Profesor Numerario en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Córdoba (hoy Escuela de Arte Dionisio Ortiz). En 1992 creó la Asociación de Grabadores de Córdoba, ingresando en 2006 como Académico Numerario de la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba.

La obra de Serrano se desarrolló siempre dentro del campo realista, donde trabajó un estilo minucioso, que creó escuela. Maestro indiscutible del grabado, cuyo profundo conocimiento técnico le permitió creaciones de una enorme expresividad, es en el dibujo donde sus creaciones se acercaron más al hiperrealismo. Lejos de ser una copia fotográfica de la realidad, la obra de Serrano muestra una suerte de prospección psicológica en paisajes intimistas y familiares, en la que se complementan bodegones y retratos. Su enorme legado ha de ponderarse más allá de la necrológica que Ars Operandi, como tributo a su memoria, ahora publica. El funeral se realizará el domingo 22 de enero a las once de la mañana en la Iglesia de Santiago de nuestra ciudad.

S T T L

"Haced mapas", Tete Álvarez en Arte21.

2012-01-18T17:09:00.000+01:00

Transurbancias, I. Tete Álvarez

El interés por los sistemas de representación no es nuevo en la obra de Tete Álvarez (Cádiz,1964), la asunción del espacio público como territorio de negociación le ha llevado a desarrollar un trabajo que investiga sobre las tramas urbanas y las derivas, la representación del territorio a través del mapa y de dispositivos de geolocalización. En Topografías, la muestra que presenta en la galería Arte21 a partir del 20 de enero, Tete Álvarez ofrece tres series fotográficas Transurbancias, Ciudades Líquidas y Vértices que responden a estos intereses.

La transurbancia es el método que propone el colectivo de investigación urbana Stalker para atravesar, recorrer y mapear los terrain vague. En Transurbancias, Tete Álvarez propone cartografiar una configuración urbana construida a partir de lo que Castells denomina “una nueva lógica espacial basada en flujos de información, frente a la lógica de la organización social arraigada en la historia de los lugares y territorios locales inmediatos”. Otra cartografía que permita realizar una deriva que gracias a los flujos nos desplace, por ejemplo, desde el barrio porteño de Mataderos hasta el sevillano del Tiro de Línea. Sobre un collage formado por numerosos fragmentos de imágenes satelitales –de tramas urbanas de diferentes lugares del mundo como paradigma de la calidad heterotópica del espacio urbano moderno– se superponen mapas de distintas épocas y procedencias, en alusión al tiempo de la historia, y planos sobreimpresionados de sistemas de comunicaciones, flujos de transportes, líneas de metro, etc. que tienen que ver con la nueva espacialidad de los flujos. Estos flujos forman parte de un sistema global y determinan un tiempo distinto, el de la atemporalidad, el de la aceleración y la simultaneidad, frente al tiempo de las estaciones o de la historia. Los espacios de conexión, vías de transporte o puntos de intercambio telemático son los verdaderos soportes de la identidad metropolitana. Mapas ácronos y heterotópicos y al igual que los de los situacionistas, ajenos a las fronteras administrativas de las ciudades que homogeneizan el espacio.

Ciudades Líquidas. Tete Álvarez

La metáfora de lo líquido y del fluir define la experiencia urbana actual. Tanto es así que está minando todos los resortes de la ciudad haciendo que la propia idea de urbe se desmorone y sea sustituida por núcleos de población más o menos informes. Lo más interesante de este proceso hacia lo líquido es que está afectando incluso a las viejas ciudades. Mientras la memoria de los lugares se fija cada vez más gracias al fenómeno turístico, la realidad de estos lugares se diluye cada vez más rápido. Ciudades líquidas toma como punto de partida imágenes satelitales de cascos urbanos de ciudades históricas para metamorfosear su trazado y convertirlo en un líquido denso pero a la vez fluido. Como apunta Pérez Villén en el texto editado con motivo de la muestra, “el proceso comienza con la elección de una determinada ciudad histórica –Estambul, Córdoba, Jerusalén– para centrarse en la herida que representa su trama. El tiempo se cobra la recompensa de su lento discurrir y facilita la emergencia de un tatuaje, siempre luctuoso. A la vez que se objetiva una imagen del caos –ese retrato a contraluz que representa la cicatriz de la historia– de forma paulatina fermenta la impresión de que los lugares ya no importan y que los límites no marcan pues todo se desborda. La ciudad se extralimita y sólo consigue transpirar la imagen líquida de lo que fue su pulso".

Cerro Trapero. Tete Álvarez

Las redes geodésicas están formadas por un conjunto de puntos materializados sobre el terreno, los vértices geodésicos, de los cuales se ha medido su posición con una gran precisión y que se han materializado sobre el terreno con hitos o señales. Esta materialización se hizo, por lo general, con cilindros de 1,20 metros de altura sobre un dado de hormigón cilíndrico o cuadrangular. Encima de la señal se instalaba el instrumento topográfico para hacer las mediciones necesarias, y desde cada una se deben ver varias, por lo que están situados en los lugares más altos y despejados. Vértices trabaja en el orden de interrogar acerca de la percepción del espacio, del territorio que permanece en la época del fin de la geografía, cuando las distancias han quedado reducidas por la instantaneidad de los flujos de comunicación en tiempo real. Para Pérez Villén estos Vértices conforman “una suerte de paisajes involuntarios. Y lo son porque cada fotografía de la serie –las imágenes incorporan las coordenadas exactas de su localización– además de señalar la aleatoriedad de la elección y el caprichoso artificio que otorga a cada lugar la singularidad y la virtualidad de la naturaleza, se debe en exclusiva al precepto de informar sobre la contingencia de un dispositivo determinado de la trama topográfica”.

Tete Álvarez realiza desde principios de los noventa obras en las que toma como soporte la instalación, el vídeo y la fotografía. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales en las galerías Cavecanem (Sevilla), Trama (Barcelona y Madrid), Valle Ortí (Valencia) y T20 (Murcia), además de instituciones como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla) y el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca. Desde 1998 sus trabajos han estado presente en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, así como en exposiciones colectivas en distintos países de Europa y América. Seleccionado por Okwui Enwezor para participar en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, sus trabajos han podido verse entre otros en el Salón Internacional de Fotografía, Paris Photo de la mano de la galería T20. Cuenta con obra en museos y colecciones como la Ordóñez-Falcón, la colección Testimoni de La Caixa, el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca o el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La exposición en la galería Arte21 supone la primera ocasión en la que se pueden contemplar los trabajos de Tete Álvarez en una galería privada de Córdoba, ciudad en la que habitualmente reside. Con motivo de la cita se ha publicado un catálogo con una edición limitada con texto a cargo del crítico de arte y comisario de exposiciones, Ángel Luis Pérez Villén. La muestra de Tete Álvarez coincide con dos exposiciones colectivas en las que participa, A las ciudades se le conoce como a las personas, en el andar , comisariada por Luisa López Moreno y Juan Antonio Álvarez Reyes en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y Mundos propios. Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de Hoy, comisariada por Sema D'Acosta para la Fundación Madariaga de las que hemos dado ya cumplida referencia a nuestros lectores en ediciones anteriores.

Tete Álvarez. Topografías

Del 20 enero al 29 febrero 2012

Galería Arte21

Manuel María de Arjona, 4

Inauguración: viernes 20 de enero, 20 h.

Catálogo online

Mundos Propios. Fotografía contemporánea andaluza en la Fundación Madariaga

2012-01-16T00:32:00.001+01:00

Manolo Bautista. Natural Portrait, 2009.

Sema D'Acosta vuelve a tomarle el pulso a la fotografía andaluza contemporánea. Si ya en AfterPost (Espacio Iniciarte, Sevilla. 2010) confrontaba la obra de artistas andaluces con nombres como los de Sherrie Levine, Casabere, Baldessari, Gonnord o Vik Muniz para reflexionar sobre los difusos límites lo fotográfico, ahora centra su estudio en elucidar los itinerarios por los que transita la fotografía andaluza en los umbrales del siglo XXI. Una fotografía andaluza como paradigma de los significados que toma la imagen en nuestro tiempo que vive un momento "especialmente próspero" y que debido a su "variedad, profusión y viveza" sería imposible acotar en un único territorio. En Mundos propios. Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de Hoy, D'Acosta plantea "un horizonte abierto que pueda ser representativo de una globalidad dinámica y en extremo permeable" a través de ocho capítulos característicos en la práctica fotográfica. Paisaje, La vida alrededor, Paradojas e ironías, Variaciones, El Cuerpo, Imagen y Concepto, Lugar y Foto-instalación conforman el andamiaje sobre el que se despliega la obra de 24 artistas que con sus trabajos ponen en evidencia la pureza de la fotografía como medio. Son artistas que valoran especialmente la importancia del proceso y que consideran la fotografía no como punto final sino más bien "un método de experimentación que ayuda a fijar una imagen-sensación en el tiempo". En este sentido, afirma el comisario de la muestra, "las cuestiones que rodean a cualquier hecho fotográfico son las que verdaderamente lo enriquecen, unos bordes porosos que favorecen la interacción con otras disciplinas y la emanación hacia otros campos".

Tete Álvarez. Cerro Trapero, 2010

En cuanto al planteamiento expositivo, Mundos Propios pretende posicionarse más allá de los simples objetos artísticos o las prácticas museográficas habituales "asumiendo que el significado de la fotografía en nuestros días no encaja con ciertos parámetros comúnmente establecidos. No tanto en el modo de plantear las piezas en el espacio, sino en el de comprender las obras como trabajos conceptuales implicados en un proceso creativo-expresivo que supera la simple lógica de los objetos museables". De esta manera en algunos casos se exhiben piezas acabadas y cerradas; en otros trabajos todavía sin finalizar, "ensayos que nos descubren la trascendencia de un recorrido que permite modificaciones de manera orgánica. Pretendemos mostrar el haz y el envés de la fotografía, tanto el escenario como el backstage, dando igual protagonismo -o más- a las etapas previas que a su estado final".

M. A. Moreno Carretero. Azul vertical I, 2011.

En Mundos Propios se dan cita varias generaciones de creadores andaluces. Desde artistas nacidos en los sesenta con trayectorias ya dilatadas como Dionisio González, José María Mellado o Jesús Micó hasta la más nueva hornada que representan José Guerrero, Karmelo Bermejo, Fernando Bayona y Clara González Ortega. Entre ambos polos se sitúan nombres bien conocidos de la fotografía en Andalucía como Carlos Aires, Juan del Junco, Noelia García Bandera, Asunción Lozano o Carlos Miranda junto a otros que empiezan a sonar con fuerza como Celia Macías, Miguel A. Tornero, recientemente en la sala Iniciarte de nuestra ciudad o Jorge Yeregui, flamante ganador de la V edición del Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler. Completan la nómina de fotógrafos andaluces Aaron Lloyd, Paco Mesa Lola Marazuela, David Jiménez, Camino Laguillo, Lucas Gómez y Paco Peregrín. Cabe destacar, por último, una importante presencia en Mundos Propios de autores cordobeses o establecidos en nuestra ciudad. Manolo Bautista, Miguel Ángel Moreno Carretero y Tete Álvarez completan una lista de artistas que reflejan desde distintos ángulos la heterogeneidad de una disciplina sumida en continuos procesos de cambio.

Dionisio González. Halong VI, 2008.

La Fundación Valentín de Madariaga hace patente con este proyecto su apuesta decidida por la difusión de las manifestaciones artísticas contemporáneas que será completada en los próximos meses con la publicación de una guía de la fotografía andaluza contemporánea, dirigida por Sema D’Acosta, en la que se incluyen referencias de 70 autores de nuestra comunidad. Cabe reseñar que Mundos Propios se imbrica con el curso de Comisariado y Desarrollo de Proyectos Expositivos en Arte Contemporáneo impartido por el propio D’Acosta en la Fundación Valentín de Madariaga durante los últimos tres meses, en el que ha llevado a cabo un planteamiento didáctico que ha conseguido involucrar a 30 alumnos en la preparación real de una exposición de arte contemporáneo.

Mundos propios.Perspectivas y Variaciones en la Fotografía Andaluza de Hoy

Comisario:Sema D’Acosta

Del 19 de enero al 20 de marzo de 2012

Fundación Valentín de Madariaga

Avenida María Luisa, s/n - Sevilla

López Espí presenta sus cómics originales en la exposición Superhéroes Vértice

2012-01-13T21:31:00.001+01:00

Una de las portadas de López Espí para Ediciones Vértice

Superhéroes Vértice. López Espí y el origen de Marvel es el títiulo de la exposición que la sala Cajasur Reyes Católicos presenta el próximo miércoles 18 de enero, con la presencia del autor, quien dará una conferencia como parte del acto inaugural. Comisariada por Fernando González Viñas, la muestra exhibirá originales de López Espí utilizados en diferentes portadas Vértice, incluyendo los cómics originales y con anotaciones del artista. Asimismo habrá un ciclo de cine sobre Superhéroes Marvel con inicio el 19 de enero, y se editará un completo catálogo con información técnica de las ediciones expuestas.

Rafael López Espí, nacido en Barcelona en 1937, comenzó profesionalmente su carrera artística en el año 1953, en la Editorial Símbolo. En el terreno profesional cubrió diferentes etapas hasta diversificar su creación artística. López Espí trabajó de forma continuada para editoriales del Reino Unido, Francia, Suecia, México, Italia, Alemania y EEUU, sin abandonar España. La mayoría de la obra realizada por López Espí para las editoriales extranjeras continúan en la actualidad inéditas en nuestro pais, series de westerns como Rex Raven, Billy McGregor o Riffle, entre otras.

Superhéroes Vértice. López Espí y el origen de Marvel

Inauguración miércoles 18 de enero, 20:00 h

Sala Cajasur Reyes Católicos

Reyes Católicos 6, Córdoba

Hasta el 2 de marzo

Comisario: Fernando González Viñas

La Córdoba monumental y artística de Romero Barros: cita en el Bellas Artes el próximo domingo

2012-01-13T20:58:00.001+01:00

Córdoba monumental y artística, la obra de Rafael Romero Barros caligrafiada e ilustrada por su hijo Rafael, será el domingo 15 de enero protagonista en el Museo de Bellas Artes de Córdoba de una nueva edición de La obra del mes, ciclo que esta institución lleva realizando ininterrumpidamente durante años con un constante éxito de público, que sigue fielmente unas citas dominicales que congregan a gran cantidad de amantes de las bellas artes.

En esta ocasión, la obra a tratar será presentada por Mercedes Mudarra Barrero, Jefa de Servicio de Infraestructuras Museísticas de la Junta de Andalucía, y autora del estudio editado en 1991 junto a una edición facsímil de la obra. Córdoba monumental y artística pretendió ser una guía completa del acervo patrimonial de la ciudad, empeño que quedó inconcluso en 1884, y cuyo manuscrito estuvo inédito hasta 1991. La obra contiene diversos escritos de Romero Barros que inician con la historia de la ciudad, las basílicas de San Vicente y San Acisclo y dos capítulos dedicados a la Mezquita, estudio que quedó sin terminar. Abundantes notas y exquisitos apuntes a plumilla de Rafael Romero de Torres hacen del original una de las más interesantes obras historiográficas del XIX cordobés.

La obra del mes

Córdoba monumental y artística, de Rafael Romero Barros

Presenta Mercedes Mudarra Barrero

Museo de Bellas Artes de Córdoba

Plaza del Potro, 1

Domingo 15 de enero, 13 h

Brisas de Oriente. Orientalismo y publicidad en Casa Árabe

2012-01-10T18:00:00.000+01:00

El próximo lunes, 16 de enero, Casa Árabe inaugura la exposición titulada Brisas de Oriente. El cartel comercial español, un recorrido por la publicidad española que abarca los cien años comprendidos entre 1870 y 1970. La muestra presenta cerca de un centenar de carteles comerciales originales de época cuyo reclamo publicitario es la atracción y fascinación por el Oriente árabe. Procedentes de la colección Carlos Velasco, los carteles abarcan temáticamente desde el lejano Oriente de Las mil y una noches hasta la evocación romántica del pasado andalusí, en una época en la que el cartel era el medio publicitario por excelencia. Productos de belleza, alimentos, bebidas, turismo en el norte de África y diversos productos son utilizados como reclamo publicitario por numerosas marcas comerciales, una recreación exótica y estereotipada de Oriente que surge en una época en que "la evocación romántica de un mundo de desiertos y palacios llenos de cúpulas, de mujeres sensuales y misteriosos hombres enturbantados, de soleadas y laberínticas medinas atrajo poderosamente, durante mucho tiempo, la atención de la sociedad europea", según los autores del catálogo de la muestra, el coleccionista Carlos Velasco y el catedrático de historia de la publicidad Raúl Eguizábal.

DESCARGAR EL DÍPTICO DE LA EXPOSICIÓN AQUÍ

Brisas de Oriente. El cartel comercial español (1870-1970)

Inauguración lunes, 16 de enero, 19:30 h

Casa Árabe

C/ Samuel de los Santos Gener, 9. Córdoba

Ishraq, los colores del alma

2012-01-07T18:29:00.000+01:00

TRIBUNA ABIERTA

por Hashim Cabrera

Hashim Cabrera, S/T (Los colores del alma), 2008

Tras una reflexión de más veinte años sobre el problema de la forma que me ha facilitado una mejor comprensión de las relaciones que existen entre la naturaleza y la cultura, entre espacio y objeto, o entre el ser humano y sus visiones del mundo, me encontré, a comienzos de este siglo y casi sin pretenderlo, profundamente inmerso en el universo del color, consciente de que casi todas mis indagaciones anteriores habían estado eludiendo uno de los ámbitos fundamentales de las artes visuales y de mi propia visión. Sentí entonces una clara necesidad de compensar este olvido y meditar, de una manera integral, en ese mundo tan escurridizo y tan humano, en ese ámbito fenoménico tan refractario a la conceptualización.Encontré una seria dificultad inicial en el hecho de que los marcos interpretativos unitarios y sintéticos no han sido muy del gusto del pensamiento moderno más tardío, que nos ha abocado, sobre todo durante la segunda mitad del siglo pasado, a una actitud exclusivamente analítica y deconstructiva. Por esta razón, mi necesidad de abordar el fenómeno cromático desde una posición unitaria y global se topó de lleno con esta limitación del pensamiento posmoderno, un marco interpretativo que, por un lado, me ofrecía los diversos segmentos que habían sido objeto de un análisis exhaustivo: la física de la luz, los principios fisiológicos y psicológicos de la percepción visual, la semiótica, la simbología, etc, pero que no me permitía encarar el fenómeno en su conjunto, de una manera unitaria y holística.

Así me encontré con grandes problemas a la hora de concebir y proponer un marco que me permitiese tanto abordar las posibles correspondencias como explicar las discordancias que aparecen entre las diferentes lecturas —física, fisiológica, psicológica, perceptual y semiótica— que abordan el fenómeno cromático. Contaba, eso sí, con unos antecedentes que me merecían bastante credibilidad y, aún siendo plenamente consciente del carácter subjetivo de ciertas investigaciones sobre el color como fenómeno unitario —Goethe, Kandinsky, Gerstner, Albers o Klee— fueron precisamente esas reflexiones las que me animaron, en última instancia, a emprender esta apasionante indagación.

Pero, seguramente, el impulso definitivo que me abocó a iniciar esta compleja investigación vino de la lectura de los textos del filósofo francés Henry Corbin, los cuales me facilitaron la comprensión de los mecanismos que hacen posible una experiencia y una conciencia holísticas del color. Su descripción pormenorizada del mundo imaginal y, sobre todo, sus investigaciones acerca de las experiencias visionarias de los místicos musulmanes de la escuela del Ishraq, fundadas en una metafísica de la luz y productoras de una sorprendente fenomenología del color, me aportaron tanto un modelo hermenéutico como algunos de los materiales más importantes que conforman esta experiencia y este ensayo.Con estos antecedentes y con la conciencia de los problemas que comporta he tratado de colmar mi necesidad de hallar un ámbito hermenéutico que me permitiese abordar el fenómeno cromático desde un punto de vista holístico, unitario e integrador, de construir una herramienta interpretativa que me ayudase a vincular los diversos segmentos analíticos a que este fenómeno ha sido reducido en nuestro tiempo de manera que, por un lado, pudiera hallar sentido a algunas de las discordancias y, por otro, me facilitase el hallazgo de vínculos y correspondencias. Seguramente todo ello para poder llevar a cabo una lectura viva y contemporánea del color como fenómeno unitario específico, como un ámbito integral e integrador de mi propia experiencia.

Ishraq, los colores del alma, es una indagación que parte de la problemática contemporánea sobre el color, heredera de las conclusiones que algunas de las vanguardias del siglo XX nos han legado, fruto también tanto de la eclosión de las nuevas tecnologías y de los nuevos paradigmas científicos como de la gnoseología tradicional. Inicié mi recorrido desde una problemática que es tributaria no sólo de las discordancias entre las distintas escuelas y tradiciones filosóficas sino, sobre todo, de las diferentes disciplinas y ámbitos que la han abordado desde una concepción analítica, reduccionista, mecanicista y predominantemente deconstructiva, un paradigma que, como ahora comprobamos, va quedando atrás a medida que emergen nuevas concepciones del mundo, cuando la ciencia nos habla de interdisciplinariedad, holismo, fractalidad, campo unificado e interconexión.Hoy ya podemos comprender sin demasiada dificultad que la exagerada tarea analítica haya propiciado que nuestros significantes visuales, básicamente formas y colores, aparezcan hoy enumerados y clasificados, explicados y alegorizados hasta la extenuación, con poca vitalidad semántica, con una clara merma de su capacidad expresiva, como consecuencia de un largo proceso de consenso y aggiornamento político-cultural y, más recientemente, de su mercantilización y banalización a través de la publicidad.Por otra parte, aunque la semiótica pueda proveernos de un marco adecuado para iniciar una investigación sobre el color como signo, como soporte lingüístico, sólo en un contexto holístico la semiótica podrá devenir en una hermenéutica que reúna, vinculándolas, las ideas y recuerdos del color, sus arquetipos y descriptores, sus propiedades físicas, nuestra percepción sensorial y la experiencia emocional. Este contexto sólo puede ser vivido por nosotros, humanos al fin y al cabo, en el terreno fronterizo del universo imaginal, en el mundo subjetivo del yo, en el ámbito unitivo del alma.Así, hoy nos encontramos con el hecho de que ni siquiera disponemos de un criterio o consenso para establecer una terminología unitaria del color y que, por el contrario, hallamos divergencias, contradicciones y discordancias. Por esta falta de criterio unificado, la teoría del color y la comprensión del fenómeno han hallado siempre el gran problema de cerrar el círculo cromático, de explicar satisfactoriamente la filogénesis de la serie completa de los colores.

Ya Goethe había intuido esta problemática en su crítica a la Física de Newton, cuando en su Farbenlehre apuntaba hacia las zonas invisibles del espectro, hacia una metafísica de la luz y una fenomenología del color que incluía ámbitos tan inéditos o desconocidos entonces como la dimensión fisiológica o el fosfenismo. El sabio alemán nos aclara que los colores que percibimos ocularmente no son algo extraño al órgano de la visión, sino que éste está en disposición “para producir por sí mismo colores…” Goethe buscaba la fuente del color, como la buscaron Van Gogh y tantos otros visionarios y artistas.Siguiendo ese rastro anhelante, durante la segunda mitad del pasado siglo, Henry Corbin profundizó en algunas experiencias visionarias históricas, tanto en el ámbito del pensamiento y la espiritualidad occidentales como orientales, desvelando algunas interesantes correspondencias y aspectos inéditos que sugieren una honda sabiduría transcultural a partir de la experiencia de la luz y el color. A través de la obra investigadora de Corbin podemos saber, por ejemplo, que la Metafísica de la Luz de Sohravardi y las experiencias visionarias de los místicos de la escuela iraní del Ishraq, habían explorado profundamente los sutiles y delicados terrenos de la fisiología luminosa y las relaciones que existen entre la experiencia sensorial del color y los estados emocionales y espirituales.

Estos filósofos orientales llevaron a cabo una ingente tarea hermenéutica a través de sus experiencias visionarias casi desde los albores de la Edad Media, experiencias que nos remiten a esos otros ‘colores fisiológicos’ que, más tarde, describiría Goethe en su Farbenlehre y que también prefiguran el trabajo experimental que, con los fosfenos o impresiones visuales cerebrales, ha llevado a cabo, a fines del pasado siglo, el doctor Francis Lefebure. La dimensión fisiológico-cerebral de estas experiencias aparece también en las investigaciones neurológicas más contemporáneas sobre el fenómeno de la sinestesia.

Por otro lado, las nuevas tecnologías nos proveen hoy de herramientas inéditas. La posibilidad de trabajar con tecnología digital y láser nos permite abordar la labor hermenéutica del color experimentando con sus fuentes primarias, basándonos en una experiencia directa de las luces coloreadas. Sorprenden las coincidencias, en gran cantidad de casos particulares, entre las descripciones visionarias de estas escuelas místicas orientales y algunas de las proposiciones del paradigma científico más contemporáneo.Estas coincidencias son de una elocuencia y eficacia sorprendentes a la hora de revelarnos correspondencias entre los distintos aspectos y ámbitos que forman el universo cromático, o de abrir cauces para una comprensión satisfactoria de las discordancias. Sirviéndonos de estas nuevas tecnologías podemos trabajar cerca de las fuentes primarias del color, luces coloreadas y no materia o pigmento propiamente dichos, experimentar la manifestación inicial del fenómeno cromático, las primeras huellas significativas del acontecer luminoso.Siguiendo el itinerario de los ishraquiyún, las aportaciones de Goethe, ciertas propuestas de las vanguardias del siglo XX y algunas proposiciones genéricas de la ciencia y el pensamiento contemporáneos, los diversos segmentos del fenómeno cromático parecen encontrar nuevos vínculos y correspondencias. Aparecen entonces nuevas concepciones del color, nuevas relaciones sintácticas y semánticas y, por tanto, también nuevas percepciones que nos acercan a una comprensión holística del fenómeno.Al trabajar cerca de las fuentes cromáticas se alcanza esa dimensión misteriosa de la obra de arte que la torna metáfora donada, expresión teofánica que nos trasciende y aniquila, expandiendo nuestra conciencia, remitiéndonos a la tarea de leer e interpretar el fenómeno cromático en su integralidad, ayudándonos a conciliar la riqueza y complejidad de sus manifestaciones con su vacío y precariedad esenciales.Tal vez este ensayo y esta indagación no sean sino un intento de superar el impasse que siempre nos señala e impone la historia horizontal y causal. Quizás también un pretexto para favorecer una meditación, además de sobre el color, sobre esa imaginación activa y creadora que, localizada en nuestro interior —en la “confluencia de los dos mares” según la tradición del Ishraq— nos dota de sentido y dona sus contenidos y conclusiones a la ciencia, al arte y al pensamiento, como acción necesaria y realizante de nuestra condición de seres humanos.Esta meditación nos acerca a una identidad humana reconciliada y unificada en el interior, en el mundo subjetivo del alma, una identidad que, en algunos momentos esplendorosos, se ha expresado con claridad en todas las lenguas, sociedades y culturas. Y, quizás sea también ¿por qué no? un intento más de enfatizar la dimensión holística y transcultural que tiene toda verdadera obra de arte.

Antes de comenzar nuestro itinerario creo necesario aclarar que el término alma es usado aquí como sinónimo del yo que atraviesa y experimenta distintos estados de conciencia. No debe ser confundido con el alma espiritual ni con el espíritu, en un sentido estricto, aunque este alma espiritual esté presente en ese yo que también se siente como cuerpo, como emoción o como intelecto.Con este ensayo a punto de ver la luz he tenido el placer de comprobar hasta qué punto las reflexiones de Corbin han comenzado a germinar en nuestro pensamiento a través de la lectura de un texto interesantísmo acerca del color en la tradición islámica, realizado por la doctora Ana Crespo, quien amablemente me lo ha enviado, y en el que se describe de forma minuciosa y extensa el sentido del color en la literatura y en las artes visuales del islam. He podido advertir la coincidencia de referencias y términos técnicos del sufismo —fundamentalmente las que provienen de Corbin— aunque el enfoque sea del todo distinto, ya que esta obra aborda los aspectos netamente espirituales del color, constituyendo una guía excelente para transitar el itinerario de la gnosis islámica, en tanto que el presente ensayo aborda una problemática más específica, la posibilidad de constituir una hermenéutica holística del fenómeno cromático, la cual, ha de implicar necesariamente, además de las dimensiones física, perceptiva, racional y emocional, la dimensión espiritual.Paralelamente a toda esta experiencia de investigación y a la redacción de este ensayo sobre el color, he ido elaborando una serie de obras en diferente soporte: pintura, fotografía, instalación láser, que son expresiones plástico-visuales de todo el proceso.Una parte importante de esta producción fue ya expuesta en Córdoba, en febrero de 2008, bajo el título Los colores del alma, en la Galería arte21. Con tal motivo edité un catálogo que incluye, además de las reproducciones de las obras, una larga entrevista sobre el color con el poeta y escritor Michel Hubert, algunas de cuyas ideas han llegado a enhebrarse en la urdimbre de la presente reflexión.Finalmente, no quiero cerrar esta introducción sin agradecer a mi amigo el doctor Ibrahim Albert su aportación al desarrollo de esta indagación, en forma de notas y reflexiones filológicas de los términos árabes concernientes a los colores que aparecen en el Qur’án y que, amable y desinteresadamente, me ha enviado durante la elaboración de este ensayo.

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ars textos

Córdoba, reflejo de Roma: La vida en la domus

2012-01-05T12:06:00.002+01:00

por Mª Dolores Baena Alcántara

Comisaria de la exposición

Mosaicodel cortejo báquico, siglo II (Museo Arqueológico de Córdoba). Fotografía:Manuel Pijuán.

La Córdoba romana se nos muestra hoy fragmentada en multitud de vestigios arqueológicos de edificios, infraestructuras, tumbas, casas, inscripciones, vajillas… Muchos de estos objetos nos hablan de la vida cotidiana de sus habitantes.

La exposición quiere dar una visión general de cuáles eran estas formas de vida, algunas no tan diferentes de las nuestras, centrándose para ello en la domus, el tipo de vivienda de familias acomodadas, de la que Córdoba conserva algunos ejemplos relevantes. No se pretende “reconstruir” una de estas casas, sino mostrar el ambiente y los objetos de uso cotidiano que formaban parte de la existencia de sus moradores.

Con este objetivo, la exposición se estructura siguiendo la organización espacial de una domus, donde cada espacio, estancia o habitación es mostrada a través de los objetos que pudieron caracterizarla originalmente.La muestra se inicia con una introducción sobre los tres tipos de viviendas de las ciudades romanas (domus, insula –bloque de apartamentos de alquiler de varios pisos–, villa –vivienda de grandes dimensiones situada en un entorno rural o suburbano)–, para ingresar inmediatamente en el vestíbulo de la domus, sugerido en las llaves y bisagras de puerta expuestas.

Anillo deoro con camafeo de ágata, siglo I. (Museo de Cádiz). Fotografía: Manuel Pijuán.

La domus se organizaba en torno a un patio central, ya sea en forma de atrio (en las domus anteriores a la época imperial) o de peristilo (patio, con pórticos columnados, tomado de las casas griegas helenísticas) Es el espacio principal de la casa, dotado de rico mobiliario y objetos (puteal –brocal de pozo– de mármol, lucernas de bronce, hermas, estatuas) y donde se ubicaba el larario (altar para los dioses protectores del hogar), sugerido por la pequeña edificación donde se muestran pequeñas esculturas de bronce. A este patio central se abren otras estancias principales de la casa, como el triclinio, o comedor de gala, donde se celebraban cenas formales. La vajilla utilizada incluía objetos de metal, cerámica y vidrio. Destaca en esta parte de la muestra todo el rico elenco de vasos, platos y cuencos de cerámica (terra sigillata y cerámicas de paredes finas) y de vidrio, concentrados para evocar la abundancia y el carácter suntuoso que debieron tener las veladas nocturnas.

En contraste con el triclinio, los cubicula (dormitorios o salas de estar), son espacios oscuros y con poco mobiliario, aunque podían estar brillantemente decorados con mosaicos en los suelos y pinturas murales en las paredes. En esta parte aparece el conjunto de piezas relacionadas con el universo femenino (objetos de tocador: espejo, pomos de perfumes, agujas y alfileres para el pelo, etc.) y el de los niños de la casa, representados en las bullae infantiles (amuletos colgantes en forma de bola).Al margen de estos espacios donde se desarrolla la vida de los miembros de la familia, estaba la cocina, dominio de los esclavos domésticos. Los objetos expuestos –ollas, jarras, ánforas, platos y calderos– recomponen el ambiente de un espacio donde el fuego, el humo, el hollín, los olores y las grasas eran los auténticos protagonistas.

Córdoba, reflejo de Roma

La vida en la domus

Sala Vimcorsa

C/ Ángel de Saavedra, 9

Martes: 18.00 h a 20.30 h.

De miércoles a sábado: 10.30 h a 13.30 h - 18.00 h a 20.30 h.

Domingos y festivos: 10.30 h a 14.00 h

Córdoba, reflejo de Roma: Urbanismo y poder

2012-01-05T11:50:00.001+01:00

por Carlos Márquez Moreno

Comisario de la exposición
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Fragmentode relieve en forma de clípeo con parte del rostro de Júpiter-Amón, época flavia.(Museu Nacional Arqueológic de Tarragona). Fotografía: Arxiu Museu NacionalArqueológic de Tarragona-R. Cornadó.

Roma siempre fue consciente del trascendental papel que las ciudades tuvieron en el territorio. Si en un primer momento la ciudad sirvió como eje vertebrador de los nuevos terrenos conquistados también fue activa como centro de difusión de su nueva cultura y lugar donde desarrollar la latinización de los pueblos que, a partir de ese momento, comenzaron a formar parte de su sociedad.

De gran importancia fue, dentro del modelo urbano, el de la flexibilidad: Roma transmitió un modelo urbanístico que fue adoptado en sus líneas generales por los nuevos centros urbanos, modelo que tuvo en el Foro su expresión más afortunada de representación puesto que allí confluían los elementos representativos de la administración del Estado: la religión oficial materializada en su templo; la administración de justicia con la basílica; la administración local con la curia, etc. Pero junto a esta faceta nunca se perdió de vista la comodidad de los habitantes para la que se realizan obras de gran envergadura a fin de dotar de, por ejemplo, agua corriente y fuentes en la ciudad.

EstatuaThoracata de Montoro, siglo I. (Museo Arqueológico Municipal de Montoro).Fotografía: Manuel Pijuán.

Dentro de este esquema general, tan sencillo como eficaz, cabe una serie de variantes que dependerá en gran medida de los habitantes de ese centro urbano. La riqueza de la ciudad y la implicación de las élites locales, que detentan en gran medida dicha riqueza, en mejorar los servicios y la imagen urbana serán las variables que determinen una mayor monumentalidad en la imagen urbana. A cambio de ello, dichas élites aprovechan ese mismo espacio urbano que ellos mismos han ayudado a configurar para llevar a cabo una autorrepresentación o puesta en escena, señal última del éxito social alcanzado.

De todo ello hay ejemplos en esta exposición; de la aplastante monumentalidad representada por la capital de provincia, cuyos foros y centros de administración llegaron a alcanzar cotas idénticas en dimensiones y material a las de la capital del imperio; hasta los ejemplos más modestos en varios centros urbanos: desde los inicios del proceso de latinización (Relieve de Torreparedones) hasta la monumentalización de Carmona o Écija, ciudades presentes en estaexposición.

Córdoba, reflejo de Roma

Urbanismo y poder

Museo Arqueológico de Córdoba

Pl. de Jerónimo Páez, 7

Martes: 18.00 h a 20.30 h.

De miércoles a sábado: 10.30 h a 13.30 h - 18.00 h a 20.30 h.

Domingos y festivos: 10.30 h a 14.00 h

Córdoba, reflejo de Roma: Suburbio y periferia

2012-01-05T11:36:00.003+01:00

por Desiderio Vaquerizo Gil

Comisario de la exposición

Mosaicocon cuadriga procedente de talleres romanos, siglo III. (Museo ArqueológicoNacional). Fotografía: Archivo Fotográfico MAN. Nº Inv. 3602. Archivo del MuseoArqueológico Nacional

La importancia de Córdoba como yacimiento arqueológico de primer orden, enorme complejidad y potencialidad sin límites es reconocida internacionalmente. Ejemplo paradigmático de ciudad superpuesta, ofrece al arqueólogo la posibilidad de abordar de forma diacrónica una de las secuencias estratigráficas más densas y completas del solar hispano, favorecida por su ocupación ininterrumpida desde el Calcolítico. Sin embargo, durante décadas, la Córdoba romana ha permanecido obliterada científicamente por el peso de la islámica (circunstancia que ha retrasado el conocimiento de su dinámica arqueológica, delineada con cierta profundidad sólo en los últimos veinte años). Del mismo modo, no es lo mismo hablar de la ciudad intramuros que del mundo suburbano, por cuanto ambos sectores respondieron a conceptos diferentes, aunque complementarios, que permiten, o mejor, exigen, un análisis independiente, abordado con claridad de objetivos tanto desde el punto de vista espacial como histórico. Y esa filosofía es la que ha guiado esta exposición: la información disponible en la actualidad sobre la Corduba de época romana es tan amplia que admite perfectamente y sin ningún tipo de menoscabo la compartimentación temática.

Estatuasedente de la emperatriz Livia como Fortuna, procedente de Iponuba.-Baena,época julio-claudia. (Museo Arqueológico Nacional). Fotografía: ArchivoFotográfico MAN. Nº Inv. 20332. Archivo del Museo Arqueológico Nacional.

Toda ciudad romana establecía en el momento de su fundación una separación estricta entre el intramuros y el extramuros a través del sulcus primigenius, expresión material que guiaba el perímetro amurallado y solía tomar forma ideal en el pomerium, no siempre coincidente y límite claro entre el mundo de los vivos y el de los muertos, entre las actividades civiles, religiosas, comerciales y domésticas cotidianas y las nocivas y malolientes, los vertederos y los espacios de explotación agrícola. En los suburbia, el territorio inmediato a la ciudad, el paisaje cobraba una dimensión diferente, animado por las vías de entrada y salida a la ciudad que garantizaban el tránsito, trabajos industriales del más variado signo, algunas residencias privadas (en busca del terreno y las perspectivas, pero también de la escenografía, que habitualmente no les permitía el centro urbano), espacios recreativos y eventuales huertos o jardines (hortis, praediis), edificios de espectáculos que por sus dimensiones, sus exigencias infraestructurales por ser centro de reunión de miles de personas, o su carácter funesto, debían disponerse “al otro lado”, y, por supuesto, el mundo silencioso pero animado de los muertos, que se asomaban al de los vivos gritando en forma de tumbas más o menos monumentales, mármoles e inscripciones, sus ansias nunca bien satisfechas de memoria.

Gladiadorde terracota procedente de Córdoba, siglo II. (Museo Arqueológico Nacional). Fotografía: Archivo Fotográfico MAN. NºInv. 1994/78/1. Archivo del Museo Arqueológico Nacional.

Los suburbios, que no eran en definitiva sino una prolongación de la ciudad fuera de sus límites, funcionaron así, para bien y para mal, como espejos de la misma, respirando con ella; entendidos urbe y periferia como un todo en el que una parte no podía existir sin la otra. Demostrarlo es el objetivo fundamental de este bloque temático, donde hablamos de las diversas tareas que se desarrollaban en ámbito suburbano, ateniéndonos fundamentalmente al ejemplo cordubense. En cada uno de los momentos históricos que protagonizó, la imagen urbana de Córdoba obedeció a modelos externos, matizados por la tradición local; y también en todos y cada uno de ellos el espacio extramuros ejerció un rol de enorme importancia. Su evolución es, por consiguiente, la del propio centro cívico, de cuya contracción o expansión da cuenta a veces mejor que aquél mismo, habitualmente más castigado desde el punto de vista arqueológico. En este sentido, la morfología del recinto elegido para la exposición, ubicado precisamente junto al antiguo trazado de la via Augusta, permite recrear la impresión que experimentaría en su momento el viajero que llegaba a través de ella, cómo percibiría la ciudad desde el extramuros y la imagen que la colonia quería proyectar de sí misma como caput Baeticae.

Córdoba, reflejo de Roma
Suburbio y periferia
Sala Orive
Huerto de Orive, s/n
Martes: 18.00 h a 20.30 h.
De miércoles a sábado: 10.30 h a 13.30 h - 18.00 h a 20.30 h.
Domingos y festivos: 10.30 h a 14.00 h

Córdoba, reflejo de Roma: un viaje a la Colonia Patricia

2012-01-03T13:19:00.001+01:00

Un aspecto de la exposición en la Sala Vimcorsa. Foto: AO

Tras un aplazamiento de su inicio por cuestiones técnicas, el miércoles 4 de enero, a las 19.00 horas en la Sala Orive (Huerto de Orive), tendrá lugar la inauguración de la exposición Córdoba, reflejo de Roma, una muestra diseñada para poner de manifiesto la relevancia de Corduba Colonia Patricia dentro del ámbito mediterráneo y europeo como referente cultural y económico, en una época en que se asientan las bases de nuestra identidad común. La muestra efectúa un recorrido por la ciudad desde su fundación hasta el período tardorromano, en los inicios de las conquistas de los pueblos germánicos, con especial interés en el periodo augusteo (s.I), en el que la ciudad alcanza su máximo esplendor, a modo de imagen especular de Roma.

Organizada por el Ayuntamiento de Córdoba, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí, la Fundación Viana y la Universidad de Córdoba, la exposición Córdoba, reflejo de Roma se lleva a cabo en tres espacios expositivos: Museo Arqueológico, donde se desarrolla la muestra Urbanismo y poder; Sala Vimcorsa, que acoge La vida en la domus, y, por último, Sala Orive, en la que se exhibe Suburbio y periferia. Cada una de ellas alberga un discurso expositivo que recoge tres de los principales ámbitos vitales en la Córdoba romana y el significado que llevan asociado, como son el urbanismo como reflejo del poder, la vida cotidiana en la intimidad de la casa y los suburbios y periferia de la urbe, según el diseño desarrollado desde el comisariado de la muestra. Cada sala alberga un importante número de piezas arqueológicas procedentes de los principales museos arqueológicos de España, siendo el Museo Arqueológico de Córdoba el que ha contribuido con un mayor número de piezas. Asimismo, piezas como la importante estatua de Livia ataviada como Fortuna, procedente de Iponuba-Baena y diversas estatuillas funerarias, que se conservan hoy en el Museo Arqueológico Nacional, fueron halladas en nuestra capital o provincia, con la que se reencuentran en esta muestra. Además de las piezas arqueológicas, las salas mostrarán sendas maquetas que se presentan por primera vez al público, como la excepcional pieza que recrea el complejo tardorromano de Cercadilla, realizada por la Escuela Taller Fernando III bajo la dirección de José Antonio Ortega Anguiano, así como la que ofrece una visión de lo que pudo ser el puerto fluvial romano, realizada por el arqueólogo Enrique León.
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Maqueta del complejo tardorromano de Cercadilla. Foto AO

Córdoba, reflejo de Roma está comisariada por Mª Dolores Baena Alcántara, directora del Museo Arqueológico de Córdoba, y los catedráticos de Arqueología de la Universidad de Córdoba Prof. Dr. Carlos Márquez Moreno y Prof. Dr. Desiderio Vaquerizo Gil, responsables de La vida en la domus, Urbanismo y poder y Suburbio y periferia, respectivamente. Cada una de las salas está dotada de la suficiente información para que el visitante pueda poner en su contexto cada una de las piezas, que ilustran el tema comisariado. Córdoba, reflejo de Roma es por tanto una exposición que aúna la rigurosidad académica con la contemplación de una excelente colección de bienes patrimoniales. La exposición estará abierta al público hasta el 16 de febrero.

Córdoba, reflejo de Roma

Museo Arqueológico: Urbanismo y poder

Sala Vimcorsa: La vida en la domus

Sala Orive: Suburbio y periferia

Inauguración miércoles 4 de enero, 19.00 horas, Sala Orive (Huerto de Orive)

Comisariado: Mª Dolores Baena Alcántara, Carlos Márquez Moreno y Desiderio Vaquerizo Gil

Hasta el 16 de febrero.

Nueva cabecera: Antonio Serrano Nieto

2012-01-02T12:04:00.003+01:00

Comienza el año y hoy, 2 de enero, presentamos a nuestros lectores la nueva cabecera, obra de Antonio Serrano Nieto, cabecera que hace la quincuagésimo séptima de esta iniciativa. El autor de la cabecera, Antonio Serrano Nieto (Córdoba, 1965), trabaja en el ámbito de la fotografía y la videocreación. A principios de los 80 formó parte del colectivo artístico cordobés Arte Acción, dedicándose posteriormente al campo publicitario como fotógrafo y director de fotografía. Como fotógrafo ha realizado campañas para firmas como Hitachi (Japón), Sure y British Airways (GB), Renault y Kronenbourg (Francia), entre otras. Como director de fotografía ha realizado el documental The last serious thing del director estadounidense Michael Haussman, así como diversos spots y videoclips.Actualmente trabaja para el Gobierno de Qatar en diferentes campañas institucionales.

Hola 2012

2012-01-01T00:04:00.002+01:00

Fotografía: Ars Operandi

Adiós 2011

2011-12-30T17:14:00.002+01:00

Imagen: Pedro Peinado

Oteando el horizonte. María Ortega en El Camarote

2011-12-22T00:01:00.001+01:00

Trabajos recientes de María Ortega en El Camarote de Ciudad Real

El espacio independiente de Ciudad Real, El Camarote, presenta hoy una exposición de trabajos recientes de la artista María Ortega Estepa (Córdoba, 1983). Bajo el título El horizonte procede de todas partes, la muestra reúne una serie de 27 piezas que "recrean esos universos que en forma vegetal sobreviven, a veces en el asfalto, a veces en un mundo un tanto difícil". Una mirada lejana hacia el paisaje más cercano porque como afirma María "aunque un paisaje va siempre con nosotros, un horizonte nunca es el mismo. Siempre procede de aquel espacio donde dirijas la mirada, incluso cuando lo hacemos hacia nuestros pies". Una visión del paisaje que Ortega comparte con el cineasta David Trueba cuando asegura que “un paisaje es un espejo donde tú estás frente a la belleza o la grandeza de la vida. Por eso ningún paisaje es dos veces el mismo, como nadie es el mismo en dos momentos diferentes de su vida. Lo hermoso de un paisaje no es su composición concreta, su belleza plástica, su esteticismo más o menos rotundo, sino la significación que cobra para nosotros cuando lo reencontramos o cuando en un momento determinado se une a nuestro estado de ánimo y es como si uno se marchara con la montaña a cuestas, la puesta de sol grabada en la piel o el arroyo metido en las venas”.

María Ortega Estepa es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, y ha ampliado estudios en la Accademia di Belle Arti di Brera de Milán. Desde 2005 sus trabajos han podido contemplarse de manera individual en espacios institucionales como el Museo de Huelva y galerías como la cordobesa Carmen del Campo, Most de Serbia, Murnau de Sevilla o Trindade de Oporto. En los últimos años Ortega ha realizado intervenciones en el Templo de Debod de Madrid dentro de la programación de La Noche en Blanco, en Sant Pere de Vilamajor, Barcelona, Torremocha de Jarama, Madrid y Artifariti, los Encuentros Internacionales de Arte en Territorios Liberados del Sahara Occidental.

El Camarote es un colectivo independiente dedicado a la promoción cultural radicado en Ciudad Real. Formado en 2003 por artistas que compartieron residencia en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores de Córdoba, mantiene un espacio expositivo por el que han pasado artistas como Antonio Blázquez, Susana Ibañez, Miguel Moreno, Juami, Alfonso Alacalá, Torregar, Cuco, Aitor Saraiba o Paco Leal.

María Ortega Estepa

El horizonte procede de todas partes

Del 22 de Diciembre al 26 de Febrero

Sala Camarote

C/ Lanza 5, 2º C. Ciudad Real

La Caballería Roja

2011-12-19T22:21:00.001+01:00

por Álvaro Tarik

Kazimir Malévich , La Caballería Roja, ca. 1930
Óleo sobre lienzo, 91 x 140 cm, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

Reconozco que me gusta el Madrid frío y urbano prenavideño. Esa mezcla de caos antropológico a lo Blade Runner con escenas castizas y anacrónicas me resulta arrebatador. Lamento no recordar el nombre de la persona a quien oí decir una vez “Ver la nuca de quien camina delante de ti es algo muy triste”, porque aquello me pareció brillante, e ilustra perfectamente el inevitable espíritu anónimo y algo melancólico de millones de almas subyugadas al protagonismo abrumador de la gran ciudad.

Cuando voy a ver una exposición, necesito el preámbulo del largo paseo para sentir con fuerza el cambio de dimensión que supone cruzar su entrada, así que hoy decido incrustarme en esta estampa viviente madrileña e impregnarme de su naturaleza en una caminata audaz hasta La Casa Encendida. Dejo el coche junto a la Glorieta de Bilbao y atravieso un bullicioso bosque de bolsas de compras por toda la calle Fuencarral; llego hasta Gran Vía y Callao; bajo hasta las Descalzas y Arenal, sorteando familias enteras, niños con globos, mendigos, agentes de policía, parejas de efusivos adolescentes, colas imposibles de compradores de lotería; continúo hasta la calle Mayor y busco un costado de la Plaza Mayor, donde el olor de las castañas asadas se mezcla con el de los bocadillos de calamares; me deslizo hasta Tirso de Molina y, a través de estrechas calles repletas de restaurantes turcos, bazares chinos, fruterías paquistaníes, pubs africanos y cafetines magrebíes, llego hasta Lavapiés; unos 300 metros más abajo, por la calle de Valencia, está La Casa Encendida.

Acudo aquí atraído por el sugerente nombre de La Caballería Roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945 con el que el centro cultural de la Obra Social Caja Madrid presenta una exposición sobre el panorama artístico y cultural de la Rusia soviética de principios del siglo XX (fundamentalmente, los años 20 y 30) y su relación con el poder responsable de la construcción del socialismo, con Lenin y Stalin como máximos representantes.En realidad, más que una exposición, se trata de un gran proyecto multidisciplinar que ya se iniciara en octubre con una serie de conciertos de música clásica y contemporánea rusa (piezas de Scriabin, Prokofiev o Rachmaninoff, entre otros) a cargo de la violinista Tatiana Grindenko y su ensemble Opus Post, y el pianista Filipp Kopachevsky.

También en octubre se proyectaron las tres partes del extenso film-ensayo Noticias de la antigüedad de la ideología: Marx – Eisenstein – El Capital, obra de casi 10 horas de duración construida por el director alemán Alexander Kluge a base de fragmentos documentales y de ficción, e inspirada en la idea del cineasta soviético Eisenstein de filmar El Capital de Karl Marx según la estructura narrativa del Ulises.

El programa audiovisual se completa con una selección de los cortos y largometrajes más interesantes de los últimos diez años, a cargo de creadores como Alexei Balabanov, Sergei Loznitsa y Alexei Popogrebsky. Algunas piezas documentales nos llevan por la historia de Rusia, su cine y sus cineastas.

La exposición, que puede verse hasta el 15 de enero de 2012 , está comisariada por Rosa Ferré, filóloga especializada en literatura comparada, comisaria de arte independiente y gestora de proyectos de exposición, con el asesoramiento en la parte musical del musicólogo Pascal Huynh.

Repartidas por cinco salas del edificio están las obras pictóricas y escultóricas —junto con proyecciones de vídeo y reproducciones de música experimental y oficial— y las obras literarias que van desde los manuscritos de poetas como Anna Ajmátova o Ósip Mandelshtam, las sátiras de Mijaíl Bulgákov o Yury Karlivich Olesha, las obras de los llamados “compañeros de viaje” (Isaak Bábel, Borís Pasternak o Borís Pilniak), hasta las novelas heroicas que se escribieron para ensalzar con fines propagandísticos los grandes proyectos de los planes quinquenales vinculados al desarrollo económico.

Aleksandr Deineka, Vladímir Mayakovski en el taller de la ROSTA, 1941
Óleo sobre lienzo, 200 x 140 cm, Museo Estatal de Literatura, Moscú

La cantidad de talento artístico sin precedentes que se concentró en Rusia en las tres primeras décadas del siglo XX, con su aportación a la teoría y estética de la modernidad, estuvo dividida entre el colaboracionismo, la actividad simpatizante pero no adscrita políticamente (compañeros de viaje) y la objeción represaliada. Lenin, Stalin y su entorno aprovecharon la energía creativa de aquella sociedad en beneficio político propio, estableciéndose el último como única competencia en la administración, control, instrucción y censura del arte y la intelectualidad rusos, y llegando incluso a considerar la actividad artística misma como sospechosa de constituir un caldo de cultivo para la burguesía. En la pared de un rellano de La Casa Encendida leo:

"El comportamiento de Stalin es demasiado rudo y brutal, y esta falta, soportable en las relaciones entre los comunistas, se convierte en insostenible en la Oficina del Secretario General. Propongo a los camaradas encontrar una manera de remover de su cargo al camarada Stalin y proponer otro hombre que difiera de Stalin, principalmente que sea más paciente, más leal, atento y respetuoso de sus camaradas, menos caprichoso, etc."

Se trata de un extracto de la carta dirigida a sus camaradas que Lenin escribiera en su lecho de muerte el 4 de enero de 1924.

Al entrar a la primera de las salas, me encuentro con el óleo que da nombre a la muestra, La caballería roja, de Kazimir Malévich. No empiezo bien, me salta el flash de la cámara. Una amable vigilante me recuerda que esa es una fea costumbre. Le sonrío y pido disculpas, me dan ganas de abrazarla (¿será el espíritu de la Navidad?). Las líneas horizontales de la pintura me invitan a continuar la visita. Suena de fondo La Internacional.

A lo largo del recorrido por las cinco salas, me deleito con el constructivismo de Aleksandr Ródchenko, el realismo socialista de Yuri Pímenov, las maquetas de Gustavs Klucis y Piotr Mitúrich, el fauvismo de Marc Chagall, las robustas pinturas figurativas de Aleksandr Deineka y Kuzmá Nikoláyev, las composiciones abstractas de Liubov Popova y Vasili Kandinsky, los diseños de vestuario de Varvara Stepánova, Aleksandra Ekster y El Lissitzky, el proyeccionismo de Kliment Redko, los dibujos de Serguéi Eisenstein, los carteles de Vladímir Mayakovski… Y ese conmovedor retrato de Anna Ajmátova pintado por Kuzmá Petrov-Vodkin del que uno no puede apartar la vista.

Kuzmá Petrov-Vodkin, Retrato de Anna Ajmátova, 1922
Óleo sobre lienzo, 54,5 x 43,5 cm, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

Los visitantes acarician las obras con la mirada, un examen cauteloso y sobrecogido de quien admira su calidad e importancia superlativas pero conoce las luces y sombras de su contexto histórico. En su tiempo, la mayoría fueron ignoradas como postulados artísticos innovadores y utilizadas como precepto y propaganda —con o sin la aquiescencia de sus autores— sin que esa fuera necesariamente la finalidad de su concepción.

Emprendo el camino de vuelta hasta Glorieta de Bilbao. A estas horas hay más gente aún por las calles. Vuelvo a acordarme de aquellas palabras, de su mensaje tan insondable que no quiero descifrar del todo para que permanezca así en el espacio de la poesía: “Ver la nuca de quien camina delante de ti es algo muy triste”.

Feliz Navidad.

La caballería roja. Creación y poder en la Rusia soviética de 1917 a 1945

La Casa Encendida

Ronda Valencia 2, 28012 Madrid

Hasta el 15 de enero de 2012

Presencia y memoria

2011-12-17T11:40:00.000+01:00

por José Álvarez

Un extracto de este artículo ha sido publicado en Cuadernos del Sur de Diario Córdoba en el especial XXV Aniversario

Alicia de Córdoba, obra de Cristina Lucas en la muestra El patio de mi casa (2009). Foto: Fundación Córdoba Ciudad Cultural

Hace 25 años, en 1986, Córdoba se encontraba en una situación parecida a la que ha estado viviendo con respecto a la Capitalidad 2016. En aquel momento, como hasta hace poco, nuestra ciudad optaba a ser Capital Europea de la Cultura para el entonces próximo 1992, año de la celebración del V Centenario del Descubrimiento. En 1988 la ciudad sufre su primera decepción capitalina cuando el Consejo de Ministros de la CEE designa a Madrid como la candidata elegida. Sobrepuesta la ciudadanía a la desilusión, igual ayer que hoy, la clase política va a rentabilizar la idea de una nueva oportunidad de despegue gracias a la cercanía de Córdoba con Sevilla, sede de la Exposición Universal de 1992. Junto con Barcelona, sede olímpica, la ciudad andaluza era elegida por el gobierno socialista –en su segunda legislatura de mayoría absoluta–, para presentar al mundo la imagen de una España democrática, avanzada y moderna. La mejora de las infraestructuras pasaba por Córdoba, y el futuro, en forma de AVE, sacaría a nuestra ciudad de su secular letargo. La creación artística, como más adelante veremos, anduvo pareja a la creación de una nueva fisonomía de la ciudad, que en 1986 ve cómo se aprueba un nuevo Plan General de Ordenación Urbana especialmente interesado en las infraestructuras, los equipamientos y la vivienda social. Córdoba emprende el cambio por su periferia, con soluciones arquitectónicas como las proyectadas por diversos grupos de arquitectos en las nuevas barriadas de Las Moreras y Las Palmeras, y el plan de centralización universitaria en la zona del Parque Cruz Conde, donde se levantan edificios como la Facultad de Ciencias (Sainz de Oiza) y el complejo deportivo universitario vecino. Un año después se aprueba el Plan Especial del Río (P. Peña y J. Ventura), un ambicioso proyecto de recuperación que dejaría alguna polémica en el camino, como la que provocó el rechazo del puente diseñado por Santiago Calatrava. También en el entorno del Guadalquivir se crean otros equipamientos como el Museo de Etnobotánica (F. J. Hermoso), integrado en el recién creado Jardín Botánico. Es en 1989 cuando se firma por fin el acuerdo para la remodelación de la Red Arterial Ferroviaria de Córdoba, el anhelado soterramiento de las vías a su paso por la capital y el fin de la división artificial de la ciudad, una reforma conocida en adelante como El Plan RENFE, proyectado desde 1983 por J. M. Asensio, J. Benítez, G. Rebollo y A. Rebollo, destinado a cambiar el aspecto de la ciudad de cara al siglo XXI.

Lo cierto es que, en 1992, el AVE pasa como una exhalación por Córdoba arrasando de camino casi en su totalidad el recién descubierto yacimiento arqueológico de Cercadilla, y no será hasta bastantes años después cuando la ciudad comience a disfrutar de las ventajas de la alta velocidad, una vez finalizada la nueva estación y su vecina terminal de autobuses (C. Portela), reconocida como Premio Nacional de Arquitectura. Los retrasos en las obras –nuestro mal endémico– hacen que los proyectos se vayan demorando uno tras otro, y es ya pasado el 92 y sus fastos cuando, en lo que resta de década, se finalizan infraestructuras como las mencionadas estaciones, el Pabellón Municipal de Deportes de Vistalegre (J. M. García y J. E. González), la apertura definitiva de los terrenos liberados de RENFE o el Puente del Arenal (Fernández Ordóñez), entre otras importantes actuaciones arquitectónicas que incluyen una primera fase del Nuevo Estadio Arcángel (García del Barrio). Son tiempos de bonanza y de desarrollo que traen aparejado un nuevo PGOU en 2001, y con el Plan, la expansión de la ciudad hacia Poniente, la zona del Tablero Bajo y el entorno del Parque Figueroa. Desde entonces, la fisonomía urbana ha cambiado como no lo hizo en siglos, dejando una ciudad integrada a su rio, con edificios contemporáneos de importancia y repercusión internacional (Centro de Visitantes de Madinat al-Zahra y Centro de Creación Contemporánea de Córdoba, ambos de Nieto y Sobejano, o el Centro de Recepción de Visitantes, de Juan Cuenca), a la vez que se estancan proyectos como el debatido Centro de Congresos de Rem Koolhas.

Si bien la actuación urbanística ha dejado una ciudad a escala humana, habitable y acogedora, cuyas mejoras serán más de consenso que estructurales, en su desarrollo hemos perdido importantes bienes patrimoniales, de entre los que destaca el complejo de Cercadilla, baldón y mengua que debiera haberse evitado, y cuyos restos insepultos permanecen como punzante acicate a la memoria. Otros han corrido similar suerte, como los Arrabales de Poniente, mientras que el del Saqunda aún cría jaramagos bajo la indiferencia de las Administraciones. También la desidia fue responsable de la pérdida del retablo de Gómez de Sandoval y la techumbre mudéjar de la iglesia de la Magdalena. Los ejemplos son muchos; sirvan la iglesia de Madre de Dios y el Convento de Regina como recordatorio. Como contrapunto, las actuaciones de rehabilitación y restauración han sido numerosas y de gran valor en la defensa y conservación de nuestro patrimonio. Las iglesias de La Merced, Santiago, San Basilio, San Miguel, San Agustín o San Lorenzo han sido intervenidas a lo largo de los últimos veinticinco años y puestas en su justo valor; se han recuperado joyas como la Capilla de San Bartolomé y se sigue actuando en los más importantes conjuntos patrimoniales de la ciudad y su entorno con acierto, si bien algunas intervenciones, como la del Puente Romano (J. Cuenca) suscitaron opiniones encontradas, de orden estético, que no metodológico.

La evolución que la ciudad ha ido desarrollando en este cuarto de siglo en su arquitectura y patrimonio histórico, visible en su epidermis, ha corrido pareja a los cambios que el panorama artístico ha reflejado en salas y exposiciones. La llegada de los años 80 supuso el fin del recorrido de las vanguardias y el surgimiento de un posmodernismo ideológico que dotó al arte de tintes nihilistas. Fue una ruidosa eclosión de creatividad que en nuestra ciudad se desarrolló cuando todavía se encontraban en activo artistas históricos, que muestran sus últimas obras mientras van paulatinamente siendo objeto de reconocimientos y homenajes mediante exposiciones antológicas durante la segunda mitad de los ochenta y el inicio de los noventa. López Obrero, infatigable en sus últimos años, realiza media docena de exposiciones individuales del 85 al 90, año en que ve la luz la antológica conmemorativa de su ochenta cumpleaños. Fallecido en 1992, aún será protagonista de otra retrospectiva en 1995 y la reciente de su centenario (2010), mientras que su amigo y compañero Rafael Botí es protagonista en estos años de la muestra individual presentada en el Palacio de la Merced (1986) y en la titulada Rafael Botí: Obra reciente (1988-1990), como homenaje a su noventa cumpleaños, así como la que el Museo de Bellas Artes le dedicó en 1994, un año antes de su fallecimiento. Su primera gran retrospectiva tuvo lugar en 1997, en el Palacio de la Merced. Otro histórico, Antonio Rodríguez Luna, justo falleció en 1985, un año antes del que iniciamos este relato. Este diario le tributó a escasos meses del óbito un homenaje editando en Cuadernos del Sur una amplia separata con textos de Francisco Zueras, Ángel López Obrero, Carlos Clementson y José Mª Palencia, entre otros. Su primera retrospectiva homenaje se realizó en 1986 y veinte años después una segunda, ambas en el Palacio de la Merced. Asimismo 1986 fue el año de la primera antológica de Pedro Bueno, quien fallecería en 1993. En 2010 vio la luz la muestra Pedro Bueno en su centenario, en la que se revisitaba al último de los pintores históricos cordobeses nacidos antes de la Guerra Civil. Haremos mención aparte a otras dos exposiciones antológicas llevadas a cabo en colaboración institucional, dedicadas en estos años a figuras históricas: la muestra dedicada a Mateo Inurria en 2007 y la exitosa Símbolo, materia y obsesión, protagonizada por la obra de Julio Romero de Torres, que inauguró un nuevo modelo expositivo en la ciudad mediante la utilización simultánea de diversas salas junto a un amplio soporte publicitario basado en la iconografía del pintor cordobés.

Otro capítulo fundamental diseñado desde el ámbito institucional es el que durante la primera mitad de los 90 se escribió en torno a la programación de arte contemporáneo que la Caja Provincial de Ahorros llevó a cabo en sus salas La Caja y Galería Viana, bajo la dirección de Antonio Povedano, quien compagina esta labor con una plena actividad pictórica. La programación alternó la revisión histórica de importantes figuras de la contemporaneidad, como Canogar, Millares o Genovés, entre otros, con la exposición de artistas en la primera línea del arte de los 90. Paralelamente se llevó a cabo la promoción de artistas locales por medio de iniciativas que incluían el Premio de Pintura La Caja para artistas cordobeses y la presencia en la programación de la Galería Viana, en la que creadores emergentes como Tete Álvarez o Rafael Quintero alternaron con nombres como Rafael Cabrera, Jacinto Lara o Rafael Navarro. En 1995, la unión de las Cajas supuso el fin de la trayectoria emprendida en el campo del arte contemporáneo. La entidad resultante, CajaSur, a través de su Obra Social, puso en práctica un planteamiento alejado de la contemporaneidad que privó a la ciudad del mecenazgo que otras entidades cercanas desarrollaron y que permitieron el establecimiento de importantes colecciones de arte contemporáneo como en el caso de Unicaja, El Monte o Caja San Fernando.

Por su parte, desde el Área de Cultura del Ayuntamiento y de la mano de Miguel Cosano y José Luis Villegas se trató desde los primeros 80 de ofrecer una amplia visión del panorama artístico tanto local como nacional a través de la programación de la Posada del Potro, que alterna nombres consagrados como Miró y Genovés con los ya veteranos José Duarte, Aurelio Teno y Rita Rutkowski, junto a artistas de gran actividad en el momento, como José Mª García Parody, Dorothea von Elbe, Juan Zafra, Paco Salido, Luis Celorio o Francisco Cosano. Pintores de emergencia (1985), comisariada por Pérez Villén, supuso el despegue de una generación de novísimos que incluía, entre otros, a Juanjo Caro, Mariló Fernández Taguas, Luis Paltré y Fernando Baena. Cuatro años después Pérez Villén efectúa la primera gran revisión de la década en el ciclo 22 SUB 35: Jóvenes creadores cordobeses, en el que se reunió a un amplio número de artistas en las salas del Potro, Viana y Museo de Bellas Artes. Otro espacio municipal en el que se intervino fue el Alcázar de los Reyes Cristianos, donde José Mª Báez –ya entonces artista de amplia trayectoria– expuso en 1989.

Entrada la década de los noventa el interés municipal por las artes visuales se circunscribe al campo de la fotografía. A través de la asociación AFOCO, el Area de Cultura sitúa a la Posada del Potro como un espacio de referencia por el que desfilaron grandes nombres de la fotografía europea de la segunda mitad de siglo. Es de señalar asimismo el interés que desde entonces se ha manifestado por parte del Ayuntamiento hacia la cerámica contemporánea, disciplina en la que son nombres fundamentales las artistas Hisae Yanase y Carmen Osuna, tanto en el campo creativo como en el de la enseñanza y difusión del medio. Es en 2001, y a través de Vimcorsa, cuando el consistorio se dota de una sala específica de arte, que inicia su andadura con la muestra Equipo 57. Esculturas. El Equipo ya había protagonizado una importante muestra en Córdoba en 1994 realizada –por la carencia de espacios expositivos específicos– en el Palacio de Congresos, versión de la realizada un año anterior en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, y que supuso el inicio del reconocimiento internacional del importante papel desempeñado por el grupo en la historia del arte español de la segunda mitad del siglo XX. Durante esta decena de años, la sala, bajo la dirección de José Mª Báez, ha realizado una completa programación que ha incluido la producción propia en muestras como La enfermedad, la muerte. Visiones y reflejos en el arte cordobés (2009) o la reciente Juan Serrano. Pintura / escultura / diseño, junto a la revisión de históricos nombres como Picasso, Chillida, Dau al Set, Gordillo o Gustavs Klucis. La reivindicación de la figura de Pepe Espaliú como referente no sólo artístico sino social tuvo una pronta respuesta en la exposición que el Museo de Bellas Artes de Córdoba dedicó al artista en 1994, un año después de su fallecimiento, y se consolidó con la inauguración del Centro de Arte Pepe Espaliú en 2010, situado en el mismo edificio sede de Vimcorsa, y cuya entrada preside desde entonces su emblemática obra Carrying. De entre el capítulo de desapariciones señalar la Beca Córdoba Artes Nobles, creada en 2003 con apoyo privado y destinada a completar la formación de los artistas ganadores, que fueron Javier Flores, David Luna, Miguel Ángel Moreno, Ángel García Roldán, Juan López López y Fernando M. Romero.

Otra institución que se ha sumado recientemente a la apuesta por el arte contemporáneo es la Universidad de Córdoba, la cual hizo un importante acercamiento en 1990 a través del Grupo de Investigación TIEDPAAN, autor del imprescindible estudio Córdoba arte contemporáneo 1957-1990. La apuesta subió con la inauguración de la Sala Puertanueva en 2004, de cuya existencia nos ocuparemos más adelante, y, sobre todo, con el establecimiento del Premio Internacional de Fotografía Pilar Citoler iniciado en 2006, cuya dotación económica, la calidad de sus participantes y la colección de publicaciones que lleva asociada, ha hecho del certamen una referencia en el campo de la fotografía contemporánea. El compromiso sigue adelante con la reciente creación de la Sala de Exposiciones Cardenal Salazar, en la Facultad de Filosofía y Letras, como parte del celebrado aggiornamiento que desde el decanato de Eulalio Fernández se está llevando a cabo en esta institución.

La Diputación es la institución que de forma más clara y continuada ha renovado su apuesta por el arte contemporáneo a partir de los años 80 desde su Área de Cultura. El apoyo a las artes plásticas por parte de la Diputación se remonta prácticamente a su creación como organismo provincial, mediante la dotación de un prolongado programa de becas que se revitaliza en 1993 con la creación de la Beca de Artes Plásticas, destinada a proyectos específicos de arte contemporáneo, y de la que participaron, entre otros artistas, Esteban Ruiz, Manuel Muñoz, Jesús Pedraza, Concha Adán, Fernando Sendra o Manolo Bautista. El impulso definitivo llega con la creación de la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí en 1998, destinada a la difusión, investigación y apoyo del arte contemporáneo en la capital y provincia. La Fundación Rafael Botí mantiene desde entonces un continuado programa expositivo, que tiene también como objetivo la confrontación de las propuestas realizadas en este ámbito con las que se llevan a cabo a nivel nacional, siendo buen ejemplo de ello el ciclo que lleva a cabo Perez Villén y que ha incluido exposiciones como Geometrías en suspensión (1997), Figuras contaminadas (1997), En Pausa. Ficciones del natural (1998), Máscaras, camuflaje y exhibición (2003), Discursos interrrumpidos (2005) y Confabulaciones (2008), así como varios proyectos comisariados por Jesús Alcaide, como Rock My Illusion (2007) o Desdibujados (2009). La actuación incluye la convocatoria de la Bienal de Artes Plásticas, de la que se han celebrado siete ediciones hasta el momento. No podemos dejar de aludir a Periféricos, un proyecto sobre arte contemporáneo de colaboración institucional conformado por Scarpia (El Carpio), Senxsperiment (Lucena), Aptitudes (La Rambla), Encuentro de Poesía Visual (Peñarroya-Pueblonuevo) y El Vuelo de Hypnos (Almedinilla), que se crea con el objetivo de incentivar el interés del público hacia el arte en sus expresiones más contemporáneas, así como fomentar la creatividad y el conocimiento de las artes plásticas actuales, y que ha encontrado una excelente acogida en las localidades donde se desarrolla.Mención aparte merece el proyecto expositivo de la Sala Puertanueva, llevado a cabo en colaboración entre Universidad, Ayuntamiento y Fundación Rafael Botí. Desde 2004 la sala ha acogido un extenso número de exposiciones en las que se han podido contemplar obras de importantes artistas internacionales, nacionales y locales en un mismo plano. Pese a las dificultades de la sala, el proyecto Puertanueva se ha consolidado como un importante referente y ha cubierto la necesidad específica de este tipo de manifestaciones artísticas en la ciudad.

Intentar resumir en unas líneas la labor de las galerías privadas en estos veinticinco años es tarea imposible. Sobre su devenir pesa como una losa la ausencia de coleccionismo privado en la ciudad que ha impedido secularmente la consolidación de este tipo de establecimientos. Si en los años 60 y 70 el panorama de galerías era variado, aunque inestable, mediados los 80 nuestra ciudad vive un acusado declive que prácticamente salvan la Galería Ocre, Céspedes y la veterana Studio 52, que va abandonando paulatinamente las propuestas de vanguardia para instalarse en el mainstream. Desde Lucena y Málaga, Carmen Romero programó hasta fines de la década exposiciones que incluyeron a artistas de ambas provincias como Joaquín Ivars y José Mª Córdoba. Este estado de cosas hace que en los 90 aparezcan soluciones como la Sala Cobalto, espacio expositivo donde se dieron cita artistas hoy consolidados como Nieves Galiot, Gómez Losada, Manuel Garcés Blancart, Francisco Escalera o el recordado Paco Serrano. Desde 1994 programa habitualmente la montillana José Pedraza, por cuyas paredes han desfilado gran parte de los artistas cordobeses de las últimas décadas.En la actualidad, los problemas siguen siendo los mismos, acentuados por la crisis económica, lo que lleva a galerías veteranas como Carmen del Campo a refundarse multiplicando sus propuestas en el año de su décimo aniversario, fiel a una programación que va alternando exposiciones de generaciones diversas, entre las que se ubican artistas como Antonio Bujalance, Desiderio Delgado, Juan Luque o María Ortega Estepa. Carlos Bermúdez abrió sus puertas en 2006, programando en sus salas artistas como Cristóbal Povedano, José Duarte o Ginés Liébana junto a jóvenes creadores como Antonio Castilla. Por su parte, Arte21 cumple trece años decantados hacia el arte menos comercial y dando cabida a las apuestas más arriesgadas que se concitan en nuestra ciudad, mientras que Clave, desde su apertura en 2008 se consolida como referente del nuevo realismo.

Antes del colofón, un párrafo ha de hacer referencia a una de las actividades más importantes realizadas en nuestra ciudad en relación al arte contemporáneo: la muestra El patio de mi casa (2009), comisariada por Gerardo Mosquera junto a Óscar Fernández. El proyecto consiguió aunar arte contemporáneo con uno de los elementos patrimoniales más representativos de nuestra ciudad, los patios, mediante propuestas de algunos de los más relevantes artistas del panorama internacional, como Cai Gou Quiang, Mona Hatoun, Nedko Solakov o Carlos Garaicoa, entre otros, resultando un evento de gran solidez conceptual y atractivo turístico que vino a situar el nombre de Córdoba en primer plano informativo durante los meses en que la muestra estuvo abierta al público.Recién despertados del sueño –o la pesadilla– de la Capitalidad, la actividad artística se resiente hasta extremos que empiezan a ser preocupantes. Desaparecen las salas habilitadas en el Palacio de la Merced, Galería Alta y Arpillera, y no son mejores los augurios para otros espacios como la Sala Puertanueva o la Sala Galatea. El déficit de equipamientos que padece la ciudad será paliado en un futuro próximo con dos nuevas infraestructuras: abandonada sine die la opción del nuevo Bellas Artes, el Centro de Creación Contemporánea y, en distinta medida, el Centro de Arte Rafael Botí vendrán a aumentar la oferta de una ciudad que ha de dejar de considerar a la cultura como un mero pretexto para convertirla en un potente medio de transformación.

Jorge Yeregui se alza con el Premio Citoler

2011-12-15T14:23:00.002+01:00

El Valle. Piscina Municipal, Lobres, obra de Jorge Yeregui ganadora del VI Premio Pilar Citoler

El artista Jorge Yeregui ha sido galardonado con el VI Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler que se ha fallado esta mañana en el Salón de Columnas del antiguo Rectorado de la Universidad de Córdoba. La obra premiada, una fotografía en color titulada El Valle. Piscina Municipal, Lobres forma parte de la serie Paisajes mínimos y conforma según su autor "una exploración conceptual sobre el valor simbólico que adquiere la naturaleza en la Ciudad Contemporánea. Se trata de una serie que "documenta nuevos espacios naturales cuya presencia urbana admite múltiples y contradictorias interpretaciones que oscilan entre el compromiso medioambiental y el Greenwashing".

Aunque santanderino de nacimiento, Jorge Yeregui ha estado vinculado a Andalucía desde el principio de su trayectoria. De formación arquitecto, ha participado en los últimos años en numerosos proyectos de investigación sobre el fenómeno urbano. Habitual de la galería sevillana Alarcón Criado, su trabajo ha podido verse de manera individual en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y más recientemente en el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca. Actualmente disfruta de una beca de ampliación de estudios artísticos en la Academia de España en Roma.

El premio, considerado en su conjunto como uno de los mejor dotados internacionalmente, cuenta con una aportación de 15.000 euros en metálico y la publicación de una monografía sobre el artista premiado perteneciente a la colección El ojo que ves, además de la realización de una exposición individual en la Sala Puertanueva de nuestra ciudad. En las cinco ediciones realizadas Begoña Zubero, Félix Curto, Manuel Sonseca, Juan del Junco y Karen Knorr se alzaron con el galardón.

El jurado ha estado presidido por la coleccionista que da nombre al premio, Pilar Citoler, y ha contado con la presencia de la ganadora de la V edición, Karen Knorr, el galerista Norberto Dotor, el crítico Alfonso de la Torre y los Premio Nacional de Fotografía de 2008, la pareja Bleda y Rosa, que este año han prestado una imagen perteneciente a la serie Estancias para la difusión del premio.

El ganador ha sido elegido entre una decena de finalistas cuyas obras podrán contemplarse en la exposición que se celebrará en el mes de febrero en la Sala Puertanueva de nuestra ciudad y en la que también estará presente una selección de trabajos de Karen Knorr, ganadora del premio en su pasada edición. La lista de seleccionados la conforman la escocesa Wendy Mcmurdo, la portuguesa Joana Pimentel, la británica Anna Fox, el bonaerense Esteban Pastorino y los españoles Paco Valverde, Paula Rubio Infante, Paloma Polo, Álvaro Laiz y los miembros del colectivo MR, Ricardo Ramón y Marina García Burgos.

En el transcurso de la rueda de prensa de presentación del fallo, Manuel Torres, Vicerrector de Estudiantes y Cultura de la Universidad de Córdoba, promotora del premio, ha anunciado que a partir del próximo año, y debido a las restricciones presupuestarias, el certamen pasará a convocarse con carácter bienal.

Nuevas citas en los museos cordobeses para el próximo domingo

2011-12-14T18:24:00.004+01:00

Máscara del dios Pan, siglo I, Museo Arqueológico de Córdoba

Dos nuevas citas están previstas antes de finalizar el año en los museos cordobeses Arqueológico y de Bellas Artes. En el primero de ellos, la actividad será la correspondiente a La pieza del mes, cuyo protagonismo estará en esta ocasión dedicado a la Máscara del dios Pan, pieza en mármol de Luni fechada a mediados del siglo I procedente de excavación en la calle Ángel de Saavedra de nuestra capital. Aunque la pieza se encontró en un espacio de carácter público con límites indefinidos, sus paralelos tipológicos, según los investigadores, permiten situar la pieza en el ámbito doméstico, expuesta en el intercolumnio del peristilo de alguna domus de la Colonia Patricia. La presentación correrá a cargo de Clementina Rojas, presidenta de la Asociación de Amigos del Museo Arqueológico de Córdoba.

Por otro lado, La obra del mes, en el Museo de Bellas Artes, versará en torno a los retratos de Julio y Carlos Romero de Torres realizados por su padre, Rafael Romero Barros, a quien está dedicado el ciclo de esta temporada, en la que se celebra el CL Aniversario de esta institución museística. La disertación correrá a cargo de Octavio Salazar, profesor de Derecho Constitucional de la Universidad de Córdoba. Ambas presentaciones están previstas para su comienzo a las 13 horas.

La pieza del mes

Máscara del dios Pan

Presenta Clementina Rojas

Domingo 18 de diciembre, 13 h

Museo Arqueológico de Córdoba

Plaza de Jerónimo Páez

La obra del mes

Retratos de Julio y Carlos Romero de Torres

Presenta Octavio Salazar

Domingo 18 de diciembre, 13 h

Museo de Bellas Artes de Córdoba

Plaza del Potro

Más de 170 artistas concurren al VI Premio Citoler

2011-12-12T00:55:00.001+01:00

Palacio de verano, Pekín, 2005. Obra de Bleda y Rosa que sirve para la difusión del VI Premio Pilar Citoler

Un total de 174 artistas de América y Europa han presentado sus obras para optar al Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler que en su sexta edición se falla esta semana en la ciudad de Córdoba. El premio, considerado en su conjunto como uno de los mejor dotados internacionalmente, cuenta con una aportación de 15.000 euros en metálico, la publicación de una monografía sobre el artista premiado perteneciente a la colección El ojo que ves, además de la realización de una exposición individual en la Sala Puertanueva de nuestra ciudad. En las cinco ediciones realizadas Begoña Zubero, Felix Curto, Manuel Sonseca, Juan del Junco y Karen Knorr se alzaron con el galardón.

Mientras el número de participantes se mantiene similar a la edición anterior destaca esta convocatoria por el calado de algunos de los nombres que concurren al certamen. Así en la lista de participantes llama la atención la presencia de artistas con amplio recorrido dentro del panorama internacional como la escocesa Wendy McMurdo, toda una referencia en el campo de la fotografía escenográfica, la portuguesa Joana Pimentel, la brasileña Beth Moysés o la británica Anna Fox. Muy nutrida también es la representación de artistas nacionales de reconocida trayectoria como Pere Formiguera, Miguel Ángel Gaüeca, Juan Carlos Bracho, Mapi Rivera, Aitor Lara, Jorge Yeregui, Llorenç Ugas, Noelia García Bandera, Roberto Aguirrezabala o el cordobés Manolo Bautista. Completan la lista algunos de los artistas que fueron seleccionados finalistas en la edición anterior como Gonzalo Puch, Gerardo Custance, Luis Baylón, Amale/Bondía, Ignacio Llamas, Álvaro Sánchez y el cordobés Tete Álvarez.

El jurado estará presidido por la coleccionista que da nombre al premio, Pilar Citoler, y contará con la presencia de la ganadora de la V edición, Karen Knorr, el galerista Norberto Dotor, el crítico Alfonso de la Torre y los Premio Nacional de Fotografía de 2008, la pareja Bleda y Rosa, que este año han prestado una imagen perteneciente a la serie Estancias para la difusión del premio. El jurado hará una selección de diez obras entre las presentadas y entre dicha selección otorgará el premio "considerando de modo especial su calidad artística, su trayectoria y su inserción en el discurso de la fotografía contemporánea". La reunión del jurado para el fallo del premio se realizará este jueves en el Salón de Columnas del antiguo Rectorado.

El Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler está organizado por la Universidad de Córdoba y cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Córdoba, de la Fundación Rafael Botí, de la Fundación Caja Rural y del Parque Científico y Tecnológico, Rabanales21.

Ars Operandi Videos: 1997. Mitos y Fantasmas de Jacinto Lara

2011-12-09T15:08:00.001+01:00

Ars Operandi Videos aumenta su catálogo que documenta exposiciones realizadas en Córdoba en las dos últimas décadas. Y lo hace con Mitos y Fantasmas, una muestra de Jacinto Lara celebrada en Palacio de la Merced en 1997, espacio que también albergara en 1975 la primera individual en Córdoba del artista de Fernan Núñez.

Mitos y Fantasmas se compone de dos series que sirven de homenaje a aquellos pintores de los que Lara se siente deudor. Para el crítico, Ángel Luis Pérez Villén, autor del texto del catálogo editado para la muestra, "trata de los pintores que han ejercido una influencia evidente en la trayectoria artística de Jacinto Lara; éstos serían los fantasmas, los antecedentes homenajeados desde una posición ya lejana al origen del influjo, los padres que se prestan a ser sacrificados para que el iniciado en la madurez artística pueda completar su propio ciclo. Al otro lado los mitos, las ilusiones y utopías, las proyecciones espirituales que apuntan a las culturas de Oriente y a Mesoamérica, dos focos de atención que de forma somera han ido apareciendo en su obra desde hace años pero que ahora son reconocidos públicamente como el sustrato argumental en que se fundamentan las historias de su pintura. La desaparición de la figura paterna en el entorno familiar del artista -acaecida al inicio de la serie- precipitó de alguna manera su decisión de perpetrar el asesinato de caros autores para él, como Velázquez, Goya, Miró, Monet, Sánchez Cotán, Escher y Equipo 57".

Nuevas actividades en la Escuela Artística Antonio Povedano

2011-12-08T14:02:00.001+01:00

Una vista de las actividades del pasado curso. Foto: EAAP

A partir del proximo mes de enero, la Escuela Artistica Antonio Povedano inicia su ciclo de actividades para el curso 2012 en su sede de la calle Pintor Bueno. Dirigido por Manuel Garcés Blancart, el curso, que se prolongará hasta el mes de marzo, tratará diversos contenidos incluidos tanto en las artes plásticas como en la literatura. La nómina de docentes es extensa, profesionales de diversos ámbitos que incluyen los nombres (y cursos) de Ana Belén Ramos y Manuel Torres (Fotografía y creación literaria); Fernando Martínez Romero (Naturaleza muerta: la mancha); Javier Fernández (Iniciación al comic y a la novela gráfica); Mamen Domínguez (P'alos 4); Fernanda Romero (Encáustica); Manuel Garcés (Abstracción en el paisaje, Anatomía y retrato); Sofía Ostos (Cerámica artística); Mª Ortega Estepa (Creatividad infantil, Pintura y collage) y Lola Molina (Pintores que hicieron historia). Complementariamente a los cursos, habrá fines de semana intensivos a cargo de Manuel Garcés Blancart (Paisaje contemporáneo); Beatriz Sánchez (Collage audiovisual); Mª Ortega Estepa (El papel como soporte y recurso pictórico) y Mª Bueno Castellano (Fin de semana impresionista). Completará el programa de actividades de la Escuela el Mercado del Arte que se celebrará todos los domingos en el Jardín Botánico.

Escuela Artística Antonio Povedano

Curso 2012

C/ Pintor Bueno 5, 1º, Córdoba

CONSULTAR TODA LA INFORMACIÓN AQUÍ

Mirabile Harmonia

2011-12-06T12:05:00.000+01:00

por Miguel C. Clémentson

Mª Dolores Valiente, Sosiego, 2011, mixta/papel, 37 x 66

Recrear el mundo en torno a unas figuras —después de conseguir representar sobre un plano la imagen misma de un ser real— ha constituido una búsqueda incesante a lo largo de la evolución humana. Y las estrategias y convencionalismos se han ido sucediendo en las diferentes civilizaciones con afanes equivalentes, pero con resultados dispares y, no obstante, éxitos provechosos en toda circunstancia, ya que se posibilitaron fórmulas que satisficieron en cada momento histórico las necesidades de creación —para estos colectivos— de mundos figurados paralelos a la existencia misma. En un principio, los animales representados se recortaban sobre fondos neutros, inaugurando ellos mismos —con su propia concreción— la génesis espacial. Tiempo después, en el Mesolítico, la interacción entre las distintas figuras silueteadas mediante expresivos trazosdaba inicio a la vertiente narrativa en la representación: por vez primera se pretendía contar un suceso, dar cuenta de los acontecimientos que se sucedían en una dinámica temporal mutante. Como complementoa las escenas, como recurso de contextualización, se incluía junto a los personajes un elemento inequívoco —árbol, choza, panal...— que permitía recomponer mentalmente donde estaba teniendo lugar la acción: había nacido una primitiva fórmula de paisaje, una manera de representar el entorno envolvente en que secuenciamos nuestras vidas.

En el paramento interior de uno de los santuarios diseminados por la trama urbana de Catal Hüyuk, asentamiento neolítico que tuvo desarrollo entre 6.500 y 5.700 a. C., situado en la llanura de Konya (Turquía central), se encontró representado el primer paisaje conocido de la historia del arte: figura allí esbozadoel propio poblado mediante una serie de cuadros irregulares concatenados, coronados por un volcánen erupción. Pero fue en el mundo griego —llevados de su incesante afán experimental— donde las representaciones fueron sumergiéndose en una auténtica atmósfera espacial,que tanto afectaba al paisajenatural como a las escenas ambientadas mediante fondos de arquitectura interior. La generación de Agatarkos y Pausón —artistas griegos de entresiglos (ss. V y IV a. C.)— fue la que desarrolló los primeros esfuerzos para inventar una fórmula naturalista de representación perspectiva. Parrasios, ya en el siglo IV a. C., recreaba perfiles rocosos y arboledas, anegando lo plasmado de cambiantes luces, que matizaba hábilmente para ambientar sus afamadas escenas mitológicas. Otro de los legendarios fundadores de la pintura de carácter ilusionista fue Zeuxis. Estas fórmulas debieron influir en la posterior configuración del denominado relieve alejandrino, en el que los fondos recreaban, mediante sutiles degradaciones en el mármol, efectos perspectivos de eficaz coherencia plástica y espacial. En el helenismo se producirá un desplazamiento del interés desde las normas objetivas, a la posibilidad de reproducir el mundo visible de manera ilusionista, según el proceder, la capacidad y la personalidad del artista. Este ilusionismo era el vínculo que posibilitaba la identidad entre la idea y la realización plástica. Si la capacidad de percepción era un factor necesario e importante en la dinámica artística, ya que se trataba de descubrir la verdad de un mundo dinámico e inestable, también el aspecto ilusionista de la obra de arte contenía parte de esa verdad. Los espectadores de la época veían en estas escenografías antiguas verdaderos prodigios, con las que se simulaban mágicas ficciones de la vida real, a pesar de las limitaciones y convencionalismos con que a nuestros ojos fueron recreadas.

En Roma, el gran mérito del denominado estilo arquitectónico —que parece ser contemporáneo de Julio César y que transformaba las paredes en pura ilusión constructiva— viene dado por magníficas consecuciones perspectivas, de un ilusionismo decorativo, teatral y barroquizante. En el estilo figurativo tenían cabida todo un amplio abanico de temáticas, entre las que el paisaje fue estimado en gran medida, distinguiéndose cuatro tipologías muy concretas: paisaje idílico-sacro, paisaje campesino, paisaje ciudadano y vistas de jardines.

Los artistas italianos del Trecento idearon una amplia variedad de recursos —ciertas reglas que aplicaron sistemáticamente— para sugerir el espacio y representar formas sólidas convincentes; para ello se ayudaron dela estrategia de insertar figuras humanas en un contexto de fundamentación espacial arquitectónica. Elpunto de arranque es la obra de Giotto, que organiza una ventana perspectiva ordenada y profundamente ponderada de figuras, fugas arquitectónicas en visible retranqueo, y una eficaz recreación óptica del volumen espacial. Ambrogio Lorenzetti plantea gran número de recursos coordinados para lograr el control geométrico en las recreaciones espaciales de sus obras, llegando a utilizar un punto de fuga único al que se remitían las líneas principales que configuraban los conjuntos arquitectónicos en que se emplazaban las figuras. Su hermano Pietro, en 1342, planteó por vez primera en El nacimiento de la Virgen, que hoy se conserva en el Museo de la Catedral de Siena, el uso de dos focos diagonales, dos sistemas de convergencia geométrica que ordenan y construyen —en el más literal sentido del término— la composición, dando desarrollo a la más precisa representación perspectiva de todo el siglo XIV.

La escuela pictórica holandesa del siglo XVII supo desarrollar con especial énfasis distintas fórmulas depintura de paisaje, manifiestas a través de una intensadedicación de sus artistas, que se ocuparon de plasmaren sus telas los bosques, los ríos y canales, las llanurasinteriores y el mar de aquellas tierras, entornos permanentementeafectados por atmósferas azuladas y espesasbrumas, lo que les posibilitó realizar importantesavances en la representación de la perspectiva aérea.También fue pródiga en representaciones de vistasurbanas, de carácter arquitectónico, en las que se valorabanlas calles y plazas de las ciudades más relevantes.Esta misma fórmula tuvo continuidad en el siglo XVIIIa través de los pintores de vedute italianos, entre losque destacaron especialmente Canaletto y FrancescoGuardi, que representaron con singular maestría perspectivasurbanas de la ciudad de Venecia. El capriccio,otro de los géneros considerados en la época, suponíauna variante de la veduta, y consistía en recreacionesde paisaje con inclusión de elementos arquitectónicos,por lo general inspirados en ruinas del mundo clásico,donde igualmente tenían cabida otras edificacionesinventadas, fruto de la fantasía del artista.

Los artistas románticos conformaron todo un amplioprograma estético basado en el paisaje. La Naturalezaera considerada por vez primera objeto de valoraciónpor sí misma, al margen de toda dependencia. El positivismo,en cambio, llegaría a definir una interpretacióntan materialista del mundo, que se hizo necesariala presencia de nuevos ideales que compensaran lasdesilusiones a que estaba entonces abocado el hombremoderno. Surgirán en este contexto diferentes propuestasestéticas, que intentaron recomponer esa rupturafundamental de comunicación existencial que se habíaestablecido entre el hombre y su entorno natural. Enel ámbito de la pintura, uno de los argumentos quemejor contribuyó a superar ese distanciamiento fue,precisamente, el género del paisaje. Era ésta una temáticaque había sido considerada desde muy antiguo,pero casi siempre subordinada a otros motivos másgrandilocuentes. El paisaje, como único protagonistade una composición pictórica, sin afectación de presenciahumana, surge en el siglo XIX de la mano deConstable, Turner, Bonington y los autores del Grupode Barbizón, que determinaron trabajar al aire libre,inmersos en el espacio vertiginoso y cambiante de riscosy arboledas, estudiando directamente la luz y los estadosatmosféricos, intentando aprehender el pulso delUniverso, a través de la infi nita variedad de sus matices.

Dinamizada por los fundamentos expuestos sobrevienenlos trabajos que integran la muestra con que nosagasaja María Dolores. En todos y cada uno de ellosla evolución descrita decanta su reflejo, se reactivanaquellas secuencias dubitativas que incentivaron laformulación de estrategias para intentar comprenderel espacio y las interrelaciones existentes entre los seresy objetos que lo habitan.

¿Qué es el paisaje sino la proyección de nosotrosmismos en el Cosmos? Todo a la medida del hombre...y lo demás, ¿no existe? ¿No existen ultrafrecuenciasimperceptibles a nuestros parámetros auditivos?... queotros animales de este mismo planeta utilizan comohabitual vehículo de comunicación. ¿No existen porencima y por debajo del espectro visible al ojo humanootras realidades —como el electromagnetismo—, otrasformas que nosotros somos incapaces de percibir? Y locierto es que cuanto más extraño y distorsionado estáel motivo, cuanto más irreconocible, más atractivo senos insinúa a la mirada. El artista ha de distanciarsedel modelo, de la realidad misma, una vez activada suinspiración; la pauta de creación no se debe tan sóloal método, sino también a la ventura de lo inesperado,de lo fortuito, produciéndose, a veces, una suerte de“concordancia afortunada” —pero no enteramenteprevista—, de manera que esta concurrencia de factoresde irracionalidad intervienen decisivamente en elacto de creación artística. Sólo así podemos concebirestos celajes imposibles, proyectados para el ensueñode la mirada, patentizados con una suerte de coloridoatmosférico mediante ágiles pinceladas, con las queen toda circunstancia María Dolores recrea vigorosasluminiscencias en su obra.Las composiciones quedan resueltas mediante ampliostrazos, de audaz determinación, procedimiento emparentado con la manera levantina de aplicar la pasta decolor, de tal forma que los tonos permanecen purossobre el soporte, apastelados, vibrando poderosamentesu pujanza en la retina del espectador.

Algunas de estas interpretaciones del paisaje, pese aestar realizadas al óleo o con técnicas mixtas, parecieranestarlo en el difícil menester de las vidrieras, como laedificante imagen que nos ofrece del Tajo de Ronda.

Otra de las virtudes de estos trabajos reside en la originalidadde los encuadres, de tal forma que suelen disponerselos motivos escorzados, resueltos y alternadospor secuencias de planos que se disponen a la luz o enpenumbra, mediante acertados criterios constructivos.Las descripciones urbanísticas de María Dolores sonprecisas en la secuencia matérica de aplicación del color,en el estudio de las interacciones entre las luces y lassombras. Son paisajes habitados por la consecuenciahumana, como aquellas espectrales imágenes romanasque nos mostraban vistas de calles, villas residencialeso puertos, y que sólo pretendían constatar las grandesobras de los hombres en contraposición a las de lanaturaleza. Se nos describen perspectivas urbanas desérticasde personajes, tan desoladoras como los espaciosrecreados por De Chirico. El paisaje se densifica hastaconvertirse en historia, en portador de unas fricciones,de unas experiencias ahora decantadas en el tiempo,en el contexto donde los procesos naturales y la obrahumana miden sus fuerzas en un continuo devenir.

TEXTO PERTENECIENTE AL CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN

DESCARGAR CATÁLOGO COMPLETO AQUÍ

ars textos

Mª Dolores Valiente

...y la Naturaleza dio vida a la Historia

Sala Mateo Inurria (Escuela de Arte)

Plaza de la Trinidad, Córdoba

Entornos de agua: Francisco Escalera en José Pedraza

2011-12-02T17:36:00.001+01:00

Francisco Escalera, Figura, E.P 91, (2011), 30x30 cm. mixta-lienzo

A partir del sábado, 3 de diciembre, la Galería José Pedraza de Montilla presenta la segunda exposición de la temporada, dedicada en esta ocasión al pintor Francisco Escalera, quien ha agrupado una amplia selección de su última producción bajo el título Entornos de agua. La muestra se compone de veintisiete piezas de mediano y pequeño formato de la nueva serie Territorios de agua junto con la serie Estivalia la cual lleva desarrollando el artista desde 2006 y que con anterioridad ha sido mostrada en ciudades como Vitoria, León, Cartagena, Madrid, Sevilla, Cádiz y Elche.

En ellas poderemos ver cómo "la pintura de Escalera adquiere un carácter vital y positivo, complementándose con una paleta más luminosa y colorista. Se trata de seres y entornos en los que hay una búsqueda de entender, analizar el paisaje costero en época estival y la relación del ser humano con espacios orgánicos cotidianos o aspectos arquitectónicos mas conceptuales, ya común en su anterior serie". El comunicado de la galería añade que "además existe una interacción de la propia experiencia vivida y recordada en el viaje teniendo como reflexión el agua con el paisaje circundante, utilizando esta como elemento pictórico y compositivo".

Francisco Escalera (Córdoba, 1965) es un artista de amplia y reconocida trayectoria. Ha sido finalista en el Premio de Pintura BMW (Madrid 2004, 2005 y 2006) así como 1º Premio en el Certamen Nacional de Bellas Artes (Sevilla 2003), 1º Premio en el XI Certamen “Maestro Mateo” (Córdoba, 2003), 1º Premio en XXII Convocatoria “Pintor Sorolla” (Elda. Alicante, 2004), 1º Premio en el VI Premio de Pintura “Diario de León” (León, 2005), 1º Premio en el XVII Concurso Internacional “Cerezo Moreno” (Villatorres-Jaén, 2007), 1º Premio del II concurso “El agua y los ríos de Granada” de la Fundación Emasagra de dicha capital (2008), 1º Premio en XV Cartell de Premis Arts del Principado de Andorra (2009) y 1º Premio Fundación Teresa Rivero (Jerez de la Frontera. 2010), 1º Premio Concurso de pintura “Adour-Bidasoa” (Irún, 2011) entre otros. Su obra se encuentra representada en colecciones públicas y privadas de toda la geografía nacional y algunos países como Portugal, Alemania, Francia, EEUU, Colombia, Argentina, Egipto, entre otros, así como la Fundación de Arte Contemporáneo FOCUS-ABENGOA (Sevilla, 2003 y 2005), Caja Castilla la Mancha CCM (Toledo, 2006), Fundación Wellington (Madrid, 2007), Caja de Guadalajara (2007) y Real Sitio y Villa de Aranjuez (2007).

Francisco Escalera

Entornos de agua

Inauguración 3 de diciembre, 12:30 h

Galería José Pedraza

La Andaluza, 1, Montilla (Córdoba)

Hasta el 5 de enero de 2012

Homenaje a Antonio Povedano

2011-12-01T08:57:00.001+01:00

Una instantánea del homenaje en la que aparecen, junto al monolito, de izquierda a derecha, Antonio Povedano Marrugat, hijo del pintor, María Luisa Ceballos, José Antonio Nieto y Manuel Concha. Foto: José Mª Palencia

Organizado por el Círculo de Actividades Culturales, en el día de ayer se verificó el homenaje dedicado al pintor Antonio Povedano (1918-2008), consistente en la inauguración de un monolito erigido en el pasaje que lleva su nombre, sito al final de la avenida de la Arruzafilla, donde Povedano tenía su estudio. Mirando al sur, con la sierra a su espalda, el monumento, cuya piedra está horadada para dejar pasar los rayos de luz en recuerdo a sus vidrieras, muestra un autorretrato del pintor grabado en acero.

Nueva cabecera: Daniel Palacios

2011-12-01T08:49:00.001+01:00

Abrimos el mes de diciembre y cerramos el funesto 2011 con la nueva cabecera que, habitualmente, y de forma mensual, presentamos a nuestros lectores. En esta ocasión, la cabecera ha sido diseñada por el artista Daniel Palacios, a quien agradecemos cordialmente su colaboración, que hace la quincuagésimo sexta de esta iniciativa.

Daniel Palacios nació en Córdoba en 1981. Licenciado en Bellas Artes y con estudios de postgrado en Arte y Tecnología, Palacios asienta el corpus de su obra en la intersección entre arte, ciencia y tecnología. Ha mostrado sus trabajos en exposiciones como Synthetic Times en el Museo Nacional de Arte de China [NAMOC] y El discreto encanto de la tecnología en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo [MEIAC] en Badajoz, el prestigioso Neue Gallerie de Graz (Austria), el Zentrum für Kunst und Medientechnologie [ZKM] de Karlsruhe (Alemania) así como en la reciente Shelter, realizada el pasado septiembre en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín.

Jacinto Lara y Perry Oliver en la Krabbe de Frigiliana

2011-11-30T18:08:00.001+01:00

Anidarse, obra sobre papel de Jacinto Lara en Krabbe

La Galería Krabbe de Frigiliana (Málaga) que dirigen al alimón Caroline y Dorthe Krabbe presenta en estos días la muestra conjunta de los artistas Jacinto Lara y Perry Oliver que reúnen sus trabajos bajo el título de Anidarse en Sleepwatcher. Desde 2004 esta galería "danesa" de la Axarquía malagueña alberga una selección de artistas internacionales y cuenta también con las aportaciones de prestigiosos artistas invitados como el danés Arne Haugen Sørensen. Entre la nómina de artistas de la galería destaca la fuerte presencia de creadores cordobeses como el propio Lara, Hashim Cabrera, Juanjo Caro, José María Córdoba o Hisae Yanase.

Jacinto Lara propone en su serie Anidarse, un camino de vuelta hasta el lugar de la partida. Para el Maestro de Fernán Núñez, anidarse es "regresarse,no caminar hacia atrás,ni mirarse el ombligo,es recomponer la miradasobre las ramas que un díaconfiguraron el nido”. Se trata de una selección de trabajos recientes en los que los distintos papeles que el artista realiza a mano a partir de diferentes pastas de papel sirven de paleta para construir delicadas composiciones deudoras, en palabras de Javier Lara, "de la reivindicación más plástica y amanuense a un tiempo". Para Javier Lara, Anidarse es el resultado de una "destilación expresiva, de simplificación desnuda en extremo, donde las formas parecen habitar los parajes que constituyeron su origen. Y en efecto, de revelar o hacer surgir lo contenido u oculto se trata.Formas, trazos, y color conviven inquietos en espacios que parecen intentar construirse a cada golpe de mirada, sobre soportes que interactúan entre sí (lienzo y art-paper), que se resisten a conformarse mediante unos patrones preconcebidos, y que nos invitan a detenernos con ellos y en ellos.Y así, será en ese “anidarse”, refugiarse desnudo de artificio, donde se acerquen los principios formales a los procedimentales para situar la idea en su contexto más fecundo, en los albores de su misma concepción".

Por su parte el escultor y grabador norteamericano Perry Oliver presenta Sleepwatcher, un conjunto de esculturas sobre metal. Para Oliver el argumento de la serie es"el drama sencillo e íntimo deuna persona dormida y otra, al lado, despierta.La distancia (poignant and tender and immense)entre dos mundos -consciente y sub-consciente-en contraste de una escena tan íntima en el sentido físico..." Javier Lara expone en el texto de presentación que "como metáfora de la pugna que tiene lugar en el mismo sujeto, Oliver manifiesta ese drama a través de la interacción entre dos universos aparentemente contrapuestos, entre lo consciente y el subconsciente, figurados por un sujeto durmiente y otro despierto.Distancia que define como desgarradora, sensible e inmensa, y que contrasta con la cercanía de una escena figurada por dos personas que comparten lecho".

Jacinto Lara & Perry Oliver

Anidarse en Sleepwatcher

Galería Krabbe. Frigiliana. Málaga

Inauguración jueves 1 de diciembre con la presencia de los artistas

Todo sobre papel en Arte21

2011-11-29T20:51:00.001+01:00

Aspecto de la colectiva sobre papel en Arte21. Foto: Ars Operandi

La galería Arte21 encara su temporada navideña a partir del próximo día 1 de diciembre con una exposición colectiva que tiene a la obra sobre papel como principal protagonista. ¿Papel? es el interrogante que se lanza desde la galería en una muestra que pretende "fomentar el coleccionismo desde la base". Para su director, Antonio Jiménez, se trata de "reivindicar el consumo de arte como un producto totalmente asequible". En este sentido, asegura, es posible encontrar obra de reconocidos autores por un precio que ronda los trescientos euros. De esta manera se pretende crear el hábito de comprar arte "desde su escalón más pequeño, la obra sobre papel". La versatilidad que ofrece este soporte permite desplegar un amplio registro de técnicas y procedimientos, desde el papel hecho a mano al collage, el grabado, el aguafuerte o la fotografía.

¿Papel? cuenta en su nómina con tres grandes exponentes de la plástica nacional que han desarrollado gran parte de su obra con el papel como soporte. Un aguafuerte de Tàpies del 73, una litografía de Hernández Pijuán del 68 y una estampación de Canogar de 1982 aportan quilates a una muestra que permite también conocer trabajos recientes de artistas habituales de la galería. Así podemos encontrar los papeles hechos a mano de Jacinto Lara (Anidarse), los esgrafiados de Juanjo Caro o los dibujos sobre libros de José Luis Muñoz. Inéditos, aunque fechados en 1994 son los Papeles de Don Adolfo que presenta José María García Parody mientras que Rafael Navarro aporta a la muestra dibujos de la serie de 1996, Erotomanías. Completan la muestra acuarelas y pasteles de Victor Pulido y Pablo Orellana y dos de las recientes incorporaciones de la galería, Tete Álvarez, que presentará individual en enero y Fernando M. Romero, que comienza con esta colectiva su colaboración con Arte21 .

¿Papel?
Inauguración jueves 1 de diciembre, 20:30 h
Galería Arte21

Manuel María de Arjona 4, Córdoba

De lunes a viernes de 17:30 a 20:30 h.

Sábados de 11 a 13:30 h.

Hasta el 5 de enero de 2012

Ecos londinenses de Rothko

2011-11-27T13:26:00.001+01:00

por A. L. Pérez Villén

Mark Rothko, LightRed Over Black, 1957
© Kate Rothko Prizel and Christopher Rothko/DACS1998

No es cuestión de memorabilia, se trata de simple economía. Es más fácil y más barato tirar de los fondos cercanos que convocar una macromuestra con préstamos de todo el mundo. Sea como fuere enfrentarse a una tela de Mark Rothko (Letonia, 1903–Nueva York, 1970) siempre es una experiencia casi religiosa, de manera que quienes estén cerca de Londres no pueden perdérselo, eso sí, sabiendo que se trata de una muestra eminentemente documental –escritos, fotografías, documentos– con una sola pintura del artista, concretamente Light Red Over Black (1957). Pues eso, que la Whitechapel Art Gallery hace un ejercicio de memoria y nos muestra cómo fue la exposición que hace medio siglo realizó en sus salas el artista norteamericano. Antes de seguir hay que apuntar que la Whitechapel es una institución centenaria, pues se funda nada más comenzar el siglo pasado con la intención de acercar el arte a la población del Este de Londres. El edificio original sufrió una remodelación y posterior ampliación hace un par de años, confirmándose con su programación como un centro de arte muy activo y singular.

Rothko in Britain es por tanto una exposición celebratoria y documental, una muestra que evoca la realizada en 1961, que sirvió –entre otras cosas– para que el expresionismo abstracto desembarcase en Europa sin contratiempos. Hace años cuando algunos historiadores insistían en aquello de que la política norteamericana durante la guerra fría empleaba el expresionismo abstracto como arma arrojadiza (libertad creativa absoluta) frente a la barbarie represiva de los soviéticos, asentíamos sin mayor importancia. Hoy, después de numerosos estudios que confirman el diseño de la estrategia política norteamericana, volvemos a asentir con mayor conocimiento de causa y –no obstante–seguimos adorando a artistas como Mark Rothko por brindarnos la posibilidad de elevarnos sobre los pies ante sus pinturas.

Digamos que el expresionismo abstracto es la primera tendencia genuinamente americana en el arte contemporáneo, pues aunque hay estilos similares en otros contextos artísticos –arte otro europeo, informalismo español– sus rasgos lo hacen singular y diferente al resto. Por regla general los expresionismos abstractos surgen como evolución de un cierto tipo de surrealismo –escritura automática en imágenes que dirían sus paladines– que rompe amarras con cualquier tipo de referencia figurativa para acceder a un territorio ignoto donde la única temática a desarrollar es la de la pintura. Este es el campo de operaciones de la pintura norteamericana a comienzos de los años 50, cuando una serie de autores han definido un lenguaje propio que ya no tiene dependencia alguna con las tendencias europeas de las vanguardias. Son los años en que Nueva York usurpa el rango de capital del arte contemporáneo a París, son por tanto los años de la Escuela de Nueva York, un banderín de enganche en el que tienen cabida un numeroso grupo de artistas norteamericanos que trabajan dentro de la abstracción gestual, de la pintura all–over, del action painting...

Términos que designan prácticas artísticas derivadas del expresionismo abstracto. Rótulos, estilos y tendencias que nos valdrían para hablar de la pintura de Jackson Pollock, Arshile Gorky, Willem De Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, William Baziotes, Robert Motherwell, Hans Hofmann... Sin embargo, la pintura de Mark Rothko es muy distinta a la del resto de sus compañeros. Es una obra ensimismada, de una concentración extrema y a la vez tremendamente abierta a su recepción. Como ellos, Rothko había partido de una serie de motivos, de los que fue alejándose para centrarse en el tratamiento de las masas de color y en el ritmo de la aplicación sobre el soporte. La suya es una pintura muy musical, de una sorda reverberancia interna que se modula mediante franjas de color, primero verticales y finalmente horizontales. El eco vibrante y en permanente retroalimentación de una rutilante hoguera en la que se acrisola el espíritu.

Una instantánea de la exposición de Mark Rothko en la Whitechapel Gallery (1961) © Whitechapel Gallery

Pero volvamos a Londres para rastrear la conexión Rothko–Gran Bretaña. En su momento se habló del espíritu romántico, tan inglés, como elemento de conexión; de hecho el artista mencionaba a menudo a William Turner como uno de sus autores de referencia. Y es cierto que los convulsos paisajes atmosféricos del inglés tienen mucho que ver con esa vibración constante que tienen las masas cromáticas del americano. Las dimensiones de las obras –algo mayores las de Rothko– y la intensidad emocional puesta en juego son muy parecidas en ambos casos. Pero hay más conexiones, sabemos que Rotkho pasa una temporada en Gran Bretaña durante el verano de 1959. Rastros de este viaje quedan documentados en la exposición, fotografías que muestran al artista y su familia en distintas localidades británicas. Por otra parte Gran Bretaña tiene un buen legado de la obra de Mark Rothko. Fue el propio artista quien un año antes de su muerte –se suicidó a finales de febrero de 1970– legó a la Tate Gallery de Londres nueve de las pinturas que había realizado para los salones del Four Season. Un encargo realizado ex profeso por los arquitectos Ludwig Mies van der Rohe y Philip Jonson, quienes habían diseñado el edificio Seagram y querían que el restaurante tuviese unas pinturas murales de categoría. Aunque Rothko acepta el encargo, conforme pasa el tiempo y realiza las pinturas termina por entender que dichas obras no podían encajar en un ambiente de frivolidad y mundanidad como el del restaurante, por lo que decide no entregarlas y en cambio las lega a la Tate Gallery, que las conserva desde entonces en su colección.

Los documentos que testimonian la decisión del artista de entregar a la institución británica los murales Seagram forman parte de Rothko in Britain. También se exhiben fotografías de la exposición original de 1961, en las que se puede reconocer la pintura que practicaba el artista a finales de los años 50, la que le ha hecho célebre y la que tantos entusiastas ha cosechado desde entonces. Asimismo se puede releer buena parte de la correspondencia entre el artista y el entonces director de la institución (Bryan Robertson) cerrando aspectos diversos de la exposición a celebrar. En especial destacan las anotaciones respecto a la colocación de las obras –la iluminación y posición y altura de las pinturas– así como las impresiones de visitantes de excepción, como las del crítico de arte David Silvestre –conocido por ser entre otras cosas el biógrafo de referencia de Francis Bacon– quien reconoce la empatía desbordante de las obras de Rothko y la consecuente energía emocional que activaban en quien las contemplaba.

Rothko in Britain
Whitechapel Gallery, Londres
Hasta el 26 de febrero de 2012

Córdoba inicia una nueva "romanización"

2011-11-24T15:00:00.000+01:00

El viernes 25 de noviembre Córdoba acogerá la inauguración de la muestra Romanorum Vita, una exposición interactiva organizada por la Obra Social ”la Caixa” en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba en la que se podrá asistir a una recreación de la vida cotidiana en una ciudad romana de hace 20 siglos. La muestra, que estará en nuestra ciudad hasta el 17 de enero de 2012, coincidirá en el tiempo con la exposición Córdoba, reflejo de Roma, a celebrarse en tres salas de nuestra capital, y en la que se mostrará al público la importancia adquirida por Corduba sobre todo a partir del siglo I y a raiz de la transformación del Imperio que llevó a cabo Augusto. Son por tanto dos excepcionales ocasiones para conocer el pasado de la ciudad y la pervivencia de los usos y costumbres latinas a través de los tiempos, presentes en todas las culturas superpuestas a nuestra ciudad.

Romanorum Vita. Una historia de Roma es un proyecto de divulgación histórica para todos los públicos de la Obra Social ”la Caixa” que permite conocer la vida cotidiana de los habitantes de una ciudad del Imperio Romano. En la muestra, el público podrá pasear por una calle y visitar una domus, mientras contempla los objetos cotidianos que llenaban calles y casas. Romanorum Vita sitúa al visitante en el año 79 d. C, en plena época imperial y poco antes de la destrucción de Pompeya. Escenografías, proyecciones audiovisuales y textos informativos se complementan con elementos sonoros e incluso olores, configurando así una experiencia museográficamente innovadora.

Comisariada por Enric Seritjol y Magí Seritjol, gestores culturales y relacionados con la difusión del patrimonio, que ocupa alrededor de 400 metros cuadrados, permitirá recrear cuál fue la vida en Corduba o cualquier otra ciudad romana gracias a las reproducciones, arquitecturas y escenificaciones que se proyectarán, integrándose el espectador durante unas horas en la vida cotidiana de los romanos, con una fidelidad que los historiadores pueden conocer con exactitud gracias a los hallazgos arqueológicos y los textos literarios.

La muestra, ideada eminentemente con un sentido didáctico, y con la voluntad de acercar la exposición tanto al público conocedor como al curioso de todas la edades, ha preparado diversos recursos de accesibilidad y ha editado la guía de la exposición en lenguaje braille. Asimismo se ha preparado un amplio programa didáctico para los escolares y profesores que la visiten y se han puesto en marcha diversos recursos en red que incluyen una visita virtual y la posibilidad de descarga del catálogo de la exposición.

Romanorum Vita. Una historia de Roma

Inauguración 25 de noviembre, 13 horas

Vial Norte. Av. de la Libertad, Córdoba

Del 25 de noviembre de 2011 al 17 de enero de 2012

Toda la info en la web de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba

El andar de las ciudades

2011-11-24T00:25:00.001+01:00

José Miguel de Prada Poole. Sea Colony (La isla viajera o Atlántida 2000), 1986. Colección del CAAC.

El escenario de la ciudad se ha convertido de un tiempo a esta parte en uno de los más fértiles terrenos para el desarrollo de las prácticas artísticas contemporáneas. En las últimas décadas, la ciudad ha ido difuminando aún más sus límites hasta convertirse en "un ente expandido que todo lo abarca. Esta expansión no sólo ha sido física, sino especialmente conceptual y emocional, hasta ocupar virtualmente todo el imaginario colectivo". Bajo el telón de fondo del análisis del fenómeno de lo urbano, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo viene desarrollando en el último año la sesión Margen y Ciudad, un programa que ha traído hasta el Monasterio de la Cartuja de Sevilla a artistas como Lara Almarcegui, Andreas Fogarasi o Alejandro Sosa. Como continuación del ciclo hoy abre sus puertas A las ciudades se las conoce como a las personas, en el andar. La exposición que toma como título una cita de Robert Musil recoge una ordenación de parte de la colección permanente que "transita desde el concepto de metrópolis al de ciudades imaginadas, de la vida ordinaria en la ciudad al espectáculo, de las periferias en construcción a lo natural domesticado".

Comisariada por Luisa López Moreno y Juan Antonio Álvarez Reyes, la muestra reúne más de 250 obras de cerca de cincuenta artistas, la mayoría de la colección del CAAC, acompañadas de otras que han servido para completar el discurso que plantean. Para sus comisarios la polisemia de la frase de El hombre sin atributos "puede señalar al menos tres direcciones diferentes pero conectadas. La primera dirección pone el énfasis en la acción, en el andar en sí como práctica estética. La segunda hace hincapié en la cuestión temporal, puesto que es en el transcurrir de los años como se construye la identidad humana y urbana. Y la tercera, más evangélica, señala que “por sus hechos los conoceréis”, en el sentido de que se necesita experimentar cómo actúa una ciudad o una persona para conocerla. Recorrer, observar y vivir resultan, por tanto, acciones esenciales para el conocimiento". A las ciudades... toma como referencias de partida el concepto de "no lugar" acuñado por el antropólogo francés Marc Augé y la teoría de la deriva alumbrada por el movimiento situacionista. En base a ello se aglutina una importante parte de la colección que "tiene a la ciudad y al tránsito de lo rural a lo urbano como protagonistas. Las periferias urbanas hablan, como muy pocos lugares pueden hacerlo, sobre lo que acabamos de ser, sobre lo que por el momento continuamos siendo y, también, sobre lo que inmediatamente seremos. Los fenómenos especulativos y el crecimiento insostenible en ellas se representan sin maquillaje, aflorando las contradicciones del capitalismo tardío".

Tete Álvarez. Confines IV, 2005. Colección del CAAC

La nómina de autores atraviesa numerosas épocas y disciplinas. Así, encontramos cineastas como Fritz Lang, arquitectos como Rem Koolhaas, escritores como Lorca o Juan Ramón Jiménez, dibujantes como El Roto o Nazario, fotógrafos y videoartistas como Nan Goldin o Dan Graham. Completan la muestra obras de Olivo Barbieri, Sergio Belinchón, Juan Sebastián Bollaín, Miguel Brieva, Santiago Cirugeda, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Peter Downsbrough, Peter Frield, Paco Gómez, José Manuel Guerrero Sánchez, Gervasio Iglesias, Juande Jarillo, Francesco Jodice, Gonzalo Juanes, Zoe Leonard, Rogelio López Cuenca, Alex MacLean, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Ryuji Miyamoto, Luis Molina Pantin, Pedro Mora, Daido Moriyama, MP&MP Rosado, Francisco Ontañón, Jesús Palomino, José Miguel Pereñiguez, Carlos Pérez Siquier, Guillermo Pérez Villalta, José Miguel de Prada Poole, Xavier Ribas, Juan Carlos Robles, Francesc Ruiz, Alberto Schommer, Miguel Trillo, Julio Ubiña, Madelon Vriesendorp, Jorge Yeregui y Claudio Zulián. Especial relación con nuestra ciudad mantienen las obras de Tete Álvarez. Confines, una serie de fotografías a color realizadas en 2005, muestran en un trabajo casi documental los límites de la ciudad de Córdoba. Para Tete Álvarez "el imparable proceso de extensión de las áreas urbanas hace de los terrenos limítrofes un escenario transitorio, un paisaje efímero marcado por las leyes especulativas del mercado inmobiliario y los planes de desarrollo urbanístico. Se trataba de documentar una desaparición; cartografiar unos confines que pronto habrían sido rebasados, que pronto habrían dejado de serlo. Marcados por un signo que traza la línea fugaz del aquí-ahora, los límites nos hablan de un tiempo y un lugar determinado en el proceso de urbanización infinita, de construcción del espacio público".

Completan el ciclo Margen y Ciudad sendas muestras de Libia Castro y Ólafur Ólafsson y Julie Rivera. Castro y Ólafsson presentan Tu país no existe que incluye proyectos como Constitution of the Republic of Iceland, donde analizan el proceso de reforma constitucional que ha experimentado recientemente Islandia, o la provocadora campaña Your Country Doesn't Exist que realizaron por primera vez en 2003, a raíz de la invasión de Irak, y que desde entonces han ido promoviendo en diferentes lugares y contextos. Por su parte Julie Rivera ha preparado un proyecto específico para el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo bajo el título La arquitectura de la felicidad. Se trata de una serie de vídeos de performances, fotografías y maquetas en torno a los que Rivera articula una reflexión acerca de la relación entre el individuo y su contexto arquitectónico y urbanístico.

A las ciudades se las conoce como a las personas, en el andar.

Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

Monasterio de la Cartuja de Santa María de Las Cuevas, Sevilla

Martes a sábado de 11,00 a 21,00 horas.

Domingos: de 11,00 a 21,00 horas.

Entrada gratuita: Martes a viernes de 19,00 a 21,00 horas. Sábados de 11,00 a 21,00 horas.

Hasta el 4 de marzo de 2012

Jornadas en Madinat al-Zahra celebran el centenario de las primeras excavaciones

2011-11-23T12:45:00.001+01:00

El centenario de Madinat al-Zahra. Una joven ciudad milenaria es el título de las jornadas que el Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra, con la colaboración de Casa Árabe, ha organizado con motivo del centenario de las primeras excavaciones realizadas en el yacimiento de la que fuera capital del Califato Omeya.

Los actos se inciarán el jueves, 24 de noviembre en el Auditorio del Conjunto Arqueológico, con la actuación del grupo Zoobazar, músicas del Mediterráneo, quienes interpretarán un repertorio compuesto por música andalusí y árabe. La jornada siguiente, del viernes, se inicia a las 10:30 horas, con el recorrido temático por la ciudad palatina titulado Viaje al futuro de una ciudad del siglo X, a cargo de Andrés García Cortés y Antonio J. Portero Moreno, conservadores de Madinat al-Zahra. La tarde tendrá como lugar de reunión Casa Árabe, en cuyo recién estrenado auditorio se llevará a cabo la presentación de la edición en árabe de la Guía Oficial de Madinat al-Zahra y del libro Madinat al-Zahra: capital del califato omeya de al-Andalus, a cargo de Gema Martín Muñoz, directora general de Casa Árabe y de Miguel Castellano Gámez, director general de Museos y Promoción del Arte de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía. Posteriormente, Antonio Vallejo Triano, director del Conjunto Arqueológico de Madinat al-Zahra, dictará la conferencia titulada Historia de la recuperación de Madinat al-Zahra. La jornada se cerrará con una mesa redonda en la que intervendrán Manuel Acién Almansa, profesor de Historia Medieval de la Universidad de Málaga y miembro de la Comisión Técnica de Madinat al-Zahra, Eulalio Fernández Sánchez, decano de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Córdoba, Ángel Rebollo Puig, de la Gerencia de Urbanismo del Ayuntamiento de Córdoba y Pau Soler Serra Tosa, arquitecto y redactor de Proyectos de Restauración en Madinat al-Zahra, moderados por Eduardo Manzano Moreno, director del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC y miembro de la comisión Técnica de Madinat al-Zahra.

El cierre de las jornadas será en el Museo de Madinat al-Zahra, donde a partir de las 10:00 horas se sucederán las conferencias La arqueología española en los inicios de la recuperación de Madinat al-Zahra, por Vicente Salvatierra Cuenca, catedrático de Historia Medieval de la Universidad de Jaén; Madinat al-Zahra: modalidades y espacios de escritura en una ciudad de fundación califal, por Mª Antonia Martínez Núñez, profesora de Estudios Árabes de la Universidad de Málaga y Madinat al-Zahra. Una ceca legendaria, por Alberto Canto García, profesor de Arqueología Medieval de la Universidad Autónoma de Madrid, tras de lo que se llevará a cabo un coloquio previo a la clausura oficial de las jornadas.

DESCARGAR EL PROGRAMA OFICIAL AQUÍ

Jornadas El centenario de Madinat al-Zahra. Una joven ciudad milenaria

Conjunto Arqueológico Madinat al-Zahra y Casa Árabe (c/ Samuel de los Santos Gener, 9, 14003 Córdoba)

Días 24, 25 y 26 de noviembre

Entrada libre hasta completar aforo

Juan Luque: Where I end and you begin

2011-11-20T19:09:00.001+01:00

por José Álvarez

Juan Luque, Adventure, O/L, 2011 (de la serie Circos)

De los alicientes del arte, uno de los más interesantes de abordar por el espectador es su carácter de búsqueda continua, de superación de las fronteras que (vanamente) pretenden estar establecidas. El artista se vale de sus recursos técnicos para desplegar ante sí y ante todos un lenguaje propio en continua evolución. Lo sugestivo en esta exploración es justamente su carácter de descubrimiento, de la apertura que supone la revelación. Where I end and you begin, el título bajo el que Juan Luque ha agrupado su última producción pictórica, participa de este continuum vital como materialización de su proceso de análisis de la realidad, una realidad que no tiene por qué ser una realidad física, pero que sí lo es circundante, aunque rodee al pintor en un plano que va más allá de lo visible e inmediato, y que encuentra sus fuentes en la memoria íntima. La memoria, esa mezcla de vivencias que a muchos son comunes, se configura a través de una iconografía propia dotada del poder de la evocación. Un poder que nos hace ver un paisaje de Richard Estes en el reflejo de un escaparate, mientras atravesamos una avenida, o hace surgir un turner en una mañana brumosa. Los paisajes de Juan Luque participan en gran parte de este poder desde el momento en que los asimilamos como algo reconocible o incluso propio. Ejemplo de ello es la serie Moteles, en la que el espectador no sólo identifica la forma a primera vista –los moteles de carretera estadounidenses–, sino que es capaz de revestirlo de un significado añadido, tomado de su bagaje personal, existencial. El paisaje representado se convierte así en algo vivo, en el que puede sonar música de fondo: be-bop, si nuestro referente es On the Road, de Kerouac; Born To Be Wild, si la imagen que asociamos parte de Easy Rider… La fuente es inagotable. Del mismo modo, su capacidad narrativa deja abierto un guión en el que podemos escribir nuestra propia road movie. Where I end and you begin pretende justamente este juego entre la obra de arte y el espectador: donde yo acabo y tú empiezas.

Juan Luque, Steak & Snake, O/L, 2011

Los paisajes de Juan Luque tienen otras peculiaridades. A diferencia de otros artistas, que hacen síntesis de lo figurativo para expresarse en un lenguaje no referencial, Juan Luque ya hacía sentir la presencia del paisaje en etapas anteriores, en las que el resuelto informalismo dejaba atisbar un interés que se hace plenamente visible en la muestra La disciplina del horizonte (2002), en la que –curiosamente– la serie predominante era titulada Paisajes sin memoria. Es en 2004 cuando Océanos de tiempo revela uno de los elementos iconográficos característicos de Juan Luque: sus faros. No son precisamente estos vigías de las costas parte del paisaje que el pintor divisa desde su estudio, ni los horizontes bajos y extensos donde el mar se pierde, sino la campiña montillana en su más pura esencia de tierra y viña. Sin embargo, nada se asocia en su obra a su entorno inmediato, si no fuera –como hemos visto– y, una vez más, por la reminiscencia de lo vivido. El pintor altera de forma sustancial la realidad porque no se conforma –porque no es su deseo– con la mera verosimilitud. Los colores terrosos, los ocres polvorientos, la poética vallecana, tan cercana y vigorosa –diríamos que, natural– dejan paso por el contrario a una paleta absolutamente personal donde los colores se revisten con una capacidad de reivindicación del deseo pictórico del artista. Su presencia pareciera discreta. La técnica de Juan Luque –pintar, frotar, arrastrar, borrar, repintar– es engañosamente diferente a la que utiliza el pintor colorista que gusta del resultado vibrante. Basta contemplar obras como Adventure para deleitarse con las más puras luces crepusculares, que inundan el lienzo mientras bañan la superficie de la carpa. Faros y circos aparecen en la intemperie desnuda como surgidos de la nada. Son vastos espacios que el espectador atraviesa formando parte de la narración que en ellos hay implícita, y que sirve al artista para convertir lo inmenso en íntimo. Enhiestos y vigilantes, o nómadas y solitarios, faros y circos –o una casa solitaria de luz titilante– son la coartada elegida por el pintor para resolver su interés por el espacio y la perspectiva y por aprehender la atmósfera presente en cada situación. Su forma de trabajo, los barridos, los borrados, el uso de las lijas, espátulas y cuchillas, añaden a la atmósfera un ruido particular, una superficie que registra todos y cada uno de los pasos que Juan Luque decide en el proceso. Es una no huella que precisamente en su contradicción sirve como el surco que registra los sonidos de la memoria vivida.

DESCARGAR EL CATÁLOGO COMPLETO AQUÍ

ars textos

George Condo, Pintura Burlesque

2011-11-19T02:09:00.001+01:00

por A. L. Pérez Villén

George Condo. Portrait of a Woman, 2002,

Compartiendo las salas con Pipilotti Rist en la Hayward Gallery, la retrospectiva de George Condo nos permite una excelente aproximación a la obra del norteamericano, que hasta hace unos días doblaba su presencia en Londres con una exposición de dibujos en la Galería Spruth Magers. Mental States, que así se llama la antológica, se compone de unas 60 obras que van de mediados de los 80 –cuando el artista sitúa su residencia en Nueva York– a la actualidad. La muestra partió del New Museum de Nueva York, después pasó por el Museo Boijmans van Beuningen de Rotterdam y después de su estancia en la capital británica viajará al Schirn Kunsthalle de Frankfurt. Una retrospectiva que relee la tradición de la pintura -a la cita acuden maestros como Velázquez, Picasso, El Greco, Rembrandt, Saura...– y que combina ingredientes muy diversos: un singular expresionismo derivado de la estética del comic, la banalidad del pop, la estridencia de la psicodelia, el mestizaje de la posmodernidad y la decadencia de lo grotesco.

George Condo. Jesus, 2002

George Condo se dio a conocer en los años 80 como uno de los pintores más activos en la escena norteamericana de la posmodernidad. Desde entonces su obra, que hacía gala de un febril escoramiento por el dibujo, era huésped de la estela picasiana y se trufaba de similares intereses por la inmediatez de la resolución y los préstamos de la baja cultura, que compartía con autores como Keith Haring y Jean Michel Basquiat amén de Warhol. También casi desde entonces ha sabido dotar a su pintura de una doble cualidad que la hace especialmente atractiva. Su parasitismo hacia la tradición que no reprime la tentativa de matar al padre en cualquier momento y la veneración más exquisita por todo aquello que sea capaz de hilvanar lujo, distinción y gore (y punk y provocación y abyección). Una estética que quizás resuma una filosofía de vida, caracterizada por el glamour y las sustancias estupefacientes, la sofisticación y los amores perros. En cualquier caso nada a mitad de camino, siempre hasta el fondo, ya sea en las nubes o bajo el barro.

Aspecto de la exposición de Condo en la Galería Spruth Magers de Londres. Fotografia: ars operandi

La clausurada muestra en la Galería Spruth Magers reunía una serie de dibujos recientes de gran formato con las célebres aglomeraciones del artista. Acumulación de trazos, figuras y huellas de aproximación que desvelan su renovado interés por la representación. Un mosaico de fragmentos, de rostros y cuerpos desmembrados que nos vuelve a acompañar en las salas de la Hayward Gallery como si de un abigarrado graffiti se tratara. Un sedimento gestual resuelto con una solicitud expresa del trazo para sugerir formas y tensar rostros y figuras. Este es el territorio primordial de la pintura de Condo durante los años 80 y los 90. A partir de entonces el gesto se hace más taciturno, el colorido, más áspero, incluso llega a herrumbrarse y la pasta pictórica como contrapartida se diluye. Las cabezas declinan poco a poco la aceptación de lo grotesco como seña de identidad. Estamos en el cambio de siglo y la pintura de Condo permanece viva y anhelante por marcar rumbos nuevos.

Aspecto de la exposición de George Condo en la Hayward Gallery

Sin embargo no emprende aventuras que no tengan que ver con revisitar los orígenes; es decir, volver a inquirir a los maestros acerca de la pertinencia de la pintura. Y a esta cita acude, de nuevo, como no, Picasso, pero también los fantasmas de Antonio Saura y Rafael Alberti, así como la presencia ominosa de El Greco. No obstante, es Picasso el más revisitado. Otro núcleo importante de la retrospectiva lo componen los retratos imaginarios. Para ello el artista ha montado una suerte de retablo barroco compuesto de una veintena de telas –en su mayoría retratos, como no podía ser de otra manera- con las que se podría realizar una magnífica y completa recensión sobre su obra. Bajo la licencia de la relectura de la historia del arte conviven los rostros deformes –recurso común en el expresionismo y derivados, así como en sus precedentes (Goya)– la minuciosidad preciosista del ornato, la extravagancia figurativa y el colorido festivo.

George Condo. The Insane Queen, 2006.

Es evidente que la pintura de George Condo en la última década es inconfundible. Sus rostros habitados por lo grotesco y deformes hasta la comicidad, representados con toda la naturalidad que otorga la pintura le han servido para rescatarla de la condición servil a la que se había entregado cuando hace unos años decoraba la experiencia de la posmodernidad. No es que estemos abogando por la defensa de la obra de Condo como una propuesta política, que también, pero lo cierto es que en la actualidad su pintura ha acentuado su habitual repertorio expresivo. Y lo hace cargando las tintas en la decrepitud de una existencia robotizada y condenada a elegir entre la animalidad de los personajes que la habitan y la distante elegancia de la perversión a la que gustosamente se someten.

George Condo. Mental States

Hayward Gallery. Southbank Centre, London

Hasta del 8 de enero de 2012

Exterior noche. M.A. Tornero en la sala Iniciarte

2011-11-18T00:10:00.001+01:00

Vista de la instalación de M.A. Tornero en la sala Iniciarte de Córdoba. Fotografía: ars operandi

La sala Iniciarte de nuestra ciudad se ha convertido en el único espacio institucional que alberga actualmente alguna exposición de arte contemporáneo. La interrupción de la temporada de la Sala Puertanueva, la desaparición física de las salas Arpillera y Galería Alta en el Palacio de la Merced, el cese en la programación de la sala Galatea, han situado al espacio de la calle Capitulares como el único con programación estable de arte actual. Y todo ello cuando el programa Iniciarte, de promoción de la creación contemporánea en Andalucía, no atraviesa su mejor momento. Tal como informábamos recientemente, el desarrollo del programa ha visto reducido sustancialmente su actividad hasta el punto de suspender la convocatoria de ayudas para el año en curso. La Consejería de Cultura quiere redefinir el programa en su totalidad y para ello ha recabado la opinión de los colectivos de arte que desarrollan su labor en Andalucía.

Así las cosas, entrar en la sala Iniciarte es acceder a un oasis dentro del páramo artístico en que la consabida crisis ha convertido no sólo a nuestra ciudad. Un oasis en el que aun florecen propuestas como la que nos viene de la mano del artista Miguel Ángel Tornero (Baeza, 1978). Tornero ha compilado una serie de collages sobre cartón que comparten interés por una construcción fotográfica del paisaje, un paisaje emocional que habita siempre en la periferia y que surge en la noche oscura a golpe directo de flash. Camino a Cortijo Maravillas es para su autor "una continuidad evolutiva de las fotografías y collages digitales que he venido mostrando desde mis inicios, donde aparecía una peculiar fascinación por los descampados, las carreteras secundarias, las laderas, los arcenes, la botánica salvaje y periférica… donde recreaba inquietantes situaciones pobladas de personajes a la deriva que parecían no entender cómo habían llegado allí. Otras veces, simplemente documentaba –en un intencionado fracaso de objetividad– la peculiar belleza que encontraba en cardos borriqueros, pitas y otras especies botánicas supervivientes, de las que crecen a la contra, en condiciones adversas y sin recibir ningún tipo de atención".

Collage fotográfico sobre cartón de M. A. Tornero en la sala Iniciarte de Córdoba. Fotografía: ars operandi

Con Camino a Cortijo Maravillas, Tornero muestra su voluntad de utilizar la fotografía "cada vez menos como simple vehículo contenedor de imágenes y cada vez más como una herramienta expresiva protagonista; de estirar las posibilidades y jugar con los soportes, de no limitar el disfrute de la obra al sentido de la vista, de explicitar el proceso, de transgredir la manera habitual de trabajar con la foto –aludiendo a veces a un espíritu amateur– convirtiendo en virtud la fragilidad del medio". Para llevar a cabo este proceso de deconstrucción y posterior construcción de la imagen Tornero habla de la necesidad de "merodear, ir a lo desconocido –o a los márgenes de lo familiar– con la intención de disfrutar, de recrearse en la contemplación, agudizando los sentidos, permaneciendo atentos a lo que sucede, cruzando incluso los dedos pidiendo no llegar al que se supone el destino deseado".

Formado artisticamente en Granada, Miguel Ángel Tornero actualmente vive y trabaja en Madrid después de disfrutar una beca de residencia en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín. Fruto de esta residencia Tornero presentó The Random Series –berliner trato– (2010) en la Künstlerhaus Bethanien de Berlín. Además ha presentado sus trabajos de manera individual en la galería Cubo Azul de León, en la galería Luis Adelantado, Catástrofes para Bien (2009), Por Ahora (todo va bien) (2007) y Pretérito Imperfecto Compuesto (2004) y en el Palacio de los Condes de Gavia, Conspiración (2004). De manera colectiva Tornero posee un extenso currículum jalonado de ferias internacionales –MACO, ARCO, FIAC, Paris Photo, Art Basel Miami– de la mano de la galería Luis Adelantado de Valencia. También ha participado en numerosas exposiciones comisariadas como From Here On (comisariada por Clément Chéroux, Joan Fontcuberta, Erik Kessels, Martin Parr y Joachim Schmid) en Les Rencontres d’Arles Photographie (2011), 25 Años Muestra de Arte Injuve (comisariada por María y Lorena de Corral) Círculo de Bellas Artes de Madrid (2010), Un No por Respuesta (comisariada por Tania Pardo) en MUSAC de León o AQUÍ –cuatro fotógrafos desde Madrid– en la Sala del Canal de Isabel II de Madrid (2009). La exposición en la sala Iniciarte de Córdoba coincide con la concesión a Miguel Ángel Tornero del Premio de Arte Grünenthal de fotografía dotado con 10.000 euros.

Miguel Ángel Tornero.

Camino a Cortijo Maravillas

Espacio Iniciarte Córdoba.C/ Capitulares, 2

16 de noviembre al 23 de diciembre 2011

Lunes a viernes de 12 a 14 y de 18 a 21h.Sábados de 12 a 14h.

Juan Luque presenta su nueva individual en Carmen del Campo

2011-11-16T18:52:00.001+01:00

Juan Luque, El faro de la cantera, O/L, 2011 (de la serie Solos)

El próximo viernes, 18 de noviembre, la Galería Carmen del Campo presenta la nueva producción de Juan Luque, titulada When I end and you begin, una colección que abarca una veintena de obras realizadas en óleo sobre lino, y en la que el pintor montillano prosigue su experimentación con las luces y las formas a través de motivos referenciales concretos. El título hace alusión al proceso continuo que va asociado a la obra de arte: cuando el artista acaba su obra, se abre un momento en el que el espectador completa la fruición artística mediante la interpretación y el deleite de la obra.

De las varias series que se presentarán, las tituladas como El hogar y el refugio, Horizonte para un faro, Solos o Nieve, tienen como protagonistas a los faros y otras construcciones anejas, que se yerguen en paisajes inhóspitos dotando a la composición de un sólido referente visual. De ellos ha dicho: "El encuentro con los faros fue algo casual, nada intencionado, pero yo creo que estaba predestinado a sensibilizarme con este tipo de cosas. Luego empecé a meterme en Internet y descubrí que había mucha gente aficionada a los faros, que coleccionan piezas, imágenes..., y me aficioné yo también. Además el faro encierra desde símbolos históricos, como el faro de Alejandría, hasta esa sensación de hogar o refugio".

Por su parte, la serie A new end explora el tema circense, muy cercano compositivamente a sus faros, y en la que las carpas son asimismo elementos aislados en paisajes desolados, mientras que la serie Motel se compone de una serie de obras que se insertan, por su iconografía, en la gran tradición paisajista estadounidense de la que formaron parte pintores como Charles Sheeler, Edward Hopper o Richard Estes, cada uno con sus particularidades técnicas. En el caso de Juan Luque, su procedimiento técnico se inicia con la creación de sus propios soportes, lino pegado a tabla, sobre el que pinta tras una somera preparación que gusta de dejar zonas con la trama visible. Sus composiciones parten de imágenes encontradas a través de fuentes diversas, reestructuradas y sintetizadas, imágenes que son el inicio del desarrollo pictórico posterior. Los acabados al óleo son manipulados de diversas formas, las cuales proporcionan el acabado final característico de Juan Luque, un pulido a base de sucesivos frotamientos que dota a la obra de un rastro continuo como valor añadido, irreproducible fotográficamente.

Juan Luque, Estudio nº 3, O/L, 2011 (de la serie Motel)

Juan Luque (Montilla, 1964), es Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla. Desde 1989 ha realizado numerosas exposiciones colectivas y una veintena de individuales en países diversos. Su carrera, que ha ido evolucionando del informalismo hacia un realismo onírico, ha sido distinguida con numerosos premios y menciones, de entre los que destacamos el Premio Garnelo (1999), Premio Maestro Mateo (2000), Premio Rafael Zabaleta (2001) o dos Medallas de Honor consecutivas en el prestigioso Premio BMW de Pintura (2006 y 2007). Igualmente su obra se encuentra en numerosas colecciones, tanto públicas como privadas.

Juan Luque

When I end and you begin

Inauguración viernes 18 de noviembre, 20:00 h

Galería Carmen del Campo

C/ Conde de Robledo, 5 14008 Córdoba

Hasta el 7 de enero de 2012

Fernando Baena, cuerpo y memoria en "La Batalla de Madrid"

2011-11-16T17:09:00.001+01:00

El artista Fernando Baena (Fernán Núñez, 1962) presenta esta tarde en Matadero, dentro del programa de AcciónMad11, su último trabajo en video, La Batalla de Madrid. Estrenado el pasado 4 de noviembre en la sede de la Confederación Nacional del Trabajo dentro de las jornadas "Nuestra Memoria, Nuestra Lucha", La Batalla de Madrid es para su autor "una obra de historia, cuerpo y paisaje grabada en lugares donde sucedieron hechos importantes relacionados con la batalla, símbolo de la resistencia del pueblo ante el fascismo". Para Baena la cinta "no es un documental sino un trabajo de performance y videodanza. O sí". El resultado es una obra que orilla los límites de géneros como el documental histórico, el video de creación y la videodanza y en la que la narración fluye a través de la interacción entre cuerpo y paisaje puesta en escena de la mano de la performer Marianela León. Para sus autores se trataba de "revisitar" los lugares donde acaecieron los hechos históricos de la defensa de Madrid "desde la intuición, la inmediatez y la actualidad. Bailamos en la calle y registramos el acontecimiento de manera que cada sesión de grabación se convierta en una performance nueva. El sentido de la narración final surge en el montaje".

Pero en La Batalla de Madrid no sólo el montaje resulta determinante para concretar el sentido de la obra. El conflicto latente entre tiempo histórico y tiempo presente significado por la presencia de escenarios cargados de memoria como la Ciudad Universitaria, la Casa de Campo o el Puente de los Franceses; la fértil dialéctica mantenida por cuerpo y escenario o el contrapunto sonoro que proporcionan piezas como la ejecutada por el Coro del Ejercito Rojo son los sustentos de una obra que, en la línea de trabajos recientes de Baena, tienen al cuerpo y la memoria como principales referentes.

La Batalla de Madrid es la cuarta colaboración entre el videoasta Fernando Baena y la danzarina experimental Marianela León que en su haber tienen trabajos como El sueño de Courbet, Duende, Muerte y Geometría y Malas posturas. Fernando Baena también ha presentado recientemente en el C.S.A La Tabacalera la performance Barricada de la que ofrecemos a nuestros lectotres su registro en video.

Aptitudes 2011 enfila su segunda semana

2011-11-14T13:37:00.001+01:00

Aptitudes 2011, el Encuentro de Cultura Contemporánea “Alfonso Ariza” de La Rambla enfila su segunda semana de desarrollo, en la que se proseguirá el trabajo en torno a tres áreas de trabajo: arte y terapia, educación creativa y cultura digital. En esta ocasión, Aptitudes ha preparado un programa de talleres y propuestas creativas cuyo eje principal se centra "en las terapias del arte entendidas como proceso que utiliza la persona para comunicar su interioridad trascendiendo lo puramente estético, siendo en esta posibilidad de crear donde reside la gran fuerza terapéutica del arte. Sabido es que el arte estimula las capacidades propias del individuo, que desarrolla su creatividad y expresión individual como medio de lograr satisfacción y mejorar personalmente. También que la cultura digital permite proyectar conflictos internos y ofrece la posibilidad de poder visibilizarlos y resolverlos. Y que toda persona es capaz de ser creativa, siendo el arte una necesidad, un impulso innato en el individuo", según refleja el programa de los Encuentros, que organizan el Ayuntamiento de La Rambla (Concejalía de Cultura) y la Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí.

En la pasada semana tuvo lugar el taller titulado Arte, Terapia y Alzheimer, a cargo del artista Esteban Ruiz Moral, con la participación de la Asociación de Familiares de Alzheimer de La Rambla. El taller tuvo como propósito "el desarrollo de la creatividad en enfermos de Alzheimer de AFA La Rambla, de modo que se profundice en la capacidad de inventar soluciones para situaciones problemáticas a partir del descubrimiento y la búsqueda de respuestas a partir de un proceso creativo completo". Asimismo se llevo a cabo el taller titulado Activación sonora rural, mapas y paisajes sonoros, a cargo de Chinowski Garachana (El Sueño de Tesla, Málaga), quien implicó a la Escuela de Música de La Rambla en su desarrollo, implicación que es el núcleo participativo de los Encuentros. El taller tuvo como objetivo "dotar al municipio de registros sonoros que recojan las actividades sociales, económicas, culturales, lingüísticas y naturales, hasta componer una identidad sonora rambleña a través de una cartografía o mapa para ofrecer un panorama más amplio del patrimonio cultural inmaterial de La Rambla".

En esta semana se finalizará el taller Cocina creativa, a cargo de Celia Jiménez Caballero, la primera mujer andaluza en conseguir una estrella Michelin en2005 como jefa de cocina del restaurante marbellí El Lago. En la actualidad forma parte del grupo de empresas Bodegas Campos como responsable del departamento I+D, donde desempeña el cargo de Directora Técnica de Cocina de la Escuela de Hostelería y de la Cátedra de Gastronomía de Andalucía. Con este taller de cocina creativa se pretende "enseñar más que novedosas técnicas una filosofía de experimentación y revalorización de nuestros ingredientes locales de siempre para asignarles nuevos usos y una vocación internacional".

A partir del día 23 será el turno del taller Educación creativa y creaciónaudiovisual, a cargo de Pablo Domínguez, miembro de Zemos98, un colectivo ubicado en Sevilla que desde hace años viene trabajando bajo los conceptos de "cultura libre, procomún y remezcla, en pos de la educación expandida, la mediación tecnológica y la experimentación de contenidos y formatos para una sociedad en red". El taller servirá para, en síntesis, "cómo contar una historia utilizando medios audiovisuales como apuesta por el pensamiento crítico ante una sociedad fascinada por la velocidad de las cosas y una sobrecarga informativa que desorienta a la ciudadanía, donde el papel que juegan los medios de comunicación se pueda entender como “escuela paralela”. Los participantes serán un grupo de alumnos y alumnas del IES Profesor Tierno Galván de La Rambla.

El cierre de los Encuentros será el día 26 de noviembre, en el que Las Naves de Cerámica acogerán la obra titulada Ejercicios de amor: teatro sin límites, una pieza teatral "resultado de un trabajo de creación colectiva, caracterizado por una clara voluntad de búsqueda y reflexión a propósito de nuevas formas de comunicación y expresión teatrales contemporáneas", a cargo de la Compañía El Pont Flotant (Valencia).

DESCARGAR EL

PROGRAMA COMPLETO 2011

Aptitudes 2011

Encuentro de Cultura Contemporánea “Alfonso Ariza”

Artistas: Esteban Ruiz Moral, El Sueño de Tesla, Celia Jiménez Caballero, Pablo Domínguez, miembro de Zemos98, yEl Pont Flotant

Comisario: Juan López López

Del 7 al 26 de noviembre

La Rambla (Córdoba)

Comienza el ciclo "Encuentros con el Arte. Córdoba siglos XVII y XVIII"

2011-11-14T12:48:00.001+01:00

Organizado por la Delegación de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba, y con la colaboración de Vimcorsa, el próximo miércoles 16 de noviembre se inicia una nueva edición en el ciclo de conferencias que el Aula de Historia, Arte y Cultura viene programando anualmente. En esta ocasión, el ciclo, que tendrá lugar en la sala de conferencias de Vimcorsa los días señalados, a las 20:00 horas, lleva como título Encuentros con el Arte. Córdoba siglos XVII y XVIII.

El miércoles 16 será la conferencia inaugural, a cargo de Fuensanta García de la Torre, directora del Museo de Bellas Artes de Córdoba, quien tratará el tema Las artes plásticas en la Córdoba del siglo XVII. La siguiente intervención, el miércoles 23 de noviembre, será llevada a cabo por María Yllescas, historiadora del arte, técnica de la Delegación de Cultura de la Junta de Andalucía, con el título La arquitectura cordobesa durante el siglo XVII. Cerrará el ciclo José Mª Palencia Cerezo, historiador del arte y conservador del Museo de Bellas Artes de Córdoba, quien dictará la conferencia titulada Entre el Barroco y la Ilustración: El arte cordobés en el siglo XVIII.

Como complemento a estas actividades se ha programado una visita guiada al Museo de Bellas Artes de Córdoba para el día 19 de noviembre a las 10:00 horas.

El cine escolar en la Córdoba de los años 50

2011-11-14T11:28:00.001+01:00

por Manuel Toribio

Historiador

Director del IES Sta Catalina de Siena

En la cordobesa barriada de Cañero comenzó a funcionar en Enero de 1956 el Colegio deniñas Santa Catalina de Siena por iniciativa del Obispo Fray Albino y dentro del Patronato SanAlberto Magno. El 5 de septiembre de 1956 el Obispo se dirige a los colegios que formabanel Patronato para poner en marcha esta experiencia pedagógica, que estaría abierta tambiéna las familias de las niñas. En esos cinco años de vigencia que tuvo el cine en el colegio seproyectaron fundamentalmente películas de contenido religioso, folclóricas, de historia, obien específicamente infantiles de dibujos animados. Ahora cincuenta años después hemosencontrado la documentación que generaron las proyecciones cinematográficas :contratos yfacturas de alquiler de las películas con las diferentes distribuidoras, de compra de la máquinade proyección, pagos al operador, reparaciones y correspondencia en torno al cine, con losmismos hemos tenido durante este curso una exposición en el actual instituto herederode aquel colegio al objeto de mostrar esta curiosidad pero también reflexionar sobre elvalor pedagógico de la cinematografía, mostrando la riqueza iconográfica de algunos de losdocumentos generados por las empresas del séptimo arte.Presentamos a continuación una muestra de los más significativos que se comentan por sísolos.

Una de las principales novedades del proyecto pedagógico de Fray Albino será la utilización del cine como complemento a la tarea educativa, aceptando la realidad de que la cinematografía se había convertido en esos años en un auténtico fenómeno de masas. El 5 de septiembre de 1956 se dirige la siguiente carta firmada por el Obispo a todos los centros del Patronato: ”fue siempre una de nuestras preocupaciones... la creación en las escuelas del Cine Escolar. Con este fin deseábamos ardientemente verlo implantado en nuestro Patronato y hemos luchado hasta conseguirlo. Su triunfo dependerá en gran parte de la simpatía con que los Directores de Grupo y los Maestros le acojan y del apoyo, que fiados de sus frutos, le presten. Con tal motivo, el Consejo de mi Presidencia ha dispuesto, que todos los Sres. Directores y Maestros de él dependientes den cumplimiento a los siguientes extremos:

1º-Todos los niños asistentes a nuestras Escuelas abonarán, durante el curso 1956-1957, la cantidad de UNA PESETA MENSUAL en concepto de ayuda al cine escolar (...)

4º-Los Grupos Escolares dispondrán de un Salón apto para las proyecciones, si bien puede ser utilizado con otros fines durante los días de no proyección. Así mismo deben procurar por los medios a su alcance el oscurecimiento total del citado salón durante las horas de proyección, la adquisición de una pantalla blanca de 5 por 4 metros, si el local no tuviera una pared lisa con estas condiciones, y disponer un enchufe de energía eléctrica de alumbrado en la pared opuesta a aquella en que haya de proyectarse.

5º-Los Grupos Escolares de varones escogerán tres parejas de niños mayores para que, siguiendo las instrucciones de la Sección de Cine Escolar, transporten el aparato de uno a otro Grupo en el vehículo que a tal efecto se pondrá a disposición.

6º-En cada Escuela se harán dos proyecciones mensuales, cuyos programas señalará la Sección de Cine Escolar. Estas proyecciones tendrán lugar siempre dentro del horario de clases y serán consideradas como parte integrante del programa escolar.

7º-Si algún Grupo deseara hacer proyecciones especiales, deberá dirigirse a la Sección de Cine Escolar, a quien facultamos para señalar cuantía, programas, frecuencia, etc.”

El 15 de septiembre de 1956 el Presidente de la Junta de la Asociación Católica de Padres de Familia del colegio le comunica al Secretario del Patronato San Alberto Magno, don Francisco Gracia, la intención de proyectar dos veces al mes cine para las niñas del centro, que tendrían que abonar la cuota mensual fijada. La Asociación ha contratado su propio aparato de cine, tal y como se le notificó al Ministro de Educación Nacional, don Jesús Rubio en la visita que realizó al centro acompañando al Obispo. En efecto, la Asociación había suscrito un contrato con don Esteban Suárez Pérez, de Peñarroya-Pueblonuevo, operador oficial en la provincia de Cinematografía Marín de Barcelona para adquirir una Máquina de proyección de cine por 3.700 pts. de anticipo y 24 giros aceptados por valor de 1.000 pts. cada uno a partir del 30/11/1956 y hasta el 30/10/1958. En l959, la Asociación intentaría desprenderse de dicho aparato, quizás porque remitiera la frecuencia de su uso, para lo que durante tres días en el diario local apareció el siguiente anuncio: ”SE VENDE MÁQUINA DE CINE MARÍN” y desde 1960 no hemos encontrado más noticias de proyecciones.

En cuanto a las películas proyectadas, la mayoría tendría un contenido religioso (sobre todo, films basados en la historia sagrada), documentales, dibujos animados, folclóricas y comedias junto con alguna de ciencia ficción. Las principales casas suministradoras fueron Hispano Fox Film, Brepi Films, Pax Films y la filial española de Metro Goldwyn Mayer. Entre los títulos, destacamos los siguientes:

• El Pórtico de la Gloria (prestada por el Colegio Santa Victoria), 18/11/1956

• Ultimátum a la Tierra y Hablan campanas, 30/12/1959

• Todo es posible en Granada y Sueños de Aventuras, 27/11/1959

• Las llaves del Reino, 05/12/1959

• El sueño de Andalucía,10/12/1959

• Torero y Sangre andaluza,14/11/1959

• Canela en rama y Deportes y figuras, 30/10/1959

• El milagro del Cristo de la Vera y Falsificadores de oro, 15/10/1959

• Bandido generoso, 01/10/1959

• Brindis a Manolete y Meta de Peregrinos, 17/10/1959

• Agustina de Aragón y Gran cosecha, 24/09/1959

• Ocho asuntos cortos, 18/03/1959

• La calle del delfín verde, 20/04/1959

• Cinco dibujos Tom y Jerry, 20/04/1959

• Indianápolis y Siesta gatuna, 01/03/1959

• Mujercitas y Para que otros vuelen, 21/02/1959

• La ciudad de oro y Lo que no se borra, 27/02/1959

Algunas de estas proyecciones tendrían lugar fuera del horario escolar, los sábados por la tarde, asistiendo también familiares de las alumnas. La Asociación de Padres tuvo que dirigirse por escrito al alcalde Cruz Conde para solicitar la presencia de dos guardias municipales que pusieran orden a la entrada los días de cine, pues en el barrio se concitaba revuelo y expectación así como algún que otro alboroto. Imaginamos que por este motivo e igualmente para no competir con el Cine Osio de la cercana Plaza de Cañero, las proyecciones dejaría de realizarse, aunque si tenemos noticias de que, al menos durante un verano –después pasarían a proyectarse al patio del Colegio San Vicente Ferrer-, continuaban al aire libre en los meses del estío en el patio del colegio (...)

Pipilotti Rist: visiones animadas de ayer y de hoy

2011-11-11T22:49:00.001+01:00

por A. L. Pérez Villén
fotografía de Tete Álvarez

Pipilotti Rist nace en 1962 en uno de los múltiples valles del Rhin a su paso por Suiza y debe su nombre artístico al célebre personaje literario de Astrid Lindgren, Pipi Calzaslargas, de quien se siente en alguna manera deudora por su desenfado y alegría vital. Habitual de cualesquiera de las citas internacionales del arte a partir de los años 90 que se precien de tal cosa, su obra, siempre energética y revitalizante, colorista y agradable –por más que con ello no pierda un gramo de crítica y denuncia– se mueve en el ámbito de los media tecnológicos y alterna la videoinstalación con la instalación a secas. Formada como ilustradora, fotógrafa y diseñadora, primero en Viena y más tarde volcada en el video –en Basilea– trabaja como operadora gráfica en distintos medios y estudios hasta que decide dedicarse en exclusiva a la creación artística. Una decisión que contempla no sólo el video y las instalaciones sino también el cine y la música. Hace unos años fue docente en una universidad americana pero en la actualidad vive y trabaja en distintas localidades suizas. En España han sido exhibidas obras suyas en la Fundación Tàpies de Barcelona, el MUSAC de León y el Reina Sofía de Madrid.

Pipilotti Rist en la Hayward Gallery

En la Hayward Gallery –inserta en un conjunto cultural, el Southbank Centre, que alberga teatros y salas de conciertos en uno de los meandros del Támesis, junto a la Tate Modern– presenta una veintena de piezas bajo el rótulo Eyeball Massage, título que no puede ser más explícito, pues si de algo se trata en la obra de la artista suiza es de masajear la vista. Un masaje implementado por su particular universo y que pretende activar una respuesta cuando la información sea procesada debidamente y en cada caso por el espectador. Porque una cosa sí que es que irrenunciable en este tipo de dispositivos artísticos. Lo es con otros más tradicionales como la pintura, lo sigue siendo con la escultura, que impone la masa presencial de un objeto en nuestra trayectoria, pero es sustancial en todo tipo de instalaciones, en particular en las de vídeo y especialmente en las de Pipilotti Rist. La experiencia adquirida en la visita de una de sus obras –porque algunas casi son habitables no ya por las dimensiones como por la disposición que ofrecen a penetrar en ellas– es algo irrenunciable. No se puede traducir la experiencia, dada la cantidad y complejidad de elementos que intervienen en ella. No obstante nos prestamos a relatar la nuestra, por si sirve de algo.

Administrating Eternity, inatalación de audio y video de Pipilotti Rist

Al comienzo de su carrera realizó una larga serie de vídeos monocanal que pasado el tiempo, cuando a finales de los 90 su obra era solicitada por centros de arte, museos y galerías privadas de todo el mundo, pasaron a formar parte de ese inmenso caudal de imágenes en movimiento (pinturas animadas) que constituye el banco icónico de sus instalaciones. Este es el motivo de que se hable de su obra como de un artefacto que se retroalimenta, pues es evidente que algunas de las imágenes y secuencias que vimos en sus cintas monocanal volvamos a reconocerlas en las instalaciones actuales. Otra seña de identidad es su lenguaje, muy próximo al de los medios de comunicación de masas –la televisión y la publicidad (videoclips)– de los que se sirve para evidenciar lo que ocultan: una determinada concepción de la realidad que distorsiona y pretende sustituir la experiencia directa de la vida por sucedáneos, falsas expectativas, prejuicios, promesas e ideas preconcebidas. Sin llegar a ser del todo autobiográfico, el trabajo de Pipilotti Rist debe mucho a sus propias experiencias vitales como a su memoria, pero no se trata de vertebrar un universo particular mediante una especie de cuaderno de viaje, como si de un diario se tratase.

Massachusetts Chandelier, instalación con ropa usada de Pippilotti Rist

Aun a sabiendas de que es ella misma la que aparece en sus vídeos –lo que otorga una plusvalía autobiográfica indudable– no hay intención de transmitir sentimientos ni de describir maneras de enfrentarse a situaciones, pues las obras aunque sean reflejos (background) de las vivencias e intereses de su autora no reflejan en ningún momento el perfil de una descripción determinada ni mucho menos la narración de un suceso. Y no lo es porque la obra de Rist es todo menos descriptiva y aunque se considera muy narrativa no lo es en el sentido que comúnmente tiene el término. Quien haya leído al japonés Murakami entenderá a qué me refiero. Los temas de sus obras no se viven (leen, experimentan, asimilan) como sucesos aislados y anclados en el pasado sino que –por mucho que estén trufados de elementos fantásticos e imposibles– nos remiten al presente inmediato, esos instantes que discurren entre antes y después de ahora. Y como ocurre con las novelas de Murakami (perdón por volver a utilizar el símil) la acción está muy ligada al deseo y al cuerpo, a las formas que flotan en un espacio y/o que fluyen en un ambiente.

Lobe of The Lung, instalación de audio y video

Una de las críticas habituales a la obra de Rist es su aparente sencillez, la superficialidad, belleza, simpatía y afabilidad de sus propuestas, lo cual es cierto pero también lo es que destila buenas vibraciones, que no hace leña del desaliento y la desidia y que trabaja por presentar otra realidad desde la que vislumbrar las posibilidades de rescatar la vida de la rutina. Y en dicho empeño pone grandes dosis de imaginación, en muchos casos procedente del mundo de la fantasía y de los sueños pero también de la subversión, distorsión y libre interpretación de los elementos que conforman nuestra existencia. No es de extrañar que gran parte del atrezzo que nos acompaña a diario esté presente en sus instalaciones, pero lo que es seguro es el desplazamiento que se habrá operado en su funcionalidad y comportamiento. Además de estos elementos de la cotidianidad descontextualizados –en muchos casos proyectados sobre las paredes de las salas de exposición o tapizándolas como una segunda piel– también son frecuentes los cambios de escala, la acidez saturada del cromatismo que llega a otorgar otra condición a las figuras que habitan sus narraciones –aquí tendríamos que acudir a la psicodelia y el pop– y... la música, siempre presente en sus obras, pues no podemos olvidar que la artista formó parte de una banda femenina, Les Reines Prochaines, y que aún le otorga un papel importante en su trabajo.

Your Space Capsule, maqueta con proyección de video

Como anticipio a lo que nos depara la visita, la Hayward Gallery ofrece gratis el visionado de algunas piezas monocanal y la videoinstalación Ever is over all (1997), en su Project Space. Vista en España en la exposición del Reina Sofía y adquirida por el MOMA de Nueva York, se trata de una doble proyección en paredes contiguas sobre las que se despliega el paseo de una mujer por una calle blandiendo el tallo espigado de una flor-fruto exótico, con el que arremete contra los automóviles aparcados en la calzada, como si de un acto desinhibido de expresión afectiva se tratase. Nadie objeta nada a la conducta, al contrario, los paseantes celebran la acción como algo natural y positivo. La inversión de la norma, la ruptura y la trasgresión revestidas de belleza y sensualidad nos previenen de lo que nos aguarda más abajo. Mucho nos tememos que no será sólo un masaje visual lo urdido por Pipilotti Rist sino que gracias a ello logre penetrar hasta el fondo. Lo primero que nos atrapa al entrar en las salas de la Hayward Gallery es la semipenumbra que contrasta con la luz que nos precede en el vestíbulo, después el ambiente sosegado y la música leve y las imágenes que danzan sobre las paredes y se fijan en la escalera de acceso a otro nivel.

Ocupando la sala principal de la Hayward, Suburb Brain

Es el dominio de Suburb brain (1999-2011), un conjunto de piezas que incluye la proyección solapada sobre un vasto paramento cubierto de enseres domésticos de procedencia diversa (abundan los embalajes y la ropa interior) y una maqueta de una vivienda de la periferia en un amplio espacio de parcelación y en cuyo extremo se simula un horizonte que a su vez cobija narraciones de difícil aprehensión. Es la antesala a un conjunto de una veintena de obras –desde mediados los ochenta a la actualidad– que recuperan piezas emblemáticas como Lóbulo pulmonar (2009), versión artística del filme Pepperminta y que utiliza tres gigantescas pantallas adyacentes ante las que el público puede tumbarse cómodamente y quedar atrapado entre el flujo de imágenes que le envuelve. Pero también hay otras obras más modestas en cuanto a dimensiones y no por ello menos atractivas, como The Litlle Circle (1993), con la infancia como virus necesario; o la inquietante maqueta de una habitación invadida por la luna, en Your Space-Capsule (2006); o los micro-relatos –Yoghurt on Skin-Velvet on TV (2009)- que se desarrollan en el fondo de objetos cotidianos como bolsos, accesorios de cocina, ropa interior o conchas marinas. Y todo ello enhebrado por luces transeúntes, cortinajes y la intuición de que la experiencia será inolvidable.

Pipilotti Rist. Eyeball Masage

Hayward Gallery. Southbank Centre, London

Hasta del 8 de enero de 2012

Fallece el pintor Lucas Prado

2011-11-10T11:38:00.002+01:00

Lucas Prado a plein air. Foto: Paco Molina Aranda

El artista cordobés, aunque nacido en Barcelona, Lucas Prado, falleció en el día de ayer a la edad de 60 años. Lucas Prado deja tras de sí una extensa carrera como acuarelista, técnica en la que se consagró como uno de los más importantes creadores del panorama artístico en esta disciplina, que siempre situó al mismo plano de las demás técnicas contemporáneas. Poseedor de numerosos premios y menciones, sus continuadas exposiciones alternaron siempre con la dedicación a la enseñanza de la técnica de la acuarela, por medio de cursos y talleres. Lucas Prado era miembro de la Agrupación Española de Acuarelistas, la Agrupación de Acuarelistas Vascos y la Agrupación de Acuarelistas de Aragón. S. T. T. L.

Una línea entre realismo y abstracción: Gabriele Friscia

2011-11-07T14:39:00.003+01:00

Gabriele Friscia, Universos en la tormenta

El próximo jueves, 10 de noviembre, la Galería Ignacio Barceló, inmersa en los actos del XXX Aniversario de la creación de AFOCO, presentará al público la exposición titulada Una línea entre realismo y abstracción, en la que el fotógrafo Gabriele Friscia mostrará una selección de obras realizadas de 2004 a 2011. La muestra ofrecerá por vez primera obras pertenecientes a la serie titulada Fotográfica (2011), junto con otras que forman parte de anteriores series como Universos en la tormenta (2004–2010) y Riflessi–Reflejos (2008), a modo de breve retrospectiva. Gabriele Friscia pone su atención en la fotografía que ilustra este texto, Universos en la tormenta, donde "una línea parte en dos la imagen y separa dos espacios, dos mundos, el real, representado por la tormenta, y el fantástico y efímero, las extrañas formas, dibujos y colores de los carteles", para reflejar su modo de abordar la fotografía, una búsqueda a través de objetos, luces y realidades de nuestra vida cotidiana donde encontrar los iconos que forman su obra. Entre la figuración y la abstracción, los primeros planos de Friscia, su gusto por lo peculiar y por la individualización de pequeños detalles, hacen surgir una fotografía que se mueve entre estas dos aproximaciones a la realidad. "Esta dualidad es la línea que une casi todas mis series fotográficas, que tienen como fundamento el realismo más absoluto y más materialista, como es el objeto fotografiado, y, por otro lado, el carácter abstracto de las mismas, por el deseo de huir de lo real y dar rienda suelta a la fantasía y a los sentimientos. Realismo o abstracción, negativo y positivo, verdad o mentira, blanco y negro son los ejes de ésta exposición", escribe Friscia.

Gabriele Friscia (Roma 1964), músico y fotógrafo, reside y trabaja en Córdoba. Es solista de contrabajo en la Orquesta de Córdoba y fotógrafo autodidacta. Como fotógrafo presenta al público su primera exposición titulada Visiones en la arena–Tracce en La Carbonería de Sevilla en febrero de 2004, con una larga dedicación a la fotografía hasta el momento. Seleccionado en la 6ª Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí 2006, ha participado en distintas bienales de fotografía españolas como la Bienal de Córdoba y la Bienal de Olot en los años 2008, 2006 y 2010. Su última individual en la ciudad tuvo lugar en la Sala Góngora Arte (octubre de 2010), donde presentó al público un trabajo en el que unía la obra en soporte de papel con la proyección de tres montajes fotográficos en soporte video basados en distintas series fotográficas como Riflessi u Ocho imágenes, sobre música del compositor Juan de Dios García Aguilera.

Gabriele Friscia

Una línea entre realismo y abstracción

Inauguración jueves, 9 de noviembre, 21:00 h

Galería Ignacio Barceló

C/ Antonio Maura, 49-1º izquierda

Córdoba

Conferencia del Prof. Alberto Canto sobre numismática andalusí en el Arqueológico

2011-11-07T12:56:00.000+01:00

Dirham emiral

Prosigue en el Museo Arqueológico el ciclo de conferencias que, bajo el título de 711: una nueva realidad, conmemora el 1.300 aniversario del inicio de Al-Andalus como realidad política y social en la Península Ibérica. El tema central gira en torno a una de las más importantes colecciones de este Museo, casi única en Europa: la moneda andalusí. El ciclo de conferencias programó la primera de la serie el pasado 25 de octubre, que con el título Moneda de Conquista y Emirato, estuvo a cargo de Fátima Martín Escudero, profesora de la Universidad Complutense. En la próxima entrega, que tendrá lugar el martes 8 de noviembre, el conferenciante será Alberto Canto, quien disertará sobre el tema Moneda del Califato. El ciclo se completará el día 1 de diciembre con la conferencia Almohades: el tesorillo de Priego de Córdoba, a cargo del director del Museo Histórico de Priego de Córdoba, Rafael Carmona Ávila.

El conferenciante, Alberto Canto, Profesor Titular de la Universidad Autónoma de Madrid centra sus líneas de investigación en Arqueología y Numismática medieval, sobre todo en el mundo andalusí. Dentro de la moneda andalusí el periodo más estudiado ha sido el del mundo omeya, siglos VIII-XI, con especial atención a los análisis de monedas, leyes y aleaciones, así como los problemas de fabricación en moneda medieval y al estudio de hallazgos monetarios y circulación de monedas en Al-Andalus.

Ciclo de conferencias: 711: una nueva realidad

Alberto Canto: Moneda del Califato

Martes, 8 de noviembre de 2011, 19:00 horas

Biblioteca del Museo Arqueológico de Córdoba

Plaza de Jerónimo Páez, s/n

Gerhard Richter, el mago de los estilos

2011-11-04T10:09:00.001+01:00

por A. L. Pérez Villén

Con una trayectoria tan dilatada que ocupa buena parte de la segunda mitad del siglo pasado y con una constante presencia en las mejores plataformas expositivas, la Tate Modern de Londres nos presenta una retrospectiva del octogenario artista alemán Gerhard Richter. Coproducida por la institución británica en colaboración con la Galería Nacional de Berlín y el Centro Pompidou de París, Gerhard Richter: Panorama representa la mejor baza para conocer de primera mano al mago de los estilos de la pintura de los últimos años. La exposición se postula como uno de los platos fuertes del comienzo de la temporada en Europa. El director de la Tate Modern, Nicholas Serota, en compañía de sus colegas en Berlín y París es el encargado de dar forma a la propuesta, que se articula mediante la exhibición de un numeroso conjunto de pinturas y otros artefactos –construcciones en vidrio, dibujos y fotografías– con los que el maestro alemán se interroga acerca de la viabilidad de la práctica pictórica.

Paseando por las salas de la planta cuarta de la Tate Modern podemos toparnos con algunas de las célebres pinturas por las que Richter es conocido, ya sean el Desnudo bajando una escalera de los años sesenta, en el que confluían irónicamente las secuelas del pop-art junto al fetichismo del hiperrealismo, amén de otros intereses que desvelaremos a continuación; la tan requerida Vela de comienzos de los ochenta –para exposiciones de toda índole y releída por artistas de diverso pelaje– y que tan descalabrados nos dejó a más de uno; el no retrato de su hija Betty, de finales de los ochenta (otra nueva vuelta de tuerca, otra refundación de la pintura, otro bandazo, dirán los más críticos). Y junto a este tipo de piezas tan mediáticas otras menos conocidas e incluso algunas no exhibidas fuera de Alemania, trabajos sobre vidrio y con espejos, fotografías intervenidas, bocetos y pinturas monumentales... Y por supuesto sus celebradas composiciones abstractas de los 80 y los 90, así como otras series muy recientes.

Gerhard Richter nació en Dresde en 1932, donde se formó como publicista y pintor de murales y escenarios –dos oficios que le sirvieron en su posterior conversión a la pintura pura y dura– permaneciendo en la Alemania del Este hasta unos meses antes de que levantaran el muro. En zona occidental continuó trabajando en la docencia artística, primero en Dusseldorf y más tarde en Colonia, ciudad en la que sigue residiendo en la actualidad. Richter es un artista con una carrera tan vasta que se dan muchas facetas en sus distintas etapas. Por momentos nos resulta un artista abstraído, habitando su mundo particular y sin participar en los acontecimientos que jalonan la vida de sus coetáneos. Cultivador de un territorio estético exquisito y muy sofisticado, con unas composiciones abstractas ante las que no queda otra opción que rendirse por su atractiva belleza y que a continuación nos sorprende con una toma de postura ante un hecho concreto que deja a las claras su compromiso como artista con el tiempo (y la historia) que le ha tocado vivir. En este sentido fueron célebres y sonados sus trabajos en torno al pasado nazi de algunos de sus familiares, así como las víctimas colaterales que dicha familiaridad imponía entre los suyos. O la serie sobre el grupo terrorista alemán Baader-Meinhof –Oktober 18. 1977– que empleaba la liturgia y la iconografía de los media a la hora de presentar situaciones y actitudes veladas, por incómodas. O la versión que realizó sobre el ataque al World Trade Center de hace una década.

Todo lo cual nos lleva a sospechar que el artista percibe la pintura como el pretexto para practicar un ready-made sin cortapisas, quizás se trate del espíritu convulso del primer posmodernismo, ese beneplácito por la celebración del ayuntamiento de los opuestos. Poder hacer compatible la pintura de paisajes con los cuadros de historia, los bodegones con las fotopinturas, los retratos con abstracciones gestuales de cromatismo exuberante y accidentado formalismo. Esta variedad, esta versatilidad, queda patente en la exposición. No se obvian sino que se potencian las facetas contradictorias de una trayectoria que casi al mismo tiempo está abordando composiciones realistas como obras abstractas, que cabalga entre el control casi absoluto de una escena representada en su salsa al caótico contrapunto de una sinfonía cromática y gestual, que comulga con la pintura pero que no reniega de la fotografía para nutrirla. Es evidente que a lo largo de su trayectoria Richter ha empleado la pintura acomodándola al devenir de los tiempos, que no ha dudado en camuflarla e incluso cuestionarla, con el saludable empeño de contrastar su vigencia, su continua refundación como medio de expresión. Una resurrección espuria, dirán algunos, crítica otros, necesaria los menos.
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Pues bien, este y no otro es el legado de Richter, el mago de los estilos. Y así sucede que en la exposición –que se desarrolla a lo largo de una docena larga de salas– comparten contigüidad espacial y cronológica piezas distantes en estilo y factura, concepto y materiales. La impresión es la de un viaje de ida y vuelta, avanzando y recuperando, ahondando y expandiendo intereses y temáticas. El inicio se sitúa en las fotopinturas de los años 60, en las que Richter evoca el universo deslumbrante de la Alemania Occidental para un inmigrante del Este, sus fetiches e iconografía. Aquí comienza a entender la pintura desde la superficie –a arrastrar el pigmento sobre la tela consiguiendo que el motivo resulta desvaído y falto de foco– y a ser consciente de su condición objetual además de representativa. Este tipo de figuración, en la que hace acopio de lo aprendido en el pop-art pero con la ironía del escéptico le lleva –junto a Sigmar Polke– a hablar de realismo capitalista. De esta época son también las pinturas en las que se hace referencia al pasado nacionalsocialista de Alemania. También de los años sesenta son los guiños a Marcel Duchamp, de ahí el Desnudo bajando la escalera, en clara alusión al realizado por el artista francés durante su etapa cubista. Así como las pinturas de cartas de colores, como las que suministran las casas de efectos artísticos. En ambos casos, ejercicios de estilo sobre la pintura como representación y como documento: archivo histórico-artístico del cromatismo que el arte pop, como garante testimonial de la realidad inmediata debía trabajar y custodiar.

Nos situamos a finales de los sesenta y hallamos tanto los paisajes dañados –así se les denomina en la muestra– que son vistas urbanas de ciudades bombardeadas en la Segunda Guerra Mundial (en las que el artista reniega de cualquier atisbo romántico), como las pinturas grises y de gamas cromáticas, que parten de soportes de vidrio para mediante la pintura obliterar cualquier posible representación, entendiendo aquélla como una segunda piel. A partir de los años setenta Richter combina figuración y abstracción. Pinturas de nubes –donde se mezcla fondo y forma, figura y mancha– y pinturas a partir de ampliaciones fotográficas, de manera que resulta difícil discernir los límites entre una y otra. No obstante en la década siguiente apostará de manera más contundente separando ambos universos. Son célebres sus cuadros abstractos de los 80, de un colorido exuberante y ácido, gestualidad barroca y composiciones abigarradas que denotan el generoso dominio del arsenal expresivo del artista, sin miedo alguno al riesgo. En ellos apreciamos el uso de rasquetas que peinan la pintura como sucedía con sus telas de los años sesenta. En el extremo opuesto pinturas realistas, como sus conocidas Candle, de 1982 y Skull, de 1983. O bien paisajes abstractos de una belleza soberbia y tangible –Abstract Painting, de 1990– y paisajes realistas de una realidad soñada –Chinon, de 1987– y retratos no retratos, como el de su hija Betty, de 1988 vuelta de espaldas al espectador. O las pinturas negras del grupo terrorista Baader-Meinhoff.

En los años 90 el panorama es muy similar, si bien ahora la abstracción incorpora soportes nuevos como el aluminio y técnicas como una suerte de decollage aplicada a la propia pintura. A finales de década recupera pasiones olvidadas –se exhiben en la misma sala monotipos de tres décadas atrás con una sintaxis muy similar– como por ejemplo deconstruir la pintura, fotografiándola y descomponiéndola en numerosos fragmentos en una misma obra. Al final, ya en el nuevo milenio, vuelve a los trabajos con vidrios, sigue con los retratos difuminados y con motivos –casi al límite de la visión– que reproduce hasta el infinito haciéndonos cuestionar nuestra percepción formal y espacial. Como colofón de este viaje alucinante nos topamos con la serie dedicada al músico John Cage, una serie de pinturas monumentales de 2006, en la que se resume lo mejor de su talento. La capacidad de la pintura para dejarse seducir por otras disciplinas, incluso abundar en su propio cuestionamiento para volver al estanque primigenio –la referencia monetiana no es en absoluto gratuita– y emerger con la piel mudada.

Gerhard Richter:Panorama

Tate Modern

Bankside. Londres

Hasta el 8 de enero de 2012

Fernando Aguayo en Studio 52

2011-11-04T09:16:00.002+01:00

Fernando Aguayo, Verano en la Sierra de Gredos, acuarela, 60 x 81 cm.

Hoy viernes, 4 de noviembre, a las 20:30 horas, la veterana galería Studio 52 presenta la exposición titulada Retratos y otras pinturas, original del pintor cordobés Fernando Aguayo, quien realiza con esta muestra su primera individual. La exposición consta de una selección de acuarelas de diversos géneros, como paisajes, bodegones y retratos, elaborados con una técnica suelta y luminista. Retratos y otras pinturas podrá verse hasta el día 22 de noviembre. Fernando Aguayo es el autor de la presente cabecera de Ars Operandi.

Fernando Aguayo

Retratos y otras pinturas

Inauguración 4 de noviembre,20:30 horas

Galería Studio 52

Ronda de los Tejares 15, Córdoba

Hasta el día 22 de noviembre

Atlas Nocturna de Miguel Gómez Losada inaugura la nueva biblioteca en la Facultad de Filosofía y Letras

2011-11-03T10:18:00.001+01:00

por Noelia Centeno

Una vista desde la escalera interior. Foto: MGL

Con motivo de la inauguración de la nueva biblioteca de la Facultad de Filosofía y Letras, el artista cordobés Miguel Gómez Losada ha presentado su mural Atlas Nocturna, una impresionante pintura al óleo sobre vidrio de más de 20 metros de largo por encargo del arquitecto Arturo Ramírez, responsable de la nueva intervención sobre el antiguo hospital diseñado por Hurtado Izquierdo en el siglo XVIII.

El acto de presentación ha tenido lugar el pasado miércoles 2 de noviembre a las 20:00h en el Salón de Actos, presidido por José Manuel Roldán Nogueras, actual Rector de la Universidad de Córdoba. Tras una breve intervención, han participado Eulalio Fernández, actual Decano de la Facultad de Filosofía y Letras, Joaquín Mellado, anterior decano, y Arturo Ramírez, arquitecto responsable de esta nueva etapa de intervenciones arquitectónicas en eledificio. Ambos destacaron la necesidad de unir tradición y modernidad a través de las diversas actuaciones, ya que el conjunto de tales intervenciones artísticas resultan una perfectasimbiosis humanista que da libre acceso al conocimiento como centro de irradiación cultural. En el caso de la Biblioteca, la intervención ha sido resuelta mediante un pasillo de conexión que ha otorgado luminosidad al conjunto. Gómez Losada, que intervino en último lugar, calificó a ambos como “la imagen actual de la figura del mecenas”.

No en vano, el lenguaje pictórico monocromo realizado a mano se extiende como un programa mural monumental de 20 metros de largo x 2,60 m de alto y un cuerpo central de 6 m de altura, y nos presenta una personal interpretacióndel mundo vegetal y fantástico: la intención de pintar una noche que rodea losárboles para iluminar la biblioteca con luz que entra a través de las ramas. Lanaturaleza del soporte y la luz natural así como la superposición de una dobleestructura de vidrio, producen unos juegos de transparencia que provocan un efectotridimensional de duplicación de las formas. El título Atlas Nocturna retomala poética del descubrimiento, la esperanza y la emoción de la naturalezasalvaje como metáfora de las posibilidades del entorno, siendo estímulos parala transferencia del conocimiento y el nacimiento de la cultura.Durante la inauguración se ha proyectado un video documental quenos muestra el laborioso proceso de trabajo de Miguel Gómez Losada,acompañado por la interpretación de Capriccio desesperado, una pieza musicalcompuesta por Lämpara, inspirada enAtlas Nocturna.

Lara's Vs. Lara's en 16 Asas

2011-11-02T12:06:00.001+01:00

Javier Lara y Jacinto Lara en el Taller La Granja, fotografiados por María Moya

16 Asas renueva su cita mensual con la exposición titulada Lara's Vs. Lara's, en la que compartirán espacio los artistas Jacinto Lara y Javier Lara. En esta ocasión, el acto estará completado con la actuación del guitarrista y autor Chico Herrera. La fotografía de los artistas ha sido realizada por María Moya.

En Lara's Vs. Lara's, la elección del término versus tiene un significado preciso: "versus es el participio del verbo vertere (girar, dar vueltas, volver). El significado real de su origen latino es “hacia a”, “ir hacia”. Así, entendido en su sentido primigenio, indica hacia dónde nos dirigimos, hacia dónde nos desplazamos", según anotan en su comunicado los artistas. La muestra estará compuesta por dos grupos de obras -ocho por autor-, en formato sobre papel, fotografía en el caso de Javier Lara y obra gráfica en el de Jacinto Lara. Para Javier Lara son fotografías entendidas "como crisol o espacio de interacciones reflexivas entre diferentes tipos de imagen y concepciones de estilo". Por su parte, para Jacinto Lara sus 8 Asas "son el resultado de una reducción todavía mayor de lo que podría considerarse como superfluo o añadido, de lo que a menudo nos distrae la atención del objeto más crudo, constituyéndose entonces a la manera de una destilación expresiva, de simplificación desnuda en extremo. Y en efecto, de revelar o hacer surgir lo contenido u oculto se trata".

El proyecto 16 Asas, puesto en marcha por el fotógrafo José Carlos Nievas y el artista y activista cultural Miguel Moreno Carretero, se encuentra ya en su segunda temporada, de la que la presente exposición es la segunda muestra, tras la presentada por Marta F. Jódar. 16 Asas pretende, según sus promotores "una nueva forma de exponer, de comprar, de coleccionar, de disfrutar del arte". La cita es un domingo de cada mes, cuando las puertas del estudio de la Ribera se abren al público para exponer dieciseis obras originales o seriadas que, introducidas en bolsas de papel, desvelan a través de una ventana circular parte de su contenido. Las dieciseis obras son puestas a la venta a un precio muy competitivo, exposiciones que han contado en todos los casos con un respaldo masivo del público, llegándose en ocasiones a agotar en el mismo acto las ediciones puestas a la venta. La iniciativa 16 Asas ha sido reconocida, además de por el público, desde instituciones como FACBA´11, la tercera Feria de Arte Contemporáneo de la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de Granada, en la que el proyecto fue presentado el pasado mes de marzo.

La Chiquita Piconera como mito, conferencia de José Mª Palencia

2011-11-01T13:39:00.002+01:00

Julio Romero de Torres, La Chiquita Piconera (1930), Museo Julio Romero de Torres, Córdoba

La Chiquita Piconera como mito de la identidad femenina contemporánea es el título de la conferencia que el historiador del arte José Mª Palencia dictará el próximo día 7 de noviembre en La Tercia de Morente (Córdoba), un acto organizado por la asociación de mujeres Grailla. La Chiquita Piconera es la obra más famosa de Julio Romero de Torres, pintada en 1930 al óleo y temple sobre un lienzo de 100 x 80 centímetros, conservado en la actualidad en el Museo de Julio Romero de Torres. La modelo, María Teresa López, argentina de nacimiento, tenía 16 años cuando posó para este cuadro. La obra a pasado a ser parte del imaginario colectivo como arquetipo de la mujer andaluza, plena de belleza y sensualidad.

José María Palencia Cerezo (Córdoba, 1958) es Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Granada y Conservador del Museo de Bellas Artes de Córdoba. Por otra parte, es Vocal de la Comisión Provincial del Patrimonio Histórico-Artístico de Córdoba, Miembro Correspondiente de la Real Academia de Córdoba en su sección de Nobles Artes; Cronista Oficial de Hornachuelos (Córdoba) y Vicepresidente de la Asociación Andaluza de Críticos de Arte. En lo que respecta a sus publicaciones, son numerosas y en especial destacan las dedicadas al arte cordobés, de entre las que señalamos Setenta años de intervención en el Patrimonio Histórico-Artístico cordobés (1835-1905) (Córdoba, 1995), Museo de Bellas Artes de Córdoba: colecciones fundacionales (1835-1868) (Córdoba, 1997) o Enrique Romero de Torres (Córdoba, 2006). De su labor como comisario además del Museo de Bellas Artes, destacar San Juan de la Cruz y Córdoba, el Convento de Santa Ana (Cajasur, 1989), El esplendor del barroco andaluz. Colección Granados (Córdoba y Sevilla, 2007-2008) y Espíritu barroco. Colección Granados (Burgos, 2008).

Conferencia

José Mª Palencia

La Chiquita Piconera como mito de la identidad femenina contemporánea

7 de noviembre, 18:00 horas

La Tercia

C/ Laín, 1Morente, Córdoba

Nueva cabecera: Fernando Aguayo

2011-11-01T11:15:00.002+01:00

Iniciamos el mes de noviembre con nuestra habitual novedad en la cabecera de Ars Operandi, en esta ocasión obra del pintor cordobés Fernando Aguayo, a quien agradecemos cordialmente su colaboración, que hace la quincuagésimo quinta de esta iniciativa.

Fernado Aguayo, acuarelista, inaugurará exposición en la galería Studio 52 el próximo día 4 de noviembre, bajo el título Retratos y otras pinturas, en la que mostrará al público una selección de sus últimos trabajos realizados en la técnica de la acuarela.

El Nacional de Fotografía para Sanz Lobato

2011-10-26T21:40:00.002+02:00

En la tarde de hoy Rafael Sanz Lobato ha obtenido el Premio Nacional de Fotografía 2011. Para el jurado, que le ha concedido el premio por unanimidad, "su obra constituye un puente entre la nueva vanguardia neorrealista de la posguerra y los métodos de observación fotográfica posteriores al 68". En el acta se hace asimismo mención a la importancia con que el fotógrafo ha situado el tema de la "transformación del mundo rural tradicional y las culturas populares" como eje de su obra, entrndiéndose como como "la memoria de un mundo que desaparece". El jurado, en su comunicado, hace hincapié en el "método de observación antropológica que tendrá múltiples consecuencias" utilizado por Sanz Lobato, señalando que su enfoque documental "actualiza el lenguaje fotográfico e influye en el fotoperiodismo contemporáneo". Este galardón, otorgado por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

Rafael Sanz Lobato, nació en Sevilla en 1932, y en 1941 se trasladó a Madrid con sus padres. En 1956 compra su primera cámara fotográfica. En 1961 ingresa en la Real Sociedad Fotográfica. Allí crea junto con Carlos Miguel Martínez, Donato de Blas, Nieto Canedo, Serapio Carreño, Mordí Landa, Carlos H. Corcho Botella y José Blanco Pernía, el grupo “La Colmena” en un intento de equilibrar posiciones en la R.S.F en ese momento dominada por el grupo “La Palangana”. Tras la desaparición de "La Colmena", forma junto con Vila Massip, Sanchís Soler, Sáez López y Carlos H. Corcho, "El Grupo 5". Desde sus inicios, Sanz Lobato ha desarrollado una fotografía centrada en escenas costumbristas, tanto del campo como de las pequeñas ciudades de provincias, las fiestas y tradiciones así como el retrato. En 2003 recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes por el conjunto de su obra documental antropológica.

El jurado, presidido por Ángeles Albert, directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, ha estado formado por José Manuel Ballester, Premio Nacional de Fotografía de 2010; Nimfa Bisbe Molin, directora de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación 'La Caixa'; Concepción Lomba Serrano, Catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza; Jorge Ribalta Delgado, fotógrafo y comisario de exposiciones; Martí Perán Rasart, crítico de arte y Víctor del Río García, crítico de arte. Como secretaria, con voz pero sin voto ha actuado Begoña Torres González, subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes.

Conferencia sobre rehabilitación y cooperativismo

2011-10-25T11:57:00.000+02:00

Organizada por la Gerencia de Urbanismo del Ayuntamiento de Córdoba y por el Grupo de Investigación I+D (HAR 20715-Ministerio de Ciencia e Innovación-Universidad de Córdoba), el miércoles 26 de octubre en la Sala de Conferencias VIMCORSA a las 20 horas tendrá lugar la conferencia titulada El cooperativismo de vivienda como herramienta para la rehabilitación urbana. Instrumentos y experiencias en Uruguay. Los participantes en la conferencia serán Raúl Vallés, profesor de la Facultad de Arquitectura de Montevideo y director de la Unidad Permanente de la Vivienda y Benjamín Nahoum, Ingeniero del Centro Cooperativista Uruguayo.

El ejemplo uruguayo es paradigmático en el desarrollo de una participación institucionalizada de la población en en el acceso a la vivienda, basado fundamentalmente en el cooperativismo. En esta coyuntura, las políticas de vivienda y de desarrollo urbano trabajan en acuerdos marco llamados Planes de Revitalización Urbana en zonas consolidadas de las ciudades. Ejemplos de estos trabajos son los proyectos COVICIVI o COVIGOES. El primero de ellos es la actuación sobre un conjunto de edificios antiguos en la Ciudad Vieja de Montevideo, frente al puerto, algunos ruinosos, otros ocupados irregularmente y otros bienes patrimoniales que han sido elegidos para desarrollar un programa de rehabilitación y reciclaje basado en las cooperativas de ayuda mutua. COVIGOES, por su parte es un programa de rehabilitación urbana de un antiguo mercado hortofrutícula y otros edificios industriales anejos, deteriorados y ocupados irregularmente, en el que toman parte el Municipio y el Banco Hipotecario junto a los cooperativistas. En los proyectos colaboran de forma regular la Facultad de Arquitectura junto a la gubernamental Unidad de Vivienda y diversas organizaciones sociales, empresariales y académicas, por medios de Planes de Vivienda que sitúan en un mismo plano las reivindicaciones sociales de salud, educación, empleo y vivienda.

Conferencia

El cooperativismo de vivienda como herramienta para la rehabilitación urbana. Instrumentos y experiencias en Uruguay

Participan Raúl Vallés y Benjamín Nahoum

Miércoles 26 de octubre, 20 h

Sala de Conferencias VIMCORSA

Ángel de Saavedra, 9, Córdoba

El paisaje, protagonista de la IX Muestra de Cine Rural

2011-10-24T14:45:00.000+02:00

A partir del 26 de octubre, la localidad cordobesa de Dos Torres acogerá la IX Muestra de Cine Rural, titulada en esta edición Paisajes del cine rural español. Numerosos especialistas de reconocido prestigio procedentes de campos como profesorado universitario, periodistas, analistas cinematográficos, cineastas, productores, actores y actrices, han participado en las ediciones anteriores de la Muestra, que se ha situado como un importante referente en el estudio de la cinematografía. Los participantes en la IX edición desarrollarán hasta el día 29 un amplio programa que girará en torno a la percepción del paisaje en el cine rural como seña de identidad y la forma en cómo se interacciona con este elemento patrimonial.

Para ello se tratarán películas representativas del cine rural español, como El espíritu de la colmena (Erice, 1973), El corazón del bosque (Gutiérrez Aragón, 1978), La caza (Saura, 1966) o la reciente Entre lobos (Olivares, 2010), a cargo de un amplio grupo de profesores e historiadores del cine español, además de con el cineasta Gerardo Olivares, director de la película Entre lobos, quien, junto a Ión Arretxe, director de arte del filme, mantendrá un encuentro con el periodista Manuel Bellido, de Canal Sur TV. Junto a las conferencias, la Muestra programa diversas proyecciones complementarias, entre las que se encuentran el corto Espectros de Juan López López, tras de lo que se procederá a la proyección y fallo del jurado de los cortometrajes presentados al I Concurso de Cortos “Muestra de Cine Rural”.

DESCARGAR EL PROGRAMA COMPLETO AQUÍ

IX Muestra de Cine Rural

Paisajes del cine rural español

Del 26 al 29 de octubre

Dos Torres, Córdoba

Tula Prints vuelve a Estampa

2011-10-21T01:33:00.001+02:00

Libro de artista de Nieves Galiot presente en el stand de Tula Prints en Estampa 2011

La galería cordobesa Tula Prints vuelve a participar, tras dos años de ausencia, en la 19ª edición de Estampa, la feria internacional de arte múltiple contemporáneo que se celebra en el recinto ferial Juan Carlos I de Madrid del 20 al 23 de octubre. Tula Prints se presenta en la feria madrileña con una selección de trabajos de artistas habituales de la galería como David Smith-Harrison, Betty Friedman, Cristina Moroño, Marta González, Pepa Castillo y Ramiro Undabeyta. Destaca la presencia de tres artistas cordobeses Pablos, Antonio Blázquez y Nieves Galliot quienes habitualmente utilizan la obra seriada como parte de sus trabajos artísticos. Para su director, Antonio Godoy, Estampa es una "magnífica oportunidad de mostrar la galería ante un público especializado". Para las galerías perífericas, afirma el galerista "resulta un esfuerzo importante acudir con stand a la feria" y espera que este esfuerzo se vea recompensado por el interés del público hacia la muestra.

Cortina de humo, obra de Antonio Blázquez en el stand de Tula Prints en Estampa 2011

Estampa, Arte Múltiple es una feria de arte contemporáneo que centra su atención en el arte múltiple internacional a través de ediciones de fotografía, grabado, escultura, vídeo, arte digital, libros de artista y de fotografía, arte sonoro –discos– y otras manifestaciones de arte seriado.Se celebra en Madrid desde 1993 y es una referencia anual para galerías, editores e instituciones dedicadas a la colección, difusión y promoción de ediciones de arte contemporáneo. La Feria supone un escaparate de calidad donde los artistas consagrados han dado a conocer su trabajo y al mismo tiempo, una plataforma para el lanzamiento y la consolidación de nuevos valores.La edición de 2011 se presenta con novedades sustanciales. El cambio en la dirección de la feria plantea atender con más interés que nunca a la figura del coleccionista como agente decisivo en la cimentación y evolución del mercado del arte. Se apuesta por la renovación de la imagen y comunicación de la feria con la creación de un sistema de redes sociales, nueva web e imagen corporativa. Se desarrolla la creación de una sección de gestión de actividades culturales a lo largo de todo el año, relacionadas con la edición del arte múltiple en España y que fomenten su difusión, creación y colección, así como la decidida colaboración con Universidades, Centros y Museos de Arte en España para dar apoyo al arte más actual y editado de nuestro país.El objetivo de éstas y otras iniciativas puestas ya en marcha, tiene como fin la creación de nuevos ámbitos de mercado, ampliación y consolidación de públicos entorno al arte múltiple, y la implicación de las galerías, editoras y proyectos de arte, de un sector en continua transformación y adecuación con unas expectativas de crecimiento muy altas para los próximos años en nuestro país.

Javier Latorre consigue el Nacional de Danza

2011-10-20T20:01:00.001+02:00

Javier Latorre en un retrato de José Carlos Nievas

El bailaor, bailarín y coreógrafo Javier Latorre ha obtenido este mediodía el Premio Nacional de Danza en su modalidad de creación que concede anualmente el Ministerio de Cultura. El jurado, presidido por el director general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Félix Palomero, ha estado compuesto por Ana Victoria Cabo González, Marta Carrasco Benítez, José Manuel Garrido Guzmán, Cristina Marinero Labrador, Rocío Molina Cruz y Víctor Ullate Andrés. En el fallo, el jurado ha valorado su "constante preocupación por el desarrollo de la danza en España, en especial por su contribución a la evolución de la concepción coreográfica del flamenco, que incorpora elementos de la danza española y de la danza contemporánea en una exposición creativa reconocible tanto en sus creaciones para su propia compañía, como para otros artistas". Junto a Latorre ha sido premiado en la modalidad de interpretación el bailarín y coreógrafo Goyo Montero Morell. Los Premios Nacionales de Danza están dotados con 30.000 euros cada uno.

Valenciano de nacimiento y afincado en nuestra ciudad desde 1986, Javier Latorre debutó con sólo dieciséis años como bailarín en la Compañía Lírica Nacional. Aurora Pons, Ciro, Pilar López y Ángel Pericet son, entre otros, algunos de sus maestros en el aprendizaje de la danza española. Solista del Ballet Nacional de España en la época de Antonio Gades (1979) y primer bailarín poco después, bajo la dirección de María de Ávila, en 1988 recibe el Premio al Mejor Bailarín del Festival de Avignon y funda, junto a Nuria Leiva, Eva Leiva, Asunción Rodríguez y María Fernanda Álvarez , la compañía Ziryab Danza, de la que se convierte en coreógrafo y primer bailarín y con la que estrena Hijas del alba y, más tarde, La fuerza del destino, coreografía flamenca basada en la ópera de Verdi. Sin embargo, sus principales montajes se encuentran en otras compañías, fruto de encargos y colaboraciones con coreógrafos y directores. En este sentido, destaca su participación en Dadle Café de la Fura dels Baus, varios trabajos para la Compañía de Aída Gómez, un fragmento del montaje de Antonio Canales, Gitano y su colaboración con Eva Yerbabuena en el espectáculo 5 Mujeres 5. En 2004 funda su propia compañía, Javier Latorre Cía, que arrancó con el estreno de Triana. En el nombre de la rosa, estrenada en el Gran Teatro de Córdoba. El Loco, creado para el Ballet Nacional de España que lo estrenó en 2004 en el Teatro Real de Madrid, la coreografía del musical Los Tarantos de Emilio Hernández, estrenado en 2005, El celoso y Penélope, creados para el Ballet Español de Murcia, y Fedra, montaje dirigido por Miguel Narros, son algunos de sus últimos trabajos como responsable de la coreografía.

Dedicado desde 2003 en exclusiva a la docencia y la coreografía, actualmente desarrolla su trabajo en el Teatro de la Axerquía como compañía residente del Gran Teatro de Córdoba. De sus tablas han salido producciones recientes como El Duende y el Reloj, estrenada en 2010 con motivo del XXX Festival de la Guitarra de Córdoba.

Clave entre amigos: 4-Friends abre la temporada

2011-10-20T17:47:00.001+02:00

4-Friends son Juan Cañero, Federico Huertas, Juan R. Coleto y Jesús Velayos, los artistas elegidos por la Galería Clave para el inicio de la temporada 2011-2012, que tendrá lugar el próximo sábado 22 de octubre. La muestra 4-Friends une a cuatro artistas compañeros en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, en cuyas aulas se formaron en los años 70, procedentes de Córdoba, Ciudad Real, Melilla y Ávila respectivamente. Situados en sus inicios en la figuración, mostraron comúnmente interés por la naturaleza, "ante la que iniciaron una andadura artística buscando una representación de la realidad concreta y a partir de ella, ir creando un halo poético con el que trascender a su rudeza sin restarle grandiosidad ni fuerza", según referencias de los galeristas.

Ya en la década de los 80, "comenzaron a desvinculase de esa realidad concreta y empezaron a trabajar con sus elementos, con su memoria particular, con los elementos de la naturaleza que nos rodea, con su memoria emocional, con la memoria de la propia pintura, con el cajón de sastre de sus recuerdos. Crearon modelos, que con la imaginación se transforman en instrumentos, en visión interiorizada de la realidad. Son cuatro pintores unidos por la mistad pero también por la pasión de la naturaleza y el arte".

Galería Clave, con sede asimismo en Murcia, ciudad en la que llevan realizada una extensa carrera como galeristas, comenzó su andadura en Córdoba en 2008, donde prosiguen su línea con predominio de la figuración y con especialización en los principales nombres de la escultura hiperrealista contemporánea. Tras dos años en una primera sede en la calle Dr. Fleming, en la que se expusieron obras de artistas como Jackie K. Seo, Steve Gibson, John de Andrea, Paolo Schmidlin, Chapman Bros. o Tom Chambers, entre otros, la galería cambió su sede a la Plaza de Chirinos, donde se han podido ver muestras como Seres angelicales, de Óscar Salmerón o la exitosa America Today, de Marc Sijan.

4-Friends

Juan Cañero, Federico Huertas, Juan R. Coleto y Jesús Velayos

Inauguración 22 de octubre, 20:00 h

Galería ClavePlaza de Chirinos 5, 14001, Córdoba

Hasta el 22 de diciembre

Señuelos en el Jueves

2011-10-20T00:54:00.000+02:00

Miguel Ángel Moreno Carretero ha preparado un borlón gigante para su intervención en El Jueves

El artista carpeño Miguel Ángel Moreno Carretero participa hoy en el ciclo Intervenciones en Jueves que se celebra en el mercadillo de la calle Feria de Sevilla con una instalación titulada ¿Sabes qué es un señuelo?. Moreno ha preparado para su intervención una "escultura/señuelo" en base a un elemento muy apegado a la iconografía sevillana: el borlón. El autor explica que el famoso mercadillo de El Jueves "forma parte de la historia de Sevilla y he querido homenajear a uno de los elementos mas característicos del sevillanismo y del barroco andaluz, el borlón, elemento identificativo de lujo y poder. He realizado este elemento para significar entre los comerciantes que se aglutinan en la calle Feria a uno de los comerciantes que mas me llamó la atención en mi visita reciente al Jueves, era un hombre que sólo vendía borlones para las cortinas; mañana aparecerá durante toda la mañana esta escultura/señuelo por encima de las cabezas de los visitantes. Esta creación específica que alude a los discursos que plantean el uso del arte como publicidad o mecanismos para el consumo".

Intervenciones en Jueves es una propuesta artística multidisciplinar, cultural y social que desarrolla el colectivo homónimo desde el 2005 en el entorno del Mercado del Jueves de la calle Feria de Sevilla. Para esta 5ª edición el colectivo ha tomado el título de la película de Berlanga Los jueves, milagro para plantear una reflexión "en torno al concepto de expansión comercial, y haremos hincapié en considerar un milagro el hecho de que todas las semanas vuelva a surgir este singular mercaíllo". Para el colectivo "el milagro es que un rastro del que ya hablaba Cervantes en Rinconete y Cortadillo, siga existiendo a pesar de los embates y ofensivas que ha recibido por parte de algunos gobiernos municipales. Y es que el mercaíllo de El Jueves que se celebra ese mismo día en la calle Feria desde que Fernando III conquistara la ciudad en el siglo XIII, sigue existiendo a pesar de las voces que, tachándolo de marginal, ignoran formas y fondos y obvian su particular esencia: que un lugar, un tiempo y sus gentes se reúnan para desaparecer en la misma jornada. No sin antes, claro está, haber obrado milagrosamente".

El programa de intervenciones en la mañana de hoy se completa con piezas de Isaías Griñolo y Malab. Griñolo presenta en bares de la zona un video titulado 14 momentos de la ciudad de la Gracia, "un trabajo sobre Sevilla que, a la manera de reflexiones heterodoxas (algunas ciertamente desenfocadas), tiene como objetivo la inmersión para entender hoy la Gracia". La obra se basa en la publicada en 1914 por José M. Izquierdo, Divagando por la ciudad de la Gracia, un conjunto de textos que, partiendo de sus artículos, son reflexiones sobre la pasión que siente por su ciudad. El colectivo Malab por su parte "invita a los visitantes del Jueves a ponerse en la piel de los habitantes de nuestro barrio". Para ello han creado una suerte de marionetas virtuales a partir de fotos de los vecinos. Las marionetas serán proyectadas y los participantes podrán bailar con ellas, moverlas, gracias a la detección en tiempo real que produce la kinect y el programa animata. Para sus autores "esta es una instalación interactiva generadora de un milagro virtual, por eso a lo largo de la intervención se iran creando in situ nuevas marionetas, pidiendo a los visitantes que donen su imagen para como fin de fiesta editar un videoclip del barrio virtual".

Intervenciones en Jueves se enmarca dentro de las actividades del fEst y el programa RED11 de UNIA arteypensamiento. RED11 continúa la iniciativa del programa UNIA arteypensamiento, iniciada con REU08, de convocar a una serie de agentes heterogéneos provenientes de distintas prácticas artísticas, políticas y de producción cultural que operan principalmente en el territorio sur del Estado español y que tienen como común denominador una preocupación por la experimentación con nuevos modelos culturales

Elena Asins gana el Premio Nacional de Artes Plásticas 2011

2011-10-19T17:54:00.003+02:00

Una vista de la muestra de Elena Asins Fragmentos de la Memoria en el Museo Reina Sofía de Madrid. Foto: MNCARS

El Premio Nacional de Artes Plásticas ha sido concedido en la edición de 2011 a la artista madrileña Elena Asins (1940), un premio concedido, según la resolución del jurado, "por la coherencia de su trayectoria y la vitalidad, complejidad y variedad de un trabajo vinculado con la tradición constructiva de la vanguardia. Una labor caracterizada por una resolución formal, depurada y abierta a un amplio abanico de lenguajes y formatos –poesía concreta, dibujo, libro, escultura o vídeo–, así como a ámbitos próximos a la música o la arquitectura". El jurado ha estado presidido por la directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Ángeles Albert, e integrado por Juan Antonio Álvarez, designado por el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC); María Luisa Cancela, por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (RABASF); Mar Garrido, por la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE); Frederic Montornés, por la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV), y Teresa Velázquez por la revista de arte El estado mental.

Elena Asins, es artista, escritora, conferenciante y crítica de arte. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de París, en la Universidad de Stuttgart (Semiótica con el profesor Max Bense), en la Universidad Complutense de Madrid (Centro de Cálculo), en The New School for Social Research (Nueva York) y en la Columbia University (Departament of Computer Science: Computer Art), donde fue invitada como Visiting Scholar para la investigación de la aplicación digital en las artes plásticas (computer art). Es autora de más de 40 exposiciones individuales internacionales y ha escrito y publicado ensayos sobre estética y poesía experimental en publicaciones especializadas en arte y estética, en España, Francia, Alemania y Estados Unidos. En la actualidad expone la muestra Fragmentos de la Memoria en el Museo Reina Sofía de Madrid, hasta el 31 de octubre. Su obra está presente en colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) o el Spanish Institute de Nueva York, entre otros.